El cine de animación suele enseñarnos a mirar el mundo desde perspectivas imposibles. Animales que atraviesan territorios devastados, juguetes que temen ser abandonados, insectos que convierten un jardín en un campo de batalla. Planètes, conocida internacionalmente como Dandelion’s Odyssey y estrenada en español como El gran viaje, lleva esa tradición hasta una escala todavía más diminuta. Sus protagonistas son cuatro semillas de diente de león desprendidas de la misma planta, arrojadas al espacio y obligadas a buscar un territorio donde puedan germinar.
La premisa podría haber servido para un cortometraje experimental, un documental tipo Microcosmos o una sencilla fábula ecológica. Momoko Seto la convierte, en cambio, en una aventura de una hora y dieciséis minutos capaz de producir asombro, tensión y ternura sin recurrir a diálogos, rostros humanos ni explicaciones. Sus cuatro semillas no hablan, pero poseen personalidades reconocibles. Una es más robusta, otra ha perdido buena parte de sus filamentos y las restantes parecen formar una pareja inseparable. Se abrazan, tiemblan, saltan de alegría y reaccionan ante cada amenaza con una expresividad sorprendente.
La película comienza en un mundo parecido al nuestro, aunque pronto una catástrofe obliga a las semillas a abandonar su lugar de origen. El viento, que normalmente garantiza la reproducción del diente de león, se convierte aquí en una fuerza cósmica. Las protagonistas cruzan el espacio, atraviesan fenómenos imposibles y terminan en un planeta desconocido donde la vida crece, muta y se transforma a una velocidad extraordinaria.
Desde ese momento, El gran viaje adopta la estructura elemental de toda gran odisea: sobrevivir al trayecto, permanecer juntas y encontrar un sitio donde comenzar nuevamente. La diferencia está en la escala. Para una semilla, una corriente de aire puede ser un huracán; una gota de líquido tóxico, un océano; una babosa, una criatura gigantesca; y una pequeña extensión de tierra fértil, la promesa de una vida entera.
Seto entiende que la aventura depende menos del tamaño de los personajes que de la magnitud que el mundo adquiere frente a ellos. Al colocar la cámara a la altura de las semillas, transforma a los organismos cotidianos en paisajes, monstruos y medios de transporte. Unos hongos que brotan repentinamente modifican el terreno. Una rana recién descongelada parece un animal prehistórico. Los caracoles pueden resultar amenazantes en un primer encuentro y convertirse después en aliados capaces de transportar a los protagonistas por una zona árida.
La animación combina un gran cuidado por las texturas naturales con una imaginación que nunca se limita a imitar la realidad. Algunos animales poseen una apariencia casi fotográfica: la humedad sobre la piel, el brillo de las babosas y caracoles o el movimiento de los organismos acuáticos producen la sensación de estar contemplando un documental sobre una naturaleza extraterrestre. En otros momentos, los colores, los cielos rodeados de anillos y la evolución acelerada de las criaturas construyen un universo abiertamente fantástico.
No todas las imágenes alcanzan el mismo nivel. En ciertos planos generales, la integración entre los personajes y los escenarios pierde parte de la precisión que poseen los acercamientos. Algunos paisajes tienen una iluminación demasiado uniforme y ciertas secuencias revelan con mayor claridad la composición digital. Son fallas pequeñas dentro de una película cuya inventiva supera ampliamente sus irregularidades técnicas.
La comparación con Flow resulta inevitable. Ambas son producciones europeas sin diálogos, protagonizadas por criaturas que atraviesan un mundo transformado y deben aprender a sobrevivir con la ayuda de otros. Pero mientras Flow observa la cooperación entre animales que conservan comportamientos reconocibles, El gran viaje enfrenta un desafío aún más extraño: lograr que el público se identifique con organismos que ni siquiera poseen ojos, extremidades o expresiones faciales.
