Pedro Almodóvar continúa expandiendo su universo creativo hacia nuevos territorios. El cineasta, guionista y productor español publicará el próximo 29 de octubre El hombre que solo escribía en los aviones, su primera novela. Esta obra supone su segunda incursión en la literatura, tras El último sueño (2023), una colección de relatos traducida a más de 30 idiomas.
El hombre que solo escribía en los aviones tiene como protagonista a Flavio Guijarro, un hombre que se ha pasado media vida reinventándose. “Ha tenido decenas de aficiones, pero pocas veces han culminado en una profesión; la de actor es la que ha logrado cultivar con más o menos fortuna”, explica la editorial. En su aventura de transformación constante, el personaje descubre una nueva vocación tardía, a 10 mil metros de altura: la escritura.
Y sigue en la descripción de la novela: “Desde entonces va a dedicarse en cuerpo y alma a combatir sus bloqueos creativos y perseguir ese sueño… que irremediablemente se le escapa de las manos en cuanto se acerca el momento de poner el punto final. Acudirá en busca de inspiración a los lugares más insospechados y, para su sorpresa, descubrirá una insólita aptitud como coach de actores. Lo que Flavio no imagina es adónde puede conducirlo esta nueva etapa de su vida, ni qué futuro le espera a su incipiente historia de amor con el actor más exitoso del momento”.
El hombre que solo escribía en los aviones va a desvelar experiencias y lecturas, esencialmente de tramas inventadas y de ideas prestadas que Almodóvar tomó para crear una obra que fue designada como “sorprendente, libresca, ansiosa y muy apasionada”. La portada del libro es obra de Javier Jaén.
Su editorial, Reservoir Books, aseguró que el debut del cineasta en la novela es “un festín para los amantes del arte de contar historias y para los lectores más insaciables, y asimismo un artefacto literario repleto de sorpresas, que explora caminos poco transitados en el mundo de la ficción”.
El hombre que solo escribía en los aviones llegará a las librerías este 29 de octubre.
The post <i>El hombre que solo escribía en los aviones</i>: La primer novela de Pedro Almodóvar appeared first on Rolling Stone en Español.
Pocas figuras en Hollywood generan tanta simpatía como Paul Rudd. Dueño de una carrera que ha transitado con naturalidad entre la comedia, el drama y las grandes franquicias, el actor estadounidense se ha convertido en uno de esos intérpretes capaces de aportar humanidad incluso a los personajes más imperfectos. En Power Ballad, su nueva colaboración con el director irlandés John Carney, vuelve a demostrar esa capacidad para explorar emociones complejas bajo una apariencia de ligereza.
La película aborda temas como la creación artística, los sueños aplazados y la autoría musical, asuntos que conectan directamente con el universo cinematográfico de Carney, responsable de títulos tan queridos como Once, Begin Again y Sing Street.
Durante nuestra conversación, Rudd habló sobre la forma en que el director entiende la música, el desafío de interpretar a un hombre enfrentado a aquello que pudo haber sido y el debate sobre quién merece realmente el crédito detrás de una canción.
John Carney tiene un don muy particular para convertir el acto de crear música en algo emocionante y profundamente emocional. Como actor, ¿cuál crees que es el secreto de esa magia?
Creo que, antes que nada, John es músico. Así empezó todo para él. La música es algo absolutamente fundamental en su vida. Además, tiene un gusto musical extraordinario. Pero más allá de eso, la música forma parte de quien es. No es un director que simplemente incorpora canciones a sus películas. Él siente la música de una manera muy profunda.
En el set suele tener una guitarra cerca del monitor y se pone a tocar entre toma y toma. A veces incluso se detiene porque necesita tocar unos minutos. Está en su ADN, en la médula de sus huesos. Y como cree en ello de forma tan auténtica, esa pasión termina reflejándose en las películas que hace.
Incluso dirige como un músico. Y cuando digo eso me refiero a que trabaja como una banda en un estudio. Si encuentra algo interesante en una escena, quiere explorarlo. Puede olvidarse por completo del plan de rodaje. Alguien le dirá: “John, estamos perdiendo la luz” o “tenemos que grabar esto”, y él responderá: “No, esto es interesante. Veamos qué pasa si vamos por aquí”.
Muchas veces cambia diálogos o situaciones sobre la marcha porque siente que hay algo más vivo ocurriendo. Esa energía tan espontánea proviene directamente de su naturaleza como músico.
¿Qué fue lo más atractivo de interpretar a un personaje que debe aceptar aquello que pudo haber sido y nunca fue?
Me interesaba mucho explorar esa línea tan fina que existe entre la satisfacción y la insatisfacción. Entre sentirse contento con la vida que uno tiene y preguntarse qué habría pasado si las cosas hubieran sido diferentes.
