A punto de cumplir cuarenta años, Nora (Natalia Plascencia) descubre que la adultez no se parece en nada a la versión que imaginó cuando era joven. Su relación sentimental atraviesa una crisis, el desempleo amenaza su estabilidad, los conflictos familiares siguen abiertos y el futuro parece más incierto que nunca. A partir de esa premisa, La vida es se convierte en una exploración de las expectativas incumplidas y de la necesidad de reconstruirse cuando los pilares que sostenían nuestra identidad comienzan a tambalearse.
El guion de Lorena Villarreal e Ian Martin parte de Que no se case Kelly, una historia original de Diana López y Alba Garza, para construir un retrato contemporáneo sobre las crisis afectivas, familiares y existenciales que acompañan la entrada a la madurez. La directora Villarreal (Silencio, Las lloronas), aborda estos temas desde una estructura fragmentada que salta constantemente entre presente y pasado. Los flashbacks, la ruptura ocasional de la cuarta pared y la división narrativa entre distintos personajes permiten observar una misma historia desde perspectivas complementarias. Lejos de sentirse dispersa, la película encuentra coherencia en las emociones de sus protagonistas, mujeres que intentan comprender quiénes son cuando dejan de definirse únicamente por sus relaciones, sus trabajos o sus responsabilidades.
Nora nunca aparece como una víctima de las circunstancias ni como una heroína ejemplar. Es una mujer contradictoria, impulsiva, vulnerable y profundamente humana. A su lado, Naian González Norvind aporta una sensibilidad distinta con Ely, un personaje que funciona como espejo emocional y contrapunto narrativo. La química entre ambas resulta fundamental para que la película encuentre autenticidad en sus momentos más íntimos.
La actriz chilena Paulina García (Gloria, Querido trópico), se adueña de cada escena en la piel de Greta, una figura cuya presencia atraviesa gran parte del relato. Más que un personaje secundario, representa una filosofía de vida que la película utiliza para reflexionar sobre la aceptación del dolor, la pérdida y la capacidad de seguir adelante incluso cuando las respuestas nunca llegan del todo.
Villarreal no reduce la experiencia femenina a un único conflicto. La película habla del amor romántico, pero también de la amistad, la maternidad, la sexualidad, la muerte, los vínculos familiares y la violencia que atraviesa la vida cotidiana de muchas mujeres mexicanas. Temas complejos que aparecen integrados de forma orgánica dentro de una narrativa que nunca pierde de vista a sus personajes.
La fotografía de Matías Goth aprovecha los paisajes de Baja California para construir imágenes luminosas que contrastan con la confusión emocional de los personajes. Las playas, los caminos abiertos y los espacios naturales funcionan como extensiones del viaje interior que experimenta Nora. La banda sonora de Jesse Voccia termina de reforzar esa mezcla de nostalgia, melancolía y esperanza que atraviesa toda la película.
Más que una historia sobre la crisis de la mediana edad, La vida es habla de la capacidad de aceptar que la vida rara vez ocurre como la planeamos. Lorena Villarreal encuentra belleza en ese caos cotidiano y construye una película profundamente empática con quienes alguna vez han sentido que llegaron a una etapa de su existencia sin las respuestas que esperaban encontrar.
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Adaptar a Haruki Murakami al cine siempre ha sido una tarea complicada. Sus historias rara vez dependen de la trama; funcionan a partir de estados de ánimo, silencios, recuerdos fragmentados y elementos surrealistas que irrumpen en la realidad con absoluta naturalidad. Por eso resulta tan interesante que Pierre Földes, un compositor de música para videojuegos (Hitman: Blood Money, Robotech: Invasion) haya optado para su ópera prima por la animación para acercarse de una forma fluida y orgánica a un universo literario que muchas veces parece resistirse a cualquier forma convencional de representación.
Földes entrelaza seis relatos del escritor japonés (Sauce ciego mujer dormida, Rana salva Tokio, Todos los hijos de Dios bailan, Tailandia, Pastel de miel y La mujer del martes y el pájaro que da cuerda al mundo), en una narrativa coral situada después del terremoto que sacudió Japón. Sin embargo, el desastre natural funciona más como una onda expansiva emocional que como un acontecimiento físico. Los personajes caminan por una ciudad aparentemente intacta mientras sus vidas se desmoronan por dentro. Matrimonios que se rompen, oportunidades perdidas, sentimientos de culpa y una profunda sensación de desconexión recorren cada una de las historias.
La película encuentra en la animación un vehículo ideal para trasladar la lógica de Murakami al cine. Aunque técnicamente no utiliza rotoscopia pura, su estilo visual recuerda inevitablemente a las exploraciones metafísicas de Richard Linklater en Waking Life y A Scanner Darkly, donde los personajes parecen existir en un estado intermedio entre lo real y lo imaginado, como si estuvieran flotando dentro de un sueño del que nunca terminan de despertar. Esa sensación de inestabilidad permanente encaja perfectamente con la escritura de Murakami.
También hay ecos de obras como Donnie Darko y Twin Peaks. No porque compartan historias similares, sino porque las tres entienden que lo extraño resulta más inquietante cuando aparece sin explicación. Un sapo gigante que conversa sobre filosofía, gatos que desaparecen y reaparecen, personajes que parecen conocer secretos imposibles o encuentros que desafían cualquier lógica racional forman parte de un mundo donde lo extraordinario convive con lo cotidiano sin necesidad de justificarse.
Lo admirable es que Földes evita convertir estos elementos en simples curiosidades surrealistas. Bajo la fantasía existe una reflexión constante sobre la soledad, el paso del tiempo y la incapacidad de las personas para comunicarse realmente entre sí. Como ocurre en las mejores novelas de Murakami, los acontecimientos más extraños terminan revelando emociones profundamente humanas.
La película posee una belleza discreta y melancólica. Los fondos acuarelados, los espacios vacíos y los personajes que parecen desdibujarse en ocasiones transmiten una sensación de fragilidad permanente. Todo parece a punto de desaparecer, como un recuerdo que se desvanece lentamente.
Más que una adaptación literaria canónica, Sauce ciego, mujer dormida captura algo mucho más difícil: La atmósfera emocional de Murakami. Esa mezcla de tristeza, humor absurdo, deseo, misterio y nostalgia que convierte sus relatos en experiencias tan difíciles de explicar como de olvidar. Es una película que no busca respuestas ni conclusiones claras. Como los sueños, simplemente invita a dejarse arrastrar por la corriente y aceptar que algunas preguntas no están hechas para ser resueltas.
