La llegada masiva de personas migrantes desde Marruecos hacia el enclave español de Ceuta, entre el 30 y el 31 de julio, desencadenó una difícil situación humanitaria y política que rápidamente trascendió las fronteras españolas. Lo ocurrido no solo puso a prueba la capacidad de respuesta de las autoridades y afectó tanto a quienes intentaban cruzar la frontera como a la población local, sino que reabrió el debate europeo sobre las políticas migratorias y el creciente endurecimiento de las fronteras. En esta ocasión, el foco se ha centrado en el Gobierno de Pedro Sánchez y en sus políticas de regularización migratoria, en contraste con modelos de mayor control y exclusión adoptados por buena parte de la Unión Europea.
El episodio fue aprovechado por varios gobiernos europeos críticos de las políticas de regularización impulsadas por Sánchez. Entre ellos, dirigentes de gobiernos como los de Italia y Dinamarca, llegaron a reclamar la suspensión de España del espacio Schengen, una propuesta sin viabilidad política, pero que evidenció las crecientes tensiones entre los Estados miembros sobre la gestión de la migración. También volvió a poner de relieve una estrategia recurrente de numerosos partidos, especialmente de extrema derecha, que han convertido la migración en uno de sus principales ejes para conseguir votantes.
Mientras tanto, la dimensión humanitaria de la crisis quedó relegada por el debate político. Aunque aún no existen cifras definitivas, se conoce que más de 70 personas migrantes murieron durante la caótica travesía en su intento por llegar a la península española. Incluso organizaciones defensoras de los derechos de los migrantes hablan de 140 y tanta otras desaparecidas.
Una crisis con múltiples causas e intereses políticos
Las causas de la llegada masiva continúan bajo discusión. Las hipótesis apuntan a una combinación de factores que incluyen campañas de desinformación en redes sociales, la actuación de redes de trata de personas e incluso las tensiones diplomáticas entre Marruecos y España.
El Gobierno marroquí ha sostenido que lo ocurrido no fue un fenómeno espontáneo. Según el Ministerio del Interior de ese país, el episodio respondió al uso del espacio digital por parte de organizaciones dedicadas al tráfico de personas y a la difusión de información engañosa relacionada con una reciente sentencia del Tribunal Supremo de España sobre las denominadas “devoluciones en caliente”. En ese punto coincidió también el presidente Pedro Sánchez durante su visita a Ceuta, al señalar que la interpretación del Tribunal Supremo sobre el rechazo en frontera, conocido como devolución en caliente, no resulta aplicable a las personas que acceden a Ceuta o Melilla por el mar. De acuerdo con esta interpretación, la circulación de mensajes erróneos llevó a muchas personas a creer que podrían ingresar a España sin ser retornadas de manera inmediata, incentivando el intento masivo de cruce.
La cobertura deshumanizante
Aunque las cerca de 60.000 personas que cruzaron la frontera de manera irregular, en su mayoría jóvenes marroquíes que ingresaron nadando o caminando, ya fueron devueltas a Marruecos, el episodio todavía deja varios interrogantes. Se trata de la primera vez que un volumen tan elevado de personas intenta cruzar la frontera en un periodo tan corto, una circunstancia que mantiene abiertas preguntas sobre el origen del episodio y la respuesta de las autoridades.
Al mismo tiempo, el tratamiento mediático y el discurso político sobre la situación han mostrado el carácter deshumanizante ampliamente difundido. La situación dio origen también a los pronunciamientos de líderes, especialmente de extrema derecha, para reforzar posiciones aún más restrictivas frente a la migración. La reacción de al menos 22 Estados europeos, que responsabilizaron a España por sus políticas de regularización, reflejó además la creciente presión para endurecer aún más las medidas migratorias dentro de la Unión Europea.
Sin mayor reparo, además, numerosos medios de comunicación y dirigentes políticos han descrito esta situación con un lenguaje que los estudios migratorios llevan décadas señalando por su capacidad para deshumanizar la experiencia de quienes migran. Expresiones como “ola”, “invasión”, “avalancha”, o “amenaza para la seguridad” no son neutrales, pues construyen un marco de ideas que condiciona la percepción pública sobre la migración. Bajo este relato, quienes migran dejan de ser sujetos de derechos para convertirse en una amenaza o en un problema que debe ser contenido. Este tipo de narrativas no solo distorsiona la complejidad de los procesos de movilidad humana, sino que también contribuye a normalizar políticas cada vez más restrictivas y prácticas que pueden derivar en la vulneración de los derechos humanos.
La investigación en lingüística y estudios migratorios ha mostrado que estas metáforas, muchas veces utilizadas de manera automática e incluso inconsciente, moldean la percepción pública del fenómeno migratorio. En este tipo de narrativas, las personas migrantes aparecen como una masa homogénea, peligrosa e incontrolable, mientras los gobiernos son retratados como actores que libran una batalla para defender sus fronteras. Este tipo de discursos no solo simplifican una realidad compleja, sino que reproducen imaginarios jerárquicos y, en muchos casos, visiones racistas sobre quién merece protección y quién representa una amenaza, lo que contribuye a legitimar políticas de control y exclusión.
El uso de este tipo de narrativas no ocurre en el vacío. Acompaña y legitima un proceso más amplio de endurecimiento de las políticas migratorias europeas que se ha consolidado durante las últimas dos décadas. El episodio de Ceuta ocurre en ese contexto. Europa ha endurecido progresivamente su política migratoria y esa tendencia se profundizó con la entrada en vigor, en 2026, del Nuevo Pacto sobre Migración y Asilo. Entre las medidas contempladas por este marco normativo se encuentra la posibilidad de trasladar a solicitantes de asilo rechazados a centros ubicados fuera del territorio europeo, una estrategia de trasladar o externalizar las fronteras.
Sin embargo, el endurecimiento del control migratorio no se limita a las fronteras físicas. En la última década, varios Estados europeos han ampliado los mecanismos de vigilancia y control dentro de sus fronteras al incorporar a instituciones públicas, como los sistemas de salud y protección social, a las estrategias de gestión migratoria dentro de sus propios territorios. Estas medidas buscan desincentivar la llegada de personas migrantes y dificultar la vida de quienes permanecen en situación administrativa irregular.
