Alguien debió detener la reunión en la que se aprobó esta película y hacer una pregunta muy sencilla: ¿cuál es el punto? No porque How To Make a Killing sea un desastre. Algunos desastres suelen ser memorables. El problema es mucho peor. Es una película que toma una idea extraordinaria y la reduce a algo apenas correcto.
Becket Redfellow es el hijo ilegítimo de una de las familias más ricas de Estados Unidos. Mientras sus parientes viven rodeados de privilegios, él sobrevive vendiendo trajes en una tienda departamental. Cuando descubre que siete herederos se interponen entre él y una fortuna de 28 mil millones de dólares, decide acelerar el proceso sucesorio por medios poco ortodoxos.
La premisa, basada en el clásico del cine británico Kind Hearts And Coronets, donde Alec Guiness interpretó a ocho personajes, es venenosa, divertida y está cargada de posibilidades. Permite burlarse de las élites económicas, del privilegio hereditario y de la obsesión estadounidense con el éxito financiero. Sin embargo, el director y guionista John Patton Ford (Emily The Criminal) parece más interesado en ejecutar la mecánica del relato que en explotar sus implicaciones. Lo que debería ser una sátira feroz termina convertido en un ejercicio sorprendentemente dócil.
La película funciona durante su primer acto porque comienza con su protagonista sentenciado a muerte (¿cómo llegó ahí?) y todavía existe la ilusión de que cada asesinato abrirá nuevas posibilidades narrativas. No ocurre. Lo que sigue es una estructura repetitiva y algo soporífera donde aparece un familiar excéntrico, Becket diseña un plan, alguien muere y la historia avanza hacia el siguiente objetivo. Una y otra vez. El resultado termina pareciéndose menos a una comedia negra y más a una lista de pendientes.
Por suerte, Glen Powell aparece en el centro de todo. Pocos actores actuales poseen una capacidad tan natural para generar simpatía. Becket es ambicioso, resentido, manipulador y perfectamente consciente de que está cruzando todas las líneas morales imaginables. Aun así, Powell consigue que el espectador siga apoyándolo. Hay un eco de Cary Grant, Matthew McConaughey y George Clooney en su interpretación que vuelve entretenidas incluso las escenas más mecánicas. Sin él, la película probablemente se derrumbaría mucho antes.
La ironía es que Powell ya había demostrado en la muy superior Hit Man que podía jugar con identidades, disfraces y personajes moralmente ambiguos. Hubiera sido maravilloso que él hubiese encarnado a todas las víctimas como Guiness lo hizo en su cinta del 49. Aquí se le entrega un asesino en serie con potencial para convertirse en un monstruo fascinante, pero el guion rara vez le permite explorar algo más allá del encanto superficial.
En este neo noir, Margaret Qualley es la mujer fatal por excelencia interpretando a Julia Steinway, la amiga de infancia con rasgos sociopáticos que parece divertirse observando cómo Becket se convierte lentamente en una amenaza para todo su árbol genealógico para luego chantajearlo y obtener beneficios monetarios. Jessica Henwick es Ruth, la mujer noble y quizá el único personaje que recuerda que detrás de la fortuna y los cadáveres todavía debería existir algún tipo de conflicto moral.
Entre los miembros de la familia Redfellow destacan Topher Grace como un predicador convertido en una evidencia ambulante de la hipocresía religiosa, Ed Harris como Whitelaw, el hombre que desheredó a la joven madre de Becket y el más diabólico del clan y Bill Camp como el tío Warren, uno de los pocos personajes que parece pertenecer a una película más inteligente. El problema es que casi todos los familiares existen únicamente para convertirse en futuras víctimas. Y ahí aparece la gran debilidad del proyecto.
Lo cierto es que How To Make A Killing no puede evadirse de la sombra de Kind Hearts and Coronets. No hace falta haber visto el clásico británico para notar que aquí falta algo. En aquella cinta cada asesinato revelaba nuevos matices del protagonista y de la sociedad que lo rodeaba. Aquí los homicidios terminan mezclándose unos con otros hasta formar una masa amorfa de situaciones apenas ingeniosas.
Ni siquiera la sátira logra morder con suficiente fuerza. Los Redfellow son tan desagradables y tan obviamente corruptos, que la película elimina cualquier complejidad moral. No existe el placer culpable de apoyar a Becket. Desde el primer minuto sabemos que todos los demás son peores que él.