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Tras varios años sin publicar un álbum de estudio, Cultura Profética regresa con En Bucle, un trabajo que marca una nueva etapa para la banda puertorriqueña. Más íntimo, romántico y luminoso que sus antecesores, el disco surge como una respuesta personal y emocional a un momento marcado por la sobreinformación y el agotamiento colectivo.
Conversamos con Willy Rodríguez sobre el proceso creativo detrás del álbum, la importancia de tener finalmente un estudio propio, la colaboración con nuevos compositores y el futuro de una de las agrupaciones más influyentes de la música latinoamericana.
¿Cuál fue el detonante para hacer En Bucle?
Ya era más que tiempo de tener un disco nuevo. Además, desde hace dos años tenemos nuestro estudio propio por primera vez. Acabamos de cumplir 30 años y nos tomó 28 tener un estudio, así que sentíamos que ahora sí teníamos las herramientas para sacar música constantemente.
Nos metimos a producir hace exactamente un año y muchas cosas se acomodaron. No todo fue positivo; también hubo rupturas y desilusiones. Pero incluso esas experiencias me llevaron al lugar emocional correcto para crear este disco tan meloso. Porque sí, es un disco muy meloso.
Hay canciones que hablan de temas difíciles, pero la energía general del álbum está atravesada por el amor. Sentí que lo que necesitaba era hacer música que me hiciera sentir bien y que también hiciera sentir bien a los demás.
El disco parece alejarse de los temas sociales que tradicionalmente han abordado.
Sí. Nosotros siempre hemos hablado de temas importantes y de situaciones sociales que merecen atención. Pero sentí que el mundo está atravesando un momento en el que las malas noticias nos persiguen desde que despertamos y miramos el celular.
Las redes sociales exigen que tomes postura sobre todo. Parece una competencia permanente por demostrar quién está del lado correcto de la historia. Y muchas veces las personas opinan sin entender realmente los contextos históricos o geopolíticos.
Llegó un punto en que pensé: basta. Quiero hacer música que funcione como un abrazo. Eso no significa volvernos indiferentes ni dejar de preocuparnos por lo que pasa, pero ya no depende exclusivamente de la música generar conciencia. El activismo está en todas partes.
Sentí una necesidad extrema de crear canciones que acompañaran y permitieran respirar un poco.
¿Cómo fue el proceso de composición y producción?
Yo compongo la mayoría de las canciones, pero esta vez trabajamos de una manera distinta. Antes nos reuníamos a improvisar y construir las ideas juntos. En este álbum gran parte de las canciones nació a partir de patrones de batería que yo creaba.
Primero construíamos el ambiente musical y después llegaban las letras. Era como decir: ya tenemos la música, ahora hagamos la canción.
Todo el mundo aportó desde la personalidad de su instrumento, pero es un disco bastante íntimo, muy personal.
Además, por primera vez compuse con otras personas. Trabajé con Jayce, de Perú, con quien escribimos dos canciones, y también con Spreadlof, un compositor español que ha trabajado con muchísimos artistas y que recientemente ganó un Grammy junto a Alejandro Sanz.
También hay canciones escritas por otros autores.
Sí. Hay un tema escrito por Mati Zapata, tecladista y director musical de Dread Mar I. Escuché una versión que subió a Instagram y me enamoré inmediatamente de la canción. Le pedí permiso para grabarla y luego terminé de desarrollar la letra para convertirla en una canción completa.
También hay una composición de Frido Vargas, uno de los integrantes más recientes de Cultura Profética. Tiene apenas 26 años y es un genio: toca prácticamente todos los instrumentos, canta increíble y escribe muy bonito.
Todo eso terminó dándole al disco una personalidad distinta y una variedad de estilos que antes no habíamos explorado tanto.
¿Hay una canción que represente el corazón del álbum?
No diría que hay una sola canción que sea el alma del disco, pero En Bucle, la canción que le da nombre al álbum, resume muy bien su espíritu.
Tiene un sonido muy representativo de Cultura Profética. Si alguien piensa en nuestra banda, esa canción recoge muchos de los elementos que nos caracterizan.
En tiempos donde predominan los álbumes cortos, ustedes lanzan un disco extenso.
Las canciones son catorce, aunque hay varios interludios y notas de voz que completan la experiencia.
Para nosotros era importante que el álbum funcionara como una obra completa, no simplemente como una colección de canciones. Queríamos que hubiera una narrativa y que una canción condujera naturalmente hacia la siguiente.
Incluso organizamos el repertorio como si fuera un vinilo clásico, con un lado A y un lado B. En el lado A están las canciones más directamente asociadas al amor y a la dulzura; en el lado B aparecen los temas relacionados con la duda, la distancia y las rupturas.
¿Cómo ven hoy el lugar que ocupa el reggae en América Latina?
Yo siento que Cultura Profética es mucho más que una banda de reggae, aunque evidentemente nuestras raíces están ahí y nos sentimos orgullosos de representar esa estética.
Lo que sigue vivo dentro del reggae latino es el respeto por la música y por los temas que aborda. Hay una energía muy bonita alrededor de esta escena.
Quizás lo que faltó fue una mayor colaboración entre los grupos. Los artistas urbanos entendieron que trabajar juntos fortalecía el movimiento entero. En el reggae latino eso ocurrió mucho menos y creo que ahí hubo una oportunidad perdida.
Los tiempos cambiaron, muchos artistas tomaron otros caminos y los que seguimos aquí somos pocos. No ha sido fácil.
Han logrado conectar con nuevas generaciones. Un ejemplo fue la invitación a Chuwi en Puerto Rico.
Precisamente los invitamos porque vimos en ellos algo que nos recordó muchísimo a nuestros inicios.
Cuando los escuché sentí la misma autenticidad que teníamos nosotros en los años noventa. No importa que el estilo sea diferente; la honestidad artística se reconoce de inmediato.
Fue perfecto para abrir aquella noche porque ayudaron a establecer el ambiente que queríamos crear.
¿Hay artistas jóvenes que estén siguiendo de cerca?
Me encanta Jayce. Es un talento impresionante.
Mucha gente lo conoce principalmente como rapero, pero también es un gran cantante, compositor y músico. Tiene una personalidad artística muy definida.
Siempre admiro a los artistas que son completamente ellos mismos. Puedes encontrar referencias o influencias, pero hay algo inconfundible en su propuesta. Jayce tiene precisamente eso.
¿Qué sigue para Cultura Profética?
Por primera vez en nuestra carrera decidimos detenernos un tiempo. No porque estuviéramos obligados, como ocurrió durante la pandemia, sino porque sentimos que el proyecto necesitaba un respiro para renovarse.
