Cuando un artista lanza uno de los álbumes más esperados del año, millones de personas entran a las plataformas de streaming para escuchar las canciones por primera vez. Esa reacción colectiva, que hoy forma parte de la cultura de los lanzamientos musicales, podría tener una consecuencia inesperada fuera de los audífonos: un aumento de las muertes en accidentes de tránsito.
Un estudio realizado por investigadores de Harvard Medical School y publicado en la revista médica JAMA Network Open encontró que, en Estados Unidos, los días en que fueron lanzados algunos de los álbumes más escuchados de los últimos años coincidieron con un incremento del 15,1 % en las muertes por accidentes de tránsito. En total, los investigadores calcularon que las diez fechas analizadas estuvieron asociadas con unas 182 muertes adicionales.
La investigación analizó los diez álbumes con mayores niveles de reproducciones en Spotify entre 2017 y 2022. Entre ellos estaban Midnights, Red (Taylor’s Version) y folklore de Taylor Swift; Scorpion, Certified Lover Boy y Her Loss de Drake; Un Verano Sin Ti de Bad Bunny; Mr. Morale & the Big Steppers de Kendrick Lamar; Harry’s House de Harry Styles y Donda de Kanye West.
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Para estudiar si esas fechas tenían algún comportamiento inusual, los investigadores compararon los días de lanzamiento con los diez días anteriores y los diez posteriores a cada estreno. Los datos de Spotify mostraron que, durante los lanzamientos, las reproducciones de las 200 canciones más escuchadas aumentaron de un promedio de 86,1 millones a 123,3 millones: un salto del 43 %. Al mismo tiempo, las muertes diarias en accidentes de tránsito pasaron, en promedio, de 120,9 a 139,1. Es decir, 18,2 fallecimientos más por día en las jornadas de lanzamiento analizadas.
La hipótesis de los investigadores es que ese aumento podría estar relacionado con la distracción al volante. Sin embargo, el estudio no puede demostrar que las personas involucradas en los accidentes estuvieran escuchando alguno de esos álbumes ni que manipularan sus teléfonos para hacerlo. Por eso, los resultados deben interpretarse como una asociación y no como una prueba de que un lanzamiento musical provoque directamente los accidentes.
Aun así, algunas características de los casos parecen reforzar la posibilidad de que la distracción haya tenido un papel importante. El aumento fue más pronunciado entre conductores jóvenes y en vehículos con un solo ocupante. Esta última diferencia resulta especialmente relevante: sin otra persona en el automóvil que pueda encargarse de buscar una canción o controlar la reproducción, el conductor tendría que manipular directamente el teléfono o el sistema de entretenimiento.
Los investigadores también encontraron que los conductores involucrados tendían a estar sobrios, lo que reduce la posibilidad de explicar el aumento únicamente por celebraciones relacionadas con los lanzamientos. Tampoco se trató de un fenómeno limitado a las condiciones nocturnas.
Entonces, ¿qué podría estar ocurriendo? Los autores plantean varias posibilidades. Una es la manipulación del teléfono para buscar el álbum, seleccionar canciones o cambiar la reproducción mientras se conduce. Otra es que la expectativa y la atención que genera un lanzamiento masivo produzcan una distracción adicional. También está la posibilidad de que los conductores escuchen la música a un volumen más alto de lo habitual y perciban con mayor dificultad sonidos importantes de su entorno.
El caso plantea una consecuencia poco explorada de la transformación de la manera en que consumimos música. Antes, escuchar un disco recién publicado podía requerir comprarlo, ponerlo en un reproductor o esperar a llegar a casa. Ahora, un lanzamiento llega de forma inmediata al celular y compite por la atención del usuario en cualquier lugar, incluso mientras conduce.
En ese sentido, el estudio no señala a Taylor Swift, Drake o Bad Bunny como responsables de los accidentes, sino que utiliza sus lanzamientos —por su enorme capacidad para concentrar la atención de millones de personas en una misma fecha— como una especie de experimento natural. La pregunta de fondo es qué ocurre cuando una actividad digital genera, al mismo tiempo, un aumento masivo en el uso de dispositivos y millones de personas están al volante.
La advertencia también adquiere relevancia en un momento en que los automóviles están cada vez más conectados. Las pantallas, aplicaciones y sistemas de entretenimiento han multiplicado las funciones disponibles dentro del vehículo, pero también las posibilidades de apartar la atención de la carretera. Como reconocen los investigadores, todavía no es posible determinar con exactitud qué mecanismo explica la relación observada entre los lanzamientos y las muertes.
Lo que sí muestran los datos es una coincidencia difícil de ignorar: en los diez grandes lanzamientos analizados, los días en que millones de personas acudieron a las plataformas para escuchar música nueva también registraron un aumento significativo de las muertes en las carreteras estadounidenses. La próxima vez que un álbum esperado aparezca a medianoche, el problema, según plantea la investigación, quizá no sea escucharlo, sino decidir buscarlo, configurarlo o manipular el dispositivo mientras se está conduciendo.
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Con Avengers: Doomsday, en cines desde el próximo 17 de diciembre, Marvel se prepara para reunir nuevamente a algunos de sus personajes más importantes e icónicos en una película que promete llevar el conflicto del Universo Cinematográfico de Marvel a una escala todavía mayor. Los Vengadores, Los Cuatro Fantásticos, los X-Men y otros superhéroes coincidirán en una historia encabezada por una figura que, en los cómics, ha sido mucho más que un simple villano: Victor Von Doom.
La llegada de Doctor Doom, interpretado por Robert Downey Jr., y la cercanía de Avengers: Secret Wars, prevista para 2027, han llevado a buscar algunas de las posibles claves de la nueva película en las páginas de Marvel. Aunque el estudio no ha confirmado hasta qué punto seguirá los cómics, los dos tráilers publicados hasta ahora han dejado varias pistas sobre lo que podría ocurrir. Entre incursiones, enfrentamientos entre héroes de distintos universos y una versión de Doom que parece tener sus propios planes para el futuro, los avances han abierto tantas preguntas como respuestas.
