Kelly Clarkson with her son Remi Blackstock (left) and daughter River Blackstock on the final episode of ‘The Kelly Clarkson Show,’ aired Aug. 31, 2026.
Weiss Eubanks/NBCUniversal
Lionel Richie fue hospitalizado luego de presentarse el sábado por la noche en The Muny, un reconocido escenario de St. Louis, Missouri, en Estados Unidos. La información fue divulgada este lunes 31 de agosto por el medio estadounidense TMZ, que citó a fuentes con conocimiento de la situación.
Según ese reporte, el artista ingresó a un hospital local después del espectáculo y permanece en la unidad de cuidados intensivos, donde ha sido sometido a diferentes pruebas médicas.
Las fuentes consultadas por TMZ señalaron que los médicos estarían investigando una posible deshidratación leve. También indicaron que el cantante se encontraría bien y que, de acuerdo con las previsiones conocidas por el medio, podría recibir el alta este martes.
Hasta el momento, no se ha informado públicamente de un diagnóstico diferente ni se conocen detalles adicionales sobre el estado de salud del intérprete.
Richie necesitó sentarse durante su presentación
La situación médica se conoció después de que el artista manifestara malestar durante su concierto en St. Louis.
De acuerdo con el reporte de TMZ, durante la última canción del espectáculo, ‘All Night Long’, Richie le pidió a su equipo que le llevara un taburete para poder sentarse mientras continuaba con la presentación.
El concierto logró llegar a su final y posteriormente el cantante fue trasladado a un centro médico para ser sometido a las respectivas evaluaciones.
Ya había tenido otro episodio durante un concierto
La hospitalización de agosto ocurre después de otro incidente registrado en junio.
En aquella ocasión, Lionel Richie se sintió “mareado” y “extraño” mientras actuaba en St. Paul, Minnesota. El espectáculo tuvo que ser interrumpido y posteriormente se informó al público que el cantante no podía continuar.
Richie fue atendido por paramédicos y posteriormente trasladado en ambulancia a un hospital.
Como consecuencia de aquella situación, dos presentaciones posteriores fueron pospuestas. Esos conciertos correspondían a la gira que el artista realizaba junto a Earth, Wind & Fire.
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¿Qué pasará con los próximos conciertos?
Por ahora, no existe confirmación sobre una eventual cancelación o aplazamiento de las próximas presentaciones de Lionel Richie a raíz de su actual hospitalización.
El artista tiene programadas diferentes fechas durante los próximos meses. Entre los compromisos aparecen conciertos reprogramados junto a Earth, Wind & Fire en ciudades como San Francisco, Chicago y Columbus, además de presentaciones en Las Vegas durante octubre y noviembre.
También figuran una fecha en Brasil para diciembre y otra en Thackerville, Oklahoma, en enero de 2027.
Sin embargo, cualquier modificación de esta agenda dependerá de la evolución de su estado de salud y de las decisiones que tome su equipo.
Por ahora, la información divulgada por TMZ señala que Lionel Richie permanece bajo atención médica y es sometido a pruebas, mientras los especialistas evalúan la posible deshidratación. No se han entregado públicamente mayores detalles sobre su condición.
El cantante, nacido en Tuskegee, Alabama, tiene 77 años y continúa activo profesionalmente después de varias décadas de trayectoria en la música.
Karol G y Bruno Mars volvieron a llamar la atención de sus seguidores por la cercanía que han mostrado durante la promoción de ‘Still’, canción que hace parte del álbum No Me Arrepiento de Sentir Tanto, lanzado por la colombiana el pasado 7 de agosto.
Aunque la relación profesional entre ambos está confirmada, algunos fanáticos comenzaron a preguntarse si detrás de su colaboración podría existir un vínculo sentimental.
La presentación que aumentó los rumores
El 15 de agosto, durante un concierto de Karol G en el SoFi Stadium de Los Ángeles, Bruno Mars apareció como invitado sorpresa.
Los dos artistas interpretaron en vivo ‘Still’ y también compartieron el escenario para cantar ‘Risk It All’, una canción del estadounidense. Durante la presentación, Bruno Mars se refirió a la colombiana como “princesa Carolina”, un momento que rápidamente generó comentarios entre los asistentes y usuarios de redes sociales.
A partir de allí comenzaron a circular teorías sobre una posible relación entre los cantantes.
El mensaje de Bruno Mars que llamó la atención
Las especulaciones tomaron más fuerza después de una publicación de Bruno Mars. El artista compartió un video con ‘Still’ de fondo y escribió: «Cuando lo único que quieres es paz, pero te estás enamorando de una latina», etiquetando a la cantante paisa.
Poco después, Karol G publicó fotografías en las que aparece junto a Bruno Mars, incluyendo imágenes en las que se muestran abrazados y compartiendo momentos durante la celebración relacionada con su proyecto musical.
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La combinación de las publicaciones volvió a alimentar las teorías en redes sociales.
¿Karol G y Bruno Mars confirmaron un romance?
Por ahora, ninguno de los dos artistas ha confirmado que mantenga una relación sentimental con el otro.
Lo que sí está confirmado es su trabajo conjunto en ‘Still’ y las apariciones que han realizado durante la promoción de la canción. Por ello, las interpretaciones sobre un posible romance corresponden a especulaciones de sus seguidores y no a una relación anunciada públicamente.
Además, la canción aborda sentimientos relacionados con el amor y una relación que continúa dejando huella después de una separación, un contenido que también ha llevado a los fanáticos a relacionar la letra con la situación sentimental de los artistas.
En el caso de Karol G, la cantante aseguró recientemente que continúa soltera y que no está disponible para una relación en este momento.
Así, mientras las fotografías y publicaciones siguen generando comentarios, no existe hasta ahora una confirmación pública de que Karol G y Bruno Mars sean pareja. La única relación conocida entre ambos es la que mantienen como colaboradores musicales.
