El cine autobiográfico suele caminar sobre un filo peligroso. Puede convertirse en un ejercicio de exhibicionismo o, por el contrario, alcanzar una honestidad tan radical que termine hablando de todos nosotros. Lo que comienza como una película sobre una familia termina transformándose, casi frente a nuestros ojos, en el registro del nacimiento de una nueva identidad.
Durante siete años, Gal S. Castellanos filmó aquello que creía era el duelo por la muerte de su padre y el inesperado viaje de su madre a Turquía para reconstruir una vida que nunca había podido vivir plenamente. Sin embargo, mientras la película se iba armando, también lo hacía su director. La cámara terminó registrando un proceso que ninguno de los involucrados había previsto: la transición de Gal hacia su identidad transmasculina. Este es uno de esos documentales que tiene la fortuna (o el vértigo) de modificar su propio sentido mientras está siendo filmado.
Sabiamente, la cinta evita convertir la transición en un manifiesto o en un acto de explicación permanente. Su identidad aparece como una consecuencia emocional de una búsqueda mucho más profunda, que es la de comprender el origen del propio cuerpo, las herencias familiares y las formas invisibles con las que aprendemos quiénes creemos ser. La película entiende que la identidad nunca nace en el vacío; siempre dialoga con el presente y con las generaciones anteriores.
Por eso resulta tan poderosa la figura de María del Pilar. En realidad, el documental termina proponiendo dos procesos de transición igualmente revolucionarios. Mientras Gal descubre que el cuerpo que habita nunca representó plenamente quién era, su madre comprende que durante décadas tampoco había vivido para sí misma. Viuda, decide abandonar México para perseguir un amor en Turquía y, más importante aún, descubrir la posibilidad de existir sin ser únicamente esposa, madre o hija de alguien. Ambos relatos se reflejan constantemente hasta confundirse. Uno transforma el género; la otra transforma la libertad.
La película encuentra además una hermosa metáfora en su propio título. Las “centellas” dejan de ser únicamente la referencia a la centella asiática utilizada para cicatrizar la mastectomía. Son también las pequeñas heridas que permanecen encendidas durante años hasta encontrar una forma de sanar. Cada cicatriz se convierte aquí en una cartografía emocional.
Castellanos abraza el carácter artesanal del proyecto. La película mezcla archivos familiares, grabaciones domésticas, videollamadas, fotografías, videocartas y registros capturados durante varios años. Esa heterogeneidad visual nunca se siente improvisada. Por el contrario, reproduce la manera fragmentaria en la que funciona la memoria. La edición de Andrea Rabasa logra convertir materiales muy distintos en una narración sorprendentemente orgánica, mientras la fotografía de Bruno Santamaría y el delicado trabajo sonoro privilegian siempre la intimidad sobre el espectáculo.
La voz en off no funciona únicamente como narrador, sino como la evidencia física de la transformación. Escuchar esa voz recorrer imágenes del pasado introduce una tensión profundamente cinematográfica. El presente reinterpreta constantemente el archivo, demostrando que las imágenes nunca permanecen fijas, sino que cambian junto con quien las observa.
Mi pecho está lleno de centellas nunca reduce la experiencia trans a un proceso médico ni a un discurso identitario. Habla del duelo, maternidad, expectativas familiares, el peso de la memoria, las oportunidades perdidas y del derecho, a cualquier edad, de empezar otra vida. La cinta confirma que el mejor cine documental no registra únicamente la realidad, la transforma. Y, en ocasiones extraordinarias como esta, también transforma a quien sostiene la cámara.
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Pocas experiencias transforman tanto a una persona como convertirse en padre o madre. El cuerpo cambia, la identidad se reorganiza y el amor convive constantemente con el miedo, el agotamiento y la incertidumbre. Nightborn, la nueva película de Hanna Bergholm, parte de esa realidad para construir un relato de horror corporal donde el monstruo nunca es únicamente una criatura sobrenatural, sino también la materialización de las inseguridades, la culpa y el desgaste que acompañan la crianza. Tras la extraordinaria Hatching, la directora finlandesa vuelve a convertir un conflicto profundamente humano en una pesadilla física donde el verdadero terror nace de aquello que muchas veces resulta imposible decir en voz alta.