Doomsday podría ser la cuenta regresiva hacia el colapso
Una de las conexiones más interesantes está en Avengers: Time Runs Out, la historia que sirvió como antesala de Secret Wars en los cómics. Allí, el universo Marvel se enfrenta a un fenómeno conocido como las incursiones, que consiste en el choque —literal— de diferentes realidades entre sí y donde cada colisión amenaza con destruir ambos mundos. La situación lleva a los héroes a enfrentarse a una pregunta imposible: cómo salvar su propio universo cuando hacerlo puede significar la desaparición de otro.
El MCU ya ha introducido el concepto de las incursiones en Doctor Strange in the Multiverse of Madness y ha explorado el funcionamiento de las distintas realidades en Loki, por lo que Doomsday podría llevar esa idea a una escala mucho mayor. Si Marvel sigue una estructura similar a la de los cómics, la película podría convertirse en una especie de cuenta regresiva hacia un punto de no retorno, con los héroes intentando detener una catástrofe multiversal que, precisamente, quizá ya sea imposible de evitar.
La conexión con los cómics, además, es más directa de lo que podría parecer. Los hermanos Joe y Anthony Russo han confirmado que se inspirarán tanto en la Secret Wars original, escrita por Jim Shooter y publicada entre 1984 y 1985, como en la versión de Jonathan Hickman de 2015-2016. Según Joe Russo, ambas historias son muy diferentes, por lo que la intención no es trasladarlas literalmente a la pantalla, sino tomar elementos de las dos para construir una versión propia. La primera introdujo a varios de los grandes personajes de Marvel en Battleworld, mientras que la segunda llevó el concepto a una escala multiversal y convirtió a Doctor Doom en una figura central del conflicto.
Esta última referencia resulta especialmente importante. En la historia de Hickman, Doom no es simplemente el villano que provoca la destrucción: termina convertido en una especie de salvador y gobernante de lo que queda de la realidad. Con Robert Downey Jr. interpretandolo, esa versión del personaje adquiere todavía más relevancia para entender qué podría estar preparando Marvel.
15 películas y series para entender lo que viene
Una lista compartida por Disney y Marvel reúne 15 películas y series que ayudan a entender las historias y personajes que podrían tener peso en la nueva película. Entre las recomendaciones aparecen títulos tan importantes como X-Men, Capitán América: El primer vengador, Avengers: Endgame, Doctor Strange en el Multiverso de la Locura y Loki.
Más que una lista de tareas para ponerse al día, el recorrido permite ver cómo el estudio ha ido preparando las piezas que ahora parecen confluir en una misma historia. Endgame representa el cierre de una etapa fundamental de los Vengadores; Loki profundiza en la estructura del multiverso y sus diferentes realidades y líneas temporales; Doctor Strange en el Multiverso de la Locura introduce las consecuencias que puede tener el choque entre universos; mientras que las películas de los X-Men permiten conocer a los personajes que ahora regresan a este gran evento desde otra etapa de Marvel.
Así, la lista también funciona como una muestra de la dimensión del proyecto: Doomsday no parte únicamente de las últimas películas del MCU, sino de varias generaciones de historias de Marvel. Y si el desenlace sigue la lógica de los cómics, conocer esas historias podría ser importante no solo para reconocer a los personajes, sino para entender qué significa que todos ellos terminen compartiendo el mismo universo.
Doctor Doom podría no ser solo quien provoca el desastre
Uno de los aspectos más interesantes del Doctor Doom de los cómics es que su papel en Secret Wars está lejos de ser el de un villano que simplemente quiere destruirlo todo. Cuando el multiverso comienza a desaparecer, Victor se convierte en una de las figuras fundamentales para intentar preservar algo de lo que queda. Su respuesta al desastre, sin embargo, está marcada por una de sus características más conocidas: su absoluta convicción de que nadie está más capacitado que él para decidir el futuro.
La gran paradoja de Doom es que puede convertirse al mismo tiempo en una amenaza y en una figura necesaria para la supervivencia. Esa ambigüedad podría ser importante en el filme. En lugar de presentar a Doom únicamente como el responsable de una destrucción que los héroes deben impedir, Marvel podría explorar a un personaje convencido de que el mundo necesita ser salvado de una manera radical y de que él es el único capaz de hacerlo.
Esto también permitiría darle un sentido diferente al título de la película. En los cómics, el fin del mundo no es únicamente algo que Doom provoca: también es una crisis frente a la que intenta imponerse y que termina aprovechando para construir un nuevo orden.
¿Qué ocurre si Doom gana?
Esta es, quizá, una de las posibilidades más llamativas que ofrecen los cómics. En 2015, la historia no termina con los héroes evitando la catástrofe antes de que ocurra. El multiverso llega al límite y, tras la destrucción de innumerables realidades, lo que queda es transformado en Battleworld, un planeta formado por fragmentos de diferentes universos y gobernado por Doctor Doom.
La estructura de esa historia ofrece una posible pista sobre la relación entre Doomsday y Secret Wars. Si la primera película funciona como el preludio de la segunda, no sería descabellado imaginar un final en el que los héroes no consigan derrotar definitivamente a Doom ni impedir el colapso de las realidades. Al contrario: la película podría terminar con la victoria del villano y dejar que su secuela se desarrolle en un escenario completamente distinto.
Una decisión inconcebible
El primer avance presentó oficialmente a Doctor Doom como el antagonista central de este arco y dejó una de las pistas más importantes sobre la amenaza de la película. En él, Doom advierte que algo se acerca y que los héroes tendrán que enfrentarse a una “decisión inconcebible” antes de que termine el día. La frase parece hacer referencia a uno de los dilemas centrales de las incursiones: la posibilidad de tener que destruir otro universo para preservar el propio. El tráiler también muestra la Mansión X en ruinas, una imagen que podría apuntar a que el universo de los X-Men de Fox será una de las realidades afectadas por los choques multiversales que se avecinan.