Queremos que la gente viva este disco con calma. En septiembre comenzaremos una gira reducida por algunas ciudades clave y, a partir de febrero del próximo año, arrancará la gira completa.
Tenemos mucha fe en este álbum. Creemos que va a conectar profundamente con la gente y que nos abrirá nuevas puertas.
Además, vamos a grabar varias sesiones en vivo y a trabajar más activamente en las plataformas digitales. Tener un estudio propio facilita muchísimo todo eso.
Y ya estamos pensando en el siguiente disco. En Bucle es nuestro primer álbum junto a Rimas Entertainment y el acuerdo contempla dos discos. Queremos aprovechar este impulso y no volver a esperar tanto tiempo entre un lanzamiento y otro.
Siento que estamos entrando en un nuevo escalón dentro de la historia de Cultura Profética. La idea es seguir haciendo toda la música posible y, si se puede, continuar otros 30 años más.
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Parece ser que la temporada de Babylon Club de Danny Ocean todavía no termina. Con su nuevo EP, babylona blue, el cantautor venezolano reveló una selección de canciones que habían permanecido ocultas dentro del universo creativo de su más reciente álbum de larga duración. El material captura la esencia de los días de verano, el amor sin prisas y la sensación de libertad que el artista ha convertido en su distintivo con el pasar de los años.
Conformado por ocho canciones, babylona blue atraviesa una mezcla de géneros como el reggae, afrobeats y pop, incluyendo colaboraciones especiales de Ryan Castro en ‘Desahógate’ y Timbaland en ‘Don’t Stop’. Este último ha colaborado con grandes estrellas como Beyoncé, Rihanna, Madonna y Justin Timberlake, consolidando la visión internacional de Danny Ocean.
babylona blue es parte creativa de Babylon Club que salió en 2025. El material está conformado por 14 canciones y cuenta con la colaboración de grandes estrellas internacionales como Sech, Kapo, Kenia Os, Arcángel, Aitana y El Alfa. En ese año, Danny Ocean, en su historia de portada con ROLLING STONE en Español, dijo sobre el álbum: “Estoy bien contento, la verdad. Este disco me lo vacilo full. A veces uno es muy picky con su trabajo, pero con este… me siento bien”.
Por ahora, ya puedes escuchar babylona blue en todas las plataformas streaming.
TRACKLIST BABYLONA BLUE
- ¿Por qué dudas de mí?
- Desahógate ft. Ryan Castro
- Caramel
- Real Time Love
- Don’t stop ft. Timbaland
- Si tu supieras…
- Calefacción
- Quelomamen
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Con el paso del tiempo, resulta cada vez más difícil encontrarse con música que represente algo más allá de lo comercial; música con identidad, mensaje y propósito. En medio de esa búsqueda, muchas veces abrumadora y marcada por la homogeneidad de sonidos y letras, Afro Legends presenta un proyecto en el que, como ellos mismos lo expresan, se entrelazan la sabrosura y la resistencia, lo ancestral y el presente.
Conformada por Liam V, nacida en Guapi; Sterling Delpa, nacido en Chocó; y Flowsiao, nacido en Buenaventura, Afro Legends se erige como un tridente artístico que lleva consigo un mensaje cultural de resistencia y reivindicación identitaria. Precisamente, esa premisa se ve reflejada en su álbum debut: Chobugu Dioses.
“Cada verso, cada jerga, es un ancestro recuperando su nombre”, afirma Sterling Delpa sobre la música de la agrupación. “Mis trenzas son la conexión directa con los que vinieron antes que yo”, se presenta Flowsiao. “Nací mortal en el Pacífico, renací diosa en el micrófono”, declara Liam V. Dancehall pacífico de sabrosura y resistencia: eso es Afro Legends.
Así como hace más de una década Chocquibtown presentó a su región y a su gente en ‘De dónde vengo yo’, Afro Legends hace lo propio en la primera canción de su álbum debut: ‘Chobugu (Rey del monte)’. El tema funciona como un abrebocas perfecto para un disco que tiene mucho que decir, que suena a pasado, presente y futuro, y que actúa como un megáfono para denunciar problemáticas que con frecuencia permanecen invisibilizadas y para presentar la verdadera identidad de su región. Chobugu Dioses es, ante todo, un grito de identidad.
Esta primera gran producción cuenta con colaboraciones de la maestra Nidia Góngora, Alexis Play, Semblanzas del Río Guapi, Kombilesa Mí y otros artistas fundamentales de la escena afrocolombiana. En ‘Blackface’, junto a Kombilesa Mí, la agrupación construye un puente sonoro entre el Pacífico y el Caribe para cuestionar los privilegios heredados del colonialismo y la apropiación cultural que, en muchas ocasiones, se ejerce desde una lógica puramente lucrativa.
“La existencia negra es ilegal / Y a mi gente la ley no cobija / Aquí nací, dicen que no soy de aquí / Que me vaya sin comida y sin cobija / Aquí nací y dijeron que no era de aquí / negro devolvete a tu país” cantan en ‘Aquí nací’; “Que imiten mi acento no me representa / Esas acciones que parecen todas buenas / Son para lucrarse, no me representa” expresan en ‘Blackface”; “Desde el silencio que me agobia / Una sombra que me aterra / Una peste que emperfuma con su maldad toda mi tierra” rapean en ‘Dime si puedo 2’, canción sobre las guerras y enfrentamientos que terminan dañando al pueblo y al campesino, al que no tiene nada que ver; “Que lo del negro es robado / Que porque anda cambiado / Es que lo mío es guerriado, igual van a hablar / Supuestamente no podemos sumar” interpretan en ‘Lo del negro es robado’, una crítica a estigmas sociales obsoletos; “Negro de casa, negro de campo / Negro que habla de negro no es acto / Negro que envidia a su hermano no es merecedor del título hermano, paisano” expresan en ‘Negro de casa o de campo’.
Y así podríamos seguir citando versos de canciones cargadas de mensajes elocuentes, incómodos, necesarios y profundamente potentes. Es precisamente eso lo que permite que un artista sobresalga en medio de una marea homogénea de propuestas que, en muchos casos, parecen concentrarse únicamente en alcanzar la fama. Tener un propósito que trascienda lo individual y lo económico, y que apunte al bienestar colectivo, marca la diferencia. En Afro Legends esa intención es clara: incomodar para derribar velos de mentira, cuestionar estigmas y exponer realidades que durante mucho tiempo han permanecido ocultas o simplemente no vistas.
No hace falta extenderse demasiado cuando la música y las letras hablan por sí solas. Chobugu Dioses es una declaración de principios, una obra que encuentra en el arte una herramienta para la memoria, la resistencia y la reivindicación cultural.