Seto resuelve el problema mediante el movimiento. Los filamentos blancos funcionan como cabellos, brazos, alas y rostros. Cuando las semillas sienten miedo, se encogen; cuando encuentran alimento o tierra fértil, vibran de entusiasmo; cuando una queda rezagada, las demás regresan por ella. No necesitan hablar porque su vínculo se comprende a través de la manera en que se agrupan, se esperan y se sostienen.
Esa relación convierte la película en algo más que una demostración técnica. Las cuatro semillas son parte de una misma planta, pero durante el viaje forman también una pequeña comunidad. Cada una depende de las otras para sobrevivir. En un universo donde pueden ser arrastradas por el viento, devoradas, intoxicadas o separadas en cuestión de segundos, permanecer juntas es una forma de resistencia contra el azar.
La migración ocupa entonces el centro emocional del relato. Las protagonistas no emprenden el viaje por curiosidad ni por deseo de conquista. Han perdido su hogar y necesitan encontrar otro. No buscan dominar el planeta al que llegan, sino descubrir si existe un espacio donde puedan sembrarse sin ser destruidas. Su objetivo no es regresar, porque el lugar del que provienen ya no puede recibirlas.
La película evita convertir esta idea en un discurso explícito, pero resulta difícil no relacionar el trayecto de las semillas con el éxodo de quienes deben abandonar su territorio por la guerra, la crisis ambiental o la destrucción de sus condiciones de vida. Llegar a un nuevo lugar no significa haber terminado el viaje. Todavía es necesario atravesar fronteras, reconocer peligros, aprender a convivir con especies desconocidas y encontrar una comunidad que permita echar raíces.
En ese sentido, el título original, Planètes, amplía la mirada. No se trata únicamente de cuatro semillas flotando entre mundos, sino de la fragilidad de la vida frente a planetas que pueden nacer, transformarse o morir. La película contempla la naturaleza como un sistema en movimiento constante. Nada permanece igual: los huevos se convierten rápidamente en renacuajos, los organismos se adaptan, los paisajes cambian y las condiciones favorables pueden desaparecer de un instante a otro.
A pesar de ese trasfondo, Seto no realiza una película solemne. Hay humor en las reacciones de las semillas, en sus intentos por desplazarse y en la extrañeza de los animales con los que se encuentran. Un caracol observado de cerca puede parecer una criatura salida de una pesadilla cósmica, pero también terminar convertida en una especie de camello del desierto. La película sabe que la naturaleza puede ser aterradora y cómica dentro de la misma secuencia.
También existe una crueldad real. Estas semillas son frágiles y el mundo no se adapta a ellas. Algunas de las pruebas que enfrentan recuerdan que la supervivencia vegetal depende de una combinación de resistencia, suerte y cooperación. La película no necesita introducir un villano porque cada elemento del entorno puede convertirse en amenaza: el viento, la sequía, una sustancia tóxica o un animal que simplemente sigue su instinto.
La música de Quentin Sirjacq y el diseño sonoro de Nicolas Becker ocupan el espacio que normalmente correspondería a las palabras. Los pequeños ruidos de las semillas comunican alegría, alarma y cansancio, mientras la partitura acompaña la aventura sin decirnos constantemente qué debemos sentir. El sonido del agua, el roce de los filamentos y los movimientos de las criaturas construyen un universo donde escuchar resulta tan importante como mirar.
Que la película prescinda de diálogos no es un capricho ni una estrategia para facilitar su circulación internacional. Su relato pertenece a una forma de vida anterior al lenguaje humano. Las semillas no necesitan nuestras palabras porque su misión es más antigua y elemental: desplazarse, sobrevivir y reproducirse. Al eliminar la voz, Seto permite que el espectador se acerque a ellas sin convertirlas por completo en personas disfrazadas de plantas.
La resolución alcanza una emoción inesperada porque la película ha comprendido que sembrarse significa algo más que completar un proceso biológico. Después de atravesar el espacio y sobrevivir a un planeta desconocido, encontrar tierra fértil equivale a encontrar pertenencia. Las semillas no solo buscan dónde crecer; buscan un lugar donde su existencia tenga continuidad.
