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¿Qué estabas haciendo hace diez años? Little Jesus lo sabe muy bien: estaba celebrando el estreno de Río Salvaje, el álbum que marcaría un antes y un después en su carrera. Con apenas diez canciones y poco más de 46 minutos de duración, la banda oriunda de la Ciudad de México nos regaló un proyecto en el que consolidaron su versátil sonido en el que conviven elementos de rock, pop, funk, synth-pop y hasta música tropical.
“[Estamos] muy contentos. Sorprendidos de que haya pasado tanto tiempo porque se pasó en un parpadeo”, comentó Santiago Casillas, “Sant”, en conversación con ROLLING STONE en Español. “Sigo sintiendo la emoción de cuando fuimos a grabar; fue una grabación muy especial para nosotros. Y la verdad, lo siento como si fuera la primera vez”, continuó el vocalista de la banda.
Para celebrar el décimo aniversario de Río Salvaje, todas las canciones que forman parte del proyecto volvieron a sonar frente al público. Si bien algunas de ellas han permanecido en su repertorio, la mayoría no han sido interpretadas en vivo durante muchos años. “Nos damos cuenta de que en estos diez años hemos cambiado un poco la forma en la que tocamos algunas canciones”, comenta “Sant”. “Justo las estamos volviendo a conocer. Algunas las estamos aprendiendo casi desde cero porque las hemos tocado muy poco”. Dentro de esta lista figuran temas como ‘Nuevos Amigos’, ‘Río Salvaje’ y ‘Niña Bien’.
Con este proceso, tanto “Sant” como el resto de integrantes de Little Jesus han podido revivir momentos y reconectar con sus versiones del pasado. A pesar de que en una década tanto el mundo como ellos mismos han cambiado drásticamente, en su interior aún perduran esos jóvenes llenos de ilusión que solo querían hacer música y vivir la vida de la forma en la que lo hacían sus ídolos. “Estamos reconectando con esa época y con nosotros como banda; volviendo a aprender y a sentir lo que sentíamos”, menciona el vocalista y principal compositor de la agrupación.
“Todos estamos cambiando todo el tiempo. Y en estos diez años nuestras vidas han dado un giro total. Pero nos estamos acordando del humano que éramos en ese entonces y dándonos cuenta de que seguimos siendo los mismos de alguna manera. Aunque vamos aprendiendo y vamos olvidando cosas”, externa Casillas. “Hay muchas cosas que olvidamos. Siento que el paso de los años y la rutina te hacen olvidar ciertas sensaciones. Y este tipo de celebraciones te recuerdan los pequeños detalles”, añade.
A pesar de que Río Salvaje fue el álbum que terminó de consolidar a Little Jesus como una de las bandas principales de la escena independiente, la agrupación no llegaba en ceros. Tres años antes habían estrenado Norte, un proyecto que había sido bien recibido por el público y donde quedaron inmortalizadas canciones como ‘Azul’ y ‘Químicos’. Aunque desde entonces eran conscientes que tenían mucho más que ofrecer y para su siguiente entrega decidieron echar toda la carne al asador y preparar un proyecto que terminó por definir la identidad de Little Jesus como banda, que si bien ha visto cambios, sigue manteniendo esa esencia despreocupada y atrevida que fue notoria desde hace diez años.
“Ese fue un álbum que hicimos con inspiración juvenil, casi por instinto. Fuimos grabando las canciones donde podíamos, como podíamos, sacándolas por internet. Y teníamos un estilo muy marcado que le llamábamos el ‘Tropipop’ de broma. Y como le fue bien ese álbum, queríamos que el segundo álbum fuera como un statement”, dijo “Sant”. “La gente comentaba que no sabían si nosotros íbamos a poder cumplir con el reto del segundo disco. Porque las bandas a veces se atoran cuando le va muy bien al primero; el segundo es complicado. Así que aceptamos ese reto y decidimos hacer un disco más ambicioso de lo que se acostumbraba en esa época para las bandas independientes”.