Todo indica que, en los próximos años, esta agrupación del Pacífico colombiano se consolidará como un referente artístico y cultural en la defensa y visibilización de la identidad afrocolombiana.
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Hay actores que construyen su carrera a partir del protagonismo. Fernando Bonilla ha seguido un camino diferente. Durante más de una década se ha convertido en uno de esos intérpretes capaces de aparecer en los lugares más inesperados del cine y la televisión mexicana contemporánea, aportando siempre una energía particular a personajes que suelen escapar de las categorías simples. Lo mismo puede encarnar a un hombre ridículamente fuera de lugar en El norte sobre el vacío, a un artista atrapado entre privilegio y culpa en Perdidos en la noche, a una figura del narcotráfico en Narcos: México, a un operador político en Un extraño enemigo o a uno de los personajes más entrañables y desconcertantes de Las muertas.
Hijo del escritor y periodista Fernando Bonilla y de la actriz Héctorina Gómez, formado en el teatro antes de consolidarse en cine y televisión, Bonilla ha desarrollado una carrera marcada por una característica poco común: la capacidad de encontrar humanidad en personajes llenos de contradicciones. Sus interpretaciones rara vez buscan el heroísmo. Prefiere habitar las zonas grises, los espacios donde conviven el humor, la fragilidad, la torpeza, la violencia o la culpa.
A propósito de algunos de sus trabajos más recientes, conversamos con él sobre la construcción de personajes, la representación de la violencia en la ficción mexicana, los desafíos de la comedia y los proyectos que prepara para los próximos meses.
En El norte sobre el vacío, tu personaje se mueve en un entorno donde la violencia es estructural. ¿Cómo trabajaste para que su identidad no quedara reducida al contexto de la violencia y fuera un personaje más complejo que eso?
Creo que justamente Raúl no es un personaje determinado por la violencia. Es un citadino que va de visita al rancho de su suegro y que está completamente fuera de lugar. Entendía al personaje como un vehículo para aportar otro matiz dentro de la película. Es un tipo bastante patético, ridículo y desubicado, que incluso coquetea con la comedia.
Cuando empiezan a aparecer tensiones familiares o relacionadas con la inseguridad, él parece estar en otra frecuencia. Creo que funciona como una especie de respiro para el espectador, alguien a quien vemos patinar constantemente. Pero también habla de la diversidad de realidades que existen en un país como el nuestro. Hay personas atravesando situaciones terribles y otras, muy cerca de ellas, que apenas alcanzan a comprender lo que ocurre.
En Perdidos en la noche, Amat Escalante construye un universo donde domina la ambigüedad. ¿Cómo te posicionas como actor dentro de una narrativa que evita explicarse?
Rigoberto Duplas es un personaje profundamente contradictorio. Yo lo veo como una caricatura de nuestro papel como artistas dentro de una sociedad atravesada por la desigualdad y la violencia.
La película plantea una pregunta muy incómoda: ¿qué tan cómplices podemos llegar a ser de una tragedia o de una atrocidad? Muchas veces los peores actos no son responsabilidad de una sola persona, sino de una cadena de responsabilidades compartidas. Mi personaje participa de eso tanto por acción como por omisión.
Fue un personaje muy complejo porque vive en una tensión permanente. Es provocador, desafiante y constantemente está empujando los límites de quienes lo rodean. Pero al mismo tiempo la culpa termina alcanzándolo. Esas contradicciones son un combustible extraordinario para un actor.
Has participado en series como Narcos: México y Un extraño enemigo, producciones construidas sobre hechos históricos recientes. ¿Cómo encuentras espacio para proponer dentro de estructuras tan definidas?
Creo que el trabajo del actor siempre consiste en llegar con propuestas. Luego hay que entender qué busca la dirección y encontrar un punto de encuentro.
En Narcos trabajé con varios directores distintos y cada uno tenía su propia manera de abordar las escenas. A mí me interesó mucho trabajar el lenguaje y el acento de Vicente Carrillo Fuentes. El guion en español era bastante neutro y conversé mucho con ellos sobre las palabras que usaría alguien con la trayectoria geográfica y cultural del personaje.
En Un extraño enemigo el trabajo era diferente. La violencia estaba más depositada en la palabra y en los juegos de poder. Ahí la construcción pasó más por la psicología del personaje y por esa atmósfera de thriller político que proponía la serie.
Tanto en Harina como en La oficina trabajas desde registros cómicos muy distintos. ¿Cómo construyes el tono de una comedia?
Creo que lo primero es entender cuál es la función del personaje dentro del mecanismo cómico. Joe Sheffer, en Harina, es completamente farsesco. Es de esos personajes que parecen sobreactuados incluso dentro de la realidad. En cambio, Gerónimo, en La oficina, aunque es exagerado, existe dentro de un universo mucho más reconocible. Es torpe, invasivo, inconsciente de los demás y profundamente desubicado.
La comedia depende mucho del contraste. Siempre necesitas personajes que estén pisando tierra firme para que los más excéntricos funcionen. Sin ese contraste, el humor pierde fuerza.
Quisiera preguntarte por Las muertas. Es una historia atravesada por la violencia, pero tu personaje aporta algo distinto. ¿Cómo fue tu aproximación a Ticho?
Mi brújula siempre fue la inocencia. Quería construir un personaje tierno y profundamente leal. Ticho participa en actos criminales, pero nunca tuve la sensación de que comprendiera realmente la magnitud de lo que estaba haciendo. Para mí era como un perro: absolutamente leal, agradecido e incapaz de traicionar a quienes considera su familia.
En la novela de Jorge Ibargüengoitia hay información adicional sobre su pasado. Es un hombre abandonado, sin vínculos, que encuentra en esas mujeres un lugar en el mundo. Por eso desarrolla una lealtad inquebrantable hacia ellas. Esa fue siempre mi referencia emocional.
Para terminar, ¿qué viene ahora para Fernando Bonilla?
Actualmente estoy recorriendo México con Corte de caja, que es mi primer espectáculo de stand-up sin personajes. Es una comedia mucho más personal e íntima. También estoy dirigiendo la obra Piedras en sus bolsillos, de Marie Jones, y más adelante estrenaré otro proyecto teatral.
Además, esperamos comenzar próximamente el rodaje de la segunda temporada de La oficina y vienen dos series más que todavía no puedo anunciar, pero que deberían estrenarse próximamente en distintas plataformas.