La salud de Alci Acosta mantiene en alerta a sus seguidores. El reconocido cantante y pianista, de 87 años, permanece hospitalizado en una Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) en Barranquilla, luego de presentar complicaciones relacionadas con sus riñones y su próstata.
La información ha sido entregada por su hijo, el también artista Checo Acosta, quien se ha encargado de comunicar a través de sus redes sociales las novedades sobre la evolución del intérprete.
La actualización más reciente señala que el estado de salud de Alci Acosta es estable y que ha respondido favorablemente a los procedimientos médicos realizados en la Clínica La Misericordia Internacional.
“Saliendo de visita, y el reciente informe sobre mi padre Alci Acosta es que se encuentra estable, respondiendo muy bien a los procedimientos. Sigue en manejo conservador”, escribió Checo Acosta en una publicación.
Según último informe, mi padre Alci Acosta se encuentra estable, respondiendo muy bien a los procedimientos. Sigue en manejo conservador. Seguidos agradeciendo sus oraciones y sus mensajes tan bonitos y motivadores @AlciAcostaC
pic.twitter.com/SZ5oQN3l4I
— Checo Acosta (@checoacosta) August 31, 2026
El ingreso del artista al centro asistencial ocurrió el domingo 30 de agosto. Horas después, su hijo confirmó públicamente que presentaba una afección en los riñones y la próstata y agradeció al personal médico por la atención brindada.
“Mi padre Alci Acosta ha presentado una afección en sus riñones y en su próstata. En estos momentos se encuentra en U.C.I. ya estable con toda la atención requerida”, señaló Checo Acosta.
La familia también agradeció las muestras de solidaridad recibidas desde que se conoció la hospitalización.
@AlciAcostaC @Checumbiaprodu1 @laoficinadechec pic.twitter.com/lvDbnpdQHQ
— Checo Acosta (@checoacosta) August 30, 2026
Checo Acosta habló sobre la evolución de su padre
En declaraciones entregadas a Noticias RCN, Checo Acosta explicó que el equipo médico logró actuar oportunamente y que su padre permanece bajo manejo conservador.
El artista también señaló que Alci Acosta había superado un procedimiento considerado de alto riesgo y que los médicos evaluaban retirarle la sedación.
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“En estos momentos está siendo atendido, está en manejo conservador, nos acaban de dar la buena noticia de que ha asimilado bien todos los procedimientos y Dios mediante dentro de 24 horas le van a quitar la sedación”.
Hasta el momento, la familia no ha entregado públicamente un diagnóstico más específico ni ha precisado cuánto tiempo permanecerá hospitalizado. Por ello, no se puede establecer con la información disponible cuál es el alcance de las afecciones que presenta actualmente.
Una nueva hospitalización para el reconocido cantante
La actual hospitalización se suma a otros episodios médicos que han afectado al artista durante los últimos años.
En octubre de 2023, el cantante fue sometido a una intervención quirúrgica después de ser diagnosticado con estenosis severa en la zona lumbar. En aquel momento, Checo Acosta informó que la operación había sido exitosa y que posteriormente su padre debía iniciar un proceso de terapias para recuperar movilidad y fortalecer su musculatura.
Otro episodio ocurrió durante la pandemia de covid-19, cuando Alci Acosta, su esposa Ruth Agudelo y su hijo Checo dieron positivo para el virus. Agudelo de Acosta falleció en noviembre de 2020 después de presentar complicaciones asociadas a la enfermedad.
Alci Acosta, una trayectoria ligada al bolero
Alcibiades Alfonso Acosta Cervantes, conocido artísticamente como Alci Acosta, nació en Soledad, Atlántico, y construyó una extensa carrera como cantante y pianista.
Su nombre está estrechamente relacionado con el bolero y la música romántica colombiana. Durante décadas consolidó un repertorio que llegó a distintas generaciones y que lo convirtió en una de las figuras más reconocidas de este género.
Entre sus interpretaciones más conocidas se encuentran ‘La copa rota’, ‘El último beso’, ‘La cárcel de Sing Sing’, ‘Traicionera’ y ‘Si hoy fuera ayer’.
Además de su faceta como cantante, Acosta desarrolló una carrera como pianista y se convirtió en uno de los referentes de la música romántica y de despecho en Colombia.
Por ahora, el reporte entregado por su familia indica que Alci Acosta continúa estable y bajo atención médica en Barranquilla, mientras sus seguidores permanecen atentos a nuevas noticias sobre su evolución.
Olivia Rodrigo kicked off her inaugural Daisy Chain Fields festival with an all-female lineup including Chappell Roan, Doechii, Rachel Chinouriri, Eli, Mitski and more. Rodrigo also included special guests like Sarah McLachlan, Alanis Morissette and Stevie Nicks. In a press conference, Rodrigo talked about how ticket sales from the Daisy Chain Fields festival are going to support 10 organizations.
Olivia Rodrigo
You guys, this is the best day in my f—ing life. We are donating $10 million to be given directly to these 10 nonprofit partners. When I had the idea for this festival, I called each of them, and I was so overwhelmed by their enthusiasm for the idea.
Rachel Chinouriri
I got a phone call from Olivia. It was quite mad because I was just in my flat in London, and when your manager says, “Would it be OK if I give Olivia Rodrigo your number?” It’s not something you really expect. So I was just like, “Absolutely, yes.”
Eli
There’s something really special about a very young artist with a massive platform who’s actually standing for some real, real important change. F— capitalism, sorry.
Tetris Kelly
We’re taking you to the first-ever Daisy Chain Fields in Billboard All Access. We hopped in a car with Lego Group to head to Irvine, California. And once we arrived at the fest, we kicked the day off with the beautiful and talented Eli.
Fan
I was just saying, you’re beautiful, you’re amazing. Keep doing what you’re doing. You’re super talented. I’ve been a fan of you for a little bit, but yeah.