El adelanto también permite ver las primeras interacciones entre los Cuatro Fantásticos y personajes de la línea principal del MCU, entre ellos los Nuevos Vengadores, la nueva Pantera Negra y Thor. Este último advierte que la amenaza que ahora enfrentan lo asusta más que cualquier otra a la que se haya enfrentado junto a los demás héroes. Aunque la frase podría interpretarse como una referencia directa a Doctor Doom, también es posible que Thor esté hablando del choque entre mundos que parece estar a punto de comenzar. Esto abriría la posibilidad de que Doom se presente inicialmente como un aliado frente a una amenaza común para después traicionar a los héroes y ejecutar su verdadero plan.
Esa tensión también aparece en otro de los detalles de los avances: varios personajes de distintos universos parecen enfrentarse entre sí. El primer tráiler muestra, por ejemplo, a Shang-Chi combatiendo contra Gambito y a Yelena enfrentándose a Mystique. Estos encuentros podrían ser consecuencia de un viaje entre dimensiones que, al menos inicialmente, ponga a los personajes de diferentes realidades en bandos opuestos. Sin embargo, siguiendo la lógica de las incursiones, el enfrentamiento podría ser solo el comienzo: a medida que la amenaza se haga evidente, héroes que inicialmente se consideran enemigos podrían terminar uniéndose para intentar detener la catástrofe.
Loki y Steve Rogers: dos decisiones que podrían tener consecuencias en el multiverso
Aunque Loki y Steve Rogers pertenecen a momentos muy diferentes de la historia del MCU, ambos han tomado decisiones relacionadas con el tiempo que podrían adquirir una nueva importancia. Después de los acontecimientos de su serie, Loki terminó convertido en el centro que mantiene unidas las distintas líneas temporales del multiverso, ocupando una posición desde la que sostiene el entramado de realidades que amenaza con desestabilizarse. Su papel podría ser fundamental si las incursiones comienzan a poner en peligro esas líneas temporales, aunque todavía no está claro de qué manera podría intervenir.
Steve Rogers, por su parte, tomó una decisión aparentemente personal: regresar al pasado para devolver las Gemas del Infinito y finalmente quedarse allí junto a Peggy Carter. Sin embargo, la existencia de las incursiones permite reinterpretar aquella decisión desde otra perspectiva. Si viajar en el tiempo y alterar una realidad puede contribuir a generar ramificaciones o universos diferentes, la elección de Steve podría haber tenido consecuencias mucho mayores de las que los Vengadores conocían en ese momento.
Esto abre una posibilidad especialmente interesante. Por un lado, Loki podría representar el intento de mantener unidas las distintas líneas temporales, mientras que Steve podría ser uno de los personajes que, sin saberlo, contribuyó a crear o alterar una de ellas. No existe confirmación de que la película vaya a utilizar esta conexión, pero ambos casos permiten explorar una de las preguntas centrales del multiverso de Marvel: qué ocurre cuando las decisiones tomadas para proteger una realidad terminan afectando a las demás.
Doom demuestra por qué es una amenaza para todos
El segundo tráiler eleva todavía más el nivel de amenaza de Doom. En una de sus escenas más llamativas, Thor intenta atacarlo con Stormbreaker, pero Doom detiene el golpe con solo dos dedos y después lanza al dios asgardiano por los aires. Poco después, el villano despierta a un grupo de Centinelas, clásicos enemigos de los X-Men. El avance también profundiza en su pasado y, a través de Sue Storm, sugiere que una pérdida personal fue determinante para convertirlo en el personaje que ahora conocemos.
Pero uno de los detalles más llamativos aparece cuando Doom habla de las “vidas robadas”. Mientras pronuncia estas palabras, el tráiler muestra a distintos personajes que, de una u otra manera, han alterado el curso de sus respectivas realidades. La secuencia podría estar sugiriendo que, desde la perspectiva de Doom, las decisiones tomadas por estos héroes y sus consecuencias sobre el tiempo y el multiverso no son simples accidentes, sino que detrás de cada cambio existirían personas inocentes y mundos enteros que terminaron pagando el precio.
Battleworld
La palabra Battleworld es una de las que más interés despierta entre los lectores de los cómics cuando se habla de una futura adaptación de Secret Wars. En la versión de Jonathan Hickman, Battleworld surge después del colapso del multiverso y reúne fragmentos de diferentes realidades en un nuevo planeta gobernado por Doom.
La idea resulta especialmente atractiva para el MCU actual. Durante años, Marvel ha desarrollado diferentes versiones de sus personajes y ha abierto la puerta a múltiples universos. Secret Wars podría encontrar en Battleworld una forma de reunir esos mundos en un mismo escenario. Por eso, una de las grandes curiosidades de Doomsday podría estar precisamente en aquello que no muestre. Si la película termina preparando la creación de un nuevo mundo, su continuación podría comenzar donde los Vengadores no lograron evitar el desastre.
La verdadera rivalidad podría estar entre Doom y Reed Richards
Aunque Doomsday lleve el nombre de los Vengadores, la llegada de los Cuatro Fantasticos podría ser fundamental. En los cómics, la relación entre Victor Von Doom y Reed Richards es una de las rivalidades más importantes de Marvel. Ambos son científicos extraordinarios y, precisamente por esa cercanía intelectual, su enfrentamiento está marcado por la competencia, el orgullo y la obsesión.
Doom no considera a Reed un enemigo cualquiera. Richards representa una de las pocas personas capaces de rivalizar con él en inteligencia, algo que convierte su relación en un conflicto mucho más personal. Y en Secret Wars de 2015, Reed adquiere un papel decisivo frente al enorme poder que Doom ha conseguido.
Esto hace especialmente llamativo el encuentro entre el Richards interpretado por Pedro Pascal y el Doom de Robert Downey Jr. Más allá de las batallas que pueda reunir la película, la historia podría construirse alrededor de dos hombres que representan respuestas completamente diferentes a una misma pregunta: qué hacer cuando el mundo parece condenado. Mientras Reed busca comprender y resolver, Doom quiere controlar.
