Durante casi dos décadas, Eros ha sido uno de los grandes santos griales del rock alternativo. Ahora, el legendario álbum inédito de Deftones finalmente ha llegado a internet, aunque no de la manera que la banda habría deseado.
Según diversos reportes, una serie de archivos atribuidos a las sesiones de Eros comenzaron a circular en foros y comunidades de fanáticos esta semana. El material incluiría 11 canciones inacabadas, además de demos adicionales relacionadas con otras etapas creativas del grupo.
El disco fue concebido entre 2007 y 2008 como el sexto álbum de estudio de la agrupación de Sacramento y marcaba el regreso del productor Terry Date, responsable de algunos de los trabajos más celebrados de la banda. Sin embargo, las sesiones quedaron abruptamente suspendidas en noviembre de 2008 tras el grave accidente automovilístico sufrido por el bajista Chi Cheng, quien permaneció en coma durante varios años antes de fallecer en 2013.
Tras la tragedia, la banda decidió dejar el proyecto indefinidamente en el archivo y comenzar desde cero, proceso que terminaría dando vida a Diamond Eyes en 2010. Desde entonces, Eros se convirtió en una pieza casi legendaria dentro de la historia del grupo.
Las grabaciones filtradas incluirían títulos de trabajo como ‘Destiny’, ‘Melanie’, ‘Electra’, ‘Margot’ y la ya conocida ‘Smile’, única canción procedente de aquellas sesiones que el vocalista Chino Moreno compartió brevemente en 2014 como homenaje a Cheng.
La filtración también ha abierto un intenso debate entre los seguidores de la banda. Mientras algunos celebran la posibilidad de escuchar por fin uno de los discos más esperados y esquivos del metal alternativo, otros consideran que acceder a este material contradice el deseo explícito del grupo de mantenerlo inédito.
Las dudas no son infundadas. En múltiples entrevistas, Moreno ha reiterado que Eros probablemente “nunca verá la luz del día”, argumentando que el álbum permanece incompleto y está inevitablemente ligado a uno de los periodos más dolorosos en la historia de la banda. El músico ha señalado además que nunca quedó completamente satisfecho con el material y que regresar a esas grabaciones no forma parte de las prioridades creativas actuales de Deftones.
Hasta el momento, la banda no ha emitido ninguna declaración oficial sobre la filtración.
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Toda relación implica una transformación. Hay personas que llegan a nuestras vidas y lo cambian todo, para bien o para mal. Al final, hay un hecho irrefutable: cada vínculo nos deja una huella. Algunas transformaciones nos ayudan a crecer; otras, sin que lo notemos, terminan alejándonos de quienes somos. Para MAR Solís, Fuiste Tú nació precisamente de esa contradicción: la sensación de estar enamorada de algo que parecía hacerla florecer mientras, poco a poco, la desconectaba de su propia esencia.
“La canción habla de un amor que te hace sentir que estás volando cuando realmente te está hundiendo”, explica la cantante. “Te está alejando de quien realmente eres, te está haciendo olvidar de tu poder, pero tú sientes que estás floreciendo de alguna manera”.
Lejos de construir una historia desde el resentimiento, MAR decidió abordar la experiencia desde otro lugar. Fuiste Tú no es una canción sobre una ruptura, sino sobre el momento en que una persona logra reencontrarse consigo misma después de haberse perdido en una relación. “Quise que cualquier persona que la escuchara sintiera que en cualquier momento puede reclamar su poder, reconectarse con su esencia y escogerse a sí misma. Nunca es demasiado tarde para hacerlo”, comparte.
“Cuando nos desconectamos de lo que amamos, de lo que nos inspira y nos conmueve, sentimos el llamado de nuestra alma a regresar”.
La artista reconoce que, incluso cuando atravesamos situaciones que nos hacen daño, existe una parte de nosotros que siempre conoce la verdad. El problema es que enamorarse puede volver difícil escuchar esa voz interior.
“Creo que realmente siempre lo supe. Creo que todos lo sabemos. Esa verdad vive dentro de nosotros”, reflexiona. “Cuando nos desconectamos de lo que amamos, de lo que nos inspira y nos conmueve, sentimos el llamado de nuestra alma a regresar. Todos tenemos algo sagrado dentro de nosotros que debemos proteger”.
Esa búsqueda de regreso personal atraviesa gran parte de la nueva etapa artística de MAR. Después de lanzar Saco de Sal, una canción centrada en el amor propio y la claridad emocional, Fuiste Tú funciona como el siguiente capítulo de una misma conversación.
“Hablan de la misma situación, del mismo escenario”, explica. “Pero una habla de la ilusión del amor cuando no estamos viendo claramente el reflejo de la otra persona y la otra habla de sentirte en el fondo, buscando volver a encontrar la luz”.