Eli
I got a phone call on the day that I found out she wanted to have a phone call. I was like, “What is happening?” I had no idea she knew my music. I’m like, “Maybe Conan Gray showed her, like maybe one of the gays,” like I don’t know. I’m like, “Who did it?” I was very moved by the mission statements that she had. I was very moved by the heart to unite women and not tear women down. The unethical and abhorrent inhumane nature of a world with billionaires possessing more than half the wealth of the entire world, while roughly 2 to 3 billion human beings on Earth live without all of their basic human needs met. It was important to me because opportunities like this are very rare. It is such a moving dream to be able to sing on the stage, and like that’s for like my heart, and that’s for like me and my personal development. But then like to know that if you’re gonna even be in front of anyone, there’s like a responsibility, I feel.
Watch the full video above!
Suno is facing yet another copyright infringement lawsuit, this time alleging its popular AI music model was trained on regional Mexican hits in order to generate Spanish-language songs.
The legal complaint was filed Monday (Aug. 31) by Gerencia 360 Music, an independent regional Mexican record label and publisher. It’s the latest in a string of AI training lawsuits brought against Suno by music rightsholders, including the majors, indies and individual artists.
Like other rightsholders, Gerencia alleges that Suno ripped its music from streaming services and then fed it into the training corpus for an AI model that now allows users to generate new songs with the click of a button. Monday’s lawsuit, however, specifically says Gerencia’s catalog was necessary for Suno to teach its model to create songs in Spanish.
“Gerencia’s works are especially important to Suno because they are hugely popular Spanish language works, which Suno has misappropriated to train its models so they may provide Spanish language songs in response to user queries,” reads the complaint, filed by veteran music litigator Richard Busch. “Without its infringement of Gerencia’s Spanish language copyrighted works, Suno would not have been well-positioned to capture a significant share of the Spanish language AI user market.”
Busch says Gerencia’s catalog includes “some of the most recognizable and commercially valuable songs in the history of Regional Mexican and Latin music,” including works by Adriel Favela, Javier Rosas, Giovanny Ayala, Cornelio Vega y su Dinastia and Noel Torres. The lawsuit is seeking nearly $100 million in damages.
A Suno rep declined to comment on the lawsuit Monday.
Suno’s copyright troubles began in 2024, when the three major labels banded together to sue the AI company for infringing their sound recordings “at an almost unimaginable scale.” Other rightsholders have since jumped in with their own copyright infringement suits against Suno, including a group of indie artists pursuing class action status and production music company Jamendo. Two weeks ago, indie publisher Round Hill Music opened up another case (also authored by Busch).
Suno maintains that its AI training process was legal under copyright law’s fair use principle, which allows unlicensed works to be reused for transformative purposes. It remains to be seen whether a judge will agree; fair use is an untested legal question at the center of dozens of ongoing AI copyright lawsuits right now.
Meanwhile, Suno has made peace with some big players in the music industry. Warner Music Group (WMG) exited the majors’ lawsuit last fall by inking a landmark settlement that requires to Suno to train a new model on licensed music, and BMG reached a similar deal with Suno earlier this month.
Dolly Parton’s best-of collection Ultimate Dolly Parton re-enters the Billboard 200 albums chart dated Sept. 5 at No. 5, marking the late icon’s fourth top 10-charted set and her second-highest-charting album ever.
Parton died on Aug. 25 at age 80 after a short battle with cancer. The entertainer previously visited the top 10 with the all-star collaborations project Rockstar (No. 3 in 2023, her highest-charted album), Blue Smoke (No. 6 in 2014) and the collaborative album Trio (No. 6, in 1987) with Linda Ronstadt and Emmylou Harris.
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Ultimate Dolly Parton was released in 2003 and originally peaked at No. 112 in 2019. Until this week, it hadn’t been on the chart since 2020. In the Aug. 21-27 tracking week, which reflects less than three days of impact following the announcement of Parton’s death, Ultimate Dolly Parton earned 59,000 equivalent album units (up from a negligible sum in the previous week), largely driven by streaming activity of the songs on the album.
The 20-track Ultimate Dolly Parton includes familiar Parton favorites such as “Jolene,” “I Will Always Love You,” “Here You Come Again,” “9 to 5” and “Islands In the Stream” (with Kenny Rogers). Many of the songs on this album are shared among other Parton projects — hits compilations and studio albums. For chart purposes, songs shared across an artist’s albums have their streaming equivalent album units and track equivalent album units assigned to whichever of those albums sells the most, by pure album sales, in a given week. In the latest tracking week, Ultimate Dolly Parton was the legend’s best-selling album, with 7,000 copies sold.
The Billboard 200 chart ranks the most popular albums of the week in the U.S. based on multi-metric consumption as measured in equivalent album units, compiled by Luminate. Units comprise album sales, track equivalent albums (TEA) and streaming equivalent albums (SEA). Each unit equals one album sale, or 10 individual tracks sold from an album, or 2,500 ad-supported or 1,000 paid/subscription on-demand official audio and video streams generated by songs from an album. The new Sept. 5, 2026-dated chart will be posted in full on Billboard‘s website on Sept. 1. For all chart news, follow @billboard and @billboardcharts on both X, formerly known as Twitter, and Instagram.
Kelly Clarkson just signed off of The Kelly Clarkson Show for the last time, ending her Daytime Emmy-winning talk show after seven seasons with an emotional episode that featured her two children, River and Remington.
The singer’s son and daughter joined their superstar mom for the final installment, which aired Monday (Aug. 31) and featured a special Kellyoke performance of “Golden” from KPop Demon Hunters. And after seven years covering other artists’ songs for the segment, Clarkson performed a couple of her own: “Since U Been Gone” and “Stronger.”
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“From the very first episode, music has been a cornerstone of this show,” she told her audience. “We’ve done over 1,000 Kellyokes, talked with hundreds of guests about songs that inspire their work and about everyday people who have the power of music transform their lives and the lives of those in their communities.”