Los actores tampoco conocen toda la historia
Marvel ha llevado el secretismo del filme hasta el rodaje. Sebastian Stan, quien regresa como Bucky Barnes, contó recientemente que él y otros integrantes del elenco no tuvieron acceso al guion completo, sino que filmaron escenas aisladas y fragmentadas. El actor explicó que esta estrategia buscaba evitar que los detalles de la película terminaran filtrándose antes del estreno.
La decisión resulta especialmente llamativa en una película con un reparto tan grande y con tantos personajes procedentes de distintas etapas del MCU y de las antiguas películas de los X-Men. También ayuda a explicar por qué, a meses del estreno, continúan circulando rumores contradictorios sobre la trama y el papel que tendrá cada personaje. De hecho, varias supuestas filtraciones han aparecido en internet, pero ninguna cuenta con confirmación oficial y algunas presentan diferencias importantes entre sí.
El secretismo incluso ha alimentado nuevas teorías. Una de las más recientes surgió después de que David Harbour, durante una entrevista, pronunciara una frase de la película en la que se refiere a alguien como “Tony Stark”. El comentario provocó especulaciones sobre la relación entre Doom y el antiguo personaje de Robert Downey Jr., aunque no confirma que Tony Stark vaya a regresar ni que Doom sea una variante de él.
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Legends, la próxima serie de FX convoca al elenco original de Sons of Anarchy para lo que se ha descrito en los medios como una “secuela espiritual” a la serie que se emitió entre 2008 y 2014.
El nominado a los Emmys, Charlie Hunnam, quien interpretó el rol de Jax Teller, propuso el regreso de la historia. Hipertextual informa que el presidente de FX Entertainment destacó sus habilidades como creativo, guionista, actor y productor ejecutivo, además, calificó la nueva serie como una carta de amor que presenta un “giro metanarrativo sobre lo que los fans creen saber”.
Se espera que la serie difiera de Mayas M.C., el spin-off basado en el original, hacia una dirección más semejante a una especie de historia paralela, separada, pero no ajena al mundo que se construyó en la serie de Kurt Sutter, el cual no estará involucrado en el desarrollo de este nuevo relato.
La nueva historia tomará lugar en una reunión de los actores de Sons of Anarchy en una convención. La fantasía y la vida real se confunden entre ellas cuando los intérpretes se enfrentan a “una amenaza real aún más peligrosa que cualquier cosa que hayan enfrentado en la serie”, según Variety.
Se desconoce la fecha de publicación y grabación de la nueva serie.
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Se han revelado imágenes inéditas de uno de los momentos más emblemáticos de la historia del rock: la presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el 18 de agosto de 1969.
Lo que en su momento pareció la travesura de un fan emocionado, hoy se ha convertido en un hallazgo extraordinario para la historia de la música. Hace más de cuatro décadas, Albert Goodman, un estudiante de teatro de 22 años, logró colarse en el festival de Woodstock, celebrado en Bethel, Nueva York. Su aventura lo llevó hasta el escenario donde Jimi Hendrix ofrecería un cierre inolvidable, sin imaginar que terminaría registrando una grabación única y de gran valor histórico.
Goodman logró pasar desapercibido al colocarse detrás del percusionista Juma Sultan, por lo que fue confundido con uno de los integrantes del equipo de grabación y fotografía del festival. Desde allí, consiguió registrar a Hendrix a apenas 4,5 metros de distancia, ofreciendo una perspectiva inédita de la presentación. Para aquella ocasión, Hendrix se presentó junto a Gypsy Sun and Rainbows, una formación más numerosa que el habitual trío que lo acompañaba. La banda estaba integrada por Mitch Mitchell, Billy Cox, Larry Lee, Juma Sultan y Jerry Vélez. El concierto se extendió durante aproximadamente dos horas.
Con motivo del 57.º aniversario de la icónica presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el material fue estrenado este martes 18 de agosto bajo el título Jimi Hendrix: Live at Woodstock — A Second Look. La producción reúne las imágenes inéditas que Albert Goodman logró grabar durante aquella histórica actuación.
Grabado en una cinta de video de media pulgada en blanco, el material de Goodman ofrece a los seguidores de Hendrix una perspectiva inédita de algunas de sus interpretaciones más emblemáticas, como ‘Purple Haze’ y ‘Voodoo Child (Slight Return)’. La grabación también captura su memorable interpretación de ‘The Star-Spangled Banner’ y, especialmente, la única filmación conocida de Hendrix interpretando ‘Hear My Train A Comin’’ en vivo, lo que convierte al material en un registro excepcional de una de sus actuaciones más célebres.
Tras el festival, Goodman conoció a un hombre cercano a personas que trabajaban con Jimi Hendrix. Este encuentro le permitió mostrarle personalmente la grabación al músico, quien agradeció a Goodman por haber capturado aquellas imágenes inéditas de su histórica presentación en Woodstock.
Tras permanecer guardada durante décadas, Albert Goodman decidió entregar la cinta a los familiares de Jimi Hendrix. El resultado es un valioso homenaje a una de las actuaciones más emblemáticas del músico, cuya interpretación del himno nacional de Estados Unidos se convirtió en uno de los momentos más recordados de Woodstock y en un símbolo de la contracultura de los años 60.
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El Primavera Sound Buenos Aires 2026 se celebra del 13 al 15 de noviembre en Parque Sarmiento (entradas acá), consolidándose una vez más como la cita ineludible para descubrir tendencias de avanzada en la escena global (y local). Más allá de los grandes nombres que encabezan el cartel, un itinerario posible para vivir a pleno esta edición reside en su “letra chica”, una curaduría audaz que apuesta por artistas que están redefiniendo los límites del sonido actual. El festival ofrece un recorrido ecléctico por el pulso más inquieto de la música contemporánea y Rolling Stone selecciona diez artistas que no deberías perderte.
underscores
Guitarras distorsionadas, dubstep, emo y electrónica frenética, todo en uno: así suena underscores, el proyecto de la productora y compositora April Harper Grey, nacida en San Francisco y radicada en Nueva York. Su álbum Wallsocket (2023), repleto de referencias pop-punk de los 2000, recibió muy buenas críticas. Sus shows son catárticos y su espíritu resume cómo piensa y suena la Generación Z. En marzo de este año lanzó U, su tercer álbum de estudio, donde radicaliza su propuesta crossover. Su participación en el festival Primavera Sound Buenos Aires 2026 marcará su primera vez en Argentina.