Las consecuencias de estas políticas recaen principalmente sobre quienes emprenden rutas migratorias cada vez más peligrosas. A lo largo del norte de África y del Mediterráneo, miles de mujeres, hombres, niñas y niños enfrentan riesgos extremos al intentar llegar a Europa en busca de un asilo que es negado por los cada vez más estrictos procedimientos para su solicitud. Muchos mueren ahogados durante la travesía en el mar, otros desaparecen en el desierto o quedan atrapados en territorios convertidos en zonas de contención migratoria.
La externalización de fronteras ha desplazado los riesgos lejos del territorio europeo, pero no ha eliminado sus consecuencias humanitarias, como lo ha venido documentando el colectivo Border Resistance. Por el contrario, ha contribuido a que las rutas sean más largas, más peligrosas y más mortales. Aunque el episodio ocurrido en Ceuta presenta características excepcionales por la magnitud del flujo migratorio registrado en apenas dos días, no puede analizarse de forma aislada.
La situación vuelve a poner sobre la mesa el impacto de las políticas migratorias de la Unión Europea, que continúan dejando un saldo de personas fallecidas, desaparecidas y desplazadas a lo largo del norte de África y del Mediterráneo. Al mismo tiempo, recuerda que detrás de estos movimientos migratorios persisten factores estructurales como la pobreza, los conflictos armados y los efectos de la crisis climática, que obligan a millones de personas a abandonar sus países en busca de condiciones de vida más seguras.
En ese escenario, Ceuta representa no solo un episodio excepcional, sino también un reflejo de la tensión permanente entre el reforzamiento de las fronteras y la obligación de los Estados de garantizar los derechos humanos de las personas migrantes y su derecho a migrar.
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A veces olvidamos que, antes de convertirse en quienes son, los artistas pasaron años soñando con ser escuchados. Anhelaban que su música encontrara un público, que su arte fuera reconocido y que un golpe de suerte transformara por completo su realidad. Lo que pocas veces imaginan es que, cuando ese momento finalmente llega, la cotidianidad y la privacidad dejan de existir tal como las conocían. Kendall Peña, oriundo de Costa Rica, soñó con ser cantante desde muy temprana edad. Y, a decir verdad, lo ha conseguido de una manera tan enriquecedora como admirable. Sus canciones narran una verdad tan honesta que, por momentos, pareciera que estamos escuchando un audiolibro —con una impecable banda sonora— sobre su propia vida.
En los últimos años, todo dio un giro vertiginoso. Pasó de componer en la intimidad de su habitación a vivir entre hoteles y giras; los estudios de grabación sustituyeron su cuarto como espacio creativo, su equipo de trabajo creció, su comunidad de seguidores se multiplicó y su música cruzó fronteras. Pero, por encima de todo, quien más cambió fue él. Y no hablo únicamente de su evolución artística —que es evidente—, sino también de la personal. Comprendió matices y significados que antes reducía a respuestas absolutas: sí o no, verdad o mentira. Dejó atrás el escepticismo para convertirse en alguien dispuesto a abrazar las experiencias que le ha regalado el mundo, su nueva vida como artista y la música que hoy crea. Esa versión renovada de sí mismo queda plasmada en Hotel 506, su más reciente material discográfico. Un álbum que, según sus propias palabras, será el disco más pop que hará en toda su vida.
Lee aquí nuestra entrevista con Kendall Peña:
Cuéntame sobre Hotel 506. Háblame sobre la historia detrás del material.
Yo venía de una gira, de casi tres o cuatro meses por todo México. Empezamos en Cancún y terminamos en Tijuana. Terminó la gira y todos regresaron a sus casas y países, pero yo me quedé en México un tiempo más. Me metí de nuevo al estudio con mi productor apenas terminó la gira. Estuvimos una semana, y creo que en ese tiempo se crearon la mayoría de canciones que están en el álbum. La canción de ‘506’ es sobre amor, de que yo sigo en la misma habitación del hotel pero esa persona ya no está conmigo y tiene otra vida con alguien más. A raíz de ese tema, nos dimos cuenta que todo se estaba basando en historias que me había pasado en hoteles y en lugares durante la gira.
Yo vivo en Costa Rica, entonces mi vida cambió bastante cuando se empezó a hacer mucho más profesional, cuando me empecé a dar a conocer en más lugares. Comencé a viajar mucho, a componer en más lugares y a tener otro proceso de composición. Antes componía en mi cuarto en Costa Rica y hacía TikToks, y ahora salí de mi país y estuve en México, España, Argentina y demás. Conocí la música a través de irla escribiendo en una gira. Cuando nos pusimos a pensar en un concepto, pues lo hicimos literal, en donde estuve: hoteles. Ahí sucedieron la mayoría de las historias. La mayoría del álbum es de amor y desamor, que cuenta una historia cronológica, las partes lindas que es el amor, hasta cuando uno se da cuenta que no es lo que siempre se había pensado. Es un álbum muy de cantautor sobre las experiencias que tuve entre el 2024 y 2025. No le quisimos dar mucha vuelta, es sobre lo que se trató mi vida: viajes, hoteles, estar en diversas partes del mundo y hablar sobre personas que llegaron a marcar mi vida, pero que siguieron su camino.
También es un poco surreal y dreamy para que no fuera aburrido y se centrara en un hotel. Es un viaje de ilusionarse hasta caer en la realidad, que es un poco lo que me pasa en la vida. Creo que mis proyectos son un diario de mi vida. Este es mi segundo álbum, y creo que es el más rockstar porque comencé a vivir más cosas que jamás había vivido: estar en festivales, hacer conciertos, no dormir, irnos en camionetas a otro lugar. Creo que se vivió muy fuerte. Las emociones y experiencias en el álbum se viven muy fuertes.
Me interesa lo que mencionas sobre tu primer acercamiento a la vida ‘rockstar’. ¿Cómo te sientes con este giro tan importante en tu carrera? ¿Crees que se rompió la fantasía o se hizo más grande?