Imaginar a alguien que deseó algo con todas sus fuerzas, que estuvo tan cerca de conseguirlo y que finalmente lo vio escapar, resulta fascinante. Más aún cuando ese sueño había permanecido guardado durante años, como si estuviera olvidado en un cajón.
Eso puede afectar profundamente a una persona. Intentar entender cómo reaccionaría alguien en esa situación y vivir durante un tiempo dentro de ese estado mental fue un desafío muy interesante. Y también muy divertido como actor.
Después de ver la película queda una pregunta inevitable. ¿Quién crees que es el verdadero dueño de una canción: quien la escribe o quien la vuelve famosa?
Es una gran pregunta. Y creo que no tiene una respuesta sencilla.
Cuando escuchas hablar a algunos de los compositores más importantes del mundo, muchos dicen algo parecido: que ellos son simplemente un canal, que la música viene de otro lugar. Además, la realidad es que todos los músicos trabajan con los mismos elementos básicos. Todos hemos escuchado canciones antes, todos absorbemos influencias.
Cada persona que escribe una canción está mezclando, consciente o inconscientemente, todo aquello que ha escuchado y amado a lo largo de su vida. Por eso es un terreno muy gris.
Supongo que quien desarrolla la idea original y construye la canción merece una parte importante del reconocimiento. Pero la verdad es que rara vez una obra pertenece completamente a una sola persona. Normalmente hay muchos participantes en el proceso creativo.
Muchas gracias, Paul. Y déjame decirte que Power Ballad es una película maravillosa. Además, Sing Street cambió mi vida. Es una de mis películas favoritas de todos los tiempos y una de las razones por las que admiro tanto a John Carney.
¡La mía también!. Me encanta Sing Street. De verdad. Es una película hermosa.
Gracias por tu tiempo.
Gracias a ti.
The post Paul Rudd: “John Carney siente la música de una forma tan profunda que termina dirigiendo como un músico” appeared first on Rolling Stone en Español.
Con Amarga Navidad (título obtenido de una canción de José Alfredo Jiménez interpretada por Chavela Vargas), Pedro Almodóvar regresa al territorio que mejor conoce: El de los sentimientos heridos, las relaciones complejas y las mujeres que sostienen el mundo mientras los demás intentan comprenderlo. Sin embargo, esta vez el cineasta manchego da un paso más allá y construye una película que funciona también como una reflexión sobre sí mismo, sobre su oficio y sobre las consecuencias de convertir la vida privada en arte.
La película se articula a través de un sofisticado juego de narraciones paralelas. Por un lado está Elsa (Bárbara Lennie), una directora de culto que atraviesa una profunda crisis emocional tras la muerte de su madre mientras intenta escribir un nuevo guion. Por otro aparece Raúl (Leonardo Sbaraglia), un cineasta veterano que trabaja precisamente en una película sobre Elsa. Poco a poco ambas historias comienzan a reflejarse mutuamente hasta convertirse en un laberinto de pasiones donde resulta difícil distinguir qué pertenece a la realidad, qué pertenece a la ficción y qué surge directamente de la imaginación del propio Almodóvar.
La estructura recuerda inevitablemente a su obra maestra Dolor y gloria, pero donde aquella encontraba una claridad emocional devastadora, Amarga Navidad apuesta por una complejidad más abstracta. El director parece menos interesado en ofrecer respuestas que en examinar preguntas difíciles sobre la vida, la muerte, el amor y la creación artística. ¿Hasta qué punto un escritor o un cineasta tiene derecho a utilizar el dolor ajeno como materia narrativa? ¿Dónde termina la inspiración y dónde comienza la apropiación emocional? La película gira constantemente alrededor de esas cuestiones sin intentar resolverlas de una forma definitiva.
Ese conflicto alcanza su máxima expresión en la figura de Mónica, interpretada magistralmente por Aitana Sánchez-Gijón. Su relación con Raúl se convierte en el auténtico corazón moral de la película. Cuando descubre que sus experiencias íntimas de personas cercanas han terminado transformadas en material dramático, Mónica obliga al protagonista a confrontar una verdad, y es que la creación artística puede ser también una forma de vampirismo emocional. Almodóvar no se absuelve a sí mismo ni absuelve a sus alter egos. Por el contrario, convierte esa tensión ética en uno de los principales motores dramáticos de la obra.
Leonardo Sbaraglia realiza uno de los mejores trabajos de su carrera reciente. Su Raúl transmite la serenidad aparente de un artista consolidado mientras deja entrever unas inseguridades mucho más profundas. Es un hombre gay rodeado de belleza, prestigio, reconocimiento y amor que, sin embargo, parece cada vez más aislado dentro de su propio universo creativo. Sbaraglia evita cualquier tentación de convertirlo en un espejo autobiográfico de Almodóvar y construye un personaje complejo, vulnerable y contradictorio.