La diferencia es que ahora la cantante se siente preparada para compartir emociones desde un lugar mucho más vulnerable. Si en proyectos anteriores exploraba una faceta más espiritual y contemplativa, hoy sus composiciones nacen de experiencias que está viviendo por primera vez.
“Estoy escribiendo desde un lugar mucho más vulnerable que en cualquier otro momento de mi vida”, asegura. “Antes estaba mucho más en mi burbuja, en mi propia energía. Ahora estoy hablando de cosas que estoy viviendo por primera vez”.
Esa sensibilidad también se ha convertido en una herramienta para conectar con el público. Durante sus conciertos, MAR ha visto cómo las canciones se transforman en espacios donde las personas pueden sentir, sanar y reconocerse sin juicios.
“He visto renacimientos en las tarimas”, cuenta. “He visto personas dándose permiso de sentirlo todo, de estar en comunión con sus emociones y tomarse un momento para observarse sin juzgarse”.
Sin embargo, mantenerse conectada consigo misma dentro de una industria marcada por la exposición constante sigue siendo uno de sus mayores desafíos. Para encontrar equilibrio, ha construido pequeños refugios lejos del ruido.
“La naturaleza, el movimiento y el piano son mi balance perfecto”, dice. “La naturaleza siempre tiene mensajes para nosotros. En el silencio encontramos exactamente lo que necesitamos escuchar”.
Bajo esa idea, su manera para entender las relaciones ha cambiado. Si antes buscaba cumplir una lista de expectativas, hoy cree que el amor verdadero tiene mucho más que ver con aceptar la imperfección.
“Antes tenía una lista enorme de cosas que sentía que eran indispensables”, admite entre risas. “Poco a poco entiendes que buscar la perfección es buscar algo que no existe. Toda la belleza vive en la imperfección”.
Quizá por eso una de las ideas más poderosas que atraviesa Fuiste Tú es la decisión de volver a confiar. No solamente en otra persona, sino en la vida misma.
“Es muy fácil observar lo malo de la humanidad”, reflexiona. “Por eso es tan importante elegir confiar, elegir pensar que la mayoría somos amor y que todos somos reflejos de algo más grande”.
“Poco a poco entiendes que buscar la perfección es buscar algo que no existe. Toda la belleza vive en la imperfección”.
Después de todo lo vivido, MAR asegura sentirse más segura que nunca. No porque tenga todas las respuestas, sino porque ha aprendido a escucharse sobre el ruido. “Ahora me siento muy en paz, muy contenta y emocionada cada día que me levanto”, dice.
Cuando se le pide resumir esta nueva etapa en una imagen, responde al momento: “un amanecer”. Quizá no existe una mejor definición para Fuiste Tú: una canción que nace de la oscuridad de una experiencia dolorosa, pero que encuentra su verdadero significado justo cuando aparece la primera luz.
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Pocas figuras de la música contemporánea latinoamericana han transitado con tanta naturalidad entre la cultura popular, la experimentación y la industria audiovisual como Camilo Lara. Conocido internacionalmente por su proyecto Instituto Mexicano del Sonido y por su trabajo de producción para Damon Albarn, David Byrne, Beck, Trent Reznor, Omar Apollo, Norah Jones, Manu Chao, Natalia Lafourcade y Lila Downs, Lara también ha desarrollado una sólida carrera como compositor para cine, televisión y videojuegos. Su trabajo aparece en producciones que incluyen a Coco, Thor: Love and Thunder, Black Panther: Wakanda Forever, Narcos: México y A Million Miles Away, entre muchas otras.
Ahora suma un nuevo título a su trayectoria con Moscas, la película de Fernando Eimbcke (Temporada de patos, Lake Tahoe) donde la música adquiere un papel fundamental dentro de una historia atravesada por los vínculos humanos. A través de sintetizadores inspirados en los videojuegos clásicos de 4 y 8 bits, Lara construye una banda sonora que dialoga con el universo emocional de los personajes.
Conversamos con el compositor sobre las influencias detrás de Moscas, la presencia narrativa de los videojuegos y la forma en que las historias locales pueden alcanzar una dimensión universal.
A lo largo de tu carrera has construido puentes entre la música popular mexicana, la experimentación sonora y las bandas sonoras para cine. ¿Cómo convergen esas tres dimensiones cuando compones para una película como Moscas?
Tal cual. Esas son mis tres grandes pasiones y en Moscas están presentes todas. La película retrata una parte muy específica de la Ciudad de México, un barrio, una comunidad, un microcosmos muy mexicano con el que me identifico porque es el lugar donde crecí.