Creo que se rompe la fantasía, pero a la vez no. Es una mezcla. Es muy extraño porque como seres humanos siempre estamos inconformes. Lo que tengo ahora mismo no es lo que quiero, y quiero otra cosa, y cuando ya consigo lo que quiero, ya extraño lo que tenía en mi pasado. Hay cosas que extraño mucho de estar escribiendo solo en mi habitación, donde sentía que era un proceso más personal. Ahora, tal vez me tengo que abrir más a otras personas y a otros compositores. Siento que mis materiales son muy personales, entonces a la hora de estar conectado con tantas personas, puede ser complicado abrirse, porque no le puedo estar contando a cada productor mis cosas personales. Siento que fue bueno exponerme a tanto, pero ahora es crear un balance entre lo que era antes y lo que soy ahora.
Había un momento en el que sentí que era cansado estar en tantos aeropuertos y estar viajando tanto. También uno extraña a la familia y se pierde de muchas cosas, entonces siento que es agridulce. Igual creo que uno exagera porque hay peores cosas en la vida y uno la está pasando súper bien, pero sí es cierto que me di cuenta de lo inconformes que somos como seres humanos, y lo que no tenemos es lo que siempre estamos buscando, pero cuando lo tenemos, lo normalizamos. Más que entenderlo, pretendo disfrutar del presente porque es algo que casi no hice. Estaban pasando cosas y siempre estaba pensando en lo siguiente que estaba por pasar, y tal vez no iba a pasar más. Creo que lo importante es disfrutar de ese presente. Quiero disfrutar de llegar a Costa Rica y que sea lindo estar con mi familia. Quiero agradecer esas dos cosas. Lo cool es que no es tan rockstar como uno lo siente, porque cuando comienzas a conocer más personas y relacionarte, te das cuenta de que todo es más normal de lo que parece. Esto es parte de un trabajo, y tiene sus partes bonitas y sus partes cansadas.
También mencionas la importancia de lo visual en tu proyecto. Cuéntame del peso que tiene en tu vida personal y artística este lado creativo.
Estudié diseño en Costa Rica. Siempre quise estudiar música, pero en Costa Rica es súper difícil. Recuerdo cuando me estaba graduando, antes de entrar a la universidad, mi mamá me preguntó sobre mis planes, y ella siempre me había dicho que siguiera mis sueños, entonces le dije que quería ser cantante, pero me dijo que no [Risas]. Tenía que estudiar otra cosa, porque según las personas, me iba a morir de hambre. Eso fue antes de la pandemia, antes de que pasaran las cosas de TikTok y así. Estudié diseño porque era lo más relacionado al arte que encontré en Costa Rica. Siempre ha sido muy importante para mí. Recuerdo que cuando era pequeño veía MTV, y tal vez una canción no me gustaba, pero luego veía el video de la canción y cobraba un sentido diferente y tenía otro significado. Para mí, ya tenía un peso diferente.
Desde mis TikToks, trataba de darle una forma estética y un significado. Cada proyecto mío ha tenido sus eras y sus etapas. Me gusta mucho que los proyectos sean conceptuales, aunque sí se vuelven más cansados porque se tiene que pensar en un concepto y trabajarlo por meses. Creo que esto tiene mucho peso en los proyectos. Para mí no es solo la música, sino que también se tiene que crear un concepto en lo que se quiere expresar.
Sobre el cambio en tu composición, mencionas que ahora compones en los hoteles y en plena gira. ¿Qué tanto te ha ayudado como compositor el salir de tu zona de confort?
Creo que más como compositor, me ha ayudado en temas personales. Antes, cuando estaba solo en Costa Rica, mis problemas se hacían más grandes de los que eran. Cada vez que viajaba, o cuando conocí México por primera vez, dando un ejemplo, veía que había mucho más, y que la vida era mucho más que solo mi cuarto y mis problemas en Costa Rica. Esto me ayudó a relativizar mucho más las cosas y a vivir más tranquilo.
¿En qué etapa crees que te encuentra Hotel 506?
Este disco me enseñó que el amor no es blanco y negro. En mis primeros proyectos era: o me quiere o no me quiere, o es todo o es nada. A través de los viajes y de todo lo que me ha pasado, he entendido que hay personas que llegan a nuestra vida para que aprendamos algo, para que nos acompañen en un periodo corto de nuestra vida y seguir cada quien en nuestro camino. Creo que es un álbum que me hizo ser más introspectivo en aspectos de la vida. En el amor hay demasiados grises. También me hizo ser más exigente, en cuanto a calidad y lo que quiero. Creo que este es el álbum más pop que haré en toda la mi vida.
Me encanta Ralphie Choo, Rusowsky y Rosalía, lo que se me hace curioso, porque es música que yo no hago. Lo siguiente que haga, me gustaría darle tintes de lo que me gusta y escucho. Creo que me ayudó a saber que hay canciones que no se escriben en 20 minutos o 40. Lo siento más profesional, completo o con más sentido. Esto me deja ganas de seguir haciendo más, y considero que será cada vez más difícil. Lo disfruté bastante y me hizo crecer bastante.
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A medida que los rumores y la opinión pública crearon un alboroto en redes después porque Ariana Grande anunció que se tomaría un descanso después de terminar su tour actual, el lunes pasado, salió al escenario para hablar con sus fans en directo al respecto.
Durante la parada del Eternal Sunshine Tour en el United Center de Chicago, Illinois, Grande pausó su concierto para “aclarar algunos asuntos”.
“A veces cuando una historia sale [en redes], que no tiene nada que ver conmigo directamente, las cosas se pueden salir de control. Entonces, esta noche, quería hablar con mis fans directamente porque los aprecio mucho”, dijo la artista ante los miles de gritos de sus fanáticos. “El anuncio que salió ayer, no se publicó de manera impulsiva o en reacción a lo que estaba pasando. Yo lo decidí. Es un plan que hice en silencio hace un largo tiempo. Fue una decisión que se hizo desde un lugar consciente y empoderado”.