Bárbara Lennie aporta una energía distinta. Elsa encarna el dolor reprimido. La pérdida de la madre se manifiesta mediante migrañas, ataques de ansiedad y una incapacidad creciente para conectar con el presente. Lennie interpreta ese sufrimiento con una contención admirable, evitando el melodrama fácil incluso cuando la película se acerca deliberadamente a los territorios más intensos de la emoción almodovariana.
Las relaciones sentimentales son el otro motor de la cinta (quizás el más interesante) y funcionan además como pistas que revelan las contradicciones de los protagonistas. Raúl mantiene una relación con Santi (Quim Gutiérrez), un hombre más joven, afectuoso y completamente entregado a él. Sin embargo, la película sugiere que el cineasta ha terminado reduciéndolo a una presencia funcional dentro de su vida, alguien cuya identidad parece existir únicamente en relación con él.
Esta idea se convierte en uno de los reproches más duros que recibe el personaje, pues evidencia cómo su mirada artística corre el riesgo de convertir incluso a las personas que ama en personajes secundarios de su propia narrativa existencial. En el otro extremo se encuentra Elsa y su relación con Bonifacio (un estupendo Patrick Criado). Bombero de profesión y bailarín de striptease por las noches, Bonifacio podría haber sido presentado como una simple fantasía erótica, pero Almodóvar le concede una inesperada profundidad emocional.
Mientras Elsa se hunde en las migrañas y la ansiedad provocada por la muerte de su madre y tal vez por haber dejado atrás su profesión de directora para abrazar la seguridad que le brinda el mundo de la publicidad, él se convierte en una figura de apoyo constante, atenta y protectora. Resulta significativo que el personaje más estable y generoso de toda la película sea precisamente aquel que los demás tienden a juzgar por su físico o por su trabajo como stripper. Almodóvar subvierte así los prejuicios del espectador y convierte a Bonifacio en uno de los personajes más nobles de la historia.
La presencia de Bonifacio también permite a Almodóvar recuperar una faceta lúdica que ha acompañado gran parte de su filmografía. Las secuencias ambientadas en el club donde trabaja, los números de striptease y la manera en que la cámara observa los cuerpos masculinos recuerdan que el director sigue interesado en el deseo, el placer y la sensualidad incluso dentro de una historia atravesada por el duelo. Son momentos que aportan ligereza a una película dominada por la pérdida y que establecen un interesante contraste entre la vitalidad física del personaje y el estado emocional cada vez más frágil de Elsa. Al mismo tiempo, el paralelismo entre Bonifacio y Santi refuerza una de las ideas centrales del filme: Las personas que sostienen emocionalmente a los artistas suelen ser las que menos reconocimiento reciben.
Ese aspecto es importante porque, en el fondo, Amarga Navidad no solo habla del dolor y de la creación artística. También habla de las personas que permanecen al lado de quienes sufren y de cómo los artistas, obsesionados con su propio universo emocional, a veces son incapaces de ver plenamente a quienes los aman.
Los otros miembros del reparto resultan igualmente esenciales. Victoria Luengo interpreta a Patricia, una amiga cuya vida matrimonial enmarcada de miedo a la soledad, dependencia emocional y algo de masoquismo, sirve como materia prima para el guion que escribe Elsa, mientras Milena Smit encarna a una mujer devastada y sumida en la depresión por una pérdida imposible de superar. Rossy de Palma, por su parte, aporta una dosis de extravagancia y vitalidad que conecta directamente con el mejor Almodóvar de los años ochenta y noventa, funcionando como un recordatorio de que incluso en sus obras más melancólicas el director nunca abandona completamente el humor ni el placer de vivir.
El trabajo del diseñador de producción Antxón Gómez y del director de fotografía Pau Esteve Birba construye un universo elegante donde cada espacio parece expresar el estado emocional de quienes lo habitan. Las casas, los colores, los muebles y los paisajes volcánicos de Lanzarote poseen una importancia narrativa tan grande como los propios diálogos. Como ocurre en gran parte de la filmografía del director, la puesta en escena cuenta la historia.
También resulta imposible ignorar la presencia musical de Chavela Vargas, una figura recurrente en el universo almodovariano. Las canciones La llorona y Las simples cosas (interpretada por Amaia), aparecen como ecos de un dolor antiguo y primordial que conecta a los personajes entre sí y refuerza la dimensión profundamente española de una película obsesionada con la memoria, la pérdida y la imposibilidad de recuperar aquello que ya desapareció.
