Netflix acaba de estrenar el documental Una tóxica historia de amor, una producción de true crime que reconstruye un impactante triángulo amoroso en el que una de las involucradas quedó inmersa sin pretenderlo. La historia real detrás de este caso, digno de ser contado por la plataforma de la N, tiene como protagonistas a Ian […]
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El rock siempre fue un género que entendió que la música no lo era todo. Desde sus primeros años, las bandas más grandes del mundo usaron los gestos y las provocaciones para afirmar y ampliar su mensaje o, simplemente, para recordarle al mundo que existían. Hoy repasamos tres ejemplos. John Lennon y Yoko Ono – […]
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La cantante y compositora puertorriqueña, Ednita Nazario, presenta FuegoAlmaVida, su nuevo álbum desde 2017 cuando lanzó Una Vida. El proyecto incluye siete canciones, baladas de amor pop clásicas e himnos que ayudan a sanar el corazón después de una relación que dejó cicatrices, pero que brinda enseñanzas de por vida.
La estrella de 71 años saca a relucir las grietas rellenas de oro al estilo Kinstugi que ha acumulado e intentado sanar por mucho tiempo, ella dijo en una rueda de prensa “En este disco traje muchas experiencias personales de situaciones que me pasaron. ¿Y sabes por qué? Porque soy una mujer como cualquier otra”.
Su sonido nostálgico, pulido y emotivo trae consigo un baúl de recuerdos, dolores y desamores que cobra vida desde el primer instante con ‘Desnuda y De Frente’, una confrontación de las emociones que vienen con el duelo amoroso. ‘Destrúyeme’, con la banda de rock puertorriqueña, Black Guayaba, presenta una nueva dimensión con su letra catártica que estalla sobre la ruptura mutua, el quiebre ante una separación dolorosa. Al final, continúan los elementos de guitarra eléctrica en ‘Fuimos Fuego’, hasta el dulce, delicado y orgulloso clímax con el dúo de ‘Cerrando Ciclos’ y ‘La Vida Me Cambió’ que fluyen entre ellos de manera fluida que inspira a volar y continuar luego de soltar lo que sintió en su camino.
El proyecto cierra con ‘Track Loading…’ una pieza de palabra hablada en la que Ednita, en un discurso poético, acaricia al oyente con palabras de afirmación para reforzar su mensaje acerca de la fuerza que se encuentra al triunfar ante la adversidad y que las cicatrices son “el tesoro de la lección aprendida”.
Este lanzamiento representa, además, el inicio de una nueva etapa profesional para Ednita Nazario al concretar una alianza estratégica entre el sello discográfico Rimas Entertainment e Icon Unlimited Global, la compañía de manejo y producción fundada por la propia artista y liderada por su representante, Lexter Leonardo.
Entre reconocimientos por su amplia carrera, como el Lifetime Achievement Award en 2016; discos de oro y platino y premios como los Latin Grammy, Billboard y Premios Tu Música, la Gran Diva de Puerto Rico expresa el éxtasis de continuar ese camino que por décadas le da fuerza y esperanza a millones de boricuas e hispanohablantes para seguir adelante y cerrar ciclos con la cabeza en alto, desde Ponce, Puerto Rico, hasta los hogares de todos aquellos que han tenido la fortuna de toparse con ella.
“Amo mis cicatrices. Significa que he vivido y que ninguna herida acabó conmigo. Es más, me hizo más fuerte. Y eso significa este proyecto FuegoAlmaVida, lección aprendida. ¡A vivir!” Ednita Nazario.
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La nueva era de EMJAY ya está aquí. Con ‘Moreno Fantasy’, la cantante mexicana inaugura una etapa que amplía la esencia que siempre la ha definido, ahora con un lenguaje sonoro, visual y emocional mucho más sólido. Así comienza la historia de su pop pesado.
‘Moreno Fantasy’ se mueve con naturalidad entre el pop y el rock. Por un lado, abraza la sensibilidad y la sutileza melódica del primero; por el otro, incorpora la intensidad y la crudeza del segundo para llevar su narrativa emocional a una dimensión más profunda. El resultado es una propuesta que reúne lo mejor de ambos mundos y da forma a la identidad estética, sonora y emocional que hoy define a EMJAY.