Lo que dice “Sant” es muy cierto. Si bien el camino del artista independiente sigue siendo complicado, las herramientas que existen hoy y el tamaño de la escena son mucho mejor a las que había hace una década. “Era una época en la que no era muy popular el rock independiente. No había muchas oportunidades”, comparte el vocalista del grupo. Sin embargo, los integrantes de Little Jesus apostaron por ellos mismos y se encerraron en el estudio. “La grabación la hicimos en Sonic Ranch, un estudio que también se veía lejano a poder ir. Y grabamos todo como un álbum conceptual siguiendo el ejemplo de las bandas que nos gustaban, como en los documentales. Decidimos creérnosla, darle un giro al sonido que teníamos antes y arriesgar. Y al final siento que el volado funcionó”, externa.
El que una banda independiente pudiera realizar un proyecto de esta magnitud fue una verdadera hazaña e inspiró a muchos más artistas a comenzar sus respectivos caminos por cuenta propia. “Estoy seguro y sé de algunos casos que les influyó mucho a decidir dedicarse a la música o a sacar un disco”, dice “Sant”. “Colegas que nunca habían sacado música escucharon ese disco y se dieron cuenta que independientemente podían hacer la música que se les antojara, aunque no tuvieran disquera”.
Y es que Little Jesus realmente llevó su sonido al siguiente nivel con Río Salvaje, demostrando que no estaban ligados a un solo género. “Abrimos un camino para poder hacer cualquier canción de cualquier género a partir de este disco”, dice el músico mexicano. “Fue la primera vez que experimentamos con sintetizadores análogos. Y en cuanto empezamos a usar los sintetizadores ya nos quedamos con eso. Agregamos en canciones como ‘La Luna’ arpegiadores con los sintetizadores, y eso lo hemos seguido utilizando. Le pusimos elementos electrónicos de percusión a canciones con batería análoga. Por ejemplo, en ‘La Magia’ hay unas percusiones electrónicas que suenan ahí. Pequeños detalles de producción que siento que reflejaron nuestro crecimiento y que íbamos aprendiendo nuevas cosas mientras nuestra carrera evolucionaba. Y definitivamente eso marcó la evolución”.
Además de por su sonido novedoso y arriesgado para la época, el proyecto logró resonar con una generación joven que apenas comenzaba a despertar y experimentar con nuevas emociones y vivencias, tanto positivas como negativas. “La juventud tiene momentos turbulentos en los que sientes que te estás dejando ir por la vida. Esa es la sensación del Río Salvaje: que estás dejándote ir y luchando contra las inclemencias. Y a veces hay momentos de paz mientras estás navegando. A veces llega una tormenta y te lleva, pero al final se trata de vivir, estás aprendiendo, estás sintiéndolo todo”, menciona “Sant”.
Si bien Río Salvaje gira alrededor de enamorarse en la capital mexicana, lo cierto es que el material logró llegar a todas partes del país, llevando a la banda a nuevos territorios. “Siento que resonó mucho con la gente joven de cualquier parte del mundo que entendiera la letra porque las letras son muy honestas con lo que siente la gente a esas edades”, dijo el vocalista de Little Jesus. “Siento que tratamos siempre de ser muy honestos con lo que estábamos viviendo en ese momento y plasmamos muchas sensaciones y sentimientos que tenemos los jóvenes mexicanos y latinoamericanos al estar viviendo y creciendo”.
Al conectar con un público que apenas comenzaba a experimentar, Río Salvaje se convirtió en la banda sonora de esas “primeras veces”, por lo que fue sencillo que perdurara en la memoria y que continúe acompañando a esa audiencia una década después, aunque ahora lo pueden escuchar desde una perspectiva diferente. “Se nota el crecimiento de la gente y del público que escucha este disco. Porque al principio la canción de ‘La Magia’ la relacionaban con la magia. Como con el ‘Yo, las canciones, y tú, la magia’. Y diez años después la canción la usan en videos que hablan de renunciar a su trabajo. Por la primera frase que dice ‘Ese trabajo te va a matar’. Siento que cuando salimos los chicos que nos escuchaban todavía no trabajaban y ahora ya tienen trabajo y se identifican con otras partes de la canción que están más acordes a su edad”, comentó.
Y es que, además, ‘La Magia’ se convirtió en el himno por excelencia de Little Jesus y es, hasta la fecha, la canción más escuchada de la banda. “Me acuerdo de estar en modo disco tocando canciones con mi guitarra eléctrica a altas horas de la noche. Y sí me acuerdo de cuando empezó a salir la melodía. Es difícil de explicar, se me pasó por la cabeza hablar de la magia”, recuerda “Sant”. Aunque la versión que hoy conocemos del sencillo no fue la primera que pasó por la mente de la agrupación.