Quizá el aspecto más fascinante de Amarga Navidad sea que funciona simultáneamente como confesión, reflexión, juego narrativo y autocrítica. Almodóvar parece preguntarse si la maquinaria creativa que alimentó toda su carrera continúa siendo legítima. El cineasta examina la tendencia de los artistas de rezagar a quienes lo apoyan y utilizar experiencias propias y ajenas para construir ficciones, cuestionando cuánto daño puede generar ese proceso incluso cuando nace de las mejores intenciones.
Esta no es una película tan emocionalmente potente como Dolor y gloria ni tan contundente como Volver. En ocasiones, su estructura laberíntica amenaza con alejar al espectador de los personajes. Sin embargo, esa misma naturaleza fragmentada parece responder a una decisión consciente. Almodóvar no intenta ofrecernos una historia cerrada, sino capturar la incertidumbre, las contradicciones y las zonas grises que acompañan tanto al duelo como al acto de crear. El arte imita a la vida y la vida imita al arte.
A sus setenta y seis años, otro director estaría repitiéndose. Almodóvar, en cambio, continúa interrogándose a sí mismo. Amarga Navidad es una obra madura, inquieta y profundamente personal que transforma la crisis creativa, la culpa y el dolor en materia cinematográfica. Puede que no sea una de sus películas más accesibles, pero sí una de las más reveladoras. En ella no encontramos a un artista celebrando su legado, sino a uno examinándolo con mucha honestidad.
The post Crítica: <i>Amarga Navidad</i> appeared first on Rolling Stone en Español.
Al igual que Jim Jarmusch y Aki Kaurismäki, Fernando Eimbcke siempre ha entendido que el cine puede construirse a partir de gestos mínimos. En Temporada de patos, su gran carta de presentación, encontraba humor, melancolía y extrañeza en un departamento casi vacío, dos adolescentes aburridos, una vecina y un repartidor de pizza. Con Moscas, el director mexicano regresa a esa escala íntima, pero lo hace desde un lugar emocional más grave. La película conserva su gusto por la observación seca, los planos estáticos, las rutinas y el humor silencioso, aunque ahora todo parece atravesado por una tristeza que no necesita grandes discursos para sentirse.
La historia nos muestra a Olga, interpretada por una extraordinaria Teresita Sánchez, una mujer que vive sola en un edificio de departamentos de la Ciudad de México. Su rutina está marcada por pequeñas molestias: las moscas que invaden su sala, el ruido de los vecinos cuando hacen el amor, el elevador que no funciona, el dinero que no alcanza. Eimbcke presenta su mundo con precisión quirúrgica, pero sin crueldad. Olga no es simplemente una mujer amargada. Es alguien que ha organizado su vida para evitar el contacto con los demás, como si la distancia fuera la única forma posible de mantenerse en pie.
Ese orden se altera con la llegada de Tulio (Hugo Ramírez), y su hijo Cristian (Bastián Escobar). Vienen de fuera de la ciudad y necesitan hospedarse cerca del hospital donde la madre del niño recibe tratamiento contra el cáncer. Como Olga solo renta una habitación para una persona, Tulio oculta inicialmente la presencia de Cristian, hasta que la situación se vuelve imposible de sostener. Lo que sigue podría haber sido una fórmula sentimental bastante conocida, la del niño luminoso que ablanda a la adulta solitaria. Pero Eimbcke evita casi siempre la trampa del golpe emocional fácil.
La fuerza de Moscas está en su paciencia. La película no fuerza la relación entre Olga y Cristian, la deja aparecer poco a poco. Al principio, ella lo tolera. Luego lo vigila. Después lo acompaña. Finalmente, sin darse cuenta, empieza a cuidarlo. Ese tránsito está trabajado con una delicadeza notable, especialmente gracias a Teresita Sánchez, que no necesita enfatizar nada para mostrar cómo se van resquebrajando las defensas de su personaje. Su actuación está llena de gestos pequeños: una pausa antes de responder, una mirada sostenida, una forma distinta de ocupar el mismo espacio.
Bastián Escobar es otro gran hallazgo. Cristian no es un niño diseñado para enternecer al público, sino un niño real: curioso, insistente, evasivo, a ratos agotador y a ratos desarmante. Vive una situación que todavía no comprende del todo y por eso busca refugio en lo inmediato: un videojuego de arcade, una conversación con un trabajador del hospital, la fantasía de que si insiste lo suficiente podrá ver a su madre. La película observa con mucha claridad cómo los niños procesan el miedo antes de poder nombrarlo.