Seidi Haarla (Rompehielos) y Rupert Grint (Harry Potter) nos hablaron sobre la maternidad como una experiencia caótica, la dificultad de aceptar emociones consideradas “prohibidas”, el papel de la negación dentro del amor y por qué Nightborn nunca intenta ofrecer respuestas sencillas sobre aquello que significa formar una familia.
Seidi, Saga no teme realmente a lo desconocido. Lo que más la aterra es descubrir que sus propios instintos podrían estar diciéndole la verdad. ¿Qué fue lo que más te perturbó de esa idea?
SEIDI HAARLA: Creo que todos podemos identificarnos con esa sensación. Como seres humanos necesitamos creer que tenemos el control de nuestras vidas. Queremos saber qué está ocurriendo, distinguir claramente qué es real y qué no lo es.
Pero tener un hijo destruye esa ilusión. La maternidad es un portal hacia el caos. Te obliga a renunciar al control y a abrirte a un desorden que también existe dentro de ti. Y aceptar ese caos, más que combatirlo, termina siendo parte del proceso de convertirse en madre.
Rupert, Jon quiere proteger a su familia, pero al mismo tiempo necesita convencerse de que todo tiene una explicación racional. ¿Crees que la negación también puede ser una forma de amor?
RUPERT GRINT: Sí, creo que esa es una lectura muy interesante. Jon vive una situación muy complicada. Ha abandonado completamente su vida para instalarse en un país cuya lengua ni siquiera domina. Se siente aislado y prácticamente toda su estabilidad emocional depende de Saga. Por eso hace todo lo posible por mantener esa relación funcionando.
El problema es que simplemente no tiene las herramientas para comprender lo que ella está viviendo. Está construyendo la casa, trabaja constantemente, siempre parece estar ocupado con otra cosa y termina sin ver realmente a su esposa. Creo que su corazón está en el lugar correcto. Quiere hacer lo correcto todo el tiempo, pero no encuentra la manera de acercarse a ella.
Además, la película nunca termina de decirnos si todo lo que ocurre pertenece realmente al terreno de lo sobrenatural o si estamos viendo otra cosa completamente distinta. Esa ambigüedad hace muy interesante la relación porque permite que cada espectador complete la historia desde su propia experiencia.
Seidi, la película nunca separa la maternidad del horror. ¿Por qué seguimos sintiéndonos incómodos frente a esa asociación?
SEIDI HAARLA: Porque durante siglos nos han contado una única versión de la maternidad. La madre debía ser siempre buena, amorosa, paciente, protectora. Como si únicamente pudiera experimentar sentimientos puros. Pero esa expectativa resulta profundamente injusta.
Es una carga muy pesada para cualquier mujer. Creo que apenas ahora estamos empezando a cuestionar esa imagen perfecta de la madre… (ríe) Perdón… había encontrado una idea y se me acaba de escapar.
(Minutos después, la actriz retomó espontáneamente la respuesta.)
Ahora la recordé. Muchas veces creemos que convertirnos en madres automáticamente nos convierte también en mejores personas. Es una fantasía muy peligrosa. Vivimos pensando que una madre no puede sentir rabia, miedo, frustración o incluso desear ponerse a sí misma por delante de su hijo en determinados momentos. Y eso es profundamente inhumano.
No podemos amputar una parte de nuestras emociones simplemente porque hemos tenido un hijo. La ira, el miedo, el cansancio… todas esas emociones siguen existiendo y necesitan ser reconocidas. Ser madre también significa reconciliarte con la niña que todavía vive dentro de ti. Paradójicamente, la maternidad me ha enseñado mucho más sobre mí misma que sobre mi propia hija. Ese ha sido el aprendizaje más valioso. Y también el más aterrador.
Rupert, Nightborn parece sugerir que, en ocasiones, el amor por sí solo no basta para sostener una relación. ¿Crees que esa es la idea más oscura de la película?
RUPERT GRINT: Sí… creo que podría decirse que sí. Hay muchísimo amor entre Jon y Saga. Nunca dudé de eso. Pero durante los ensayos hicimos un ejercicio muy curioso que terminó ayudándome a entender mejor la relación entre ambos.