La canción nace de un momento profundamente introspectivo para la artista, quien transforma experiencias y emociones reales en una narrativa donde la fantasía y la honestidad se entrelazan. De ese encuentro surge un retrato de sentimientos como el deseo, la incertidumbre y la intensidad que acompaña el nacimiento de una conexión con otra persona. A través de esta nueva propuesta creativa, EMJAY expande su universo sonoro mientras se nutre de su propia experiencia, interpretando desde un lugar donde las emociones se viven con mayor intensidad y su voz se revela más vulnerable que nunca.
EMJAY contó con grandes colaboradores para la creación de ‘Moreno Fantasy’. La mezcla estuvo a cargo de Kayla Reagan, ingeniera de mezcla nominada al Grammy, reconocida por su trabajo con Doja Cat, Kaytranada y Kali Uchis, mientras que la producción fue realizada por VINCO, productor, compositor y artista chileno cuya identidad sonora contemporánea lo ha convertido en un colaborador clave de proyectos como Latin Mafia, Akrilla, Bratty, Kid Voodoo, TAI CHU, Alex Ponce y EMJAY.
El universo de ‘Moreno Fantasy’ también cobra vida en su propuesta audiovisual, que traslada la esencia de la canción a un imaginario tan impactante como simbólico. Filmado en una iglesia en ruinas, el videoclip sitúa a EMJAY en una ceremonia nupcial que rompe con los códigos tradicionales: vestida completamente de negro, la artista resignifica la figura de la novia a través de una estética que fusiona el glamour con la fuerza del rock. Entre vitrales, encajes y una atmósfera cargada de dramatismo, el video construye un espacio donde el romance, la oscuridad y la intensidad emocional convergen para dar forma al universo visual de esta nueva etapa.
Desde que EMJAY mencionó por primera vez el concepto de pop pesado en sus redes sociales, la expectativa en torno a esta nueva etapa no ha dejado de crecer. Más que nombrar o desafiar un género musical, la artista plantea una propuesta que refleja una identidad donde la fuerza y la vulnerabilidad conviven de manera natural. Con este nuevo comienzo, EMJAY consolida un universo creativo en el que la música, la moda y la narrativa visual dialogan entre sí para construir un lenguaje propio que define el rumbo de su carrera.
El inicio del pop pesado es el mismo reflejo de EMJAY.
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Hablar de Xmosis implica reconocer una historia que marcó el desarrollo del rock colombiano, pero también entender que este proyecto no vive de ella. La banda nació el 14 de febrero de 2025 como una evolución natural de la experiencia y la complicidad de músicos que compartieron algunos de los momentos más importantes de Ekhymosis y que, décadas después, decidieron reencontrarse para crear algo distinto. El resultado no es una continuación ni un tributo: es una agrupación con identidad propia, construida sobre un legado sólido, pero orientada completamente hacia el futuro.
El proyecto reúne a José Lopera en la batería, Andy García en el bajo y los coros, y Toby Tobón en la guitarra líder, tres músicos fundamentales en una de las etapas más recordadas de Ekhymosis. A ellos se suma Sebastián Yepes, reconocido por su trayectoria al frente de SanAlejo, quien asume la voz principal y la guitarra rítmica, aportando una nueva personalidad al repertorio y una conexión natural con una generación distinta de oyentes. Más que reemplazar una historia, Yepes aporta una perspectiva diferente que amplía el alcance creativo de la banda.
Ese encuentro entre experiencia y renovación define buena parte del ADN de Xmosis. La banda entiende el peso de la nostalgia, pero evita convertirla en su único argumento. En lugar de reproducir el pasado, apuesta por reinterpretarlo desde el presente, respetando la esencia de unas canciones que forman parte de la memoria colectiva del rock colombiano mientras construye un lenguaje propio para el futuro.
En poco tiempo, Xmosis ha demostrado que su propuesta funciona también sobre el escenario. Su debut junto a God Save the Queen marcó el inicio de una agenda de presentaciones que los ha llevado por festivales y eventos como Fortaleza Rock Fest, BucaraRock, Arte a la Calle en Medellín y la Feria de Manizales, consolidando una química que trasciende la experiencia individual de sus integrantes y confirma que el proyecto tiene vida propia.
Actualmente, la banda prepara un álbum que reimagina algunos de los grandes clásicos interpretados ahora por Sebastián Yepes, un trabajo que servirá como puente entre distintas generaciones de seguidores y como antesala de nuevo material. Paralelamente, Xmosis alista una gira nacional e internacional con la que espera presentar esta nueva etapa a públicos dentro y fuera de Colombia.