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La vuelta del rocanrol se siente, paradójicamente, como una renovación en la música argentina. Si el llamado “rock barrial” fue, durante los años noventa y con nervio stone, la expresión reaccionaria de la juventud de la clase trabajadora al neoliberalismo y a un contexto social que los dejaba al margen del sistema, actualmente es la herramienta que muchos encontraron para dialogar con su tiempo y su gente. Bandas como Autos Robados, los principales exponentes de esta última camada, Los Gladiolos, La Grecia, Yony Linyero o reybruja son, entre tantas otras, quienes miran al barrio y encuentran allí elementos suficientes para abrazar el rock nacional y cantarle de forma actualizada a lo que sucede en las clases populares. Estas bandas forman lo que podríamos definir como la escena neo-rolinga de la música argentina.
“Ya no es más ‘administrativo’, boludo. ‘Músico’, ¡músico hay que poner!”, le dice Federico Soto, voz y guitarra de Autos Robados, a uno de sus compañeros al completar un formulario en el mostrador de un aeropuerto antes de viajar para tocar en Jujuy. Es que el grupo de Quilmes se ha convertido en un fenómeno cada vez más importante, una banda que, tras diez años tocando juntos, hoy les permitió a sus integrantes dejar atrás sus trabajos de oficina para dedicarse finalmente a ser músicos a tiempo completo, algo que hace no mucho era imposible de siquiera imaginar . Con referencias marcadas en el sonido de Pappo, Guasones o Ratones Paranoicos, el grupo crece desde la autogestión y el boca a boca en todo el conurbano, agota fechas cada vez más grandes y viaja como pocos por las provincias del país.
Sus formas no necesitan de mayores artilugios. En sus shows no hay pantallas, luces especiales ni cualquier otro elemento externo para potenciarlos. Con las canciones es suficiente para generar lo que generan en la gente, una excusa de encuentro y éxtasis colectivo. “Cuando vamos a tocar, tratamos de que la gente no se lo olvide”, le dijo Federico a Gustavo Olmedo. Y el factor común de todas las bandas es que la forma de definir cómo es que abordan el rocanrol implica una variable de sinceridad que es esencial en la ecuación. Ser reales, no fingir, contar eso que ven y, ante todo, eso que viven. Y la sinceridad genera representación, porque aquellos que se suman como público se ven reflejados en su condición de clase trabajadora, en sus esfuerzos de jornadas extendidas para después poder hacer eso que les gusta, en saberse similares al tomarse el bondi o el tren, en no llegar a fin de mes. Pero, principalmente, reflejados en eso de disfrutar el rocanrol.
Autos Robados se hizo lugar a fuerza de EP. El primero lo publicaron en 2017. En ese momento, Federico buscó a un grupo de músicos jóvenes por la zona de Quilmes, asumiéndose un tipo grande, con la intención seria de hacer una banda de rocanrol. En 2019 encontró la formación actual, esa que se completa con Manu Baldovino en batería, Lucas Ramos en bajo y Nico Salvador Ruiz en guitarra. Casi como los obreros de las fábricas que dieron forma a la música de Manchester, acá era un empleado público en el trabajo de administrativo de toda su vida durante la semana, músico los viernes y sábados.
“Una noche de calor/ igual a hoy/ En una fiesta de rock/ Sonaban los Ramones /Todo era así/ Oxidarse o resistir/ Y olvidarse que mañana es lunes”, cantan en “1993”, la oda del laburante que tiene que volver a un trabajo que no le gusta para sostener una vida que no le alcanza. En “Remedios”, además, demuestra su fuerza de voluntad, esa que genera representación y emoción en el público: “Claro que estamos empujando en el barro/ Pero en la correcta dirección (…)/ Gente feliz inconsciente que navega contra la corriente/ ¡Que no le importa nada, papá!”.
Julián Desbats, el cerebro detrás de Yony Linyero, cree que hay una urgencia y que el contexto invita a hablar de lo que sucede. “El horno, como dice mi viejo, no está para bollos, entonces no podés andar cantando boludeces”. Yony Linyero es una banda nacida en el barrio porteño de Once, en una pensión a la vuelta de Fantástico Bailable, a unas cuadras de Plaza Miserere entre piñas, gente en la calle, chorros y transas. Sus canciones son una mezcla de una sensación de no futuro, de derrota y de visión urbana muy marginal y precisa. “Están pasando un montón de cosas en Argentina y nadie canta nada”, dice Julián.
En 1970, Manal cantó sobre lo que veían por avenida Rivadavia, Luca hizo algo similar con Sumo en 1987 para hablar del Abasto. Cuando Ricardo Mollo le mostró el tema a Luis Alberto Spinetta, el Flaco dijo que era impresionante la visión del barrio. Años después, Prieto Viaja al Cosmos con Mariano hizo lo propio para narrar lo que veía un sábado gediento por la noche en avenida Corrientes. Ahora, para completar el legado y para que cada generación tenga su propio “Mañana en el Abasto”, Yoni Linyero pone la vista sobre Once, el barrio en el que se formaron. “Cuando Miserere duerme” es una descripción precisa de la noche porteña en un barrio con su propia idiosincrasia, sus propios marginales, las peleas, el peligro latente, sus inmigrantes y sus kioscos de noche.
El eslogan de Yoni es “haciéndole frente al frío con los corazones encendidos de rocanrol”, dice Julián, y eso lo hacen en una clave cruda, muy urgente, de guitarras entre amigos y verborragia catártica. Si en aquellos noventa/dosmil La 25 supo cantarle al barrio y los amigos, Jovenes Pordioseros al consumo y la tristeza, Guasones a lo tóxico de la soledad y Viejas Locas –entre drogas y sexo– le cantó como nadie al laburante, las nuevas bandas también crean su universo narrativo.
Después de haber integrado Los Rusos Hijos de Puta, Julián abrazó la desnudez de la canción y el rocanrol como lenguaje. Tanto fue así que las primeras canciones de la banda, esas que grabaron en algunas tardes con su celular y contaban con la participación de Felipe Barrozo, guitarrista de Intoxicados, esas que hablaban del barrio, de las canciones de mierda de la radio y de las que no te quieren, se las mostraron al Palomo, un plomo amigo de ellos, y dijo: “Che, esto es neo-rolinga”, dándole espacio a una nueva etiqueta sonora, a un grupo de bandas que se acercan en sonido, pero también en cuestiones estéticas, esas de los flequillos, los pantalones rotos y las camperas de jean.