According to E! News, River and Remington — who Clarkson had with late ex-husband, music executive Brandon Blackstock — also shared their favorite moments from the show’s run. “I like watching you shine every single day,” River told the Grammy winner, while Remington said, “I liked talking to Jason Momoa and singing ‘My Way’ with the band.”
With her kids by her side, Clarkson also delivered her final goodbye. “I loved being in your homes each day,” she said. “I loved seeing my kiddos grow up on this show as well. I have immeasurable gratitude for everyone: the crew, the band, everybody here — thank you so much.”
Clarkson announced in February that she’d be stepping away from her talk show following the death of Blackstock, who died at age 48 after a three-year cancer battle. “This was not an easy decision, but this season will be my last hosting TKCS,” she wrote in a statement. “Stepping away from the daily schedule will allow me to prioritize my kids, which feels necessary and right for this next chapter of our lives. This isn’t goodbye.”
The star will continue to work on other public-facing projects, including returning as a coach on this season of The Voice. She is up for outstanding daytime talk series and outstanding daytime talk series host at this year’s Daytime Emmys, meaning she’s been nominated in both categories every single year that she’s been hosting The Kelly Clarkson Show.
Vespertine (2001) es un poema de amor que se diferencia de los demás por su simbología frígida y euforia reprimida que acompaña el proceso de intercambiar corazones con aquel que logró colapsar los muros emocionales de una mujer, quemada y saturada por los años bochornosos que transformaron su vida por completo.
Hay algo que llama la atención de Björk Guðmundsdóttir. Puede que sea su música, su forma de ser, su ropa o activismo. Algo que la diferencia de los demás es la manera que sus conceptos y obras de arte cobran vida desde puntos de vista particulares e inesperados.
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Sus primeros cuatro álbumes cuentan la historia de una artista que vivía en medio de música desde una temprana edad, se graduó de la escuela musical de Reykjavík y que culminó su época de rock en 1992 con la disolución de The Sugarcubes. En 1993, se mudó al Reino Unido con su primer hijo, Sindri Eldon Þórsson, de siete años. Debut (1993), su primer álbum, es una compilación de las primeras ideas que tuvo y melodías vírgenes de su infancia, veinte años atrás, que la acompañaban cuando caminaba hacia y de la escuela en medio del severo clima de la isla. En Björk: Sonic Symbolism (2022), el podcast donde descompuso y explicó sus interpretaciones de los significados que se esconden detrás de su discografía, lo describe como su momento para aprender a crear un mundo sónico distinto al colectivo y a sentir orgullo por sus creaciones, ser “egoísta”.
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Comenzó con una identidad ligada a la naturaleza, pero muerta de ganas de hacerse escuchar. Implementa arreglos nunca antes escuchados; fusiones de jazz, electrónica, música brasileña y muchas otras decisiones inusuales como grabar ‘There’s More To Life Tan This’ en el baño de “Milk Bar”, situado en Soho, Londres. Además, llamó la atención del público con uno de sus sencillos más grandes hasta el momento, ‘Venus As A Boy’, el hit de pop que innovó con sus ritmos inspirados en Bollywood y espectacular composición.
El periodo de tiempo que siguió después muestra el progresivo ascenso a la fama y “extrovertización” de la cantautora. Recuerda estos tiempos como un momento emocionante de experimentación, de ir a clubes para escuchar nueva música y conocer artistas emergentes como “Alexander McQueen, Leyla Arup, Aphex Twin, Chris Cunningham, Hussein Chalayan y Dazed and Confused”.
Este momento también la llevó a construir un sonido cada vez más grandioso en el siguiente álbum, Post (1995), una explosión promiscua de colores neón, sintetizadores y Broadway (en su rendición de ‘It’s Oh So Quiet’). Escribir nuevas ideas, tener recursos suficientes para implementar todos los instrumentos que quería y colaborar con iconos como Nellee Hooper le dio la oportunidad para concentrar toda esa energía y moldearla en algo que no le importaba ser lo más pulido o acertado, sino, exhibir los aprendizajes que la escena de los noventas le dejó.
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La fama
Toda esa experimentación, networking y crecimiento astronómico de popularidad resultó en millones de ventas de sus discos y múltiples semanas en los álbumes más escuchados del Reino Unido para ambos proyectos, además, ganó el MTV music award para “mejor mujer” en 1995. No obstante, la presión fue demasiado. Dos incidentes sucedieron que funcionan para demostrar la gravedad de la situación: cuando atacó a una reportera en Bangkok después de que, supuestamente, pidiera no ser molestada cuando llegara al país con su hijo al aeropuerto y la bomba que le mandó un fanático de Miami por correo, el paquete fue interceptado y el perpetrador se suicidó.
Esto resultó en la mudanza de la artista a España, la cual duró un año. Este fue un acto que realizó para aislarse y rechazar los estereotipos del “elfo mágico islandés” que le asignaron los medios, como explica en Sonic Symbolism, “necesitaba esa nostalgia para recuperarme de haber sido mil veces más extrovertida de lo que soy”.
“La naturaleza en Islandia no es sentimental (…) quería que mi música fuera patriótica. Quería… intenté inventar ritmos tecnovolcánicos”, desde ese deseo de reclamar su identidad, nació Homogenic (1997). Un álbum que desechó los colores de su pasado por un azul que apuntaba a una sola dirección, la música electrónica pura, acompañada del ocasional instrumento de cuerdas. El sonido de este álbum pinta a una Björk ruidosa, determinada a lograr su cometido, también presenta las piezas más galardonadas de su carrera como ‘Jóga’ el increíble recorrido emocional que cambió la historia de la música y la vida de millones de oyentes.
A pesar de que su álbum logró plasmar con éxito la emoción que buscaba, ella continuó de gira mundial y asistió a ceremonias de premios. Su discurso en los Brit Awards de 1998 por ganar la categoría de “mejor mujer” es el favorito de muchos. Subió al escenario y dijo “Soy un pomelo agradecido” [I am greatful grapefruit en inglés] y marcharse.