Lo más frustrante es que el filme nunca deja de insinuar una mejor versión de sí mismo. Una más cruel, elegante, despiadada, más interesada en examinar la relación enfermiza entre dinero y poder Ed Harris y Margaret Qualley lo intentan, pero como estamos ante otro de esos productos mediocres de A24 (otrora un estudio con cintas más fascinantes e interesantes), la película es incapaz de utilizar sus asesinatos para decir algo sobre la obsesión contemporánea con la riqueza. Cada vez que parece acercarse a esa versión superior, prefiere conformarse con otro cadáver.
Cuando llegan los créditos, la sensación dominante no es el entusiasmo ni la indignación. Es la oportunidad perdida. Con una premisa así, con un actor tan carismático en el papel principal y con semejante arsenal de millonarios detestables esperando turno para morir, How To Make a Killing debería ser una fiesta del humor negro. En cambio, termina siendo una película que muere mucho antes que sus víctimas.
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No somos de los que desprecian un regalo, sobre todo si se trata de un fiel corcel de 25 centímetros llamado Bullseye. Así que empecemos por destacar lo positivo y reconocer que Toy Story 5, la nueva entrega de la franquicia estrella de Pixar*, es esencialmente una gira de reencuentro. Todo gira en torno a la nostalgia, a revivir los grandes éxitos, a la alegría de ver caras conocidas. O, en este caso, a escuchar voces conocidas, una en particular.
Bienvenida de nuevo, Joan Cusack: su interpretación de Jessie, la vaquera que canta a la tirolesa y que apareció por primera vez en Toy Story 2 hace más de un cuarto de siglo, siempre ha sido uno de los momentos más destacados de la película. La actriz ha estado prácticamente desaparecida de la pantalla desde la anterior entrega de Toy Story y una breve aparición en la segunda temporada de la serie Homecoming. En el estreno de la película animada la semana pasada, le dijo a un reportero en la alfombra roja que ha pasado los últimos seis años viviendo una vida normal en Chicago. Te hemos echado de menos, Sra. Cusack.
Lo mejor de esta entrega tardía de la serie, hecha solo para sacar dinero, es que Jessie (y por lo tanto Joan) finalmente toma el protagonismo, habiéndose convertido en la líder del grupo. Es la favorita de Bonnie, la niña de nueve años que disfruta pasando las tardes con el grupo organizando bodas simuladas y misterios de asesinato. El novio falso es Buzz (Tim Allen), el guardián espacial del grupo, prendado de su prometida; le encantaría formalizar su unión, si no fuera porque se queda tan callado a su alrededor. Sin embargo, Jessie no tiene tiempo para cursilerías. La dama del Stetson rojo tiene una misión.
Porque Bonnie es una niña introvertida, la más tímida de todas. Le gustaría hacerse amiga de los gemelos de enfrente, pero cada vez que intenta que vengan a jugar con ella, su timidez la supera. Además, todos los preadolescentes de su cuadra —y de su barrio, y de su escuela, y probablemente en un radio de 160 kilómetros— ya no juegan con muñecas, dinosaurios de plástico ni perros Slinky. Tienen iPads. En el universo de Toy Story, este presagio digital de la perdición se llama LilyPad y suena como Greta Lee con una voz pasivo-agresivamente educada. Conecta a los niños con “el Estanque”, donde pueden enviar mensajes, jugar y comportarse como los zombis adictos al teléfono que comúnmente se conocen como “adultos”.
Los padres de Bonnie, preocupados de que su hija nunca haga una amiga “de verdad”, le compran un LilyPad. Y entonces empiezan los gritos. “¡Se acabó la era de los juguetes!” —grita un personaje ansioso. La era de las pantallas omnipresentes está en pleno apogeo. Los juguetes se dirigen al garaje. Jessie finalmente pide ayuda a Woody (Tom Hanks), quien ahora rescata juguetes perdidos junto a Bo Peep y todo el equipo de Toy Story 4. Pero después de que un incidente con LilyPad en una pijamada sale terriblemente mal, la vaquera decide tomar cartas en el asunto. Además, por si lo habías olvidado, Jessie tiene serios problemas de abandono cuando sus dueños envejecen. Es natural que ella y Bullseye se encuentren en el mismo lugar donde ocurrió su trauma, con música de Sarah McLachlan, hace tantos años.