El blanco y negro de la fotógrafa María Secco sirve para quitarle ruido visual al relato y concentrar la atención en los espacios, los cuerpos y la luz. El departamento de Olga parece detenido en el tiempo, mientras que la calle y el hospital aparecen como lugares de tránsito, espera y desgaste. El trabajo sonoro también resulta esencial. El zumbido de las moscas, los ruidos del edificio, los sonidos electrónicos del videojuego y el murmullo urbano construyen una atmósfera donde la vida exterior siempre está intentando entrar.
La película habla del duelo como también habla de la precariedad cotidiana, de los hospitales como territorios de espera, de la gente que llega a la ciudad para cuidar a alguien enfermo y termina viviendo entre habitaciones rentadas, pasillos y comidas rápidas. Eimbcke no necesita hacer evidente esa dimensión social. Le basta con observar los rostros, la ropa, los desplazamientos y las conversaciones interrumpidas.
Enrique Arreola como Isaac, el trabajador del hospital, establece una complicidad breve pero significativa con Cristian. Su presencia conecta la película con el universo anterior de Eimbcke y refuerza esa idea de que, incluso en medio de situaciones durísimas, pueden aparecer formas inesperadas de ternura.
Moscas es una película modesta solo en apariencia. Su ambición no está en la escala, sino en la precisión. Eimbcke filma a personas que no saben cómo pedir ayuda y a otras que no saben todavía cómo despedirse. Lo hace con humor, austeridad y con una confianza absoluta en los silencios. El resultado es una obra hermosa y persistente, de esas que no buscan conmover a la fuerza, pero terminan quedándose mucho tiempo después de haber terminado.
The post Crítica: <i>Moscas</i> appeared first on Rolling Stone en Español.
Las paradisíacas playas del Caribe son el destino perfecto para personas de todo el mundo. Las olas del mar llegan a costas repletas de sabores, colores y sonidos cargados de energía y sentimiento. Las sonrisas, el baile y una hospitalidad genuina contagian incluso al más frío y lo ponen a bailar bachata y merengue, como ocurre en la costa norte de República Dominicana. Eso es el Caribe.
Con el paso de los años, gracias a la cercanía de Estados Unidos y Canadá con las islas y a un turismo desmedido que parece apropiarse de todo —en algunos casos incluso de la propia cultura caribeña y de sus países—, muchas playas han perdido parte de ese misticismo que caracteriza a la región y se han dejado envolver por el consumismo norteamericano. Sin embargo, todavía existen joyas y tesoros escondidos en el Caribe, y eso fue precisamente lo que encontramos en Cabarete, un pueblo ubicado cerca de Puerto Plata, en la costa norte de República Dominicana.
“A Cabarete llegan personas interesadas en deportes acuáticos como el kitesurf o el wing foil. Además, es un destino que está despertando un gran interés entre los canadienses, así que buscamos mezclar la cultura dominicana, la gastronomía, el desarrollo inmobiliario, los deportes acuáticos y el lujo natural frente al mar para darle un nuevo aire a lo que venía siendo el festival de jazz de Cabarete. La costa norte de República Dominicana es la joya escondida del Caribe, ya que la mayor parte del turismo se concentra en destinos como Punta Cana. Por eso, invertir en un evento como el Cabarete Jazz Festival es fundamental para dar a conocer esta región, que ofrece tanto sin perder su esencia”, dice Leonardo Wehe, inversor argentino vinculado al sector turístico en Cabarete.
Al reflexionar sobre el futuro del festival, agrega: “No sé qué tan grande puede llegar a ser, pero ya contamos con un line up de gran relevancia internacional. Lo más importante es la continuidad del festival cada año para seguir impulsando el crecimiento cultural de la región”.
Encontrarse con un festival que no solo responda a los intereses económicos de una empresa o de unos pocos individuos es una rareza. Ver cómo la comunidad lo apoya y lo promueve resulta gratificante. “Este festival y la manera en que los inversionistas han ayudado a Cabarete son muy positivos, porque nos han puesto en un mapa que muchas veces solo iluminaba a Punta Cana. Ahora, en Puerto Plata y Cabarete, estamos pudiendo ofrecer mucho más de nuestra cultura y con gran calidad a las personas que vienen a practicar deportes o simplemente a descansar”, me dice Delio, oriundo de Cabarete, quien ve el festival no solo como un espacio cultural, sino también como una invitación a un turismo interesado en empaparse de la cultura dominicana.
Cabarete Jazz Festival
Colores llamativos, bolas disco que evocan los años ochenta y espacios perfectos para las fotografías reciben tanto a locales como a extranjeros. La decoración entrelaza tablas de surf y todo el universo deportivo que rodea a Cabarete con una amplia oferta gastronómica y, por supuesto, una puesta en escena musical de gran calidad, porque si la palabra “jazz” hace parte del nombre del festival, la música debe estar a la altura.