Sin embargo, si bien las etiquetas agrupan, poco pueden definirse las bandas como un sonido en particular, ya que no es una corriente rolinga ortodoxa, lo neo-rolinga cuenta con el espíritu fogonero de canciones que se la bancan sin demasiados adornos y también se notan la furia y el desparpajo cancionero del punk. Mariano Rogelio Maravilla, el compositor de 47 años detrás de Los Gladiolos, viene de patear el circuito del hardcore durante mucho tiempo. Allí aprendió mucho, principalmente sobre una forma de hacer, dar un mensaje con su música y jugar con la entrega en el escenario, pero decidió, hace ya cinco años, dejar de lado esa intensidad para bajar y cantar de otra forma. “Nosotros hacemos un rock bien argentino, bien de barrio, así, sin vueltas. Como el que nos gusta a todos, como ese con el que crecimos”, dice.
Su disco debut se editó en 2021, pero la historia de sus canciones viene desde hace 15 años atrás. “Yo toco muy mal la guitarra, pero eso no me impide componer”, dice Mariano. “Cuando empecé a aflojar con el hardcore agarré la criolla y salí a tocar en cualquier lado. Lo hacía mal, pero me importaba una mierda. Lo hacía igual porque era lo que sentía. Así les fui dando forma a muchas canciones que pasaron por varias bandas y algunas después llegaron al primer disco de Los Gladiolos”. Mariano huyó de la ciudad para refugiarse en Córdoba, problemas de ansiedad y excesos que se salieron de control lo empujaron a las sierras. Antes de irse, grabó unas canciones y al volver, ya recuperado, fueron la semilla que generó su banda. La composición como necesidad de escape y el rocanrol como excusa.
Es así que Los Gladiolos habla de su barrio, de relaciones truncas, de despedidas y drogas, sin caer en los clichés del género. “La banda es de San Martín y tiene una esencia que se traduce en las letras que hablan de historias sobre las calles del barrio. Por eso es que el sentido de pertenencia tira para este lado”. Además, en eso de ser sincero o de hacer rocanrol sin vueltas, Mariano evita metáforas elaboradas. “Me sale ser así, tanto en la vida como en el escenario. Tampoco hay que enroscarse tanto la cabeza al escribir una letra. Ya hay grandes letristas acá como el Indio, La Renga, Calamaro, tipos que tienen una forma de escribir que es increíble. Si estamos hablando de ser uno mismo, a mí me sale escribir así. Las palabras que uso son las palabras con las que hablo. Yo hago bandera de eso: de esas cuestiones de la sinceridad y de ser uno mismo”, dice.
Si en Autos Robados, Yony Linyero o Los Gladiolos, las letras construyen los universos estéticos y narrativos, para reybruja, una de las bandas de la nueva generación que más creció el último año, también sirven para incomodar y dialogar con su tiempo. Su disco Gustar y ofender (2025), editado bajo la escudería de Sony, gusta, ofende y, principalmente, llama la atención. “Logramos hacer un disco bastante a conciencia, yendo a buscar todo lo que nosotros creíamos que necesitábamos para llamar la atención tanto del under como de la escena un poco más arriba, que es la emergente y el mainstream”, dice Enzo Lupo, el cantante de 28 años de la banda. “Eso lo fuimos a buscar de forma consciente”.
Sin embargo, lo que genera impacto es la irreverencia, el vértigo de las guitarras violentas y la actitud de su cantante que irrumpe cantando: “Yo no me olvido de que antes que lleguemos/ Ya casi nadie hacía lo que hacemos/ Rock nacional argentino/ Seré atrevido/ Pero antes que caigamos no había uno que hablara como hablamos”. “Las letras le están hablando a nuestra escena específica y a nuestra generación”, dice Enzo.
“Sabemos perfectamente que no somos los primeros que hacen rocanrol, ni rock nacional, pero cuando entramos a esta nueva escena vimos que hoy se rige principalmente por un sonido más alternativo, más internacional. La mirada no estaba puesta en el lugar de un sonido de rock nacional más clásico. Cuando decimos que no había nadie que haga lo que hacemos, nos referíamos un poco a eso. Fue como que era una bandera que tal vez nadie quería agarrar por miedo a ser llamado básico. Nosotros la agarramos con gusto”.
Los reybruja van desde los 28 a los 39 años. Cuando se encontraron dentro de la sala de ensayo se dieron cuenta de que habían crecido escuchando Intoxicados, Calamaro y La Mega y que los discos de Ratones Paranoicos o de Babasónicos los atravesaban a todos por igual. “Evidentemente somos, sin quererlo, una banda de rock nacional. Nos miramos y dijimos vayamos por acá porque esto no está siendo forzado y la verdad que nos sentimos bien en este traje”. De todas formas, Enzo se ve poco emparentado con lo rolinga más allá de sus flequillos, jeans y algún que otro baile como Jagger sobre el escenario. “Quizás hay tres o cuatro canciones que entren dentro del universo rolinga, pero yo jamás escuché a Jóvenes Pordioseros o a Callejeros sonar así. Creo que estamos más cerca de Babasónicos”, dice.
Ese eclecticismo musical también es el que se percibe en el público que construye esta escena neo-rolinga. Hoy en día ya no hay un antagonismo irreconciliable ante esos que no son como uno, sino una exaltación de la pertenencia y de la propia identidad. En los shows de estas bandas ya no se vive la rivalidad de chetos o punks contra stones, sino todo lo contrario: una celebración de los propios. Volvieron las banderas, los grupos de seguidores, los colectivos que salen desde el conurbano para ver a su banda favorita y todo está conformado por un público que atraviesa clases sociales de forma transversal.
La Grecia, el grupo más joven del movimiento, integrante de las filas de Universal, se caracteriza, justamente, por sus recitales. La presentación de su último disco, Lady Garrón (2026), ante un Niceto lleno, mostró un público variado en edades pero intenso en general. “Hay veces que me gustaría ser alguna de esas personas del público y ver nuestro vivo, ver de qué se trata”, dice Martín “Chino” Benítez, cantante del grupo. “El Chino nació con un don”, dice Dylan Sorokin, guitarrista e hijo del músico Coti Sorokin. “Creo que él es un factor que hace que la banda sea lo que es en escena. Además los cinco estamos muy ensayados para sonar muy bien. Hacemos un estilo de música que hay que defender en vivo, hay que salir a tocar y a la gente le gusta verlo”.
Esa visión del trabajo, la urgencia por meterse al estudio a grabar prontamente el tercer disco en tan solo 3 o 4 años de vida, es algo que Dylan arrastra por linaje. “Yo tengo familia de músicos: mi viejo, mi tío, mi hermano. Desde chico supe que a la música hay que meterle con todo, hay que estudiar, hay que enfocarse. Hay que hacer 300 millones de canciones, hay que practicar”, dice. “Aprendí un montón de mi familia, pero aprendí un montón también de mis compañeros de la banda”. Como dúo compositivo, el Chino y Dylan disfrutan principalmente de juntarse a hacer canciones, incluso más que a tocar. “Trabajo sin darme cuenta de que estoy trabajando”, se ríe el Chino. “Yo estoy muy contento con lo que nos está pasando, es a lo que me quiero dedicar y lo que quiero hacer el resto de mi vida”, dice Dylan.