Hablando del pasado: ¿De verdad han pasado más de tres décadas desde que se estrenó la primera película de Toy Story y revolucionó para siempre el cine de animación moderno? A mediados de los noventa, su mezcla de tecnología de vanguardia y narración clásica y emotiva se sintió como un salto evolutivo para el medio. ¡Apártate, Mickey, que ha llegado un nuevo sheriff —y, ejem, astronauta— a la ciudad! Varias generaciones crecieron fascinadas por las aventuras de Woody y Buzz, y esa tierna y divertida oda a la infancia se convirtió en la piedra angular del imperio Pixar. La compañía, con sede en el Área de la Bahía, experimentó éxitos, fracasos, escándalos y los problemas propios del crecimiento de las grandes empresas cuyas películas se convierten en un género en sí mismas. Pero siempre contaron con su franquicia estrella, el título que lo inició todo y definió lo que era una película Pixar.
Así que nadie se inmutó cuando llegaron la secuela y la tercera entrega, cada una expandiendo maravillosamente el universo que Toy Story estableció y demostrando ser (posiblemente) superiores a la original. Si Pixar se hubiera detenido en Toy Story 3 de 2010, se habrían despedido por todo lo alto y habrían mantenido el título en perfecto estado; discrepamos con Quentin Tarantino en muchas cosas, pero coincidimos plenamente con su idea de que es una trilogía cinematográfica prácticamente perfecta. Cuando la cuarta película llegó a los cines en 2019, se notaba que la trama empezaba a flaquear. Aun así, exprimir la saga una vez más era comprensible. ¿Una quinta entrega, sin embargo? Eso ya sería pasarse de la raya.
Toy Story 5 viene con una advertencia, un sentido de justicia y un sinfín de molinos de viento contra los que luchar. Vivimos en un mundo donde las pantallas no solo han acaparado nuestra menguante capacidad de atención, sino que han distorsionado por completo el concepto de infancia, nos dice. La idea del juego ha sido reemplazada por distracciones prefabricadas que se hacen pasar por interacción con el usuario, y los dispositivos que han fomentado la pérdida de conocimiento en línea y la división en la vida real han llegado para nuestros hijos. La tecnología alguna vez nos brindó un mundo en el que los juguetes animados (y los insectos, y los autos, e incluso la alegría de un preadolescente) se movían con una fluidez y un arte impresionantes. Ahora la tecnología es la villana —algo difícil de refutar en 2026— y cuanto más se alejen los niños, es decir, nuestro futuro, de los juguetes analógicos, menos probabilidades tendrán de convertirse en seres humanos sanos. No hay discusión al respecto.
Suponemos que Pixar es consciente de la ironía de que su película, que denuncia tales tendencias antisociales, esté destinada a ser vista sin cesar en pantallas y dispositivos muy parecidos a LilyPad. Si son conscientes de la ironía aún mayor de que una película sobre los peligros de externalizar la imaginación también adolezca de una grave falta de imaginación, es una incógnita. Toy Story 5 es un panfleto en busca de una historia, y ni siquiera el conmovedor relato de Jessie sobre cómo sana la soledad de su dueña o su propia historia de desamor pueden evitar la decepción de los resultados decrecientes. (Aunque Cusack hace lo posible por transmitir la vulnerabilidad y la redención de la heroína de bolsillo, y una vez más, uno recuerda cuánto se ha echado de menos a esta actriz). Todo lo que rodea su historia —la legión de figuras de acción de Buzz varadas en busca de un líder, el regreso de Woody a mitad de la película, los pintorescos dispositivos de primera generación que pertenecen a otra preadolescente igualmente torpe socialmente llamada Blaze— de alguna manera se siente como relleno. Al menos nos regalan una nueva canción de Taylor Swift.
¿Por qué hacen esto, Pixar? Bueno, ya sabemos por qué [sonido de millones de monedas saliendo disparadas de una máquina tragaperras]. Pero, independientemente de las preocupaciones, más o menos justificadas, sobre el tiempo en pantalla, no parece haber otra razón para que esto exista que mantener contentos a los accionistas. Esta quinta entrega de la saga pretende ser una advertencia sobre la crisis actual que supone el dominio de Silicon Valley sobre nuestras vidas. Pero es aún más una advertencia sobre la gestión de marcas. Esto es lo que pasa cuando se explota una franquicia hasta la saciedad.