Los vientos fuertes y refrescantes traen consigo a los primeros artistas de la tarde: Bachata Academy, una agrupación conformada por más de quince niños y jóvenes dedicados al estudio y preservación de la bachata. Con algo de timidez, pero con un talento desbordante, son los encargados de inaugurar la jornada y poner a bailar a los asistentes desde los primeros minutos.
Como mencionamos al inicio, este festival ofrece mucho más de lo que podría suponerse a simple vista, y esa primera presentación es prueba de ello. Sobre el escenario no solo aparece un grupo de jóvenes intérpretes, sino también una academia artística local que lleva con orgullo las tradiciones y el folclor dominicano, recordando que la esencia de Cabarete no se encuentra únicamente en sus playas o en sus deportes acuáticos, sino también en la riqueza cultural de su gente.
El saxofonista dominicano Sandy Gabriel fue el segundo invitado de la jornada y el encargado de acompañar la transición de la tarde hacia la noche. Su presentación representó una especie de antítesis frente a las músicas del mainstream actual: una propuesta de gran complejidad sonora, ejecutada con una maestría digna de admiración.
Probablemente fue uno de los puntos más altos del festival en términos musicales. Durante su presentación, el jazz se apoderó de Cabarete, aunque sin renunciar del todo a la identidad dominicana, dejando espacio para algunas pinceladas de merengue que enriquecían aún más la experiencia.
Y como ocurre con una de las esencias fundamentales del jazz, la improvisación también se trasladó al público. Sin preocuparse por el qué dirán y en medio de un ambiente familiar —otro aspecto destacable del Cabarete Jazz Festival, que se consolida como un espacio seguro para los niños—, cada persona parecía dejarse llevar por la música, entregándose al baile con total libertad y sin ningún tipo de escrúpulo.
La puertorriqueña iLe fue la encargada de abrir el corazón de buena parte de los espectadores con un espectáculo cargado del sentimiento característico del bolero. Canción tras canción, gran parte del público la acompañaba a grito herido, mientras otros observaban con asombro la calidad interpretativa de una artista capaz de convertir cada tema en algo íntimo.
Entre recuerdos de composiciones heredadas de su abuela y un discurso atravesado por el empoderamiento femenino, iLe transformó gran parte de la noche en un momento íntimo para cada asistente. Su voz, firme y expresiva, guiaba un repertorio que transitaba entre la nostalgia, el deseo y la reflexión, mientras algunos movimientos sutiles de baile aportaban una sensualidad elegante a la puesta en escena.
Durante casi una hora, Cabarete pareció detenerse para escucharla. Y cuando la última canción llegó a su fin, quedó claro que más de uno había terminado enamorado de su música.
Gran parte del público había viajado desde diferentes ciudades e incluso desde otros países para ver al artista cubano que estaba a punto de subir al escenario. Si de algo no carece Cimafunk es de alegría, energía y una voz rasgada capaz de emocionar a cualquiera. Desde el primer segundo de su presentación, la euforia desbordó el recinto y pareció mezclarse con la brisa del mar. El público no dejó de saltar ni de bailar; la energía de la fiesta era prácticamente palpable.
Tanta fue la conexión entre artista y audiencia que Cimafunk no escatimó esfuerzos e hizo del escenario una extensión de la pista de baile. Invitó a varios asistentes a formar parte del espectáculo sobre la tarima, una escena que difícilmente podría ocurrir en cualquier festival, pero que encaja a la perfección en el Cabarete Jazz Festival, donde el ambiente familiar convive con una de las celebraciones musicales más vibrantes del Caribe.
Cuando parecía que la noche había alcanzado su punto más alto, el pianista cubano Alfredo Rodríguez tomó el relevo sin permitir que la fiesta perdiera impulso. Con el virtuosismo de su piano y el respaldo de una orquesta impecable, se encargó de prolongar la celebración y darle continuidad a una jornada que, aunque se acercaba a su final, seguía rebosante de sabor, ritmo y alegría.
Mantener la energía de la fiesta en lo más alto no era una tarea sencilla, pero la agrupación venezolana Los Amigos Invisibles hizo que pareciera fácil. Con ese sonido funky irreverente que los caracteriza y una energía tan eléctrica como caribeña —una combinación poco común, pero tremendamente efectiva—, convirtieron la última presentación de la noche en un momento inolvidable.
El público coreó cada canción mientras se dejaba llevar por una mezcla de ritmos en la que convivían la güira, el bajo, la guitarra eléctrica y el espíritu festivo que había acompañado al festival desde sus primeras horas. Canciones como ‘Mentiras’ y ‘La que me gusta’ sirvieron como el broche de oro perfecto para una jornada llena de virtuosismo sonoro.
