Llegó a Netflix hace tres días y ya se encuentra entre lo más visto de la plataforma. Hablamos de la comedia Hermanito, una producción estadounidense dirigida por Matt Spicer, perfecta para quienes busquen entretenerse con una comedia liviana que aborda las complejidades y las idas y vueltas de las relaciones familiares. De qué trata y […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
La serie que lidera el ranking de lo más visto en Netflix es Te encontraré, una tira basada en la novela de Harlan Coben que sigue a David Burroughs, un hombre que cumple injustamente una cadena perpetua por el asesinato de su hijo, el cual podría estar vivo. Si ya viste la serie y te […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
Netflix acaba de estrenar la segunda temporada de Avatar: La leyenda de Aang, la remake live action del clásico original de Nickelodeon que ya se ha convertido en uno de los títulos de acción más populares de la plataforma. Esta nueva entrega, que mantiene expectantes a los suscriptores por una tercera temporada —ya que la […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
Un nuevo mes comienza y, con él, llegan una infinidad de shows para todo tipo de público. Julio presenta algunos recitales y ciclos imperdibles. A continuación, 10 shows que no te podés perder. Sakatumba en Niceto Club Sábado 4 de julio en Niceto Club (Niceto Vega 5510, CABA) Sakatumba anuncia su primer show en Niceto […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
Spider-Man: Brand New Day se encuentra cada vez más cerca. La nueva entrega de la saga de Marvel, protagonizada por Tom Holland, llegará a los cines argentinos el 29 de julio. Ahora, el estudio sorprendió a los fans con un nuevo teaser que tiene como invitado a Lionel Messi. El teaser muestra a Holland en […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
Mientras el año avanza, llega julio con algunos de los lanzamientos más esperados del calendario. La segunda mitad del 2026 continúa con una serie de discos que prometen ser algunos de los más destacados. Desde Indie Hoy te enlistamos los 10 discos internacionales más esperados de julio. 3 de julio Madonna – Confessions II Confessions II es el nuevo […]
Ver más noticias en Indie Hoy.
Una semana después de las elecciones presidenciales, la cantante Karol G publicó una carta abierta dirigida al presidente electo Abelardo de la Espriella. El mensaje, compartido el 28 de junio en su cuenta de X, se convirtió rápidamente en uno de los pronunciamientos públicos más comentados tras la segunda vuelta, muchas de las reacciones han estado cargadas de discursos violentos.
La artista dejó claro desde las primeras líneas que su mensaje no responde a una militancia política. “No le escribo como simpatizante. No le escribo como opositora. Le escribo como una colombiana que ama profundamente su país”, escribió, antes de afirmar que la etapa electoral terminó y que ahora comienza el mayor reto del nuevo mandatario ante la necesidad de gobernar para todas las personas.
Por Colombia. Con respeto, pero también con esperanza y exigencia
@ABDELAESPRIELLA pic.twitter.com/ksiKDFwTwt
— LABICHOTA (@karolg) June 28, 2026
En la carta, Karol G recuerda que Colombia llega a este nuevo gobierno profundamente dividida, pero con aspiraciones compartidas. “Hay millones de colombianos que creen en usted y hay millones que piensan distinto, sueñan distinto y votaron distinto. Pero todos compartimos algo: queremos vivir en un país más seguro, más justo, con más oportunidades y menos odio”.
El llamado que hace la cantante ante el nuevo presidente es a que escuche también a quienes no votaron por él y no gobierne únicamente para un partido, una ideología o un sector político. “Que gobierne para Colombia”, insiste.
Su mensaje también pone el foco en distintos sectores de la población. Pide pensar en la niñez, las familias, el campesinado, las personas emprendedoras y la juventud, al tiempo que subraya la necesidad de recuperar la seguridad y reducir el miedo que atraviesa la vida cotidiana de muchas personas en el país. Según su mensaje, el verdadero legado de un gobierno no estará en sus promesas, sino en las vidas que logre mejorar.
La carta termina con una reflexión sobre el sentido del poder político, pues indica que ojalá cuando termine el mandato de Abelardo de La Espriella, “los colombianos podamos mirar atrás y decir que, más allá de las diferencias, usted estuvo a la altura de la responsabilidad que recibió. Porque al final ningún presidente gana cuando gana una elección… Un presidente gana cuando gana su pueblo”.
Horas después, de la Espriella respondió a través de la misma red social. “Desde campaña lo dije, es mi propósito inquebrantable: gobernar para todos los colombianos, incluyendo a quienes no votaron por mí”, escribió el presidente electo.