*Toy Story 5 se estrena oficialmente en los cines de Argentina este jueves 18 de junio.
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En “Divine Intervention”, una alegre canción sobre ignorar el apocalipsis del próximo álbum número 25 de los Rolling Stones, Mick Jagger confiesa que una vez se preocupó tanto por el fin del mundo que consultó a una vidente de Hollywood. “En medio de la oscuridad, le pregunté: ‘¿Cuál es mi futuro?’ / Bueno, vomitó”, se lamenta sobre un ritmo de guitarra boogie al estilo de Some Girls. El mensaje de Jagger en el estribillo es que incluso cuando el mundo se acaba, “los valores distópicos son demasiado intensos para soportarlos, y me voy a morir en llamas”. ¡Eso sí que suena bien!
Después de todo, al tipo que cantó tanto “Time Is on My Side” como “Time Waits for No One” —el mismo que una vez dijo que preferiría estar muerto antes que cantar “Satisfaction” a los 45— nunca pareció importarle demasiado el futuro. Jagger, que cumplirá 83 años poco después del lanzamiento del álbum el 10 de julio, siempre ha cantado sobre vivir el presente. En los sesenta, cuando Paul McCartney lamentaba elegantemente una ruptura en “Yesterday”, Jagger le reprochaba a su ex con “Yesterday’s Papers”. Y mientras que en el excelente nuevo álbum de Macca recordaba a The Boys of Dungeon Lane, los Boys of Dartford Station están más interesados en asuntos internacionales.
“Ringing Hollow”, un rock country con ritmo pausado que recuerda la influencia de Gram Parsons en los Stones, es la carta de despedida de Jagger y Keith Richards a Estados Unidos. “Bueno, estaba locamente enamorado de ti / Antes de conocernos”, canta Jagger. “Vi todas tus películas / Fumaba tus cigarrillos”. Pero ahora, canta Jagger, “La Estatua de la Libertad está de mal humor”. Es una canción folk americana llena de observaciones irónicas y mordaces como: “Dejen que los soñadores consigan el sueño que desean, mi chiste favorito / Así que pasen el fentanilo / Pasen la cocaína… Cuando las voces se ahogan / Quiero gritar a todo pulmón”. ¡Auch! Sabemos que aún adoran a sus fans estadounidenses, pero al igual que con “Sweet Neo Con”, “Undercover of the Night” y “Street Fighting Man”, cuando los Stones ven una injusticia, no dudan en protestar.
Mientras tanto, en «Divine Intervention», una de las mejores canciones de Foreign Tongues, con un magnífico solo de blues de Ronnie Wood, Jagger describe a «multimillonarios escabulléndose, corriendo a sus refugios en el cielo». En «Covered in You», rapea: «Me despierto harto de todos estos autócratas/Sabes, parecen reproducirse como un enjambre de ratas sucias con sus misiles en exhibición». Nunca menciona a Trump por su nombre, pero sí lanza una pulla a uno de los compinches del presidente en «Mr. Charm», por lo demás un himno de gigoló caprichoso, cuando se refiere al primer trillonario del mundo como «el magnate loco Sr. Musk».
En “Never Wanna Lose You”, una canción pop-rock con un bajo funky y la participación de Robert Smith de The Cure en los sintetizadores, Jagger muestra la otra cara de la vida cuando le dice a su amante que incluso viviría con ella en Nápoles, aunque podría referirse a Nápoles, Florida, ya que describe “un parque de caravanas destartalado”. Al fin y al cabo, la política, como dijo Aristóteles, es la lucha entre los pobres y los ricos. (Y, fiel a su estilo, este hombre de riqueza y buen gusto nunca hace alarde de su propia condición de multimillonario ni la de sus compañeros de banda).
El nuevo LP llega tres años después de Hackney Diamonds. Aquel disco supuso una especie de regreso, ya que fue su primer álbum de música original en casi dos décadas, y, bueno, fue bastante bueno. Le valió a la banda —que ahora incluye al bajista Darryl Jones y al baterista Steve Jordan— un Grammy y los consagró como los creadores de éxitos más veteranos de Inglaterra. Foreign Tongues, que probablemente recopila temas de Diamonds que aún estaban en fase de grabación, se siente como algo habitual para el grupo, en el buen sentido, ya que la grabación obtuvo resultados similares.