En un momento en el que muchas reuniones de bandas históricas se limitan al ejercicio de la nostalgia, Xmosis propone algo diferente: tomar la experiencia acumulada durante décadas para seguir creando desde el presente. Su apuesta no consiste en revivir una época, sino en demostrar que el rock colombiano todavía tiene nuevas historias por contar.
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Universal Studios, conocida por la distribución de las películas de Five Nights at Freddy’s y la producción de Super Mario Bros.: La película, sigue apostándole a las producciones basadas en franquicias icónicas de los videojuegos. El nuevo acuerdo con Atari para 10 filmes, basadas en los primeros juegos de la historia, continúa esta estrategia.
Según reporta Deadline en una exclusiva, el que propuso esta alianza fue Matt Reilly, uno de los ejecutivos más reconocidos de Universal que trabaja actualmente como guionista y productor, en especial como presidente de producción de Arena SNK Studios (productora que está trabajando en productos multimedia para webtoons, TV y cine basados en Fatal Fury y Art of Fighting, videojuegos clásicos de 16 bits), junto con Carl Hampe, productor de Hellboy (2019), quienes crecieron con estas reliquias legendarias de los finales de los 70 e inicios de los 80. Ambos trabajarán como coproductores y guionistas de la saga.
El productor de Entretainment 360 asignado al proyecto, Guymon Casady, dijo para Deadline que “Los mejores juegos de Atari te sumergían en un mundo y dejaban que tu imaginación hiciera el resto. Carl y Matt vieron la oportunidad de aprovechar ese mismo espíritu y crear una aventura original a mayor escala. Desde el momento en que leímos el guion, supimos que teníamos una gran película entre manos.” Se busca crear historias basadas en el género de acción y aventura.
Los juegos elegidos para ser adaptados a la gran pantalla son:
- Pong (1975)
- Breakout (1978)
- Adventure (1979)
- Asteroids (1981)
- Missile Command (1981)
- Berzerk (1982)
- Centipede (1982)
- Yars’ Revenge (1982)
- Crystal Castles (1984)
- Millipede (1984)
No se han decidido fechas de producción ni lanzamiento hasta el momento.
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La maldición
Los gamers, como cualquier otro fandom, tienen sus propias supersticiones. Una de ellas es la maldición de las películas basadas en videojuegos; la cual estableció que dichas adaptaciones cinematográficas no tendrían éxito en ventas ni satisfarían a los fans (la audiencia principal). El mito se vio confirmado durante los 80 y los 2000 con fracasos icónicos como Super Mario Bros (1993) y Resident Evil (2000). Esta racha se rompió con los éxitos de finales de la década de 2010 y principios de la de 2020 con Pokémon: Detective Pikachu (2019) y la saga de pelis animadas basadas en Sonic, creando un ambiente propicio para que las adaptaciones posteriores tuvieran una mejor acogida crítica y comercial, como la serie de The Last of Us, que ganó 8 premios Emmy en 2025.
Menciono esto porque Atari ha estado en su propio camino hacia la redención, ya que, hace apenas unos meses, se la consideraba un misterio, una mera sombra de lo que fue en sus inicios. En resumen, la mayoría cree que su declive comenzó con su juego de 1982, E.T. The Extra-terrestrial. Un símbolo del fracaso que hizo historia al marcar el declive de toda la industria de los videojuegos a mediados de los 80.
Las acciones y decisiones posteriores llevaron a la compañía a la ruina, como la consola Jaguar de 1993, un fracaso rotundo que aplastó por completo sus aspiraciones de mantenerse en el mercado de las consolas, con solo 150.000 copias vendidas, muy lejos de los más de 30 millones de unidades que vendió la Atari 2600. A partir de ese momento, la compañía entró en un limbo corporativo mientras probaba otras estrategias para evitar la desaparición. En la década de 2000, fue adquirida por IESA y contribuyeron al desarrollo de algunos juegos exitosos como RollerCoaster Tycoon.
Entre 2013 y la actualidad, se esforzaron por llegar a nuevas audiencias mediante la concesión de licencias de sus icónicas propiedades para mercancías y lanzamientos para dispositivos móviles. Otras estrategias incluyen: el crowdfunding de la Atari VCS (un último intento de crear una consola inspirada en los clásicos, lanzada en 2020), el “Atari Token”, una criptomoneda que lanzaron en colaboración con el grupo ICBC (actualmente cancelada), y los hoteles temáticos de Atari (ahora cancelados) en Estados Unidos, Gibraltar, España y Dubái (los anteriores no deben confundirse con el hotel Atari que abrirá sus puertas en 2028 en Phoenix, Arizona, EE. UU.).