La Grecia es la representación de cómo los jóvenes se acercan al rock nacional. Sus integrantes tienen entre 21 y 23 años de edad y pasean a su propia forma entre influencias que van desde Guasones y Ratones Paranoicos a AC/DC, Tom Petty o Bob Dylan, pero logran definirse con simpleza: “La Grecia es la música que nos gusta a nosotros, rock and roll y en serio”.
“A mí me gusta reybruja, me gusta La Grecia, Autos Robados. Están surgiendo un montón de bandas en el circuito”, dice Mariano, de Los Gladiolos. “Y creo que los jóvenes encuentran rebeldía en el rocanrol. Lo principal es la rebeldía contra la regla. Encarrilar toda esa desobediencia adolescente está buenísimo y que sea en esta música es como que hay mucha diversión asegurada”. Julián, de Yony Linyero, dice, además, que esas juventudes en el rock son importantes para cantar sobre lo que sucede en el país. “Para mí el rock siempre tiene que estar de la vereda opuesta a cualquier tipo de opresión, de fascismo y de buchoneada. Y creo que los jóvenes encontraron identidad en esto, por eso en un país que se cae a pedazos, que no respeta a los viejos, que no respeta a la educación, que te faja, me parece relindo que haya una camada de pibes que vean la realidad con el corazón y se escuden en el rocanrol, porque siempre te va a rescatar”.
Sin embargo, Enzo de reybruja pone en conflicto algo que algunos asignan como la razón del revival neo-rolinga: la nostalgia. “Podemos ser nosotros jugando con la estética rolinga, hasta Emilia lo hace con la de los años 2000. Cuando a la gente le traés algo que ya conocen y un lugar donde ellos ya saben que fueron felices, es más fácil que te den una oportunidad”, dice. “A mí no me pone muy orgulloso sentir que puedo ser parte de eso, pero entiendo que, como toda generación, hay cosas que como artista ni siquiera las podés elegir. Trato de no pensar demasiado y hacer, porque si tengo que pensar en la imagen que proyecto o que los demás reciben de lo que hacemos nosotros, me vuelvo loco. Entonces hagamos cosas, vamos a pasarla joya y si el resto se divierte o le genera un buen sentimiento, bienvenido sea”.
Federico Soto, de Autos Robados, dice que al día de hoy todavía les sorprende lo que está sucediendo con el grupo. De empezar 2024 cortando 300 tickets por show a atravesar este año con conciertos agotados como en el Teatro de Flores, esos donde tuvieron de invitados tanto a Pity Álvarez como a Facundo Soto, de Guasones, el crecimiento de Autos Robados es exponencial y parece seguir adelante. Y eso no se explica solo por nostalgia. Federico dice, también, que lo que sienten desde arriba del escenario es que la gente estaba necesitando tanto de un grupo así como de lo que se genera en sus recitales. Entonces, el boca a boca contagia de forma sincera y alimenta el cuerpo de una de las bandas más celebradas del último tiempo.
La renovación de la música argentina llega de la mano de sonidos ya conocidos, pero bien actualizados a su propio tiempo, generando un reflejo para la gente y también un espacio de pertenencia. La nueva escena neo-rolinga se aleja de la identidad stone de los años 90, incorpora elementos del punk, pero mantiene en su corazón la característica más importante: la sinceridad y las canciones ante todo. Los embates de una política expulsiva afectan de lleno a las clases populares y estas deciden cantarse a sí mismas. Con diferencias y similitudes, tanto como Autos Robados, Yony Linyero, Los Gladiolos, reybruja o La Grecia, entre tantos otros, forman un circuito en expansión que no necesita de mayores artilugios más que el rocanrol.
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Redd Kross es uno de los secretos mejor guardados del rock: han sido imitados y admirados tanto por Kurt Cobain y la movida grunge de Seattle como por la escena del Sunset Strip de Poison y Guns N´Roses, además de haber pertenecido a la escena alternativa de los ochenta junto a Meat Puppets, Hüsker Dü y Dinosaur Jr.
Los hermanos Jeff y Steven McDonald formaron la banda en 1979 en el suburbio de Hawthorne, Los Ángeles, y en sus inicios desfilaron futuros integrantes de Black Flag y Circle Jerks. Born Innocent, su primer LP, fue una muestra de su potencial y rabia, pero para 1984 publicaron Teen Babes from Monsanto, con covers de Kiss, The Rolling Stones y David Bowie. El EP selló su sonido, entre el power pop y el hard rock de reminiscencias setenteras con tintes psicodélicos.
Neurotica, de 1987, fue la prueba viva de ese nuevo rumbo. La década del noventa pareció prometedora con los discos Third Eye y Phaseshifter, pero tras un último disco en 1997 se separaron. Steven, el bajista, fue parte del supergrupo Off! junto a Keith Morris de Circle Jerks, y Jeff se distanció de la música. En 2012, Redd Kross tuvo una segunda vida. Desde entonces han publicado tres discos (el último doble) y ha salido un documental y un libro contando su historia. Actualmente están acompañados por el guitarrista Jason Shapiro y Dale Crover, baterista de Melvins, grupo pionero del grunge.
Antes de lo que será su primera visita a Buenos Aires, el próximo miércoles 24 de junio en Uniclub, Rolling Stone habló con el bajista Steven McDonald.
¿Cómo es que comenzaste a tocar el bajo en Melvins y Dale Crover terminó tocando la batería en Redd Kross? ¿Tuvo algo que ver el fanatismo de ambas bandas por Kiss?
Dale reemplazó a Mario Rubalcaba en una gira de Off! (supergrupo punk del que Steven fue parte junto al vocalista Keith Morris de Circle Jerks) en 2014 o 2015. Fue el momento en que Melvins estaba buscando otro bajista. Toqué con ellos y fue una progresión natural que Dale comenzara a tocar en Red Kross. Ha estado con nosotros desde 2017.
Kiss fue la primera banda que vi, cuando tenía ocho años. Estaban de gira con el primer Alive, así que los vi en febrero del 76. Prácticamente me cambió la vida. Buzz Osborne (guitarrista y cantante de Melvins) los vio recién para la época de Dinasty, que no era su mejor momento.