En la búsqueda de un hogar
Estaba exhausta, un sentimiento exacerbado por su rol protagónico en Dancer in the Dark (2000), una película dramática y desgarradora que la dejó muy desanimada para volver a la fama. Así que se compró su primer ordenador portátil, un avance histórico que le permitió trabajar a su propio ritmo, por fuera del estudio. Dice que fue “como si alguien hubiera llegado con un transbordador espacial y te hubiera entregado todas las herramientas que querías cuando tenías cinco años (…) El lujo de trabajar desde casa es que puedes esperar y esperar, y tal vez solo tengas que esperar dos días más. Luego te despiertas y estás de humor. Si quieres cantar a las 12:21, cantas a las 12:21. (…) Puedes tratar mejor a la criatura emocional que eres”.
En Sonic Symbolism revela que el título preliminar del disco fue ‘Domestika’. Una de las experiencias que la inspiró fue observar a familias en diferentes partes del mundo desde los taxis que la llevaban al aeropuerto. Recuerda observar cómo vivían sus vidas por las ventanas de sus casas, algo que le hizo sentirse como una “alienígena” que soñaba con cocinar para sus hijos. Despertó su anhelo por algo similar a lo que vivió en su niñez, una morada para ella y su familia.
Aunque es un álbum de amor, Björk admite que escribió muchas de las canciones antes de que hubiera iniciado su relación con Matthew Barney, un noviazgo que resultó en el nacimiento de su hija Ísadóra Bjarkardóttir Barney en 2002 (Sin embargo, parece que creó algunas desde el enamoramiento temprano de dicha relación). Describe que la historia surgió como una conversación consigo misma con el propósito de cuestionar la necesidad de hacer proyectos tan densos (como el anterior), sanar traumas generados por la violencia y llegar a un “punto cero”, o un nuevo comienzo. La combinación de avances tecnológicos, espejismos de una familia y un ejercicio de introspección profunda dio origen a uno de sus mejores álbumes, Vespertine.
CC: Cortesía
Por primera vez, su rostro no mira hacia la cámara. Se acabó el Big Bang, y ahora no puede evitar cubrir su rostro con el brazo izquierdo ante la luz del sol. Se encuentra recostada sobre un suelo de piedras con una expresión casi dormida, pareciera que fuera dominada por un sentimiento que brilla e intenta derretir un corazón que permanece frío, pero que busca ser penetrado por la radiación que le implora permitirse un poquito de afecto después de pasar por la “obsesión extrema” de su anterior ciclo creativo.
Porta un vestido de cisne (el mismo de su famosa aparición en los Premios Óscar de 2001), el cual dobla su cuello para cubrirle el pecho con su cabeza. Encima de la fotografía, un dibujo de cisne se ve sobrepuesto. El dibujo decora la composición con largas plumas blancas y se aprecia un líquido negro que se vierte desde su pico, el cual se escurre para subrayar con gotas negras el título del LP.
CC: Ron Davis / Colaborador / Getty Images
La producción de este proyecto es muy particular ya que no usó muchos sintetizadores, las notas y detalles electrónicos que se pueden apreciar surgen de sonidos orgánicos que grabó ella misma como el hurgarse las uñas, cajas musicales, diversos insectos, glockenspiels y arpas. Amplificó y modificó esos pequeños momentos para crear microbeats y loops que, meticulosamente, conforman capas harmoniosas y disonantes que cosquillean el cerebro como el ASMR. Además, según la creadora, los escogió por que sonaban muy bien en los amplificadores primitivos de los primeros computadores.
Antes de comenzar el análisis, se recomienda escuchar el álbum completo antes o durante la lectura para mejorar la experiencia. Es un proyecto que se entiende mejor cuando se aprecia en su totalidad.
La primera canción, ‘Hidden Place’ es una de las más conocidas, los coros en el fondo de la mezcla complementan los elementos electrónicos que traen vida a una magnífica declaración de amor que, aunque interesada, no sabe que hacer con el regalo que se le ha entregado. Coquetea con la idea de llamarlo y traerlo a ese lugar escondido.
La flauta entra y declara la timidez con la que casi toca al otro bajo las sábanas. Sus sentimientos, frágiles y vulnerables, construyen, un santuario de hielo, un altar para la sensibilidad que mantuvo secreta y abandonada hasta este punto. El inicio de este camino exclama a los cuatro vientos sus dudas y tentaciones más personales.
‘Cocoon’ trae al frente los microbeats y bucles mientras susurra una imagen del amor pequeño e inocente que desea volver a oler la barba de su amado, “Quien hubiera dicho/Que un chico como él/Poseído por una sensibilidad mágica/Se acercaría a mí”, “Se desliza adentro/Medio despierto, medio dormido/Volvemos al sueño/Cuando despierte/Por segunda vez/Hermosura/Permanece en mi interior”.
‘It’s Not Up To You’ expresa el conflicto de un día que no fluye sin importar el ángulo con el que se analice. Cura el dolor de fracasar en capturar el día perfecto con unas simples palabras “Si lo dejas quieto/Aún podría suceder/De todas maneras/No depende de ti/Nunca dependió de ti”. Su voz canta relajada, como si te extendiera la mano para darte un abrazo después de una larga jornada. Los instrumentos de cuerdas, arpas y cánticos crecen y acompañan el coro para ascender al oyente y, finalmente, liberarlo de la culpa. Culmina con un último reconocimiento de la presión monumental a la que se ha sometido.
‘Undo’ es sanación pura. Repite el mantra “No debía ser un conflicto/No debía ser una lucha cuesta arriba/Deshacer” una y otra vez mientras reafirma que “lo estás intentando demasiado”. Hace un llamado a rendirse, a aceptarlo y deshacer lo que llevas cargado sobre los hombros.