Sorprendentemente, bajo el liderazgo de Wade Rosen, su nuevo C.E.O. desde 2021, la compañía reorientó sus esfuerzos hacia el desarrollo de videojuegos. Prueba de ello es el éxito de Bubsy 4D, sucesor del infame fracaso comercial, crítico y popular que fue la franquicia “Bubsy” que se lanzó en 1993, además, anunciaron que crearán nuevos juegos y remakes de Barbie y Toy Story con Digital Eclipse para octubre y noviembre de este año.
En conclusión, si bien el resurgimiento de Atari es un indicio de que las cosas podrían mejorar, depende de los partidos involucrados evitar los errores que llevaron a su declive y a su mala fama durante décadas pasadas. Deben recordar que una de las claves para una remontada, entre otros aspectos, es no depender de la nostalgia para crear una película coherente; como dejó en evidencia la controvertida adaptación de Ready Player One (2018) y Five Nights At Freddy’s 2 (2025), que, a pesar de que fueron éxitos comerciales, fracasaron al interpretar el material original y en cautivar a su audiencia.
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Hay una imagen que resume bastante bien la historia de Loquero. Es el año 2001 y la banda acaba de terminar Fantasy, su tercer disco, que con el tiempo se convertiría en el más querido y también en el más vendido de su carrera. Pero en ese momento todavía les faltaba la tapa. Nekro (Boom Boom Kid/Fun People), productor del álbum y cabeza de Ugly Records, el sello que lo editó, les recomienda a los músicos que aparezcan en la portada. Ellos aceptan y citan a un fotógrafo al estudio. Todos llegan a tiempo, pero el bajista no aparece. Esperan unos minutos, después una hora, pero nada, y el fotógrafo tiene que irse. Entonces, alguien mira al hermano del bajista, que justo había acompañado a la banda ese día: “Che, vení vos, total sos medio parecido”. El reemplazante improvisado acepta y posa para la foto de tapa con el resto del grupo. El disco sale así.
“Fue una burla nuestra, como siempre“, dice Chary entre risas, en una charla telefónica con Rolling Stone desde su Mar del Plata natal. “No nos importaba un carajo nada“. Lo más insólito es que, poco tiempo después, ese integrante falso, Aku Almada, terminaría incorporándose oficialmente a Loquero y seguiría tocando con la banda hasta la actualidad. Una anécdota que parece inventada, pero que explica con precisión sorprendente el recorrido de una banda que jamás hizo las cosas como se suponía que debían hacerse.
Treinta y cinco años después de su nacimiento en “La Feliz”, Loquero sigue girando, grabando discos y, aunque no saben muy bien por qué, convocando a un público cada vez más joven. Lejos de cualquier nostalgia, Chary mira hacia atrás con la misma mezcla de humor, melancolía y desinterés por el éxito que atraviesa su repertorio.
Según el guitarrista Yamandú —junto a Chary, los únicos integrantes que permanecen en la banda desde aquel primer día—, la historia de Loquero empezó el 27 de marzo de 1991, aunque para el cantante, que tiene 60 años y se gana la vida como enfermero, es difícil pensar su vida en fechas exactas. Antes había existido Todos Contra Todos, una banda marplatense de finales de los ochenta donde Chary tocaba la guitarra, muy ruidosa, contestataria y bastante experimental que, según él mismo reconoce, fue el verdadero germen de Loquero. “Para mí fue una continuación de Todos Contra Todos, aunque musicalmente era muy distinta”, señala. Afortunadamente, hay algunos registros en vivo en YouTube para corroborarlo.
Pero volvamos a Loquero. Yamandú recuerda ese día de 1991 como el encuentro entre dos universos. Él escuchaba Joy Division, Sonic Youth y Siouxsie and the Banshees. Chary llegaba con Ramones, La Polla Records y Eskorbuto. Decidieron mezclar esas influencias sin preocuparse demasiado por las etiquetas. “Para los darks éramos muy punks; para los punks éramos muy darks“, resumiría el guitarrista muchos años después en un posteo nostálgico de Instagram.