El intercambio ocurre en un contexto político especialmente sensible. De la Espriella ganó la presidencia con el 50,5 % de los votos, apenas un punto porcentual por encima de Iván Cepeda, el margen más estrecho de los últimos años. En su discurso de victoria también prometió ser “leal a la Constitución”, gobernar para todos los colombianos y ofrecer garantías plenas a la oposición.
Esas declaraciones contrastan con el tono que marcó buena parte de su campaña presidencial. Durante los primeros meses de la contienda, De la Espriella utilizó una retórica de fuerte confrontación contra el sector político de izquierda e incluso llegó a afirmar que sería su “enemigo acérrimo” amenazando con “destriparla”. Por todo esto, el llamado de Karol G adquiere un significado muy relevante, pues interpela directamente al nuevo mandatario sobre la responsabilidad de abandonar la lógica electoral para asumir un liderazgo capaz de reducir la confrontación en un país marcado por la violencia política.
Entre el respaldo y la violencia digital
La publicación también desencadenó una intensa reacción en redes sociales digitales. Mientras muchas personas agradecieron que una de las artistas colombianas con mayor proyección internacional utilizara su plataforma para hacer un llamado a la reconciliación y a la responsabilidad institucional, simpatizantes de Abelardo de La Espriella y sectores de la derecha radical respondieron con fuertes críticas.
Entre ellas estuvieron las de Juan José Lafaurie Cabal, hijo de la senadora María Fernanda Cabal, aliada del nuevo presidente, así como múltiples publicaciones que cuestionaron el momento elegido por la cantante para pronunciarse, la acusaron de guardar silencio durante el gobierno de Gustavo Petro, otros la cuestionaron por su falta de postura explícita por alguno de los dos candidatos más opcionados, e incluso recurrieron a insultos y descalificaciones personales.
Las reacciones vuelven a poner sobre la mesa un fenómeno ampliamente creciente y es la violencia digital contra las mujeres que participan en asuntos públicos. Aunque la confrontación política alcanza a personas de distintos sectores, y por supuesto a los hombres tambien, las mujeres suelen enfrentar repertorios específicos de agresión que combinan ataques políticos con estereotipos de género, descalificaciones personales y campañas de hostigamiento amplificadas por la velocidad y el alcance de las plataformas digitales. Las sanciones sociales contra mujeres que intervienen en debates considerados tradicionalmente masculinos continúan reproduciéndose en internet, donde el anonimato y la circulación masiva de contenidos potencian estos ataques.
Un llamado en un momento de alta tensión
Más allá de las críticas o de las expectativas sobre la postura política de la artista, el contenido de la carta refleja una preocupación que trasciende las diferencias partidistas y que distintas voces han resaltado y es la necesidad de reducir el clima de confrontación que dejó una de las campañas presidenciales más agresivas discursivamente de los últimos años.
El país llega a esta nueva etapa con una sociedad prácticamente dividida por mitades, mientras persisten temores entre distintos sectores por el aumento de la hostilidad política tanto en redes sociales como fuera de ellas. En ese contexto, la decisión de Karol G de intervenir públicamente resulta significativa también porque son pocos los artistas colombianos de alcance internacional que suelen pronunciarse sobre coyunturas políticas nacionales. Por esta misma razón, sería de gran importancia que el nuevo mandatario lidere un mensaje que baje las tensiones y anime a sus seguidores a tomar ejemplo.
Al final de cuentas, el mensaje de Karol G no plantea una adhesión al nuevo gobierno ni una oposición frontal. Más bien recuerda un principio básico de la democracia donde la legitimidad de un presidente no termina con la victoria electoral, sino que se construye en su capacidad para representar, proteger y gobernar a quienes votaron por él y también a quienes no lo hicieron.
The post El llamado de Karol G se siente urgente appeared first on Rolling Stone en Español.
Este mes, Rolling Stone presenta un número especial que tiene en el homenaje al Indio Solari uno de sus ejes principales. Nuestro Secretario de Redacción, Sebastián Ramos, traza un perfil de ese artista bohemio, poeta, formado en la psicodelia y la cultura rock, que se transformó en el faro de la música popular que marcó la vida de varias generaciones de argentinos. Oscar Jalil repasa los años formativos de Solari, antes de empezar el viaje al frente de los Redondos. Nuestro editor Humphrey Inzillo recorre su obra como artista plástico. Además, Claudio Kleiman, el primer periodista en escribir un artículo sobre Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, entrega un texto emocionante en el que no solo despide al artista, también a su amigo. El exdirector de Rolling Stone, Ernesto Martelli, evoca aquellas raras entrevistas en las que el Indio Solari dejaba ver algunos aspectos personales e incluso llegaba a hablar de la muerte. Y un dossier especial con las fotos que reflejan el masivo funeral en Villa Domínico.