El gran viaje es una cinta hermosa, imaginativa y accesible para todas las edades, aunque nunca trata a los niños como espectadores incapaces de comprender el peligro, la pérdida o la muerte. Su sencillez argumental es engañosa. Bajo la historia de cuatro semillas se encuentra una reflexión sobre el desplazamiento, la adaptación y la necesidad de construir hogar junto a otros.
Momoko Seto consigue que un diente de león deje de ser una planta que encontramos al borde del camino y se convierta en el protagonista de una epopeya. Después de verla, resulta difícil observar una semilla flotando en el aire sin pensar que quizá está comenzando su propio viaje hacia un lugar donde, por fin, pueda echar raíces.
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El Consejo de Ministros ha aprobado este martes 21 de julio el nuevo Estatuto del Artista, que actualiza el real decreto de 1985 por el que se regula la relación laboral especial de los profesionales de las artes escénicas, audiovisuales y musicales. La reforma refuerza la protección de estos trabajadores, especialmente de los menores de edad que participan en estas actividades, y extiende su cobertura al personal técnico y auxiliar cuya labor resulta esencial para el desarrollo de las producciones.
Entre las medidas aprobadas por el Consejo de Ministros, impulsadas por el Ministerio de Trabajo en colaboración con el Ministerio de Cultura, destacan una mejora de las condiciones retributivas de los profesionales del sector, una mayor transparencia en las nóminas, el refuerzo de la protección de la intimidad, una regulación más clara de los tiempos de trabajo y un marco específico para la participación de menores en actividades artísticas, que abarca desde la creación de contenidos hasta la música y la interpretación. Sin embargo, la reforma ha dejado fuera una cuestión de creciente relevancia: la regulación del uso de la inteligencia artificial.
Yolanda Díaz, Ministra de Trabajo y Economía Social de España, reveló que esta norma ha sido negociada con todos los sectores importantes de la cultura del país, además de un plan de acción que ha llevado un año de trabajo. “Somos el Gobierno de la cultura; hemos realizado la reforma laboral de la cultura para dar derechos donde antes solo había precariedad”, dijo.
No obstante, la reforma deja sin abordar cuestiones clave como la protección de los derechos de propiedad intelectual, el derecho a la propia imagen y otros derechos digitales de los artistas incluidos en el ámbito de aplicación del real decreto. Asimismo, aunque el Estatuto de los Trabajadores prohíbe con carácter general el trabajo de los menores de 16 años, el real decreto de 1985 —actualizado en 2022— ya contemplaba una excepción para las actividades artísticas. Sin embargo, esa regulación no respondía a la realidad actual, marcada por la creciente presencia de menores como creadores de contenido e influencers. Con la nueva reforma, por primera vez se establece un marco específico que permite la participación de menores en actividades artísticas, siempre que se respeten las condiciones y garantías previstas en el Estatuto del Artista. “Vemos que hay niños que trabajan desde sus habitaciones, y lo hacen en Instagram y en la publicidad, graban vídeos y hacen directos, son menores que participan en la industria cultural sin tener los derechos que tienen el resto de los trabajadores”, dijo Díaz.
Pese a ello, la prioridad continúa siendo preservar la compatibilidad del trabajo con la formación y la vida social, fijando límites tanto a la jornada como a los horarios laborales. Al mismo tiempo, la reforma da respuesta a las necesidades de un sector que disponía de una regulación anticuada.
La exclusión de la inteligencia artificial del nuevo Estatuto del Artista ha generado opiniones encontradas, especialmente por tratarse de una de las cuestiones que más debate ha suscitado en el sector durante el último año. No obstante, desde el Gobierno se sostiene que un real decreto resulta insuficiente para regular una materia de tal complejidad e impacto. En su lugar, consideran que será necesario desarrollar un marco normativo de mayor rango, previsiblemente mediante una ley. Por el momento, esa regulación queda pendiente y deberá abordarse en futuras iniciativas legislativas impulsadas por el Consejo de Ministros.