This Is Lorelei
Nate Amos, prolífico músico y multinstrumentista de Nueva York, conocido también por integrar el dúo Water From Your Eyes, demuestra en su proyecto solista que el folk puede tener aún más caras. De enfoque lo-fi, This Is Lorelei navega por el electropop, pop alternativo, art rock e indie pop característicos de Amos, pero desde una faceta más despojada. De los siete álbumes que editó en la última década, quizás haya sido Box for Buddy, Box for Star (2024) el que más llamó la atención por sus melodías melancólicas sobre estructuras pop tan desarticuladas como emotivas. Su debut en Argentina será en el Primavera Sound Buenos Aires 2026.
Smerz
Algo de techno minimalista, un poco de R&B, mucho de pop e influencias de la música clásica contemporánea. Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt conforman Smerz, este dúo de origen noruego, afincado entre Copenhague y Oslo. Y tiene sentido si pensamos en los beats fríos y profundos de canciones como “You Got Time and I Got Money” -hasta ahora, su único hit- o “Girl”, cargadas de voces etéreas que susurran sobre una atmósfera nocturna e hipnótica. En otras palabras, la banda sonora ideal para contemplar auroras boreales. Al igual que los anteriores, también será su primera vez en esta parte del planeta.
Model/Actriz
¿Otra banda de post-punk? Digamos que sí. Pero lo de este cuarteto neoyorquino va un poco más allá. Encabezados por el carismático y magnético vocalista Cole Haden, su propuesta estira los límites del género hasta rozar las fronteras del sonido industrial y la música electrónica. Bombo en negras, bajos abrasivos y guitarras que suenan como maquinaria pesada, casi dance punk. Su inclusión en la grilla del festival representa una gran oportunidad para ver en vivo por primera vez en Argentina el despliegue de Haden, cuya energía desbordante va muy bien con canciones como “Cinderella”, “Diva” o la caótica “Mosquito”.
Candelabro
Si no tenés la menor idea de qué está pasando en materia de rock independiente en Chile, Candelabro es gran puerta para abrir. Surgida en Santiago en 2021, esta banda de art-rock y post-rock que incorpora saxo, oboe y sintetizadores a la clásica alineación de guitarras, rescata la herencia de la nueva canción chilena y la cruza con rabia y experimentación. Sus dos discos, Ahora o Nunca (2023) y Deseo, carne y voluntad (2025), destacan por arreglos corales ambiciosos y cambios bruscos que van de la calma al estallido con astucia y precisión. Cuando es momento, saben cantar, y cuando es necesario, también saben gritar. Será la segunda vez que crucen la cordillera de los Andes para tocar en Buenos Aires.
Wiranda Johansen
Nacida en Nueva York y radicada en Buenos Aires, Wiranda Johansen es una artista multidisciplinaria. Dueña de un linaje artístico indiscutible, colaboró por primera vez con su padre, el desgenerado Kevin Johansen, en “Everything Is (Falling into place)”. La canción forma parte de City Zen (2004) y Wiranda tenía apenas 7 años cuando hizo esos coros. Esa musicalidad precoz se proyectó a una carrera sólida como solista que combina el pop melancólico, el synthpop y los climas nocturnos. El flamante EP No soy un stalker, soy tu ángel guardián (2025) es el último mojón de una discografía que empezó en 2019 con el auspicioso Fata Morgana, un álbum inspirado en los poemas de su abuela Marta “Koala” Calvet.
LISA SCHA
Cantante, compositora y productora Lisa Scha lanzó Posesa, su álbum debut, en 2023. Un par de años más tarde lanzó el EP Es el Pop, Estúpida y acaba de lanzar su nuevo album, Colapso (2026). Su propuesta construye un universo sonoro inmersivo y dramático que cruza el glitch pop, el ambient y beats electrónicos oscuros con cierta textura analógica y cálida. Sus letras funcionan como un diario íntimo donde expone sus inseguridades, miedos y vivencias. El talento puede rastrearse en sus genes: su padre es Sebastián Schachtel, tecladista de Las Pelotas y La Portuaria.
Sunlid
Liderado por la cantante y guitarrista Lucía Taubas, este cuarteto aporta una delicadeza indie que combina texturas etéreas, guitarras enérgicas y climas nostálgicos, transitando con naturalidad entre el dream pop, el shoegaze y la canción pop de impronta contemporánea. Hay ecos de Suarez, el emblemático grupo de Rosario Bléfari en estas canciones de marcada sensibilidad, que combinan una cuota de melancolía con una luz que se parece a la del amanecer.
Los Thuthanka
Integrado por los hermanos boliviano-estadounidenses Chuquimamani-Condori y Joshua Chuquimia Crampton, este duo se ha posicionado como uno de los proyectos más hypeados de la escena avant-garde experimental actual. Su propuesta cruza géneros tradicionales de la raíz aymara —como el huayno, el caporal y la kullawada— con texturas de música electrónica. Tras el impacto de su álbum homónimo debut en 2025, el dúo amplió su universo conceptual con el flamante EP Wak’a (2026). Una fascinante cruza entre lo global y lo local, la vanguardia y la memoria ancestral, .
Babeblade
Nació en Tierra del Fuego, vivió un tiempo en Nueva Delhi y ahora es vecina de Florida, en el partido bonaerense de Vicente López. La propuesta de esta enigmática cantante le escapa a los encasillamientos, y puede transitar naturalmente entre atmósferas electrónicas, texturas de pop sensible, destellos de shoegaze e hyperpop. Su auspicioso álbum debut Llorar en un baño público (2023) es el pilar de una obra que logra convertir la catarsis emocional en canciones de melodías potentes y letras sinceras.