En julio, tenemos una doble tapa. Porque elegimos a Trueno como nuestro símbolo de la ilusión mundialista. El rapero oriundo del barrio de La Boca, en la Comuna 4, que sacó su cuarto disco, Turr4zo y sueña con la cuarta Copa del Mundo, posó en exclusiva con una remera de diseño mítico. La creación de Oscar Tubio en los 90, que pudo haber sido la camiseta de la selección en el Mundial de Italia y que usaron Diego Maradona y Charly García.
Pero hay mucho más, porque acompañamos a Wos en uno de los conciertos de su gira bonaerense y repasamos su vínculo con el Indio. Entrevistamos a Wolf Alice, el grupo inglés pasó por Buenos Aires y también por la redacción de Rolling Stone. Y el fenómeno de la UFC, de acuerdo con Dana White, su impulsor y mejor amigo de Donald Trump.
The post Este mes en Rolling Stone, un especial dedicado al Indio Solari y una entrevista mundialista con Trueno appeared first on Rolling Stone en Español.
Convertirse en madre implica aceptar una transformación absoluta. El cuerpo deja de pertenecer por completo, el sueño desaparece, la identidad comienza a diluirse entre nuevas responsabilidades y cada decisión parece estar acompañada por el miedo a equivocarse. El embarazo, el parto y la crianza son experiencias atravesadas por una mezcla de amor, culpa, agotamiento y ansiedad que pocas películas han explorado con verdadera honestidad. En títulos como Rosemary’s Baby, The Omen o The Babadook, el cine de horror ha encontrado en la maternidad uno de sus territorios más fértiles. La cinta Nightborn continúa esa tradición con una propuesta tan salvaje como ingeniosa.
Saga (Seidi Haarla) y Jon (Rupert Grint) abandonan la ciudad para instalarse en una antigua casa familiar perdida en los bosques finlandeses. Esperan construir allí el hogar donde crecerá su hijo, pero el nacimiento de Kuura convierte rápidamente ese sueño en una experiencia cada vez más perturbadora. El bebé, quien prácticamente deforma y destroza el cuerpo de su madre desde el parto (y luego en el acto de ser amamantado), nace cubierto de pelo, chilla como un monstruo, adquiere un gusto muy particular por la carne cruda, lastima a su abuela (Pirkko Saisio), a su tía y a su prima y transforma las tareas más cotidianas de la crianza en episodios de auténtico horror.
La película es inteligente al no presentar al niño únicamente como un monstruo. Kuura puede ser una criatura sobrenatural, pero también representa todo aquello que la maternidad despierta en una madre primeriza: el miedo permanente, el desgaste físico, la pérdida de control y esa sensación de que un hijo exige constantemente más de lo que uno cree poder ofrecer. El monstruo funciona menos como una amenaza externa que como una prolongación grotesca de las inseguridades de Saga.
Por eso las escenas más memorables no son necesariamente las más violentas, sino aquellas que toman pequeños rituales domésticos hasta convertirlos en secuencias agrestes de horror corporal. La lactancia deja de ser un momento de intimidad para convertirse en un acto de sangre, pezones destrozados y supervivencia; la alimentación, los primeros pasos y las noches sin dormir adquieren dimensiones monstruosas sin dejar de conservar un vínculo con la experiencia real de miles de madres.
Ese equilibrio entre lo grotesco y lo cotidiano constituye el mayor logro de la película. El humor negro aparece constantemente, pero no rompe la tensión. Al contrario, hace que muchas situaciones resulten todavía más perturbadoras porque parten de experiencias perfectamente reconocibles para cualquier madre.
Seidi Haarla sostiene la historia con una interpretación profundamente física. Su cuerpo expresa el agotamiento, la desesperación y el amor contradictorio que siente hacia un hijo capaz de destruirlo todo. La película entiende que una madre puede sentir miedo de su propio bebé sin dejar de amarlo, y Haarla consigue transmitir esa paradoja sin convertirla en un simple ejercicio de histeria.