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La pintora, artista sónica y productora experimental venezolana, Arca (Alejandra Ghersi Rodríguez), deleita a los mutantes con el anuncio de su nuevo álbum, XXXXX, que llegará el viernes 31 de julio.
Algunos medios han informado que el sonido de este nuevo proyecto será más oscuro y menos vocal, con reminiscencias del mixtape &&&&& de 2013 y la transmisión @@@@@ de 2020. Se revelarán más detalles sobre el álbum durante la transmisión en vivo del jueves titulada “XXXXX LIVESTREAM” en YouTube y Twitch a las 21:30 CEST (Los horarios pueden variar según el país y la región, por lo que se recomienda consultar la hora exacta por su cuenta para evitar perderse el evento).
Según Pitchfork, Arca declaró en un comunicado de prensa que “Con el apoyo y la inversión de Feeld (una aplicación de citas que financia el evento en vivo), podemos ofrecerles un espectáculo con todo el glamour y el presupuesto. Gracias por apoyar el arte experimental. ¡No se lo pierdan! Estamos trabajando arduamente para crear un gran espectáculo para ustedes, estén donde estén.”
La diva experimental también lanzó un post en X (Twitter) que prepara el escenario para este próximo lanzamiento. Ella confirma que el álbum se lanzará el viernes 31 y sigue con una serie de declaraciones poéticas en inglés y español que dicen así:
“eres sagrada aunque no lo puedan ver / bailando entre las llamas / sonriendo, respira el fuego / bañada en luz
y cuando despiertas de la pesadilla / solo la muerte sabe / lo real que es tu amor
y a quienes dudaron de tu pureza / les muestras compasión, sin miedo / el fin es solo el comienzo / asi q abre bien esas alas, perra / asciende / sin fin”
El nuevo proyecto sigue la saga KICK, cinco álbumes de puro y duro neoperreo, electrónica, pop y experimentación que sacudieron al mundo con éxitos como ‘Rakata’ y ‘KLK ft. Rosalía’. Sin embargo, estos últimos cuatro años y siete meses desde la pentalogía, ha estado más ocupada que nunca. Publicó dos canciones ‘Puta’ y ‘Sola’; colaboró y realizó remixes con artistas como Madonna, Lady Gaga, Robyn y Hikaru Hitada; realizando espectáculos en vivo donde desvela las capas de la celebración del género, arte y música en actuaciones como “The Light Comes in the Name of the Voice” en la Bolsa de Comercio de París; y, por supuesto, múltiples sesiones de DJ en lugares como Barcelona, México y París.
Próximamente, se encontrará el 12 de agosto junto a Björk, Ronja, 33EMYBW, Kaitlyn Aurelia Smith, Loscaballos, Gummi Arnalds, Knackered y sideproject para el DJ set de “Echolalia – Eclipse x Exhibition Festival” en Víðistaðatún, Hafnarfjörður, Islandia para el cumpleaños 40 de la Galería Nacional De Islandia
A pesar de las especulaciones y predicciones sobre el nuevo álbum, se recomienda precaución tanto para mutantes como para no mutantes: muchos fans y críticos coinciden en que el sonido de Arca es impredecible; se ha tomado la libertad de transitar entre sonidos e identidades, y nada está definido hasta que el álbum finalmente salga a la luz.
Como Björk, su colaboradora y hermana espiritual, recordada en el episodio dedicado a Vespertine de su podcast “Sonic Symbolism”, Arca cree que hacer música electrónica es como rezar, adoptando la humildad en cada minúsculo paso hacia el producto terminado.