Continuó, “Escuché que mis fans estaban preocupados de que la negatividad estaba arruinando mis asuntos, pero debo decir que esto no puede estar más alejado de la realidad, quiero ser muy, pero muy clara, muchas cosas pueden ser verdad al mismo tiempo: se necesita establecer límites, los seres humanos pueden necesitar un descanso de vez en cuando y esta también puede y continuará siendo una de las mejores experiencias de mi vida profesional y personal”
La intérprete afirmó que a pesar del “ruido que existe, nada es capaz de distorsionar mi realidad o será mi ‘yo’ real o será más fuerte que este amor que compartimos, o, incluso, el sentimiento de crear arte con la gente que amo y respeto”.
Como si abrazara a la multitud, Grande abrió sus brazos y declaró, “Esto es lo que me llevaré siempre, porque, el resto de toda esa mierda no es mía para cargar con ella. Quería que escucharan eso de mi parte”. Antes de continuar, resaltó, “Necesitaba salir aquí [en frente de todos] y diferenciar eso [el drama/la negatividad] de mi verdad para todos ustedes porque los amo y este tour ha sido la experiencia más sanadora, hermosa, reparadora, magnífica y especial de mi vida”.
El domingo, unos días después de que sacara su último álbum, petal, su representante le comentó a la revista People que “Ariana se tomará un descanso del ojo público al finalizar el Eternal Sunshine Tour”. Como parte del receso, la cantautora canceló su aparición en la adaptación de Sunday in the Park With George de Stephen Sondheim en el West End de Londres. Además, se reveló que la superestrella no participará en la siguiente temporada de American Horror Story, pero eso se debió al conflicto entre los horarios de producción y la gira. La pausa surgió mientras los fans de la cantante acudieron a redes para compartir sus preocupaciones sobre la salud de la estrella del pop tras la publicación del video musical de ‘petal’ el viernes pasado.
“Espera terminarlo con broche de oro, de una manera sana y feliz. Luego, se tomará un merecido descanso del trabajo y las apariciones públicas que han desencadenado una ola de escrutinio público”, añadió. “Este tour ha sido una bella experiencia para ella. Ama a sus fans y ha apreciado muchísimo cada momento de esta gira”.
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Linkin Park presenta el primer adelanto de su nuevo documental. Unshatter, dirigido por Joe Hahn —integrante de la banda—. seguirá el camino del grupo de regreso a los escenarios tras la muerte de su vocalista Chester Bennington en 2017.
El filme, cuyo lema es “The Hardest Part of Ending is Starting Again“ (“La parte más difícil de terminar es volver a empezar”), llegará a las salas de cine el próximo 30 de septiembre. Las entradas estarán disponibles a partir del 13 de agosto y toda la información podrá consultarse en un sitio web especialmente creado para el lanzamiento.
El tráiler muestra la emoción de los fanáticos durante el concierto que la banda ofreció en São Paulo, Brasil, en 2024, e incluye entrevistas con sus integrantes. “Definitivamente, nunca se había hecho de la forma en que nosotros lo hicimos”, afirma Mike Shinoda en uno de los fragmentos, antes de referirse a la muerte de Bennington. “Gran parte de nuestras vidas había girado en torno a Linkin Park, y de repente todo se vino abajo”.
A lo largo del avance, los músicos expresan el temor de que la historia de la banda hubiera llegado a su fin. Sin embargo, la llegada de la nueva vocalista, Emily Armstrong, marca un punto de inflexión y da paso a imágenes de conciertos que reflejan el regreso triunfal del grupo a los escenarios.
El largometraje abarca un periodo que comienza con las sesiones de grabación de 2022, de las que surgiría dos años después el octavo álbum de estudio del grupo, From Zero, el primero con Emily Armstrong como vocalista y Colin Brittain en la batería, y culmina con el concierto en São Paulo. Además, Unshatter incluye material inédito del archivo de la banda, imágenes de sus shows y entrevistas tanto con los integrantes de la banda como con sus seguidores.
Joe, miembro fundador de la agrupación, ha sido el encargado de los sintetizadores y las tornamesas de la banda desde 1996. Además, ha dirigido varios de sus videoclips más emblemáticos, entre ellos los de ‘Numb‘, ‘Somewhere I Belong‘ y ‘Bleed It Out‘. En un comunicado, explicó que Unshatter, un título que sugiere que aquello que se rompió puede volver a reconstruirse, no nació originalmente como un documental, sino como una película de concierto centrada en la presentación que el grupo ofreció en Brasil. Con el tiempo, el proyecto terminó convirtiéndose, según sus palabras, en una forma de agradecer a los seguidores de Linkin Park.
“Mientras más seguíamos grabando, más nos dábamos cuenta de que había una historia mucho más grande desarrollándose”, afirmó Hahn. “Después de siete años alejados de los escenarios, sinceramente no sabíamos cuál sería el futuro de Linkin Park. Íbamos descubriéndolo sobre la marcha. Ninguno de nosotros sabía si la banda evolucionaría de la manera en que lo hizo, cómo reaccionarían los fans o hacia dónde nos llevaría todo esto. No quería hacer una película que mirara hacia atrás con una claridad absoluta. Quería que la gente experimentara esa incertidumbre de la misma manera en que nosotros la vivimos, en tiempo real”.
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Hahn añadió que, al ser miembro de Linkin Park y haber vivido toda esa historia “desde adentro”, sintió la responsabilidad de contarla con honestidad. “Habría sido fácil presentar la versión que la gente esperaba o la que se construyó a partir de los titulares y las entrevistas, pero ese nunca fue el objetivo”, explicó. “Quería capturar las conversaciones, las dudas, los momentos creativos y todo lo que ocurrió entre medio, esas cosas que solo quienes las vivieron realmente pueden comprender”.
Como complemento del documental, el próximo 25 de septiembre se publicará Unshatter Film Soundtrack (Live in São Paulo), un álbum en vivo que reúne interpretaciones de canciones de distintas etapas de la carrera de la banda. El disco también incluirá varias actuaciones registradas durante el concierto en la ciudad brasileña que finalmente no fueron incorporadas a la película.