Un espectáculo de drones, cuidadosamente diseñado para minimizar el impacto sobre las mascotas y la fauna del entorno, se robó la atención de todo el público y dejó en claro que el Cabarete Jazz Festival no es un evento más dentro del calendario cultural del Caribe, es una celebración de la cultura, el arte y la libertad creativa en un entorno natural privilegiado. Un lugar en donde la buena música se entrelaza con la intención de hacer al Caribe un lugar cada día más privilegiado, hospitalario y mágico.
The post Cabarete Jazz Festival: un tesoro en el Caribe appeared first on Rolling Stone en Español.
En julio de 2024, Draco Rosa —nacido como Robert Edward Rosa Suáres hace 56 años en Long Island, Nueva York, Estados Unidos— y su pareja iniciaron un viaje con la idea de despejar la cabeza. Comenzó por el caribe, con una semana en las playas de República Dominicana. Después, adquirió tintes místicos y espirituales, cuando se mudaron a la Costa Brava de España, en el noroeste del país, en la provincia de Girona. Ahí, el agua es transparente y cristal, las playas y los caminos son rocosos, la naturaleza es agreste. Hay una sensación de viaje en el tiempo, un feedforward al medioevo. Ese camino tuvo paradas en viñedos, castillos y monasterios, con el ruido del Mediterráneo rompiendo en las orillas de fondo. Ese viaje, que duró poco menos de dos meses, hizo callo en el interior de Draco. Y esa marca la convirtió en las doce canciones que dan forma a Olas de luz, su último disco.
“Este viaje fue importante porque fue en un momento de mi vida en el que estoy sin alcohol y compartiendo con una compañera que da luz y tranquilidad”, dice desde su estancia en Puerto Rico. En su nueva casa, Draco vive en el campo, lejos de Los Ángeles, donde forjó su vida, la personal y la artística. “Tuve que entregar cositas, mi casa y otras más”, cuenta y cuando dice “entregar” parece referirse al divorcio con su mujer de más de treinta años de relación. “Me vine a vivir en la finca y tengo otra realidad. Estoy feliz porque ha sido mi mejor decisión”.
En ese contexto de reset de su vida, de un viaje de aires iniciáticos y de un nuevo hogar, nació este disco, el primero con canciones inéditas en cinco años. Olas de luz tiene una sonoridad que remite a aquel paisaje de la Costa Brava. Tiene armonías y capas que son como plegarias para una oración. Suenan a cantos de sirenas y omnipresencias. Con texturas de guitarras y teclados, bombos en negras, silencios de marco. Es Draco en la cima de su vida, como el monje que quiere compartir las enseñanzas que le dejó el tránsito en este plano. Lo que aprendió.
Este es un disco donde parecés reconciliarte con tu pasado.
Olas de luz es una fiesta donde soy una persona que trata de manejar esa energía negra con la que uno puede despertar. Pues es un proceso, ¿no? Hay que hacerse adulto y tener la esperanza de que vas a poder manejar todo eso. Ese proceso que es un poco un romance y representa la luz. Es como el ying y el yang. Es como el disco.
La narrativa del álbum revisa mucho tu pasado. Podría hasta ser nostálgico.
Es mirar un poco el pasado y decir: “¿Qué me queda de eso que hice?”. Pero es mirarlo sin nostalgia. Es simplemente de emoción. De un día renovado. De un renacer. Yo no soy muy de nostalgia. Me gusta mucho lo que está pasando ahora: las motos, el café, la finca.
¿Entonces Olas de luz es una especie de foto de tu presente?
Todo es un reflejo de algún momento, de un instante. Y ahí está lo que define más o menos ese momento: un otro, un romance, unos buenos amigos. El amor, simplificando. Yo me enamoro de todo. Porque todo, todo, representa una cierta espiritualidad que se va definiendo de a poco.
¿Y qué cosas de tu presente te enamoran?
Mirá… Si tienes una casa, las meditaciones o tienes un roomie, o tienes la Biblia. Siempre hay una joyita que te lleva hasta el último suspiro. Y si se comparte en el camino, es mucho mejor. Es parte de construir el bienestar emocional. Que eso es algo que se trabaja a diario. Ese bienestar y estar cerca de la familia son fundamentales y están conectados. Porque el que tiene familia lo tiene todo.
El disco tiene una sonoridad que también es muy espiritual.