Ensayamos durante varias semanas una coreografía de baile y una pelea física al mismo tiempo. Al principio me parecía una idea extraña, incluso me generaba cierta resistencia, pero terminó siendo una experiencia muy útil. Ambas secuencias hablaban exactamente de lo mismo. Nos permitían explorar la intimidad, la cercanía, el conflicto y la reconciliación sin necesidad de utilizar palabras. Todo ocurría a través del cuerpo.
Cuando vi la película terminada comprendí que ese trabajo estaba presente en toda la relación entre Jon y Saga. Hay muchas cosas que ellos nunca consiguen decirse, pero que aparecen constantemente en la manera en que se acercan, se alejan, se tocan o se enfrentan. Fue una preparación muy especial y creo que terminó definiendo buena parte de la película.
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Durante décadas, el cine y la televisión de espías han encontrado su combustible en las conspiraciones internacionales, las persecuciones y las identidades falsas. Ride or Die; Cómplices hasta el final conserva todos esos ingredientes, pero los utiliza para hablar de algo mucho más íntimo: la confianza. Creada por Tessa Coates y protagonizada por Octavia Spencer (The Help), Hannah Waddingham (Ted Lasso) y Bill Nighy (Love Actually), la serie de Prime Video convierte una historia de acción en una exploración sobre la amistad, los secretos y la posibilidad de reconstruir una relación cuando descubrimos que la persona que creíamos conocer nunca fue exactamente quien imaginábamos.
Mientras Debbie descubre que su mejor amiga Judith lleva años ocultándole una doble vida como asesina de élite, el Director (interpretado por Bill Nighy) recuerda que, en el universo del espionaje, incluso quienes parecen mover todos los hilos terminan siendo prisioneros de aquello que decidieron callar.
En conversación con Rolling Stone en Español, los tres actores hablaron sobre la vulnerabilidad, la resiliencia, el peso de los secretos y por qué, detrás de cada gran historia de espías, siempre termina escondiéndose una historia profundamente humana.
Debbie descubre que la persona en quien más confiaba es prácticamente una desconocida… y además alguien extremadamente peligrosa. ¿Qué fue lo que más te interesó de ese terremoto emocional?
OCTAVIA SPENCER: Lo más fascinante es que Debbie lleva amando a Judith prácticamente la mitad de su vida. Descubrir que alguien tan importante nunca fue quien ella creía es profundamente desestabilizador. Además, Judith no es la única relación que empieza a romperse. Debbie también enfrenta problemas con su esposo y con sus hijos. Las tres relaciones fundamentales de su vida entran en crisis al mismo tiempo.
Eso la obliga a preguntarse cómo pudo equivocarse tanto respecto a las personas que más quería. Hay un enorme trabajo interior, pero lo maravilloso es que esa exploración ocurre a través de conversaciones muy honestas con Judith.
HANNAH WADDINGHAM: El nivel de engaño es enorme. Si Debbie fuera completamente sincera consigo misma, probablemente ya intuía que algo no estaba funcionando en su vida. Pero una cosa es sospecharlo y otra muy distinta descubrir que tu mejor amiga lleva una existencia completamente distinta. De repente también tiene que explicarles esa realidad a sus hijos. Todo aquello que sostenía su mundo comienza a derrumbarse al mismo tiempo.
Debbie no está entrenada para el combate, pero termina convirtiéndose en una pieza fundamental de la historia. ¿Qué dice la serie sobre la capacidad de las personas comunes para descubrir una fuerza extraordinaria?
OCTAVIA SPENCER: Yo no creo que Debbie sea una mujer común. Hace falta una persona extraordinaria para dejar atrás su país por amor, reinventarse, graduarse con honores en Yale y decidir poner su propia carrera al servicio del proyecto político de su esposo.
Lo que ocurre es que Judith la arrastra hacia un mundo para el que nunca estuvo preparada y Debbie tiene que adaptarse. Y eso es precisamente lo que hacemos muchas mujeres todos los días.