Rupert Grint, nuestro querido Ron de Harry Potter, encuentra uno de los registros más interesantes de su carrera reciente. Jon representa a esos padres que descubren que el nacimiento de un hijo modifica radicalmente el equilibrio y la sexualidad de la pareja. Poco a poco deja de ocupar el centro emocional de la vida de Saga y comienza a sentirse un observador y una persona que juzga desde la distancia una relación donde madre e hijo parecen desarrollar un lenguaje propio. La película aborda esa exclusión masculina con bastante más sensibilidad de la que suele encontrarse en este tipo de relatos.
La atmósfera también juega un papel decisivo. Los bosques finlandeses parecen esconder fuerzas primitivas que nunca terminan de explicarse del todo. La fotografía de Pietari Peltola convierte el paisaje en un espacio donde el cuento popular, el paganismo y el horror contemporáneo conviven con naturalidad. El diseño de producción y el trabajo con efectos prácticos refuerzan la sensación de estar contemplando una criatura que pertenece tanto a las leyendas nórdicas como a las peores pesadillas de cualquier madre primeriza.
Sin embargo, la película termina tropezando con la misma idea que inicialmente la hace tan poderosa. Una vez que comprendemos que el bebé simboliza los temores de la maternidad y el desgaste de la crianza, el relato insiste una y otra vez sobre esa misma metáfora. Cada nueva secuencia reafirma una idea que ya había quedado perfectamente establecida durante el primer acto. Lo que empieza siendo una propuesta brillante pierde parte de su fuerza porque deja de descubrir nuevos matices y comienza a repetirse.
Esa reiteración también afecta el terror. Aunque existen imágenes memorables y varios momentos de auténtica repulsión, el horror deja de crecer cuando la película opta por insistir en el mismo mecanismo en lugar de llevar su premisa hacia territorios inesperados. El resultado nunca deja de ser interesante, pero sí menos sorprendente.
Tras la extraordinaria Cría siniestra, era inevitable que las comparaciones aparecieran. Aquella película utilizaba el horror en el acto de empollar para hablar de las presiones familiares con una imaginación desbordante. Nightborn vuelve a demostrar la enorme capacidad de Hanna Bergholm para convertir los conflictos más íntimos en pesadillas físicas, pero también evidencia que las mejores metáforas necesitan evolucionar. Cuando una idea tan poderosa se explica demasiadas veces, deja de inquietar. Y el buen horror siempre prefiere sugerir antes que insistir.
The post Crítica: <i>Engendro (Nightborn)</i> appeared first on Rolling Stone en Español.
Existe un problema recurrente en el cine biográfico. Con demasiada frecuencia se confunde la importancia de una persona con la acumulación de episodios de su existencia. Nacimiento, infancia difícil, romances, obsesiones, enfermedades y muerte. Como si una sucesión de acontecimientos bastara para explicar por qué alguien terminó transformando la historia de la literatura, la música o el arte. Franz evita esa trampa. En lugar de preguntarse qué hizo Franz Kafka durante cuarenta años de vida, Agnieszka Holland, la gran directora polaca de cintas como Europa, Europa o El rastro, nos plantea una pregunta mucho más interesante: ¿Cómo pensaba un hombre capaz de imaginar un universo que un siglo después seguimos llamando “kafkiano”? Ese cambio de perspectiva convierte la película en una de las biografías más estimulantes de los últimos años.
Kafka representa un desafío casi imposible para cualquier cineasta. Su vida, vista desde fuera, parece sorprendentemente discreta. Trabajó durante años en una compañía de seguros, publicó poco mientras vivía, mantuvo relaciones sentimentales llenas de dudas y murió joven, sin sospechar que terminaría convertido en uno de los escritores más influyentes del siglo XX. Su verdadera aventura ocurrió en otro lugar: dentro de su cabeza.
Holland entiende perfectamente ese problema y renuncia desde el comienzo al recorrido cronológico convencional. La película avanza como una memoria fragmentada, saltando entre distintas etapas de la vida de Kafka, su infancia, sus relaciones amorosas, su trabajo burocrático y, al mismo tiempo, el presente, donde turistas, museos, estatuas y tiendas de recuerdos recuerdan hasta qué punto aquel hombre tímido terminó convertido en un símbolo cultural. El montaje construye asociaciones antes que fechas; busca ideas antes que acontecimientos.
La estructura nunca pretende parecer caprichosa. Cada salto temporal establece un diálogo entre el niño que apenas comienza a descubrir el miedo, el joven escritor que intenta comprenderlo y el legado que sobrevivirá mucho después de su muerte. Es una forma de narrar que se acerca más a la lógica de la memoria que a la de una enciclopedia.