Tras el receso que siguió a la muerte de Bennington, Linkin Park regresó en 2024 con ‘The Emptiness Machine‘, su primer sencillo junto a Armstrong y Brittain. Poco después lanzó ‘Heavy Is the Crown‘ y el álbum From Zero. Su sencillo más reciente, ‘Unshatter’, fue publicado el año pasado como parte de la edición de lujo de su último álbum.
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Cuando los y las artistas hablan de los procesos creativos detrás de algún álbum, suelen decir que muchas canciones se quedaron por fuera del corte final. Puede que al decidir lanzar una edición deluxe de dicho trabajo incluyan unas tres o hasta cinco extra, pero es una rareza que compartan una segunda parte que le dé continuidad a esa primera entrega. Después de publicar Femme Fatale el año pasado, a Mon Laferte le quedó una cantidad considerable de temas que sentía que merecían ver la luz, así que en junio presentó Femme Fatale Vol. 2, un LP de 20 canciones nuevas que nacieron dentro del mismo momento emocional del primer volumen. “Se me ocurrieron muchas canciones en el camino, muchísimas. De hecho, me quedaron como 20 más”, cuenta.
A diferencia del primer disco, en el que el jazz fue fundamental para la historia, el más reciente es más ecléctico en cuanto a sonidos. En un momento estás escuchando una balada folk y al siguiente te aturdes porque llega un tema intenso de punk. También es un álbum en el que sale —aunque parezca imposible— un lado de Mon más personal.
La cantautora chilenomexicana comenta que esta ha sido una de las etapas artísticas más exigentes de su carrera hasta ahora, pero de cualquier modo, la ha estado disfrutando. “La exigencia física es alta y es muy exigente para la voz también porque, por ejemplo, tuve tres conciertos de tres horas en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México y fueron tres días pegaditos”, dice respecto a su gira actual. De hecho, su interpretación en vivo de ‘Femme Fatale’ durante una de estas noches que menciona quedó registrada en un video que ya puede apreciarse en su canal de YouTube a modo de celebración de lo que ha sucedido alrededor de este universo.
Semanas antes de la publicación del video, Mon Laferte, desde París, habló con ROLLING STONE en Español sobre lo que hay detrás de Femme Fatale Vol. 2.
Hace poco publicaste Femme Fatale Vol. 2, y si bien tiene canciones que nacieron dentro del mismo proceso creativo del primero, su sonoridad es distinta. ¿Tuviste dudas de incluir estas canciones en el vol. 2 de Femme Fatale? ¿Por qué no sacarlas bajo otro título?
No, porque se me hacía como una trampa. Cuando empecé Femme Fatale, siempre supe que quería que sonara más hacia el jazz. Empecé a recopilar canciones en el proceso y se me ocurrieron un montón de otras nuevas, pero no todas necesariamente eran de jazz o tenían algo que ver con ese universo. Y era como, “OK, compuse esto, existe dentro del universo, pero no suena a la canción ‘Femme Fatale’”, que fue la primera que hice pensando en el álbum y el sonido que quería crear. Entonces, compuse una que se llama ‘No le regales tu corazón’ y no quedaba en Femme Fatale, pero la hice en el mismo momento con la misma energía. Era parte de lo mismo.
Pude haberlas usado todas en otro álbum, pero realmente sentí que era como hacer una trampa. Me gusta la idea de empezar de cero un material. Siempre tengo notas en mi teléfono y voy agarrando cositas y las trabajo cuando me toca hacer un disco, pero igual para mí es importante que sea una fotografía sonora del momento en el que estoy. Entonces dije, “Voy a lanzar el Femme Fatale como está, y en una parte dos que se entienda que es todo lo que no puse en la parte uno”, pero no por eso es descarte, sino que fueron parte de todo esto.
Es un álbum con mucho contenido donde también eres bastante directa. Por ejemplo, en ‘For Your Consideration’ hablas de la contradicción de querer seguir haciendo arte, pero no querer sentirte como mercancía e incluso desear una vida normal. ¿Cómo evitas que la industria controle tu arte?
Yo creo que la industria no controla mi arte y creo que siempre ha sido así. Si hablamos de industria, pensar en netamente el venderte un álbum o venderte la canción del verano no es parte de mis intereses, nunca lo ha sido realmente. No digo que esté mal, pienso que cada artista tiene sus maneras de percibir el éxito y lo que le gusta, pero a mí me gusta tanto hacer mi música, mis experimentos, estar ahí en la computadora mil horas y escribir pendejadas. Si tuviera que estar todo el rato pensando en hacer un hit, no sería feliz, sería una persona muy desgraciada. Tengo la fortuna de que hago mis canciones y hay un público ahí, y es un nicho que está esperando este tipo de música y afortunadamente me va bien. Entonces yo siento que lo de la industria es porque a veces me doy cuenta de que estoy cansada y digo, “OK, voy a parar un rato”, y yo misma voy y digo, “No, no voy a parar, quiero seguir haciendo esto un rato más porque tengo que producir”. Y es un pensamiento bastante capitalista que creo que nos atraviesa a todos hoy en el presente, el sentir culpa por echarte a ver una serie o lo que sea.
Sí, por no sentirte “productivo”.
Totalmente. Es como una epidemia y no nos queda otra que trabajar porque si no, “estás mal”, como que el mundo te castiga si no estás produciendo. Entonces, claro, por ahí tal vez sí me gana, soy víctima de la industria y el capitalismo. Por eso dice, “El capitalismo, el neoliberalismo, no me dejan descansar”. Pero eso es otra cosa, creo yo.
A mí me gusta ‘No le regales tu corazón’ porque es la canción más larga y es bien experimental, pero aparte de todo, siento que también es una de tus canciones más directas. Creo que nunca te había escuchado cantarle a tu familia tan de tú a tú.
Sí. Esa canción es muy especial y, de hecho, pensé en no publicarla porque mi pareja estuvo muy deprimido en un tiempo. Nosotros ya llevamos varios años juntos, y tenía mucha depresión (esto es algo que nunca había contado y le pedí permiso para hablar de esto). Su padre se suicidó cuando él tenía tres años, y yo tenía mucho miedo de que se repitiera la historia porque él entró en una depresión muy fuerte. Entonces, yo le digo, “No le regales tu corazón a la depresión. Tú no eres como él, como tu padre”. Es por eso que dice esa frase, “Tú no eres como él”.