Por eso también me gusta pensar que Judith representa una metáfora de todo lo que las mujeres son capaces de hacer. Llevan sobre sus hombros responsabilidades inmensas, resuelven problemas constantemente y siguen adelante. Todos los días libran batallas que muchas veces pasan desapercibidas.
HANNAH WADDINGHAM: Eso fue precisamente lo que más me entusiasmó del proyecto. También me daba miedo no estar a la altura del personaje, pero trabajar junto a Octavia, Tessa Coates y Matt Miller desde el comienzo nos permitió construir cuidadosamente qué tipo de serie queríamos hacer.
Además de interpretar a estos personajes, Octavia y yo somos productoras ejecutivas. Somos dos mujeres de más de cincuenta años liderando una serie de acción, y creo que eso también envía un mensaje muy importante. Hay que seguir atreviéndose. Hay que seguir aceptando desafíos. Incluso cuando uno siente miedo.
Y no solamente para las mujeres. También para los hombres. Existe esa idea de la crisis de la mediana edad, pero yo prefiero pensar que cada etapa de la vida es simplemente un nuevo capítulo que uno mismo tiene la responsabilidad de escribir.
Debajo de toda la acción, Ride or Die termina siendo una historia sobre la confianza. ¿Cómo se interpreta un personaje obligado a elegir constantemente entre la honestidad y la supervivencia?
OCTAVIA SPENCER: Creo que, en realidad, así funciona la vida. Cuando alguien entra en nuestra existencia nunca sabemos completamente quién es. Elegimos confiar en esa persona y esperar que aquello que nos muestra sea verdadero. Cuando descubrimos que no era así aparecen todas las emociones posibles: la rabia, la decepción, el dolor. Eso también hace tan interesante nuestro trabajo como actores.
HANNAH WADDINGHAM: Octavia y yo hablábamos mucho sobre eso durante el rodaje. La serie cuestiona constantemente la amistad, la lealtad y la confianza. Todo parece romperse, pero en el fondo Debbie y Judith siguen compartiendo una conexión muy profunda. Aunque esa confianza haya quedado torcida, aunque esté llena de heridas, todavía existe una especie de memoria emocional que termina llevándolas nuevamente la una hacia la otra. Por eso la traición duele tanto. Porque solo puede existir cuando antes hubo un vínculo verdadero.
Bill, el Director parece un hombre que toma decisiones con absoluta frialdad. ¿Es alguien que realmente cree en la lealtad o simplemente en la utilidad de las personas?
BILL NIGHY: Esa es una muy buena pregunta. Creo que él se presenta como alguien completamente pragmático, alguien para quien únicamente importa la utilidad. Pero, conforme avanza la historia, uno descubre que las cosas son bastante más complejas. Existe una tensión permanente entre esas dos ideas y prefiero no revelar demasiado porque terminaría arruinando varias sorpresas importantes de la serie. Hay mucho más detrás del Director de lo que parece al principio.
Has mencionado que eres un gran aficionado al género de espionaje. ¿Qué crees que sigue haciéndolo tan atractivo para el público?
BILL NIGHY: Es difícil explicarlo exactamente. Supongo que tiene que ver con que siempre existe un rompecabezas que el espectador intenta resolver. Hay personajes en peligro, secretos ocultos, una tensión constante que mantiene viva la historia.
Además, casi siempre hay una dimensión romántica. Las relaciones suelen estar atravesadas por diferencias políticas, fronteras, lealtades divididas… Todo eso vuelve las emociones mucho más intensas.
También está el hecho de que estas historias viajan por distintos países, muestran culturas diferentes y colocan a los personajes frente a enormes secretos que el espectador conoce antes que ellos. Tienen peligro, misterio, romance… prácticamente lo tienen todo.
Yo mismo soy completamente adicto al género. He leído prácticamente toda la obra de John le Carré y también la de Len Deighton. Si alguien disfruta las novelas de espionaje y todavía no ha leído sus trilogías, realmente se las recomiendo.
La serie está llena de personajes que esconden algo. ¿Qué secreto termina definiendo realmente al Director?