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Días antes del estreno mundial de Moria, la serie de Netflix basada en su vida que ya es tema de conversación obligado en redes sociales, la diva habló con Rolling Stone sobre cómo fue revisitar su historia, participar del proceso creativo y verse interpretada por Sofía Gala, Griselda Siciliani y Cecilia Roth. En la charla, Moria definió a la producción como una obra “dura”, “romántica” y profundamente auténtica.
Una historia que no quería contar
Aunque durante años recibió propuestas para llevar su vida a la pantalla, Moria reconoce que inicialmente rechazó la idea. “Esto ya me lo venían ofreciendo hace como dos años y yo decía: ‘De ninguna manera quiero hacer una serie sobre mi vida’. No quería porque me conocen tanto y lo he dicho tanto. Siempre digo que mi vida fue un set; un estudio televisivo ha sido el gran living de mi casa”, dijo.
“Me quedo con la serie, porque pensé que podía extender más en capítulos un poco lo que era mi vida ya conocida”, explicó.
Ver su vida desde afuera
Uno de los momentos más impactantes para Casán fue verse representada por su propia hija, Sofía Gala, en la ficción. “Es una cosa diferente. Todo muy loco. Qué bueno que la haya podido hacer mi hija. Está brutal”.
La actriz contó que compartió una proyección privada de los primeros capítulos con Sofía y amigos cercanos, una experiencia que definió como profundamente conmovedora. “Qué bueno que nos haya tocado esto. Porque somos elegidas. ¿Viste que es muy conmovedor? Todo, todo”, sostuvo.
“No tiene careteo hétero”
Al describir el espíritu de la producción, Casán destacó especialmente la mirada que la serie tiene sobre la diversidad y los vínculos afectivos. “La serie es dura, es romántica y tiene poesía. Y también tiene humor. Mucho humor”.
“No tiene careteo hétero. Es muy, muy queer, es muy, muy gay. Es muy… Es muy verdad”, remarcó.
La participación de Moria en el guion
Moria aclaró que no fue una observadora pasiva del proyecto. Durante meses trabajó junto al director y guionista Javier Van de Couter aportando detalles y recuerdos de su vida. “Sí que participé. Primero estuve hablando días y días enteros, contándole cosas de mi vida. Cosas que la gente de pronto sabe un poco, pero no sabe tanto”, detalló.
Entre esos relatos aparecen episodios fundamentales que, según ella, explican la construcción de su personaje público. “Los hechos inusuales, como entrar al teatro después de salir de la facultad, sin pensar; eso ya solamente da para una película”, aseguró.
Una historia marcada por el destino
La serie recrea el momento en que Ana María Casanova abandona Derecho para convertirse en Moria Casán. La propia protagonista sostiene que esa reconstrucción es fiel a lo ocurrido. “El comienzo de la serie es tal cual: bajé las escaleras de la facultad, fui al teatro y debuté ese mismo día. Es absolutamente así”, dice.
También recordó la elección de su nombre artístico, inspirado en el nombre que su madre había querido ponerle al nacer. “Moria Elizabeth era el nombre que mi vieja me quiso poner al nacer y no la dejaron los pacatos de ese momento”, contó.
El capítulo de Paraguay
Entre los episodios más llamativos de la serie aparece su detención en Paraguay, etapa que la ficción aborda con un tono cercano al realismo mágico. Moria celebró especialmente el resultado. “¿Viste qué lindo ese capítulo? Sí, sí, sí. Un capítulo más en mi vida”. Fiel a su estilo, aseguró que nunca vivió aquella experiencia desde la victimización: “No era una cárcel para mí, era un monasterio”.
Y agregó: “Nunca en mi vida me victimicé, ni lloré, ni me sentí triste”.
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Pulp acaba de compartir el primer tráiler de What Do You Do for an Encore?, el documental sobre la banda de brit-pop centrado en su gira de regreso de 2025.
“¿Cómo llegamos a un momento así? Es una larga historia. La historia de Pulp”, dice en off el líder Jarvis Cocker, quien también ejerce de narrador de la película. “La versión de la vida real de Pulp ha sido mucho más interesante de lo que podría haber imaginado por mi cuenta”.
Musicalizado con una interpretación en vivo del clásico de la banda “Common People”, el tráiler de Pulp: What Do You Do for an Encore? combina videos de archivo de la historia del grupo con imágenes de los conciertos de la gira de Pulp de 2025 en apoyo a su álbum más reciente, More.
La película dirigida por Garth Jennings se estrenará exclusivamente en Mubi el 25 de septiembre. pero, además, el documental se proyectará por una sola noche en los cines de Estados Unidos el 24 de septiembre.
“La película entrelaza imágenes de su ingenioso show en vivo con cuatro décadas de material de archivo nunca antes visto, trazando el accidentado viaje de la banda desde marginados de Sheffield [Inglaterra] hasta inusuales iconos culturales”, señaló Mubi sobre la película, que también incluirá 20 canciones extraídas de los conciertos de 2025.
Jennings, el cineasta detrás de Sing y The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy (Guía del autoestopista galáctico), dirigió previamente los videos musicales del sencillo de Pulp de 1997 “Help the Aged” y su tema de 1988 “A Little Soul”.
“En el verano de 2022, escuché por primera vez el rumor de que podría haber una reunión de Pulp, y me puse como loco de alegría”, declaró Jennings previamente en un comunicado. “Pulp, Jarvis y esas canciones realmente significan todo para mí, y la oportunidad de ver a la banda actuar junta de nuevo fue un rayo de alegría muy necesario en una época en la que las cosas para muchos de nosotros han parecido implacablemente sombrías. Mi siguiente pensamiento fue cuánto me encantaría capturar este momento en película, así que me puse en contacto con Jarvis y empezamos a hablar sobre el show y sobre la película que podría surgir. La inspiración vino de una línea de This Is Hardcore: ‘¿Qué demonios haces como bis?’”.
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Ya se conoce la grilla del Cosquín Rock 2027. El festival cordobés cumplirá 27 años en esta próxima edición y este jueves anunció los nombres que formarán parte de las dos jornadas, el 6 y 7 de febrero, en el Aeródromo de Santa María de Punilla.