“Después, ya que tenía la armonía y un poco de la letra hecha, me junté con la banda. Y el reto fue decidir cuál iba a ser el estilo de producción de la canción. Hicimos muchos experimentos. Hicimos una versión rock, una versión más rápida, una versión más lenta. La canción se hizo muy rápido, el reto fue encontrar la producción adecuada”, revela Casillas, quien al final, junto con sus compañeros, terminó decantándose por una versión con influencias de ‘Young Turks’ de Rod Stewart. “Tiene algo atemporal, como que suena medio ochentera, pero suena actual. Siento que justo la onda nostálgica fue lo que nos gustó de esa versión”.
‘La Magia’ no fue el único gran sencillo de Río Salvaje, ya que estuvo acompañada por ‘TQM’, una canción donde Little Jesus colaboró con Ximena Sariñana y Elsa y Elmar. “Ya habíamos terminado el disco, ya teníamos nueve canciones que creímos que ese iba a ser el total del disco. Y al final, jugando en el piano se me ocurrió el intro y se me hizo que era una buena carta de despedida para el disco”, recuerda “Sant”. Una de las principales características de la canción es ese cierre tan abrupto en que el las guitarras se silencian repentinamente. “Estábamos viviendo el documental y tratando de hacer canciones como nuestros ídolos y que nuestros discos se sintieran así legendarios y un disco que nos gusta mucho es Abbey Road de los Beatles. Y así termina la de ‘I Want You’”, añade.
Hoy en día, a diez años del estreno de Río Salvaje, Little Jesus es uno de los principales referentes de la música mexicana. A pesar de que la banda ha pasado por distintas etapas, la esencia de este proyecto sigue presente tanto en su sonido como en su vibra. De hecho, el futuro de la agrupación seguirá muy ligado a este álbum. “Este disco, esta celebración, el recordar y revisitarlo, nos está inspirando mucho para hacer un nuevo disco definitivamente. Esa sensación —tal vez por los años, por la rutina, por la edad— la estábamos perdiendo, y tenemos ganas de volver a hacer algo parecido: un álbum conceptual ya con otro punto de vista, otras experiencias”, revela “Sant”, aunque tiene claro que el sonido no será el mismo. “Creo que parecido más en el espíritu, en la vibra, en el misticismo que rodeó al Río Salvaje. Siempre fue muy místico para nosotros ese disco, no anunciamos nunca que estábamos grabando, lo sacamos y nos creímos el sueño del ‘Rockumental’, y queremos hacer otro disco así en el que se sienta místico desde el principio”, finaliza.
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Penélope Robin marca la llegada de una nueva etapa para su trayectoria con su nuevo sencillo ‘Diosa de cien colores’. Estos nuevos pasos buscan perfilarla con una identidad inquebrantable, un sonido más audaz y el comienzo de una era poderosa.
‘Diosa de cien colores’ va más allá de una canción; es una transformación artística y personal que sitúa a Penélope Robin en una declaración de presencia, identidad y autoexpresión. En este primer lanzamiento que busca la reinvención, la cantante escribió un himno para quienes han sido catalogados como ‘demasiado’, dándole el poder al espectro completo de lo que una persona puede ser: todo.
Con versos como “Eres una Diosa / de cien colores / Cuando salgas todas las noches / Quiero que puedas soñar / Tu aura es espectacular”, Robin encuentra un espacio de celebración para dar el paso más contundente de su carrera, hasta ahora. Se trata de celebrar la identidad y abrazar plenamente quién eres. Es un recordatorio de que la verdadera libertad comienza cuando te permites ser tú mismo: sin ataduras, sin esconderse, sin máscaras ni excusas.
Este mensaje cobra especial relevancia en el marco de las celebraciones del Pride en Colombia, con Penélope presentándose en el escenario del Pride de la Plaza de Bolívar y liderando la noche en Theatron, Bogotá, dos de los espacios más emblemáticos e icónicos del calendario cultural y de diversidad del país.
Este 2026, Penélope Robin ha lanzado otros temas, como ‘Ansiedad’, ‘Curazao remix’, ‘Dulce maldición’ y ‘Se vive una vez’.
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El título de la nueva película de la actriz sudafricana Charlize Theron es Ápex, un término que significa cima, vértice o punto más alto. En biología existe el término “depredador ápice”, para hablar de la especie situada en la cima de la cadena alimenticia.