Por otro lado, el personaje principal encuentra refugio en los videojuegos. Ahí se siente poderoso, vulnerable y encuentra respuestas. Entonces la película me permitió trabajar con elementos muy cercanos a mí: la identidad de mi ciudad y esa fascinación que siempre he tenido por los sonidos de los videojuegos de 4 y 8 bits.
El reto consistía en encontrar emociones dentro de sonidos que podrían parecer básicos o limitados y lograr que llevaran al espectador por distintos estados emocionales.
En Moscas, la música relacionada con los videojuegos parece funcionar como algo más que un acompañamiento. ¿Representa un espacio emocional, una presencia narrativa o una huella del pasado?
Las tres cosas. La máquina de videojuegos es prácticamente un personaje más de la película. Es el gran compañero del protagonista y, a través de ella, el espectador descubre aspectos fundamentales de la historia.
Tiene muchos matices. La dificultad era evitar que esa música se sintiera repetitiva o mecánica. Había que convertir esos sonidos en una herramienta narrativa capaz de transmitir emociones complejas.
Esta pregunta la hago como un jugador que creció con los arcades y las consolas de Odyssey, Atari, Intellivision y Nintendo. ¿Qué videojuegos influyeron en la construcción de esta banda sonora? Yo escucho a Galaga, Yars’ Revenge, Astromash y, por supuesto a Space Invaders.
Space Invaders está ahí, sin duda. Pero creo que la influencia más fuerte fue The Legend of Zelda, especialmente las primeras entregas. Eran juegos llenos de misterio, aventura y épica. Para mí siguen siendo obras maestras de la música contemporánea. También están presentes recuerdos de Super Mario Bros. y de toda esa primera generación de videojuegos de Nintendo. Son referencias que tengo muy grabadas porque crecí con ellas y no necesité volver a estudiarlas; siguen muy vivas en mi memoria.
Más allá de los videojuegos, Moscas transita por territorios psicológicos y emocionales muy delicados. ¿Cómo evitaste que la música resaltara de forma obvia lo que sienten los personajes?
La clave era la contención. Tenía que ser una música muy sutil, que no impusiera conclusiones al espectador. Fernando Eimbcke siempre busca que quien ve la película construya sus propias interpretaciones. La música puede ser una herramienta muy poderosa, incluso agresiva emocionalmente. Por eso contenerla es más difícil que volverla dramática.
Es más fácil hacer algo efectista que algo que invite a pensar. Aquí la intención era acompañar sin dirigir emocionalmente al público.
Has trabajado tanto en proyectos profundamente latinoamericanos como en producciones globales para Marvel y Pixar. Pensando en ti y en lo que ha hecho Gustavo Santaolalla, te pregunto: ¿Existe una forma latinoamericana de entender la música para cine y videojuegos?
Sí, totalmente. Creo mucho en el poder de contar historias desde tu comunidad, desde tu barrio, desde el lugar que conoces. Mientras más específica es una historia, más posibilidades tiene de conectar con otras personas.
Probablemente algo muy parecido a lo que ocurre en Moscas sucede también en Shanghái o en cualquier otra ciudad del mundo, porque compartimos experiencias humanas. Pero las historias que yo conozco son las de Latinoamérica y son las que puedo contar a través de la música. Además, nuestra región está llena de emociones, de historias y de musicalidad. Hay muchísimo por explorar todavía.
¿Qué te permitió descubrir Moscas como compositor que no hubieras explorado antes?
Me gustó mucho trabajar con una paleta sonora extremadamente limitada. En la película utilizamos exclusivamente sintetizadores inspirados en sistemas de 4 y 8 bits. Algunos estaban procesados para obtener nuevas texturas, pero la regla era clara: jugar únicamente con esas herramientas.
Me encanta cuando un proceso creativo establece límites porque te obliga a encontrar soluciones distintas. No queríamos utilizar cuerdas, pianos ni instrumentos que ya vienen cargados de ciertas emociones. Queríamos llegar a esos sentimientos por otros caminos.
Para terminar, ¿qué proyectos vienen después de Moscas?
Acabo de lanzar un disco junto a Eblis Álvarez, de Meridian Brothers. También se estrenó recientemente México 86, una película para la que compuse la música y que cuenta con Diego Luna. Y, como siempre, sigo involucrado en varios proyectos al mismo tiempo. Me gusta estar constantemente contando nuevas historias a través de la música.
Muchas gracias por tu tiempo, Camilo.
Muchas gracias a ustedes. Nos vemos pronto.
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- Salta de la Belle Époque al tiempo presente, con personajes que cambian, evolucionan.
- Santiago Amigorena es coguionista por séptima vez del director Cédric Klapisch.