¿Al final se escuchan los latidos de tu hijo?
No, pero la idea era que se sintiera como un corazón. Lo que digo al final, “Amor de mi vida, voy en el ferry hacia Venecia…”, eso es algo que escribí mientras iba en el ferry a encontrarme con él y finalmente esa carta que le escribí fueron mis votos en nuestra boda. Esa canción es muy personal, es una carta de amor y también una manera de representar todo lo que se vive en una relación de muchísimo amor, con todos sus altos y bajos, pero siempre desde el amor. Te das cuenta de que el amar y el tener una relación es una decisión y es un trabajo de todos los días, y eso es lo que yo quería que se sintiera en la canción. A veces se siente como un bálsamo, a veces está pesado, está tortuoso, pero así es la vida también.
¿Qué lugar ocupa esta canción en tu carrera entonces?
Yo siento que es parte de un grupo de canciones que tengo que son muy personales y muy honestas, y no son la canción estereotípicamente de amor, sino que entran en otro sitio. Por ejemplo, en esas canciones yo diría que está una que se llama ‘Pa’ dónde se fue’, se la hice a mi padre; hay otra que se llama ‘El cristal’, se la hice a mi abuela; hay una que se llama ‘Te vi’, que se la hice a mi madre. Ese tipo de canciones son de las que más me gustan porque son canciones con nombre y apellido, y con una honestidad que me llega a ser incómoda.
¿Cuál es la historia detrás de ‘Mary’? ¿Le cantas a una persona en específico o a tus amigas en general?
Mary es mi mejor amiga. Somos amigas hace 25 años, más o menos. Desde muy jovencitas. Mary tiene una enfermedad autoinmune en el hígado y ha sido trasplantada tres veces. Y cuando le escribí esa canción, ella estaba en su último trasplante de hígado, estaba muriendo, y yo escribí esa canción para ella. Por suerte, ahora está superviva, feliz y celebramos la vida juntas.
¿Qué es lo bonito de cantarle a las amistades?
Es precioso. No hacemos tantas canciones para los amigos. Como que siempre las declaraciones de amor son para tu pareja, pero al final te das cuenta de que los amores que se te quedan casi siempre son las amistades porque normalmente son amores sin condiciones. En cambio, en las relaciones de pareja siempre hay un condicionante, es decir, esta cosa de pertenencia y en las amistades no, es un amor libre.
En contraposición a ‘No le regales tu corazón’, siento que su opuesto sonoro es ‘Tal vez yo soy el problema’ porque es bien corta y bien ruidosa, es la más ruidosa del álbum. ¿A qué se debe este desquicio en Femme Fatale Vol. 2?
[Risas] Para mí es una travesura de esa canción. Es una broma porque, obvio, la inventé, y tenía escrito mucho de eso en mi teléfono, como lo irónico, como la parte de que “no llenó el vacío que dejó mi papá”. Y yo decía, “Ay, esto tiene que ser con una música rockera punkera”. Es una canción graciosa con mucha ironía y yo la siento así, como que quise jugarle una broma a la gente, porque aparte viene un momento supertranquilo del álbum y de repente es como “¡Me sentía tan sola…!” [risas]. De hecho, el día que salió el disco, lo quise oír porque se escucha distinto el máster que tú entregas al que escuchas en las plataformas, entonces me puse los audífonos y me puse a oír el disco. Me había olvidado que ahí venía esa canción y me saqué de onda, pero muchísimo y dije, “OK, esto mismo siente la gente”. Se asustaron igual que yo, pero está chido. Es una broma, pero también hay mucha realidad, es parte de la música que me gusta y que alguna vez he hecho en mi vida. Mis primeros dos discos eran muchísimo más rockeros y alternativos, y está bueno que también es algo que es parte de mí, que a lo mejor en mis últimos álbumes no ha estado muy presente, pero es algo que me gusta.
Sí, así lo sentí. Me remontó a tus inicios, a esta Mon con capul.
Sí, totalmente.
También me gusta ‘Gigante’, cuya letra la escribiste hace más de 15 años en un momento en el que sentías que ibas a perder tu voz. ¿Cómo ves ahora la Monserrat que en ese entonces temía ser olvidada y que ahora hace parte de la historia de la música latinoamericana?
¡Ay, qué emoción lo que dices! Fíjate que esa canción desde hace tres, cuatro discos atrás yo decía, “La voy a poner”. Siempre decía que tenía que meterla en algún álbum porque me gusta y es una canción tranquila, como que puede ser un bonus de cualquier disco, siento yo. Y vi la oportunidad, fue como, “Estoy poniendo muchas canciones en este disco, pues pongamos una más y recuperemos ‘Gigante’”. Es una canción en la que casi que me estoy despidiendo del mundo, de la vida; me voy a quedar sin voz. Yo pensé que también me podía haber pasado cualquier cosa en ese tiempo porque era muy joven y percibía el mundo de otra manera. Pero hoy, 15 años después, como dices esto de “haces parte de la historia de la música latinoamericana”, es cierto, soy parte de miles de artistas que forman nuestra identidad sonora y es superemocionante pensar que se logró. Yo despidiéndome hace 15 años atrás en una canción y 15 años después, “Ah, no, siempre no, no me despedí, aquí estoy” [risas]. Me da gusto, me siento feliz. Y creo que es una forma de celebrar también el que esté la canción.
En el disco también hay muchas letras en las que siento que eres muy dura contigo misma, pero también está ‘Hello Monserrat’. Igualmente eres autocrítica en esa canción, pero es como “bueno, necesito espabilar”.