En aquellos años, la escena marplatense hervía. “Mar del Plata fue un lugar muy potente para el punk y para el skate”, recuerda Chary. “Algunos elegían el deporte, otros la autodestrucción. Yo sabía de qué lado estaba: el de la autodestrucción“, reafirma. Pasaron decenas de músicos por la formación de Loquero hasta que el grupo encontró cierta estabilidad. “Siempre nos mantuvimos Yamandú y yo. Somos un dúo creativo desde hace treinta y cinco años”. Como Paul y John, pero del punk vernáculo.
De la primera época, Chary conserva recuerdos tan caóticos como entrañables. Uno de los primeros bateristas de la banda vivía cerca del puerto y su padre trabajaba en barcos pesqueros. “Traía unos tachos enormes de atún. Nosotros comprábamos una damajuana de vino y todas las tardes nos juntábamos a comer atún y tomar vino. Ahí salieron las primeras canciones de Loquero, que luego grabamos en nuestro disco debut, Temor morboso a la exposición pública“. Para los seguidores más ortodoxos, el mejor álbum de la banda.
A Chary también le quedaron grabadas en la memoria historias mucho más intensas. A finales de los ochenta, cuando todavía integraba Todos Contra Todos, la banda tuvo la oportunidad de tocar por primera vez en Buenos Aires. Pero pasaron cosas. La noche anterior, los cuatro integrantes del grupo fueron detenidos y trasladados a una comisaría de Devoto. Al día siguiente, los largaron y fueron a tocar al festival que los había convocado, organizado por la revista Rebelión Rock, donde compartieron fecha con Hermética, Cross, Estado Mayor Conjunto y Cadáveres de Niños en el Teatro Roma de Avellaneda. Y todo terminó mal. “Llegamos directo desde la comisaría. Mientras tocábamos, la gente arrancaba pedazos de cerámica del primer piso del teatro y se los tiraba a la policía”.
Pero sigamos con Loquero. Aunque Fantasy (cuyo aniversario redondo será celebrado con un show conmemorativo el próximo 15 de agosto en Uniclub) fue editado en un año bisagra para la historia sociopolítica de la Argentina, y contiene versos como “Sale el sol, pero no sale para los desplazados, ni sale en la prisión, ni en un comedor de barrio” (“Atlántida”), Chary siente que no estaba tan al tanto de la coyuntura nacional: “Pienso que en aquel momento estaba un poco ajeno a la realidad que estaba atravesando el país. Fue un año de revolución social, te diría. Y nosotros, de alguna manera, fuimos más introspectivos. Sacamos un disco que hablaba de vivir lo que estábamos viviendo, una fantasía”.
La idea inicial era grabarlo en los estudios Del Abasto al Pasto, en Don Torcuato, pero Nekro les sugirió un cambio. “Un día me llama y me dice: ‘¿Si en vez de ir a Don Torcuato nos vamos a Panda?’. Y me empieza a rememorar los discos que se grabaron ahí. Estaba buenísima la idea. Le dije que sí y me contó que de ingeniero íbamos a tener a uno de los técnicos de la banda de los 90 Jesus Martyr, que venía de Inglaterra. Los chicos de Jesus Martyr eran argentinos, pero estaban de gira por allá. Le llevamos más o menos los discos de la onda que estábamos haciendo en ese momento y, de la mano de Nekro, entramos al estudio para grabar nuestro segundo disco más caro del mundo”.
Para Loquero todo era caro. La banda vivía de prestado. Dormía en las casas que les habilitaran mientras durara el tiempo de la grabación. “Era toda una utopía grabar de verdad, grabar bien. Y Fantasy fue eso, la aventura de estar ahí. Veía las fotos de los discos que se habían grabado ahí y no lo podía creer”, recuerda Chary. Por mencionar algunos, Parte de la religión de Charly García, La dicha en movimiento de Los Twist, Y ahora qué pasa, eh? de Los Violadores y Acariciando lo áspero de Divididos se grabaron en los estudios Panda.
“Nunca le di gran importancia a la grabación de un disco”, aclara Chary. “Fantasy terminó siendo el que yo más quiero por un montón de cosas. También fue una época de quiebre emocional en mi vida y habían entrado nuevos integrantes a la banda. Con Fantasy nos fuimos a Europa [N.del.R.: compartieron gira con Criatura, banda de Zaragoza, España]. Lo grabamos y nos fuimos. Y todo fue un flash con ese disco. Nekro era como un productor artístico que metía cosas, voces, hacía críticas o decía: ‘Esto sí, esto no’. Y creo que gran parte del sonido lo digitó él en ese disco. No así las canciones, pero tuvo mucho que ver porque lo produjo él, era material de Ugly Records y era ese sonido”.