BILL NIGHY: Esa es una pregunta complicada… Porque el Director guarda varios secretos importantes que solo aparecen hacia el final de la temporada y no puedo hablar de ellos sin arruinar la experiencia. Lo único que puedo decir es que existen un par de grandes revelaciones sobre él que cambian completamente la percepción que tenemos del personaje. No es, en absoluto, la figura tan simple que parece durante los primeros episodios.
¿Y qué es lo que menos comprende de sí mismo?
BILL NIGHY: Creo que, hacia el final de la historia, logra abrir una parte de sí mismo que llevaba demasiado tiempo cerrada. Durante años aprendió a vivir ocultando cosas. Es plenamente consciente de todo aquello que debe mantener en secreto. Lo que nunca terminó de comprender fue el precio personal que pagó por hacerlo. Y esa quizá sea la verdadera evolución del personaje: descubrir cuánto de sí mismo perdió mientras protegía esos secretos.
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El género de las películas biográficas ha sido complejo, con filmes que han sido un gran éxito o un fracaso rotundo, pero con el reciente impulso que supuso Michael la industria cinematográfica está dispuesta a seguir apostándole a estas historias. El siguiente artista en la lista que verá su vida llegar a la gran pantalla es Snoop Dogg, pues el proyecto finalmente cuenta con una fecha de estreno.
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Universal Pictures anunció esta semana que Snoop, como se llamará la cinta, llegará a los cines del mundo a inicios de agosto de 2027. La película será dirigida por Craig Brewer (Song Sung Blue y Hustle & Flow), quien reescribió el guion original de Joe Robert Cole, y será protagonizada por Jonathan Daviss (Outer Banks). Brian Grazer de Imagine Entertainment y Sara Ramaker de Death Row Pictures estarán a cargo de la producción junto con el rapero estadounidense.
Son pocos los detalles que se conocen sobre la cinta más allá de que será la “biopic absoluta del artista, magnate e ícono del gangsta rap”, que contará con música del extenso catálogo de Dogg y que, por supuesto, tendrá clasificación para adultos. De acuerdo con recientes declaraciones del músico en la CinemaCon, el largometraje iniciará su rodaje en las próximas semanas.
Snoop será desarrollada por el mismo estudio detrás de Straight Outta Compton (2015), el filme dirigido por F. Gary Gray que relata la historia del grupo de rap N.W.A. y que recibió una nominación a los Premios Óscar 2016 a Mejor Guion Original. Universal Pictures también produjo 8 Mile, la aclamada biopic de Eminem de 2002 que recibió un Óscar a la Mejor Canción Original por ‘Lose Yourself’.
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Elon Musk se suma a la creciente lista de figuras que apuestan por la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento. En esta ocasión, el empresario anunció que su plataforma de IA, Grok Imagine, desarrollará su propia versión de La Odisea.
La noticia se dio a conocer a través de su cuenta oficial de X, donde Musk compartió un video de tres minutos que muestra una escena inspirada en La Odisea, generada con la inteligencia artificial de Grok Imagine. Aunque el material funciona como una demostración de las capacidades de la herramienta, el empresario aseguró que ve un gran potencial para llevar a cabo una adaptación completa de la obra.
“Antes de que termine este año, Grok Imagine hará una película de larga duración de La Odisea que sea históricamente precisa y fiel al arte de Homero”, aseguró Elon Musk.
El usuario que compartió el video de prueba basado en La Odisea aseguró que la inteligencia artificial de Musk mejora día con día, por lo que le sorprendió la calidad de las actuaciones que puede generar un “actor” creado con IA. Además, explicó que para realizar la demostración únicamente dio instrucciones a Grok Imagine como lo haría con un actor durante una producción en un set de grabación.
Otro cibernauta sugirió que Elon Musk ofreciera una cantidad de $100 millones de dólares a Mel Gibson para filmar una adaptación de La Odisea con barcos, armaduras, armas y casting meticulosamente precisos desde el punto de vista histórico. El empresario respondió: “Estoy dentro”.
No es la primera vez que Musk expone su sentir sobre la reciente producción de La Odisea de Christopher Nolan. Hace unas semanas compartió un mensaje que reafirma su inconformidad: “Chris Nolan profanó a Homero y se arrastró de rodillas solo para cumplir con las reglas woke necesarias para ganar un Oscar. Qué gusano”. Asimismo, ha estado debatiendo a través de X la decisión de Nolan sobre el reparto que ha escogido para La Odisea, tachándolo de “racista anti-blanco”.