Las 14 canciones del disco incluyen temas de rock enérgicos (“Hit Me in the Head“, “Rough and Twisted“), baladas con emotivas despedidas y diálogos fuera de escena (“Back in Your Life“ y la excelente “Some of Us“ de Richards), baladas disco desgarradoras (“Jealous Lover“, “Never Wanna Lose You“), temas country (“Ringing Hollow“) y un sinfín de riffs de Chuck Berry (literalmente en una reverente versión de “Beautiful Delilah“ de Berry). Aquí no hay giros inesperados ni experimentos pop, solo la satisfacción de la música reconfortante al más puro estilo Stones.
Al fin y al cabo, los Stones saben cómo debe sonar un disco suyo. Su fidelidad al blues, el R&B y el rock and roll clásico permanece intacta, y en caso de que se desvíen, cuentan con Andrew Watt, quien también produjo Hackney Diamonds, guiándolos. Figura como productor e incluso tiene algunos créditos de composición junto a Jagger y Richards, pero probablemente también debería haber recibido un reconocimiento por su “conciencia”, ya que, como superfanático, les ayudó a recordar su esencia: riffs cálidos y bluseros combinados con la mordaz ironía de Jagger.
Los únicos momentos realmente desconcertantes del álbum son el rap de Jagger en la, por lo demás, excelente “Covered in You“ —donde McCartney toca un ritmo animado con el bajo mientras Jagger dice algo sobre “espera a ver el blanco de sus culos”— y una versión bastante convencional de “You Know I’m No Good“ de Amy Winehouse, cuya mejor parte es Jagger imitando la producción de Mark Ronson con su armónica. Lo único que falta son improvisaciones largas, una travesía nocturna o una tempestad como “Gimme Shelter“, pero el álbum ofrece en gran medida lo que los fans de los Stones necesitan.
Al igual que en Hackney Diamonds, la lista de invitados es extensa: McCartney, Smith, Steve Winwood (que se limita al piano y al órgano), Benmont Tench de los Heartbreakers (al órgano) y Bruno Mars, que toca un cencerro casi inaudible en la fiesta disco “Never Wanna Lose You“. Al igual que en Hackney Diamonds, la aparición más destacada es la del difunto y genial Charlie Watts en la canción “Hit Me in the Head“, al estilo de “Hang Fire“, grabada en 2021; y esto no es una falta de respeto a Jordan, quien tiene un estilo diferente y golpea con más fuerza.
El álbum suena un poco demasiado pulido a veces, pero en general Foreign Tongues se mantiene fiel al sonido característico de los Stones, o al menos a la idea que Watts tenía de cómo debían sonar. No hay ritmos pesados como los de Dust Brothers en este álbum, como sí los había en Bridges to Babylon. Jagger, Richards y Wood saben que nunca superarán la racha ganadora que los llevó desde Beggars Banquet hasta Exile on Main St. (sin olvidar Aftermath, Some Girls o Tattoo You), así que ¿por qué no superar Dirty Work y Voodoo Lounge, algo que logran con creces aquí? La voz de Jagger es una maravilla moderna, sonando tan bien como hace 40 años; Incluso canta “You Know I’m No Good” en un tono más alto que Winehouse. Y el “antiguo arte de entrelazar” de Richards y Wood produce texturas densas, especialmente en “Ringing Hollow”, que permiten que cada uno de ellos destaque aquí y allá con solos de guitarra.
En cierto modo, Foreign Tongues supone una mejora respecto a Hackney Diamonds, ya que este último sonaba a veces demasiado a un disco en solitario de Jagger por su énfasis en las melodías vocales; este se siente más centrado en la guitarra y con un sonido más característico de los Stones. El objetivo, como ha dicho Watt, era crear canciones que funcionaran bien en grandes estadios, y los sencillos “In the Stars“ y “Never Wanna Lose You“ podrían lograrlo si la banda quisiera volver de gira.