La palabra “undo” [deshacer en español] volvería a aparecer en Fossora (2022) para ‘Her Mother’s House’ el tributo al vínculo con su hija, Ísadóra. La canción pinta el corazón de una madre con cuartos para cada uno de sus hijos, los cuales dejan de necesitar de su mamá a medida que se fortalecen, a medida que crecen. En los últimos segundos, cantan “Deshace” al liberar sus corazones del dolor que significa dejar esa relación atrás y dejar lugar para algo nuevo.
La artista se sumerge de cabeza al sexo y el deseo en ‘Pagan Poetry’. Las arpas despiertan al oyente después del trance impuesto por el último tema. Retumbantes bajos electrónicos navegan las profundidades oscuras de la devoción con este hombre. La canción muestra la cara tenebrosa y obsesiva del amor, una señal que la despierta de su hibernación. Esto le produce una psicosis eufórica incontrolable por aferrarse a él. Al final solo repite “Lo amo, Lo amo”, se responde “Lo ama, Lo ama” y termina gritando “Pero me dan ganas de entregarme”.
El video es una obra de arte. Los visuales abstractos, explícitos e íntimos acompañan a la perfección el mensaje de la pista. Además, nos da otro momento icónico de la moda ya que usa un vestido revelador de perlas de Alexander McQueen con seis aros metálicos que atravesaron la piel de la espalda de Björk. No se recomienda verlo a personas sensibles a la sangre y/o desnudez.
La pareja formada por ‘Frosti’ y ‘Aurora’ marcan la mitad del álbum. El primero es un baile entre dos cajas musicales cristalinas. Las notas celestiales suenan como si los carámbanos del techo celebrasen el frío que los trajo a la vida. Se escuchan pasos lejanos sobre la nieve que se acercan para darle entrada a la siguiente pieza.
La puerta del santuario se ha abierto al son de harpas y destellos electrónicos. El invierno trae consigo la búsqueda de la aurora boreal, un fenómeno efímero e impredecible. Usa esa metáfora para el viaje que emprende en medio de la oscuridad que la trajo hasta este punto. Invoca el nombre de la diosa romana del amanecer “Aurora”. Llena su boca de nieve al caer de rodillas mientras desea derretirse como los minúsculos cristales que ingestó. Suplica al final “Apaga el sol para mí”.
Llegamos al hipnotizante ritmo de ‘An Echo, A Stain’ que luce microbeats como diminutas ranas eléctricas que croan, rayones silenciosos y chasquidos que crecen junto al coro que acompaña la penumbra de esta canción. Las letras revelan una sexualidad incómoda, apenada y pervertida a la que no se puede negar el acto que un hombre perpetra. Después de lo sucedido, solo deja el eco del trauma y una mancha. De acuerdo con Genius, está inspirada en una obra de teatro de Sarah Kane, la cual trata con temas como abuso sexual, violación, drogadicción, anorexia, incesto, asesinato y suicidio.
Salimos de este trance para encontrar la luz en ‘Sun In My Mouth’. El piano celesta y harpas traen de vuelta un granito de esperanza sexual, dice “Me meteré hasta los muslos/Estén empapados en flores ardientes/Me llevaré el sol a la boca/Y saltaré viva al aire maduro”. Este poema se puede interpretar como la respuesta al anterior; después del trauma, es posible disfrutar e intentar descifrar el “misterio de su carne”, un aprendizaje que invita a que se agranden los violines como escarcha invernal en la superficie de una burbuja para llegar al clímax.
Como si se encontrara en el crepúsculo, ‘Heirloom’ narra un sueño recurrente de Björk, la imagen de su madre e hijo le hornean luces y aceite templado que vierten sobre su garganta mientras duerme al perder su voz. Como cualquier relato onírico, tiene varias interpretaciones, sin embargo, parece que es una reflexión al poder sanador de la familia que le permite seguir con lo que ama, en el segundo verso agradece, “Me hacen sentir mucho mejor/Me hacen sentir mejor”. Introduce un sonido más “virtual” con pequeñas corrientes de vapor que complementan las baterías metálicas y efectos electrónicos, este no parece presentar ningún instrumento tradicional en su mezcla.
La vista se interrumpe por la neblina que se acumula en ‘Harm Of Will’, retornan los elementos acústicos, las cuerdas fluyen como olas en el océano, la caja musical toca las fibras del corazón mientras que el coro impulsa la composición al cielo, se siente como si las nubes y el sol estuvieran a la punta de los dedos. La historia narra a un hombre que conquista mujeres para satisfacer su deseo carnal, ella entra a su vida y le advierte que “Si es visto/Todos lo verán/Y todos sabrán/Me conocerán”.
El final del disco inicia en silencio, su voz suena un tanto áspera por los efectos que utilizó. ‘Unison’ regresa al altar “Una mano/Que ama al otro/Tanto encima mio/Nací terca/Siempre lo seré/Antes de contar uno, dos, tres/Habré creado mi propia rama privada/De este árbol”. El hielo está más delgado, pero no se ha derretido por completo. Junto a los tonos conocidos del LP, sube y baja a medida que acepta el cariño que encuentra en ese hombre. Acabaron sus días de pirata ermitaña, libre de conflicto, solo busca el abrazo de su querido. No puede creer que yace sumisa pero no perdida, acepta el trato del otro, canta “Nunca pensé que me comprometería” y “Unámonos esta noche” para soltar un rugido eufórico antes de completar la letra con una última palabra “Unísono”.
Antes de que caiga el telón, las notas finales se repiten en bucle, junto con las arpas que se tocan rápidamente, comunicando una pequeña inquietud persistente. Se tragó el romance de un solo bocado, y ahora el nuevo horizonte la intimida con su resplandor. Para más datos curiosos del desarrollo del proyecto, se recomienda escuchar el siguiente episodio de Sonic Symbolism.