La película acierta, además, al comprender que la verdadera obra de Kafka no son únicamente sus novelas, sino la manera en que observaba el mundo. Holland no intenta ilustrar literalmente El proceso o La metamorfosis. Prefiere rastrear las tensiones que alimentaron esa imaginación: la relación sofocante con un padre dominante, el peso de la burocracia, la fragilidad de los vínculos amorosos, la identidad judía, la enfermedad y esa sensación permanente de vivir bajo estructuras de poder incomprensibles que luego aparecerían convertidas en literatura.
Idan Weiss como Franz realiza un trabajo extraordinario. Evita convertir a Kafka en un mártir o en un genio inaccesible. Su interpretación encuentra algo mucho más difícil, la de un hombre de enorme inteligencia, tímido, irónico, vulnerable y capaz de reírse de sus propios textos mientras los lee ante sus amigos. La película recuerda constantemente que Kafka nunca escribió pensando en convertirse en un monumento cultural. Escribía porque no podía dejar de hacerlo.
Peter Kurth está estupendo aportando una presencia imponente como Hermann Kafka. Sin necesidad de recurrir al exceso, convierte al padre en una figura cuya autoridad parece extenderse incluso cuando abandona la habitación. Esa influencia atraviesa toda la película sin reducir la creatividad de Kafka a un simple trauma infantil, uno de los errores más frecuentes de las biografías convencionales.
Merece una mención especial Ivan Trojan como Siegfried Löwy, el tío de Kafka. Su personaje funciona como un contrapunto luminoso frente a la opresiva figura del padre. Allí donde Hermann representa la disciplina, la autoridad y la exigencia, Siegfried encarna la curiosidad, el humor y la posibilidad de mirar el mundo con otros ojos. Trojan dota al personaje de una calidez contagiosa que ayuda a comprender que la imaginación de Kafka no nació únicamente de sus conflictos, sino también de aquellos pocos espacios donde encontró comprensión, afecto y libertad.
También resulta especialmente valioso el lugar que ocupa Max Brod (Sebastian Schwarz). La decisión de preservar los manuscritos de Kafka, desobedeciendo el deseo explícito de destruirlos, aparece aquí como uno de los actos culturales más importantes del siglo XX. La película comprende que el legado de un artista también depende de quienes deciden protegerlo cuando él ya no puede hacerlo.
La película concede un lugar fundamental a las mujeres que atravesaron la vida de Kafka. Su madre Julie (Sandra Korzeniak) aparece como un refugio silencioso frente a la severidad paterna; su hermana Ottla (Katarina Stark), como la complicidad y el afecto incondicional que pocas veces encontró en otros vínculos; Felice Bauer (Carol Schuler) representa la imposibilidad de conciliar el amor con una vocación absorbente, mientras que Milena Jesenská (Jenovéfa Boková) encarna el encuentro tardío con una relación más libre e intelectualmente estimulante. Holland evita convertirlas en simples figuras secundarias o musas del escritor. Cada una ilumina una faceta distinta de Kafka y ayuda a comprender que su mundo emocional fue mucho más complejo que la imagen del genio solitario atormentado que tantas veces ha simplificado su biografía.
Franz posee una libertad poco habitual dentro del género. No es tímida al abordar la sexualidad, cambia de registro, rompe la cuarta pared, introduce anacronismos, mezcla humor con tragedia y convierte la propia ciudad de Praga en un comentario sobre la manera en que la cultura transforma a sus grandes autores en mercancía turística (Kafka burgers), algo que también exploró Robert Crumb en su excelente biografía en cómic sobre el autor. Hay momentos en los que la exuberancia formal y de ideas, lleva a pensar en que debe volverse a ver para disfrutar de toda su riqueza. Esta cinta no insulta la inteligencia del espectador, sino que la alimenta.
Franz no intenta convencernos de que Kafka fue importante porque sufrió, enfermó de tisis o porque tuvo una infancia difícil. Nos recuerda que fue importante porque transformó nuestra manera de entender el miedo, la autoridad, la culpa y el absurdo. La película sabe que una biografía no debería aspirar únicamente a reconstruir una existencia. Debería ayudarnos a comprender por qué seguimos leyendo a esa persona un siglo después.
En tiempos donde tantas biografías se conforman con enumerar escándalos, romances o curiosidades, Franz apuesta por algo mucho más difícil: explorar el origen de una imaginación irrepetible. Y en esa decisión encuentra la mejor forma posible de honrar a Franz Kafka.
The post Crítica: <i>Franz</i> appeared first on Rolling Stone en Español.