Como siempre, las mejores canciones surgen cuando los Stones se desatan. En “Jealous Lover“, un tema soul con toques funk que recuerda a “Emotional Rescue“, Jagger rompe con su amante en falsete porque ella es demasiado celosa de otras mujeres (y, por cierto, nunca dice que no le esté siendo infiel). Y abraza la actitud de ligón en la divertida “Mr. Charm“, donde seduce a una mujer rica diciéndole: “La vida es demasiado corta para solo ganar dinero / Enséñame a gastarlo, cariño“. (En un raro reconocimiento de su edad, admite en la canción que, si bien alguna vez soñó con recorrer Marte, ahora prefiere quedarse en casa y “hacer anagramas, soltar epigramas“). Luego está “Some of Us“ de Richards, una conmovedora declaración de devoción cuyos orígenes como canción se remontan a los años ochenta, en la que canta: “Algunos de nosotros estamos de rodillas, suplicando, cariño“. Hay una profunda emoción y vulnerabilidad en la voz de Richards, que ocasionalmente se entrelaza con la de Jagger, de una manera que refleja un nivel de dedicación que solo se alcanza con un amor duradero.
Y hablando de amor duradero, el álbum termina con Jagger y Richards, presentes en la vida del otro desde los cinco años, cantando “Beautiful Delilah“ de Berry, con Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers al bombo. Al igual que cuando los Glimmer Twins interpretaron “Rolling Stone Blues“ de Muddy Waters en Hackney Diamonds, su elección de Berry representa un momento muy especial para el dúo, ya que Jagger llevaba discos de Waters y Berry cuando se reencontró con Richards en la estación de tren de Dartford, y el primer sencillo de los Stones fue una versión de “Come On“”” de Berry. Durante cuatro minutos, volvieron a ser Blues Incorporated, su primera banda. Y se nota que esa chispa original aún late en ellos.
Jagger ha expresado su deseo de que los Stones publiquen más discos, pero a medida que él y Richards se acercan a los ochenta (Wood cumplirá 80 el año que viene), siempre existe la sensación de que este álbum podría ser el último. No lo saben. Si lo es, sin embargo, Foreign Tongues es un álbum que está a la altura de su legado.
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El JW Marriott Hotel Madrid destaca por un diseño sofisticado que rinde homenaje a la rica historia de la capital española. Con 139 habitaciones y suites distribuidas en siete plantas, algunas de ellas cuentan con balcones privados desde los que es posible contemplar impresionantes vistas panorámicas de la ciudad. Concebido bajo una filosofía orientada al bienestar integral, el hotel ofrece un entorno pensado para revitalizar cuerpo, mente y espíritu. Su legado histórico permanece intacto gracias a la cuidadosa conservación de elementos arquitectónicos originales, como las columnas de hierro forjado del siglo XIX, un tributo al pasado que se integra armoniosamente con la elegancia contemporánea de sus espacios. Más que un alojamiento, se trata de un refugio donde el descanso, la sofisticación y la excelencia gastronómica convergen para crear experiencias memorables y momentos verdaderamente especiales.
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En JW Marriott Hotel Madrid, el compromiso con el bienestar trasciende la hospitalidad tradicional para convertirse en una experiencia integral. Sus exclusivos paquetes combinan tratamientos de spa con propuestas gastronómicas diseñadas por Mario Sandoval, creando momentos pensados para quienes buscan una estancia enriquecedora, memorable y llena de sensaciones. Desde masajes revitalizantes acompañados de cócteles de autor en el lobby hasta selectos aperitivos especialmente concebidos para complementar una sesión de spa, cada experiencia ha sido cuidadosamente diseñada para promover el equilibrio entre cuerpo y mente. Una invitación a desconectar, renovarse y disfrutar de un bienestar que se vive a través de cada detalle.
Más que ofrecer una de las estancias más exclusivas de la capital española, este hotel se presenta como un auténtico refugio para quienes desean descubrir la esencia de Madrid sin renunciar al lujo y al bienestar. Cada espacio ha sido concebido para brindar una experiencia que invita a desconectar, revitalizarse y disfrutar de la ciudad desde una perspectiva más serena y sofisticada. Gracias a su personalidad única, su legado histórico y su firme apuesta por el bienestar integral, JW Marriott Hotel Madrid redefine el concepto de hospitalidad en la capital, convirtiendo cada estancia en una experiencia memorable para los sentidos.
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Another era comes to a close as The Dillinger Escape Plan announce their final set of “Calculating Infinity” reunion dates with original vocalist Dimitri Minakakis. Following shows in UK and Europe later this month, The Dillinger Escape Plan return to North America in October for a run of shows in…
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