Una cita de la retrospectiva de Björk sobre el desarrollo de este disco resuena mucho con lo que sucede en la industria musical actual: “Todavía me encuentro con periodistas que siempre dicen: ‘Oh, si está hecho con un ordenador, no tiene alma’. No se trata de la herramienta. No puedes confiar en que una guitarra, un violín o un ordenador portátil le den alma a una canción. Si no tiene alma, es porque el ser humano no la puso ahí”.
La dualidad y su caída del mainstream
Un aspecto de la discografía de Björk es la dualidad entre álbumes cercanos entre sí. Hablamos de los dos primeros, que representan el comienzo virgen natural y la explosión urbana promiscua. Ella describe a Homogenic y Vespertine, como “el ardiente masculino arrogante” y la “gélida femenina humilde”, respectivamente. También, considera Vulnicura (2017) y Utopia (2017) como álbumes hermanos que representan el apocalipsis y el renacimiento desde la ruina del divorcio con Barney.
Después del lanzamiento de este épico logro musical, sacó Medúlla en 2004, un disco que recrea instrumentos con voces y celebra la naturaleza humana con homenajes al beatboxing (con invitados como Rahzel), coro islandés y al canto de garganta inuit (con invitadas como Tanya Tagaq). A pesar de contener un concepto maravilloso, este fue el comienzo del fin de su popularidad. Sus siguientes proyectos como Volta (2007), Biophilia (2015) y posteriores nunca capturaron un nivel similar de “éxito comercial” que obtuvo su trabajo en los noventas.
De cualquier manera, su dedicación a la experimentación y a mantener su independencia de las discográficas es admirable. Incluso si no es tan popular como las estrellas pop del momento, sigue siendo una inspiración para de miles de artistas como Kali Uchis, Arca y Lady Gaga. Sus obras tendrán una larga vida. Björk será recordada para siempre como una artista singular, irreverente y autora de uno de los catálogos musicales más impresionantes de la historia.
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Lo más desconcertante de The Dog Stars no es que se trate de una película fallida de Ridley Scott. En una trayectoria tan extensa existen tropiezos inevitables. Lo extraño es que apenas parece dirigida por él. Incluso Napoleón, lejos de encontrarse entre sus mejores obras, conservaba su monumental sentido del espacio, la potencia de sus batallas y esa mirada que convierte la arquitectura en una expresión del poder. Aquí, en cambio, la dirección podría pertenecer a cualquier artesano competente contratado para cumplir con una producción costosa. La película no fracasa de una manera personal: fracasa anónimamente.
Basada en la novela publicada por Peter Heller en 2012, The Dog Stars transcurre después de que una pandemia de gripe exterminara a buena parte de la humanidad. Hig (Jacob Elordi) vive con su perro Jasper en un aeródromo abandonado de Colorado, protegido por Bangley (Josh Brolin), un ex marine que ha convertido la desconfianza en doctrina y las armas en argumento. Mientras Bangley considera a todo desconocido una amenaza, Hig conserva la idea de que todavía puede existir alguna forma de comunidad. Una transmisión de radio lo impulsa a volar hacia Grand Junction, donde conoce a Pops (Guy Pearce) y a su hija Cima (Margaret Qualley).
El problema no es la familiaridad de la premisa, sino la incapacidad de la película para encontrar una variación propia. Desde The Last Man on Earth, The Omega Man y I Am Legend (las tres basadas en la novela Soy leyenda de Richard Mathison), A Boy And His Dog, The Road Warrior, 28 Days Later, The Book of Eli, The Road, Light Of My Life, World War Z hasta la serie The Last of Us, el relato del superviviente del apocalipsis que atraviesa las ruinas buscando una razón para seguir viviendo ha explorado la soledad, la paranoia, la pérdida de la civilización y el deseo de reconstruirla. The Dog Stars vuelve sobre cada una de esas estaciones: Las provisiones escasas, el refugio armado, la señal misteriosa, los grupos violentos y el hombre que debe decidir si todavía vale la pena confiar. Lo hace sin descubrir nada nuevo detrás de ellas.
La decisión de disminuir la acción para observar el duelo y los vínculos humanos resulta, en principio, bienvenida. Scott no necesitaba convertir la novela en otra guerra contra hordas de infectados. Pero una película de personajes necesita personas, no representaciones elementales de una postura. Hig es la esperanza; Bangley, el aislamiento; Cima, la posibilidad del amor; Pops, la memoria de un mundo perdido. El guion de Mark L. Smith (The Revenant) explica esas funciones con claridad, pero rara vez permite que los personajes las contradigan. Su dolor se menciona más de lo que se siente.
Elordi posee la fragilidad necesaria para interpretar a un hombre todavía vulnerable ante la belleza, aunque el personaje lo condena con frecuencia a contemplar el horizonte con expresión abatida. Brolin comprende mejor el tono y convierte a Bangley en una presencia feroz, por momentos divertida, sin ocultar que su brutalidad también es miedo. Qualley introduce algo de luz, pero su relación con Hig avanza porque el relato la necesita y no porque entre ambos se construya una intimidad convincente. Pearce, Benedict Wong y Allison Janney aparecen como recordatorios de la extraordinaria película que este reparto habría podido sostener con un guion más complejo.
Scott todavía sabe encontrar paisajes imponentes y organizar algunas secuencias de violencia con precisión. Sin embargo, las montañas italianas que reemplazan a Colorado terminan funcionando como fondos hermosos antes que como territorios habitados. La amenaza de los llamados Reapers llega demasiado tarde y con una caracterización genérica. Algunas explosiones y efectos resultan sorprendentemente pobres para una producción de esta escala. No hay aquí nada comparable con la ansiedad espacial de Alien, la melancolía ciberpunk de Blade Runner, el vigor de Gladiator o el caos militar de Black Hawk Down.