Babasónicos, Divididos, Los Fabulosos Cadillacs, WOS, Tan Bionica, Ciro y Los Persas, Él Mató a un Policía Motorizado y No Te Va Gustar aparecen entre los principales atractivos de una programación que también suma a otro uruguayo, Jorge Drexler, y al estadounidense Jack Johnson.
A ellos se agregan nombres de peso de distintas escenas, como Las Pastillas del Abuelo, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, Illya Kuryaki and the Valderramas, Catupecu Machu, La Delio Valdez, Los Cafres, Guasones, Kapanga, El Kuelgue, Peces Raros, Marilina Bertoldi y Lisandro Aristimuño. En la electrónica, uno de los grandes nombres internacionales es Richie Hawtin.
La lista completa en órden alfabético:
2 Minutos, A La Par, Abril Olivera, Ale Kurz, Autos Robados, Babasónicos, Bacanas, BB Asul, Blair, Blues Motel, Botafogo, Búfalos Sedientos, Cada Cual, Camionero, Capital Cities, Catupecu Machu, César Valdomir, Chapa & Castelo, Ciro y Los Persas, Cruzando el Charco, Cuatro al Hilo, Daniela Spalla, Delfina Campos, Dellacasa, Divididos, El Kuelgue, Él Mató a un Policía Motorizado, El Plan de la Mariposa, El Zar, Escalopez, Florian, Franco Cinelli, Gauchito Club, Gente Negra, Guasones, Gustavo Cordera, Héctor Couto, Ian Amores, Illya Kuryaki and the Valderramas, Jack Johnson, Jay de Lys, Jorge Drexler, Juan Ingaramo, Justi Rica, Kapanga, Kat Riggins, Koino Yokan, La Chancha Muda, La Cumparsita Rock, La Delio Valdez, La Forasteria, La Grecia, La H No Murió, La Kermesse Redonda, La Mississippi, La Virgenxita, Las Pastillas del Abuelo, Las Pelotas, Lisandro Aristimuño, Locche, Los Besos, Los Cafres, Los Espíritus, Los Fabulosos Cadillacs, Los Gardelitos, Los Neurotipes, Los Pérez García, Lulu Matheu, Manu Desrets, Manu Martínez, Mar Monzón, Mariano Mellino, Marilina Bertoldi, Marino’s Band, Martín Huergo, Mateo Dufour, Memphis La Blusera, Mixo, Mrtna, Nacho Bolognani, Najles, Nick Curly, Nicola, No Te Va Gustar, Nonpalidece, Peces Raros, Perras on the Beach, Piti Fernández, Pizza, Q’Lokura, Ramma, Ramita Puzzo, Ratones Paranoicos, Reybruja, Richie Hawtin, Ryan Salas Vejatorias, Sandra Vazquez, Silóe, Silvestre y La Naranja, Só, Sour District, Tan Bionica, The Ginger Hearts, The Rhythm Gamblers, Tiki Sironi & Agus Prieto, Un Poco de Ruido, Usted Señalemelo, Victoria Whynot, Viejo Motor, Wayra Iglesias, Winona Riders, WOS, Zaren, Zoe Gotusso.
Las entradas están a la venta y se consiguen únicamente a través de la página oficial de Cosquín Rock.
El valor del abono general para las dos jornadas es de $500.000 más $75.000 por costo de servicio. El abono especial “fanatic”, que permite acceso privilegiado a shows y locales de comida, cuesta $1.800.000 más $100.000 por costo de servicio.
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Quiero llevarlos de vuelta al año 2008, cuando el Museo del Sexo de la ciudad de Nueva York inauguró una exposición sobre la vida sexual de los animales. La exposición estuvo abierta durante una década completa, y tuve la oportunidad de visitarla aproximadamente un año antes de que cerrara en 2018. De hecho, fue en la exposición La vida sexual de los animales donde aprendí que los patos tienen penes enormes con forma de sacacorchos. Pero dejando de lado los genitales de los patos, la intención del Museo del Sexo, hace casi 20 años, era revelar la “sorprendente variedad” de comportamientos sexuales que los animales practican habitualmente, desde besarse hasta abrazarse y, bueno, todo lo demás. Y definitivamente no siempre entre machos y hembras.
Por más que elogie al Museo del Sexo por enseñarme sobre lo que ocurre a plena luz del día entre las aves y las abejas, en sentido literal, también debo reconocer que es una lastima que una exposición así probablemente no estaría permitida en un lugar donde no se vendan vibradores ni lubricantes en la tienda de regalos. Y qué decepcionante es que la verdad sobre los gatos y los perros, por así decirlo, no haya logrado una mayor aceptación.
Cuando se trata del género y la sexualidad de los animales, la verdad no solo está ahí fuera, sino que, de hecho, ha estado frente a nuestras narices todo este tiempo. El problema es que la ciencia convencional y la sociedad han tardado en alejarse de la narrativa de que todos los animales copulan únicamente con fines reproductivos, que cualquier actividad entre individuos del mismo sexo es puramente anómala (y antinatural) y que todas las especies están dominadas por los machos. Ahora, un nuevo documental titulado Second Nature: Gender & Sexuality in the Animal World busca desmentir esos mitos y, en el mejor de los casos, difundir esta información a una escala más grande.
Narrado por Elliot Page, Second Nature cumple con creces su cometido al entrevistar a un grupo de científicos expertos que han dedicado largas carreras a estudiar la diversidad de comportamientos sexuales y de género en una amplia gama de especies, desde primates y aves hasta peces y reptiles. Y sin duda hay mucho que analizar. Además de los hechos en sí, Second Nature plantea algunas preguntas importantes: ¿por qué no se enseña esta información en las clases de biología básica ni se incluye en los libros de los zoológicos? ¿Por qué los humanos insisten en proyectar su propia narrativa binaria sobre género y sexualidad —que los machos son agresores, las hembras son tímidas y el sexo es solo para la procreación— sobre nuestros vecinos animales?