Eso se encuentra, se camina. Es parte del ADN. Soy caribeño, puertorriqueño, y me encantan el rock and roll y el hip hop. Y también me encanta el Camarón de la Isla. Me gusta la buena música y siempre uno hace conexión. Yo no hago conexión con los géneros ni con ninguna bandera. Porque al final a mi me gusta la música y eso lo llevo a mis composiciones. Creo que uno va por ahí sin entender nada muy absoluto. Simplemente va fluyendo con el baile y con la marea. Sintiendo la vida. Y no tratando de entenderla tanto. Este es un disco que me parece que pasa mucho por ahí, por el camino y por el hecho de sentir. Olas de luz es único. No existe otro que tenga esa vibra, que es un poco más dark. Pero a la vez a mi me da un umbral del alba, me da todo por el amor, me da al color de la tierra. Es romance, amor y redención.
También tiene el concepto, el clima, que puede referenciar a discos anteriores, a los más próximos sobre todo.
Es que en cierto punto lo de hoy empezó hace seis o siete años. En la época de Montes Sagrados, viene de ese disco, de 2019. Ya ahí comenzó la construcción de este momento, porque sucedieron muchas cosas en lo personal. Esas cosas me llevaron a vivir hoy una realidad muy diferente a la que tenía antes de ese proceso.
¿Esa identidad del disco está muy dada por el trabajo con Héctor Castillo en la mezcla? ¿Cómo fue trabajar con él?
Eso fue muy loco. Porque estaba en un estudio en Nueva York trabajando y del otro lado del pasillo estaba Héctor mezclando no sé qué disco. Ahí nos conocimos. Empezamos a conversar y creo que le gustó lo que estábamos haciendo. Escuchó “Monserrat” y un par de canciones más. Me dio buena vibra, energéticamente. Entonces lo llamo y el resto es historia. Hizo un trabajo increíble. Hace unas dos semanas lo llamé y le dije “Héctor es espectacular lo que hiciste”.
“Monserrat” es el corte, es muy representativa del disco.
Fue la primera canción que hice. Porque pasó algo en este viaje. Ahí, de nuevo, hablando de energía para no llamarlo otra cosa. Algo pasó ahí, en Monserrat. Una conexión tanto en la relación como en la forma de ver los temas de la vida. Fue como un repaso de esos temas que cruzan la vida y todo alrededor era muy gótico, muy Drácula… y qué te puedo decir. Las rocas sagradas de frente a esas conversaciones, el antiguo viñedo, ese hotel del año 1860… Y el monasterio, claro. Y primero apareció “Monserrat” y después “Gracias por un día más”, “Colores del ayer”.
Se te escucha en un momento muy feliz de tu vida.
De semblanza, de felicidad y satisfacción. Eso aterrizó en mi vida y vale la pena celebrarlo. Pero nada dura para siempre. La vida es un sendero de oportunidades, posibilidades y situaciones.
The post Draco Rosa: “Soy caribeño, puertorriqueño, y me encanta el rock and roll” appeared first on Rolling Stone en Español.
The Cure parece estar lejos de cerrar el ciclo creativo que abrió con Songs of a Lost World. Tras el lanzamiento de su esperado álbum de 2024, Robert Smith reveló que la banda ya tiene listo un nuevo disco y que, además, trabaja en otro proyecto con una energía completamente distinta.
Durante una entrevista con BBC 6 Music emitida el 8 de junio, Smith adelantó que el sucesor de Songs of a Lost World está terminado y próximo a ser entregado a Universal. Según el músico, el material mantiene una conexión directa con su antecesor, aunque desde un lugar todavía más sombrío.
‘Si acaso, es más lúgubre que Songs of a Lost World. Es bastante oscuro; está relacionado con ese álbum, pero desde una perspectiva diferente’, explicó.
El anuncio llega después de que The Cure regresara en 2024 con uno de sus trabajos más celebrados en años, marcado por una atmósfera melancólica, expansiva y profundamente introspectiva. Ahora, Smith parece dispuesto a extender ese universo emocional antes de dar un giro hacia un sonido más luminoso.
El tercer álbum en desarrollo, según adelantó, tendrá un carácter mucho más animado. Sin embargo, el músico aclaró que esa dirección no está relacionada con su reciente colaboración con Olivia Rodrigo.
‘La gente va a pensar que es por haber trabajado con Olivia, pero el tercero es realmente animado’, señaló. ‘Es muy pop, aunque no tiene comparación melódica con lo que hace ella. Es mi idea del pop de The Cure: probablemente 20 BPM más lento que cualquier cosa suya, pero comparado con lo que hemos hecho en los últimos años, es muy rockero. Es potente’.
Aunque todavía no hay fechas oficiales de lanzamiento, las declaraciones de Smith confirman que The Cure atraviesa una de sus etapas más activas en décadas, con un disco terminado y otro en proceso que podría ampliar, desde extremos opuestos, el universo sonoro de la banda.
The post The Cure tiene dos nuevos discos en marcha, según Robert Smith appeared first on Rolling Stone en Español.
]]>
]]>
]]>