Esa me encanta. Al principio no me convencía tanto y ahora es una de mis favoritas del disco porque justamente llegué a ser extremadamente honesta; me gusta mucho eso, la verdad. Siento que no puede ser de otra manera, por lo menos en mi manera de ver el mundo, de percibir la música. Es decir, “Pienso en el bótox. En la soledad de estar de gira”, porque, aunque estás con mucha gente, de repente se extraña estar en la casa. Al final me doy cuenta de que solo soy una mujer más, que nada es tan importante. Un momento de la canción dice como, “Igual todos nos vamos a morir”, y estoy en el proceso de aprender a quererme, como dice la canción. Creo que todos estamos un poco ahí. Hay unos que se quieren más, otros un poquito menos, pero nos cuesta vernos y realmente amarnos. Siento que nos enseñaron, de alguna manera, a mi generación a merecer las cosas, a tener que esforzarte mucho para que te quieran o quererte tú mismo y hacer algo importante, y estoy en esa búsqueda de quererme más porque ya me quiero. Hubo un momento en que no me quería nada, sobre todo en la adolescencia, pero ya me quiero bastante y me quiero querer más todavía porque quiero que mi hijo vea a una mujer que sabe amar y amarse también a ella misma.
Qué bonito escuchar eso. Igual es un trabajo en construcción y siento que es importante tener estos puntos de vista de que uno está siempre en constante aprendizaje.
Sí, todo el tiempo. Y me encanta porque claro, ahora te digo, yo ya me quiero. Justo hoy hablaba con una amiga de eso y hablaba también con el tema del peso, trastornos alimenticios y le decía, “Es una locura ver cómo pasé todos mis 20 pensando que era fea y gorda”, porque en los 2000 era cruel el mundo también con las mujeres. Una de mis películas favoritas es El diario de Bridget Jones y me acuerdo que en esa época se decía [de Renée Zellweger], “Es que es gorda”, y ahorita la veo y digo, “¡¿Qué?!”. Me tocó ese mundo. Entonces pienso que en ese tiempo no me quería y ahora me quiero mucho, pero siento que me puedo querer más, aceptar más también y no ser tan dura conmigo. Soy un ser humano.
Mon, ¿qué es lo que más has apreciado de toda esta era de Femme Fatale?
Con cero humildad, te diría que yo creo que son mis mejores composiciones hasta ahora [risas]. Espero que, si hago otro álbum en un futuro, poder decir lo mismo, que sea mi mejor disco y que vaya creciendo con los años. Pero me gusta mucho este disco. Me siento más tranquila en el tema de composición, siento que como escritora crecí mucho, encontré la mejor forma de contar mi historia y me encanta que podamos hablar de estos temas de las letras, de las canciones, que no había puesto antes como de la maternidad, de cómo me siento con la industria, no sé. Me deja eso para empezar: crecimiento como compositora.
Siento que he conectado mucho más con mi público y creo que tiene mucho que ver las letras de las canciones. También me la he pasado muy bien en el sentido del personaje Mon Laferte-Femme Fatale. He jugado con el personaje, con la peluca, con el brillo, ha sido muy rico también en eso, he podido colaborar con gente increíble. Siento que he crecido y que he conectado más con el público y con mi equipo de trabajo también. Creo que ha sido mucho crecimiento en general.
Me gusta que digas esto de “con cero humildad” porque no es no tener humildad, sino apreciar las cosas propias. Si yo luché por esto, tengo que sentirme orgullosa.
Sí. Espero que siempre sea así, que mi último trabajo siempre sea el mejor, porque me esforcé mucho para que fuera el mejor. Me pasé horas y horas buscando la palabra para contarte la historia. De hecho, todo empezó porque yo estaba viendo una entrevista de un maestro y poeta chileno que se llama Floridor Pérez, y decía, “Yo lo que más le enseño a mis alumnos de literatura es a borrar. No a escribir, a borrar”. Y me quedó dando vueltas y claro, es importante saber quitar. Creo que hice mucho eso en este disco.
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El jueves 6 de agosto era el día en que el Senado debía tratar el polémico capítulo relativo a la extranjerización de tierras del proyecto de ley sobre inviolabilidad de la propiedad privada. Pero debido a una intensa presión social (y la falta de acuerdos para lograr los votos), la jefa de la bancada oficialista en el Senado, Patricia Bullrich, decidió retirar ese pliego del proyecto de ley. Una derrota parcial para el oficialismo.
Este apartado buscaba revisar las restricciones vigentes para la compra de tierras rurales por parte de personas o empresas extranjeras, un tema sensible que regula los límites de hectáreas permitidos y protege zonas clave como fuentes de agua y fronteras.
La “presión social” incluyó a buena parte de la ciudadanía, y los artistas no fueron la excepción.
Lali, en una história de Instagram, convocó a sus casi 12 millones de seguidores a concurrir a la marcha programada para el jueves 6, en la Plaza de los Dos Congresos: “Para defender nuestra tierra, el agua, nuestros recursos estratégicos. Es muy importante que todos estemos ahí”.
También desde sus historias de Instagram, Tini Stoessel y Emilia Mernes adhirieron a la causa. Tini publicó una historia con una foto de un paisaje patagónico con una bandera argentina y la leyenda “La patria no se vende”, mientras que Emilia compartíó, también desde sus historias, un video de la ONG Amnistía Argentina convocando a la marcha.
El sábado, en el Central Park de Nueva York,mientras Milo J y Trueno cantaban “Tierra Zanta” en el concierto que formaba parte del Lamc (Latin American Music Conference), Dillom mostró la bandera argentina con la inscripción “la patria no se vende” y la convocatoria para la marcha del jueves.
La Joaqui, por su parte, también compartió desde sus historias la convocatoria de la Revista Anfibia con el sol de la bandera, la consigna “La patria no se vende” y un mensaje claro: ya sabemos dónde hay que estar el 6 de agosto”.
“Ojo que quieren vender la Patagonia”, advirtió Ca7riel también desde su cuenta de Instagram. “Y no te vas a dar cuenta, vas a quedar a pata y en agonía. Y cuando los gringos paguen la primer cuota… ¡te va a entrar enterota!”, remató.