Desde la horrible Alien: Covenant, la filmografía de Scott ha mostrado un desgaste evidente, aunque no se trate de una caída uniforme. The Last Duel recuperó gran parte de su capacidad para examinar la violencia y el poder, mientras House of Gucci puede defenderse como una gran película precisamente porque se entrega al exceso, al melodrama y a la vulgaridad con un placer casi operático. Incluso cuando se equivoca, Scott suele hacerlo a gran escala. The Dog Stars es más preocupante: Carece de apetito.
La ironía resulta inevitable. Quentin Tarantino eligió recientemente a Black Hawk Down como la mejor película del siglo XXI, afirmación ante la cual Scott respondió que el director debía haber consumido algo extraordinario y negó que su película mereciera semejante posición. Tarantino, por su parte, ha sostenido durante años que desea terminar su carrera antes de convertirse en uno de esos grandes autores cuyas últimas obras debilitan su legado. The Dog Stars no demuestra que su teoría sea universal, pero sí explica de dónde proviene su temor.
Bajarle el volumen a la acción y buscar humanidad entre las ruinas era una decisión válida. El problema es que la película tampoco encuentra esa humanidad. The Dog Stars sobrevive gracias a su reparto, a algunos paisajes y a la experiencia técnica de su director, pero nunca cobra vida. Y al terminar queda una sensación más triste que cualquier apocalipsis: la de haber visto una película de Ridley Scott en la que Ridley Scott parece no haber estado presente.
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***½
Han pasado quince años desde que Alabama Shakes lanzó su EP de debut, el cual catapultó a esta banda sureña de pueblo pequeño a unos años de estrellato inesperado. La música inicial del grupo era de estética lo-fi y aire vintage, con el toque justo de estilo twee para convertir a estos rockeros de garaje —de espíritu combativo y desenfadado— en un emblema de la cultura hipster asociada a Urban Outfitters a mediados de la década de los 2000. Brittany Howard, vocalista y carismática líder de la banda, ha pasado gran parte de la última década desmintiendo esa imagen. Con el audaz segundo álbum del grupo, Sound + Color (2015), y sus posteriores trabajos en solitario, Howard se ha consolidado no tanto como una artista dedicada a revivir el pasado —etiqueta que se le colgó a su banda—, sino más bien como una figura a la altura de Prince: impredecible, en constante búsqueda creativa y ajena a las convenciones de género musical.
Ahora, Howard ha regresado a la banda que impulsó su carrera. ¿Qué mejor manera de ejemplificar su continua metamorfosis artística que aplicar esa filosofía a la agrupación que la mayoría de la gente todavía asocia con ‘Hold On’? I Must Be Dreaming, el tercer álbum de Alabama Shakes —y el primero en más de una década—, supone un reencuentro sorprendente y bienvenido que revela facetas totalmente nuevas de este grupo emergente, sin abandonar nunca aquello que hizo tan apasionantes sus primeros discos. Se trata, entre otras cosas, de un álbum maduro, tanto en lo musical como en lo narrativo: hay canciones sobre una nostalgia teñida de pesar y una esperanza conquistada con esfuerzo, temas sobre la desintegración del país y otros sobre, bueno, regar jardines. Algunas canciones (‘Garden’) suenan como si hubieran sido compuestas antes de la Segunda Guerra Mundial; otras (‘Tea Time’) se perciben como proyecciones astrales surgidas del paisaje afrofuturista que Howard ha venido explorando en su carrera en solitario.
Reunidos como trío, Howard, el bajista Zack Cockrell y el guitarrista Heath Fogg suenan revitalizados. ‘Another Life’ es una pieza épica de chamber-soul que destaca por una interpretación vocal de Howard acrobática y emotiva, un bajo sutil de Cockrell acompañado de congas y glockenspiel, y un solo penetrante —basado mayormente en una sola nota— a cargo de Howard. El tema suena, a la vez, diferente a todo lo que la banda había hecho antes y como algo a lo que cabría esperar que hubieran llegado con el tiempo si hubieran seguido publicando discos inmediatamente después de Sound + Color.
Tras haberse consolidado tan firmemente como solista en los últimos años, resulta casi sorprendente percibir la naturalidad con la que Howard explora nuevos sonidos, arropada por la confianza que le brindan sus colaboradores de siempre. Algunas canciones se apoyan por completo en la calidez constante de la instrumentación de sus compañeros: está el piano eléctrico de Ben Tanner —teclista que acompaña a la banda desde hace mucho tiempo—, que marca el tono de ‘Waist Deep’, uno de los temas más destacados del álbum (‘Is all this hard stuff behind me?’, canta Howard). También está la forma en que el juego de bajos de Cockrell y Fogg en ‘American Dream’ —con sus líneas que avanzan sigilosamente— narra la historia de alienación y agitación política con mayor elocuencia que la propia letra de Howard, basada en asociaciones de ideas (el bajo melódico de Cockrell, con una mezcla que lo sitúa en primer plano, funciona casi como un instrumento solista en este disco). Y luego está la pieza central, ‘I Feel Hope Coming’, que transita por diversos géneros y sonoridades —desde el soul al estilo de Curtis Mayfield y los estándares de mediados de siglo hasta la psicodelia de los años 60— sin que el oyente perciba ni un solo sobresalto en el recorrido.
Que Howard no haya sonado tan cómoda —y tan auténticamente ella misma— en años no solo resulta conmovedor; también demuestra que esta banda sigue siendo una de las formas más eficaces de transmitir la mezcla de rock, soul, funk y pop que ella lleva en la cabeza. En ‘Tied To You’, el tema que cierra el álbum —una de las varias canciones sobre el remordimiento amoroso y los “qué hubiera pasado si…”—, Howard reflexiona sobre el pasado y contempla un vínculo duradero. “There’s no going back/Whatever that was”, canta, aparentemente refiriéndose a una pareja importante. Sin embargo, por momentos da la sensación de que también podría estar dedicando esta oda a su banda: “I’m tied to your horse”.
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