Grok es el asistente de inteligencia artificial desarrollado por la empresa xAI, fundada por Elon Musk. El chatbot es capaz de mantener conversaciones, responder preguntas, ayudar con tareas de programación, generar imágenes, resumir textos y buscar información en tiempo real tanto en la web como en X (antes Twitter). Desde hace varios meses, Musk utiliza su cuenta de X para anunciar las mejoras y nuevas funciones de Grok, además de explicar cómo sus usuarios pueden aprovechar cada actualización. “Grok Build mejora cada día”, escribió el empresario hace unos días al referirse a la más reciente versión de la herramienta.
Hasta el momento, La Odisea, de Christopher Nolan, ha recaudado más de 264.06 millones de dólares en la taquilla mundial durante su fin de semana de estreno, de acuerdo con datos de Comscore Movies. Con esta cifra, la película se consolida como una de las producciones más exitosas del año.
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Travis Scott pasó por The Tonight Show para hablar sobre su experiencia en el rodaje de la nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, la cual incluye su canción “When I’m Home” en los créditos finales.
El presentador Jimmy Fallon señaló que la cinta marca la primera vez que Scott forma parte de una película número uno en taquilla. “Se siente muy diferente”, dijo Scott. “Incluso mi profesor de teatro de la secundaria se puso en contacto con mi mamá. Esto es como otra estratosfera de grandeza. Todas las personas [que] te regañaban cuando estabas en la escuela, intentando hacer de ti un gran ser humano, dicen: ‘Por fin hiciste algo bueno’”.
Scott recordó haber trabajado anteriormente con Nolan en su película Tenet, también con la canción de los créditos finales. Pero con La Odisea, Nolan le pidió primero a Scott que actuara, no que rapeara.
“Sonó mi teléfono y solo decía Chris, y pensé: ‘Bueno, no sé de qué se trata esto. Tal vez quiere ir a un concierto’”, contó Scott. “Así que contesté y me dijo: ‘¿Te interesaría actuar en una película?’. Pero no pensé que fuera para él. Pensé que podría ser para alguien más”.
El rapero describió a Nolan como “un verdadero mentor para mí” y dijo que quería formar parte de cualquier proyecto en el que el cineasta estuviera trabajando. En la película, Scott interpreta a un bardo griego que canta sobre las victorias de Odiseo en la Guerra de Troya. Sin embargo, dijo que estaba “muerto de miedo” al hacer el papel.
“No sabía que iban a estar Anne Hathaway, Tom [Holland] y Robert Pattinson”, dijo. “Un montón de gente increíble. Y yo no tengo ni puta idea de lo que estoy haciendo”. Añadió: “Chris es un director increíble. Todos me hicieron sentir cómodo. Yo solo estaba feliz de estar allí y de verlo trabajar”.
Scott dijo que no fue difícil mantener su papel en secreto, pero sí fue difícil “hacer que todos creyeran que lo hice”. “No quería que la gente pensara que me pusieron aquí a la fuerza”, dijo.
El músico esperaba que Nolan le pidiera escribir una canción para los créditos finales, pero esa petición no llegó hasta que Nolan tuvo un corte de la película. Trabajó con el productor Ludwig Göransson, quien también hizo la banda sonora, y con James Blake para escribir y grabar “When I’m Home”. Un video para el tema, dirigido por Scott, saldrá la próxima semana.
Nolan explicó anteriormente por qué eligió a Scott —quien aportó el tema “The Plan”, producido por Göransson, a Tenet— en La Odisea. “Elegí a [Scott] porque quería hacer un guiño a la idea de que esta historia se ha transmitido como poesía oral, lo cual es análogo al rap”, dijo Nolan.
Scott se unió a una pequeña pero notable lista de músicos convocados por Nolan a lo largo de los años. David Bowie interpretó al inventor Nikola Tesla en la película de 2006 El prestigio, mientras que Harry Styles asumió el papel de Alex en Dunkirk, marcando una de las primeras actuaciones importantes del cantante.
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