También te puede interesar:
XXXXX
01 No End
02 Willow
03 Eidolon
04 Heart
05 Syncope
06 Raver
07 Cinch
08 Fxck
09 Finisher
10 Taconeando
11 Futurality
12 Grip
13 Enraptured
14 Throb
15 Everything
16 Sueño
Fuente: Pitchfork
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El campo en el que hace presencia la inteligencia artificial es cada vez más amplio. Esta vez, Netflix reveló en un informe de resultados que aproximadamente 300 de sus producciones han utilizado la IA generativa como un recurso en lo que va del año.
La inteligencia artificial generativa es capaz de crear contenido desde cero a partir de instrucciones que le da una persona. No solo analiza o clasifica información, sino que puede generar imágenes, textos, música, audio y videos. Esta tecnología funciona con un sistema que se entrena y adapta con grandes cantidades de información y datos para aprender patrones, y así, poder generar contenido coherente con el que se le solicita.
La plataforma de streaming explicó que la inteligencia artificial interviene en distintas etapas del proceso de producción de un programa, desde su concepción y desarrollo creativo hasta la posproducción y el lanzamiento. Entre los contenidos que incorporan IA generativa se encuentran Glory, Brasil 70: A Saga do Tri y The American Experiment. Según Netflix, esta tecnología permitió crear “secuencias de gran complejidad”, como escenas con multitudes y batallas, con un mayor nivel de detalle.
“Cada vez utilizamos más estas herramientas para ofrecer resultados de mayor calidad con mayor rapidez y a un menor coste que con los métodos tradicionales. En algunos casos, las producciones habrían tenido que descartar tomas y secuencias clave sin la tecnología GenAI”, dijo la empresa.
Y añadieron: “Para apoyar las producciones a escala mundial y mantenernos alineados con las mejores prácticas, esperamos que todos nuestros socios de producción informen a su contacto en Netflix sobre cualquier uso previsto de la IA generativa, especialmente a medida que siguen surgiendo nuevas herramientas con distintas capacidades y riesgos”.
Con esta noticia, Netflix declara el entusiasmo que tiene por seguir apostando en la IA. La empresa busca seguir descubriendo cómo añadir esta herramienta a diversas áreas de su negocio: mejorar la experiencia de los usuarios al sugerir nuevos títulos, contribuir al fortalecimiento del negocio publicitario y al desarrollo de un estudio de animación con esta tecnología. Además, recientemente adquirieron InterPositive, empresa de inteligencia artificial fundada por el actor y director Ben Affleck. Con esta compra, uno de sus principales objetivos es ayudar a los cineastas con IA en sus producciones de cine y televisión durante la edición.
Estas noticias llegan acompañadas por grandes expectativas dentro del mercado de ingresos, rentabilidad y banca. Netflix tuvo un buen desempeño financiero en el segundo trimestre. La empresa obtuvo ingresos por 12.560 millones de dólares, un 13,4 % más que en el mismo periodo del año pasado. Además, registró una ganancia neta de 3.400 millones de dólares, lo que equivale a 80 centavos por acción. Aunque los ingresos quedaron apenas 30 millones de dólares por debajo de lo que esperaban los analistas de Wall Street (12.590 millones), las ganancias por acción fueron ligeramente superiores a las previsiones, que eran de 79 centavos.
Si bien el eje central, por ahora, es la inteligencia artificial, el codirector ejecutivo de Netflix, Ted Sarandos, declaró que estos pasos decisivos no planean borrar el arte del humano. “Creemos que se necesitan grandes artistas para crear algo grandioso, y la IA no va a cambiar eso”, dijo. “Las películas las hacen personas que hacen películas. La IA les proporciona mejores herramientas para hacerlas aún mejores”.
Y añadió: “Creo que la IA, en particular InterPositive, la empresa que le compramos a Ben Affleck ayudará a los creadores a mejorar las cosas. Podrán usar sus propios materiales de rodaje y de producción para perfeccionar la película que están haciendo. Si bien seguirán necesitando guionistas, actores, técnicos de iluminación y todo lo necesario para hacer una película, podrán lograr que sea más efectiva y eficiente”.
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