La respuesta es bastante sencilla: para entender el mundo que nos rodea, lo más fácil y sencillo es aplicar nuestro marco social. Históricamente hablando, quienes investigan y estudian a los animales tienden a proyectar sus ideas ciscentristas y patriarcales en ellos, a pesar de la gran cantidad de evidencia que indica lo contrario.
De cualquier manera, después de haber visto Second Nature, puedo listar algunos datos muy interesantes: los delfines tienen —mucho— sexo homosexual, al igual que los pingüinos y los cisnes negros. Los pingüinos también suelen formar parejas del mismo sexo para criar a sus polluelos. Las hembras de bonobo suelen usar el sexo para resolver conflictos mediante el “frotamiento genital”, y los machos pueden tener relaciones sexuales entre sí mediante el “esgrima con el pene”. Los bonobos también viven en una sociedad matriarcal. Aproximadamente la mitad de las relaciones sexuales que tienen los monos capuchinos son homosexuales.
Y hablando de los patos con penes tan peculiares, escuchen esto: las hembras de pato tienen vaginas con dos o tres cavidades que pueden no conducir a ninguna parte; más allá de esas cavidades se encuentra una espiral laberíntica. Cuando los patos se aparean, es la hembra quien decide a qué macho le permitirá depositar esperma en la espiral, pero eso solo pasa si decide relajar sus músculos lo suficiente. Si un pato macho intenta forzar a una hembra —cosa que realmente sucede—, sus bolsas vaginales impiden que el esperma llegue a alguna parte.
¿Qué más? Las hembras de tití león dorado tienen harenes de machos sin parentesco, y con todos se aparea. Y creo que todos conocemos bastante bien la historia del caballito de mar, en la que los machos quedan embarazados y dan a luz.
Gran parte de esta información llegó al público por primera vez en el libro de la Dra. Joan Roughgarden de 2004, Evolution’s Rainbow, que analizaba evidencia de aves, peces y mamíferos para refutar la teoría darwiniana sobre la selección sexual, la cual proponía que la competencia entre machos, o la selección intrasexual, era un método exitoso para el apareamiento. (Básicamente, el macho más fuerte y agresivo es el que logra aparearse y transmitir sus genes). Charles Darwin también propuso que la selección intersexual implicaba que las hembras evaluaran y eligieran a los machos con quienes aparearse basadas en rasgos específicos, como el colorido plumaje de un pavo real.
Cuando Roughgarden (bióloga evolutiva de Stanford que aparece en Second Nature) se opuso a estas teorías darwinianas aceptadas desde hace tanto, se topó con una reacción terrible. Las críticas fueron “desagradables”, recuerda en el documental, y otras reseñas afirmaban que había “intenciones gay” detrás. (La Dra. Roughgarden es una mujer trans).
Solemos olvidar que en la Inglaterra victoriana, cuando Darwin propuso por primera vez la teoría de la evolución, los líderes religiosos no la aceptaron. En términos generales, los líderes religiosos del siglo XIX se resistieron al darwinismo porque consideraban que contradecía el relato de la creación del Génesis (aunque algunos se sentían cómodos con la idea del darwinismo cristiano, que propone que Dios utilizó la evolución biológica para crear toda la vida). Los líderes católicos consideraban que el darwinismo podía explicar la biología física, pero amenazaba la existencia de las almas humanas. En última instancia, los líderes cristianos consideraron que el darwinismo reducía la vida humana a algo puramente mecánico y sin alma, y por lo tanto, sin Dios.
No fue sino hasta la década de 1870 —casi dos décadas después de que Darwin publicara El origen de las especies— que la comunidad científica y otros grupos cultos aceptaron ampliamente la evolución como un hecho.
En Second Nature, los científicos plantean la teoría de que Darwin no pudo evitar imponer sus propias ideas heterosexistas sobre la reproducción animal, principalmente que los animales solo copulan con fines reproductivos, siendo los machos los agresores y las hembras revoloteando sus pestañas detrás de abanicos de encaje, o algo así.
En los últimos años, a medida que la comunidad científica se ha vuelto más diversa, surgió una nueva ola de observaciones sobre el comportamiento animal y las razones evolutivas que lo sustentan. Por ejemplo, los animales sociales como los bonobos y los chimpancés utilizan el sexo como un medio de reconciliación, lo que les permite llevar una existencia pacífica y cooperativa. (Si el sexo se lograra principalmente a través de la agresión, eso probablemente resultaría en más inestabilidad, lesiones y muerte, lo cual no suena ideal para la supervivencia de ninguna comunidad, ya sea animal, humana o de otro tipo).
“Los humanos nos proyectamos en la naturaleza todo el tiempo, y lo hemos estado haciendo desde siempre; basta con mirar cualquier mito”, dice Drew Denny, director de Second Nature, a Rolling Stone. “Nos encanta crear explicaciones coloridas para los fenómenos naturales, pero a menudo lo hacemos a costa de personas totalmente inocentes. ¿Recuerdas cuando se decía que todas las personas zurdas eran controladas por Satanás? Apuesto a que conoces a varios zurdos que, de hecho, no son satanistas”.
Denny cree que nos beneficiaría a todos adoptar una perspectiva panorámica de la historia y recordar la miríada de historias que nos hemos contado a lo largo de los años en un intento por explicar lo inexplicable. Si los seres humanos y nuestros inventos son inherentemente falibles, entonces es razonable suponer que nuestras historias también lo son. “Nuestras pequeñas proyecciones —incluso nuestros mitos más arraigados— no son nada comparadas con los miles de millones de años de evolución que nos han llevado hasta este momento”, afirma Denny.
Y, por supuesto, los animales no nos necesitan para comprender todo el espectro de sus experiencias sexuales y de género: todos están muy bien viviendo sus vidas, enfrentándose con sus penes, formando parejas del mismo sexo y cambiando de sexo para preservar su existencia. En realidad, difundir narrativas obsoletas sobre la forma en que los animales se relacionan entre sí solo perjudicará a una especie: la nuestra.
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