Juana Molina reflexionó y ofreció sus argumentos. “Estaba pensando en algo importantísimo que es lo que va a pasar el 6 de agosto”, explicó en su cuenta de IG. “Y me viene la idea esta de que muchas veces la gente se preocupa más por quién dice las cosas en vez de escuchar qué dice la gente. Porque hasta el más idiota puede decir una genialidad y el más brillante puede decir una estupidez. Entonces, bueno, no es porque vos estés de acuerdo con un gobierno o con otro, creo, que puedas estar de acuerdo con todo lo que hace. Y acá me parece que no importa para nada quién gestionó la idea, no importa: lo importante es que no se haga. Entonces, tenemos que unirnos dentro de lo posible para ir todos a protestar contra algo que es absurdo, y que aparte no tiene retorno. Eso es lo más terrible, porque hay cosas que están mal, pero después se vuelve atrás y listo, esto no va a tener vuelta atrás si se hace. Y nos va a perjudicar a todos, no solamente a los argentinos, al mundo entero. Porque como ya todos saben, el mundo es cada vez más chiquito y lo que pasa en China nos afecta a nosotros, lo que pasa en en cualquier lugar del mundo nos afecta directamente. Entonces, que les hayamos abierto la puerta para hacer semejante desastre acá, tan cerquita, es horrible. Tratemos de dejar las diferencias aparte y de vernos todos el 6 en el Congreso. Nos vemos ahí”.
En una entrevista en el programa Elenco inestable de Radio con vos, Dante Spinetta también dejó en claro su oposición al proyecto de ley: “Lo único que me molesta un poco de de tocar el [jueves] seis es que no voy a ir a la marcha, porque a esta marcha hay que ir. Hay que ir y hay que parar un poco porque esto ya es medio una locura, esto de que directamente nos quieran rifar el país”. Y siguió con su descargo: “Yo no soy ni K, ni ni soy peronista, ni soy Libertad, ni Macri, ni nada. Yo soy argento y hay que defender lo nuestro. Hay que dejar de tomarse la política como River-Boca Porque lo que hay que defender es nuestra soberanía. Lo nuestro.No solamente tenemos que juntarnos para ir a festejar los partidos del Mundial, sino también empezar a juntarnos para demandarle a los políticos que hagan lo que tienen que hacer. Es el agua, es la tierra, son nuestros recursos naturales, nuestro petróleo, el litio, las fronteras. Es todo”.
El martes, durante su concierto en el Movistar Arena, Rosalía se unió al canto espontáneo del público: “la patria no se vende”.
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El reconocido guitarrista de flamenco José Antonio Carmona Carmona, conocido artísticamente como Pepe Habichuela, falleció este martes en Madrid a los 82 años. El músico permanecía alejado de los escenarios desde el verano de 2024, cuando se retiró de la actividad pública debido a la enfermedad contra la que luchaba.
Originario de Granada, José Antonio Carmona Carmona nació en 1944 en el seno de una familia gitana con una profunda tradición flamenca. Desde muy pequeño creció rodeado de la música que impregnaba su entorno familiar, donde el cante, el baile y la guitarra formaban parte de la vida cotidiana en el barrio del Sacromonte. Años más tarde se trasladó a Madrid, donde inició su carrera profesional en los tablaos flamencos, espacios fundamentales para la difusión de este género dentro y fuera de España. Formó parte de una generación irrepetible de artistas junto a figuras como Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar y Enrique Morente, con quien desarrolló una colaboración que dejó una huella decisiva en la evolución del flamenco.
Pepe Habichuela deja un legado imborrable en la historia del flamenco. Considerado uno de los guitarristas más influyentes del género, su talento contribuyó a acercar esta expresión artística a nuevas audiencias y demostró que era posible dialogar con otras corrientes musicales sin renunciar a la esencia del flamenco más puro. Su huella trascendió los escenarios y se extendió a su propia familia, convertida en una de las grandes dinastías del flamenco contemporáneo. Su hijo, Josemi Carmona, y sus sobrinos Antonio Carmona y Juan José Carmona integraron el grupo Ketama, una formación que renovó el flamenco fusión y llevó su sonido a nuevas generaciones. Con su obra y con el legado de quienes siguieron sus pasos, Pepe Habichuela deja una influencia que seguirá resonando en la música española durante muchos años.
A lo largo de su trayectoria, Pepe Habichuela recibió numerosos reconocimientos que dieron cuenta de la dimensión de su obra. Entre los más recientes destacan los homenajes de las Noches del Botánico de Madrid y del Festival Flamenco On Fire de Pamplona, así como el Castillete de Oro del Festival de La Unión. También fue distinguido con la Medalla al Mérito en las Bellas Artes en 2018 y con la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio.
Sin embargo, más allá de los premios y las condecoraciones, hubo un reconocimiento que ningún galardón pudo igualar: el cariño y la admiración del público. Su virtuosismo, su entrega a la guitarra y su profundo respeto por la tradición flamenca conquistaron a generaciones de aficionados, dentro y fuera de España, que encontraron en su música una forma auténtica de sentir el flamenco. Con cada interpretación y cada disco, Pepe Habichuela contribuyó a escribir una de las páginas más importantes de la historia del género. Su obra permanece como un legado artístico de valor incalculable, mientras que la familia de músicos que ayudó a formar garantiza que su influencia seguirá viva en el flamenco y en la música española durante muchos años.
El presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, ha lamentado la partida de esta leyenda musical a través de sus redes sociales: “Se apaga la guitarra de Pepe Habichuela, pero su música seguirá sonando allí donde el flamenco siga contando quiénes somos. Gracias por una vida entregada al arte y por engrandecer nuestro patrimonio cultural”.
Asimismo, Marta Rivera de la Cruz, delegada de Cultura del Ayuntamiento de Madrid, ha compartido: “Nadie hizo hablar la guitarra como Pepe Habichuela. Él se ha ido de esta tierra, pero nos deja su música. Descanse en paz”. “Hoy llora el flamenco universal. Despedimos a Pepe Habichuela, dinastía ilustre de la guitarra flamenca. En 2024, en nuestra Suma, en los Teatros del Canal, nos regaló “Yesqueros”, un recuerdo de su infancia. Desde siempre flamenco y duende de puro Madrid”, agregó Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid.
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