Pareciera que Redd Kross siempre estuvo un paso delante de las modas: el punk, el grunge, el hair metal. ¿Esto les ha jugado a favor o ha sido una maldición?
Probablemente ambas. Fue malo en el sentido de que, cuando una escena se volvía masiva, al no ser miembros plenos, nunca nos pudimos subir en su totalidad. Fue bueno porque nos permitió mantener nuestra propia identidad. Siempre fuimos inclasificables y no tuvimos que darnos de baja cuando la gente perdía interés en un sonido en particular. No éramos miembros firmes de ninguna de esas escenas y creo que el balance no fue positivo en algún sentido porque, por ejemplo, Melvins estuvieron conectados al movimiento grunge. Cada vez que un chico de doce años se sumerge en esa música y descubre a Nirvana, hay una afluencia de ese público joven que llega a ellos. Creo que Redd Kross nunca tuvo esa ventaja, pero nosotros hacemos lo nuestro y la gente sigue encontrando modos de conocernos.
Siempre me pareció que el libro de Michael Azerrad Our Band Could Be Your Life, sobre las bandas que pavimentaron el camino para Nirvana, debería haber incluido un capítulo sobre ustedes. ¿Qué bandas aparecerían en la versión de Redd Kross del libro?
Creo que habría mucho sobre la escena inicial de Los Ángeles, que es donde comprendimos que nosotros también podíamos estar en una banda, o que ya teníamos la ambición de estar en una banda. El primer recital al que fui en un antro fue del grupo punk X, abriendo para The Avengers, una banda de San Francisco. Había un pequeño sello de Los Ángeles que se llamaba Dangerhouse, con bandas como The Weirdos y The Bags. Todas esas bandas nos inspiraron para intentar conseguir fechas. Ya teníamos guitarras y estábamos aprendiendo a tocar, pero fue ese movimiento el que nos llevó a animarnos. También The Go-Go’s, las vimos muy en sus inicios, al igual que a Black Flag y The Alley Cats. También le daría crédito al DJ Rodney Bingenheimer y su programa radial donde pasaba a muchos de estos grupos. Crecimos en los suburbios de Los Ángeles, que es una ciudad muy extensa. Aunque vivíamos a unos veinte kilómetros de Hollywood, para nosotros eran como miles porque se nos hacía inaccesible llegar allí, pero éramos chicos muy tenaces.
Otra banda fue The Dickies. Fueron los primeros en tener un contrato discográfico. Tenían un EP con los temas “You are so hideous” y “You drive me ape (you big gorilla)”. Yo estaba en sexto grado. Si llovía, teníamos que pasar la hora del almuerzo dentro del colegio, donde podíamos poner discos. Era 1978 y todos llevaban la banda sonora de “Fiebre de sábado por la noche”. Todos escuchaban disco. Llevé ese EP y a partir de entonces mis compañeros me percibieron distinto.
Antes mencionaste Dangerhouse. Su primer disco salió por Smoke 7, un sello del que nunca había escuchado hablar. ¿Cuál es su historia?
Por ahí salió nuestro primer disco, pero nuestra primera grabación fue un EP. En verdad estuvimos en un compilado que luego salió como EP, en el sello Posh Boy, que publicó también a Adolescents, TSOL. En ese entonces tenía doce años. Originalmente queríamos que el disco, Born Innocent, saliera por Frontier Records, que habían tenido un gran éxito con Circle Jerks. Hicimos un demo, pero no le gustó. Lo gracioso es que Frontier terminó reeditando nuestro primer disco años después. Mucha gente conoce la versión de Frontier pero originalmente salió en ese pequeño sello, Smoke 7, de un tipo llamado Felix Alanis que tenía su propia banda, RF 7. Hizo algunos compilados, que era el modelo a seguir en esa época. Creo que Bad Religion está en uno. Felix era muy perseverante y, como Frontier no quiso editarnos, lo publicamos con él.
¿Nunca consideraron publicar en SST, el sello de Black Flag?
Conocíamos a Black Flag incluso antes de que SST fuese un sello. Nuestro primer concierto fue abriendo para ellos, pero decidimos alejarnos de esa escena porque queríamos explorar más creativamente y SST funcionaba casi como una secta. Igual estamos agradecidos de que nos hayan sumado a sus primeros recitales. Nos parecía demasiado limitado, y como te dije, no queríamos ser parte de ninguna escena o movimiento. Queríamos hacer nuestra propia cosa.
Nunca ocultaron sus intenciones de ser una banda de estadios, pero es algo que creo que no estaba muy bien visto. ¿Recordás cómo fue la reacción de la escena y bandas cuando, por ejemplo, Hüsker Dü firmó con Warner? ¿Se los consideró unos vendidos?
Nunca me importó todo eso, la verdad. En aquel entonces, SST había hecho esos stickers que decían “Corporate rock sucks” (el rock masivo es una mierda), y los veías pegados en las estaciones de radio universitarias. Pero lo irónico es que SST estaba estafando a todas las bandas del sello. En verdad se comportaban mucho peor que cualquier sello multinacional. Mirándolo en perspectiva, fue algo sumamente hipócrita.
Durante aquellos años, a la vez que sucedía el hardcore, también se estaba desarrollando la escena del hair metal en el Sunset Strip, con bandas como Mötley Crüe, Poison y Guns N’ Roses. ¿Había alguna clase de intercambio entre estos mundos?
Había un club que no estaba en el Sunset, sino en West Hollywood, que se llamaba Starwood. Tenía dos espacios: una era como una discoteca y en el otro tocaban bandas. Recuerdo que podías cruzarte en la discoteca a los miembros de Mötley Crüe antes de que fueran una banda y toda esa gente con el pelo gigante, mientras que al lado estaba tocando Black Flag, The Germs o The Go-Go’s . Todos boludeaban en el estacionamiento, pero no interactuaban. Era como estar en el colegio con los diferentes grupitos de amigos.
¿Había apertura en la escena punk a otros sonidos o era todo muy conservador?
Creo que al comienzo era todo más abierto con la gente que iba a ver a The Go-Go’s, The Germs, hasta Black Flag. Hacíamos conciertos con bandas como Descendents, The Last, Meat Puppets. Cada una tenía un sonido diferente. Fue algunos años después cuando la escena hardcore se volvió más cerrada de mente. Había un club llamado Godzilla, donde tocaban los hermanos Stern y su banda Youth Brigade. Ahí fue cuando todo se volvió más reglamentado. Nosotros nos distanciamos de eso y grabamos el disco Born Innocent. Nos volvimos más raros y menos populares. Pero seguimos haciendo lo nuestro y eventualmente demostramos lo que queríamos.
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