Theron demostró que las mujeres son mucho más letales que los hombres, gracias a esas fuerzas demoledoras de la naturaleza como Furiosa en Mad Max Fury Road y Lorraine Broughton en Atomic Blonde, pasa buena parte de esta película escalando montañas, cruzando rápidos, cayendo por barrancos, soportando heridas imposibles y huyendo de un asesino serial salido de una pesadilla australiana. Dicho de otra manera: está teniendo un día normal en la pantalla.
La actriz ha construido una de las carreras más curiosas de Hollywood. Ganó un Óscar por encarnar a una asesina en serie en Monster, ha trabajado con directores de alto prestigio y podría haberse instalado cómodamente en el cine dramático. En cambio, lleva años demostrando una debilidad por personajes capaces de sobrevivir a experiencias que enviarían a cualquier ser humano directamente a cuidados intensivos.
Ápex abre con una secuencia que deja claro cuál es el plan. Sasha (Theron) y su pareja Tommy (Eric Bana), duermen suspendidos en una tienda de campaña colgada sobre una pared vertical de roca. Es una imagen espectacular y ligeramente aterradora. También funciona como una declaración de intenciones. Su director quiere que sintamos constantemente que el suelo puede desaparecer bajo nuestros pies.
Tras una tragedia que llega pronto y empuja la historia hacia adelante, Sasha viaja a un remoto parque nacional australiano para enfrentarse nuevamente a aquello que mejor sabe hacer que es desafiar los límites de la supervivencia. Allí conoce a Ben.
Taron Egerton, el actor británico de Kingsman y Rocketman, tan versátil en el drama y la acción como Theron, interpreta a su personaje con una inteligencia que la película no siempre merece. El actor entiende que los villanos más inquietantes rara vez parecen monstruos. Ben resulta amable, educado, incluso encantador. Uno entiende perfectamente por qué Sasha confía en él. Cuando finalmente revela quién es en realidad, Egerton evita los excesos y construye una amenaza basada más en la tranquilidad que en la histeria. Su personaje nunca necesita gritar para resultar peligroso.
Lo mejor de Ápex llega cuando la película deja atrás cualquier intento de misterio y se convierte en una persecución a gran escala. Ahí, el islandés Baltasar Kormákur recupera algunas de las virtudes visuales que ya había demostrado en Everest. Los paisajes australianos lucen impresionantes y amenazadores al mismo tiempo. Los bosques parecen interminables. Los ríos transmiten peligro real. Las montañas recuerdan constantemente que la naturaleza no necesita asesinos seriales para acabar con alguien.
Theron aprovecha ese escenario para ofrecer exactamente lo que el público espera de ella. Corre, escala, lucha y se arrastra con una convicción física que muy pocas estrellas actuales poseen. Nunca parece estar esperando que los efectos especiales hagan el trabajo por ella. Cada golpe tiene peso y cada caída parece doler. Esa credibilidad física es precisamente lo que mantiene viva la película cuando el guion empieza a mostrar sus costuras. Porque las muestra.
Jeremy Robbins escribe una historia que funciona mucho mejor como mecanismo de suspenso que como estudio de personajes. Cada vez que intenta explicar los traumas edípicos de Ben o profundizar en las heridas emocionales de Sasha, la película pierde impulso. No ayuda que algunas revelaciones psicológicas parezcan sacadas del manual más básico del thriller contemporáneo. Tampoco ayudan ciertos efectos digitales que desentonan con la espectacularidad de los escenarios reales. Son momentos aislados, pero suficientemente evidentes para romper el hechizo.
Afortunadamente, Ápex siempre encuentra la manera de regresar a su principal fortaleza: el enfrentamiento entre Theron y Egerton. La química entre ambos no nace de la simpatía sino de la confrontación. Son dos intérpretes jugando una partida donde cada movimiento implica dolor físico y riesgo real.
La película nunca alcanza la intensidad emocional de los mejores trabajos de Theron ni la complejidad psicológica de los grandes thrillers de supervivencia como Deliverance, The River Wild, The Descent o The Grey. Pero tampoco parece particularmente interesada en hacerlo. Su objetivo es el de ofrecer dos horas de tensión, paisajes espectaculares y una estrella de acción en plena forma. Y cuando Charlize Theron está en plena forma, eso es más que suficiente.
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