-Pasaron 25 años de la salida de Fantasy, ¿qué pensás cuando lo volvés a escuchar?
-Que suena mejor que casi todos los discos de Loquero. Se asemeja a lo que tal vez siempre me gustó, que es el pop punk o el pop británico, como las canciones cortitas de The Beat, una banda inglesa no muy conocida acá, pero que Nekro y yo la teníamos escuchada y dijimos: “Es por acá, nosotros queremos sacar un sonido parecido a The Beat”. Cuando grabamos Black, que es el disco siguiente a Fantasy, también me gustó el sonido, pero fue en otro estudio y eso tiene mucho que ver. Creo que Fantasy superó todas mis expectativas y la gente también lo terminó amando. Por algo es el disco que más escuchas tiene y el que más se vendió también.
-Dijiste que tuviste un quiebre emocional en esa época. ¿Qué pasó?
Pasaron un montón de cosas, en especial cosas personales, algunas pérdidas. Generalmente, creo que las canciones de Loquero hablan de desamor y tienen como una constante crítica social, pero a la vez una especie de melancolía que recorre por fuera todos los temas. O tal vez por dentro, no sé, interiormente. Es normal porque soy un melancólico. Lo que sí sé es que no hay canciones de relleno en Fantasy. En todos los discos de todos los artistas de todos lados siempre hay unas cuantas canciones de relleno. Como decían los Mötley Crüe, hay dos canciones buenas y todo lo demás es mierda. Contaba [el productor] Álvaro Villagra que Pappo tenía cinco canciones y después decía: “¿Y ahora qué hacemos?”. Bueno, empezó el relleno. Pero Fantasy no tiene eso.
-¿Por qué?
Porque yo escribía mucho. Escribía… en tiempo pasado. Tenía todo un material virgen, digamos. No tenía la canción escrita, pero tenía la prosa intacta. De ahí venía todo lo que se puede llamar inspiración poética, o improvisación, para ser más exactos, que conlleva Fantasy. Entonces, por ahí tenía una estrofa o el estribillo o lo que sea, y después todo tiene como un principio y un final en mi mente. Es una historia real, no inventada, y no es un relleno. Tal vez una de las mejores cosas que tenga Fantasy, y me estoy dando cuenta ahora, sea esa: su autenticidad.
Después de tres décadas y media de canciones, conciertos y giras, Chary sigue al frente de Loquero, haciendo malabares entre su trabajo en el hospital, que retomó en 2009 luego de años de dedicarse exclusivamente a la música, y las noches de rock. Dice que tocar es su vida y algo natural en él, tanto seguir como sus ganas constantes de abandonar. “Todos los días dejo Loquero. Y también todos los días estoy planificando cosas para Loquero”, dice entre risas.
“Hay un montón de fechas por delante. Nos vamos a Chile, hablamos de ir a México. No sé, no puedo parar. Es lo que hago, para eso estoy acá. Sacamos un disco hace poco (Espíritu de tres tonos, parte 2, editado por X El Cambio Records) que está tremendo. Me encantó grabarlo, me encantó lo que quedó. En la pandemia me hice el disco solista, mi disco Pop (editado en 2021, también por X El Cambio Records), que fue juntar canciones viejas que escuchaba cuando era chico con mi hermano, lo que me fue moldeando. Desde los 60 hasta Pixies. Siempre estoy pensando en temas nuevos y cosas nuevas. Quiero tocar, no importa dónde. Ese fue siempre el leitmotiv de nuestra generación”, afirma.
Lo llamativo es que, más allá de las edades de los músicos, abajo del escenario aparece gente cada vez más joven. Chary no sabe por qué. “Veo otras bandas de gente de nuestra edad y la mayoría del público es de nuestra edad, digamos… grande. Y quizás van los hijos o los nietos. Pero con Loquero es distinto porque no veo tanto niño chiquito, sino más adolescente. Sobre todo cuando tocamos en capitales como Montevideo, Santiago o Buenos Aires. No te digo que sea una renovación, sino que no se ha ido mucha gente. Hay gente que sigue viniendo y gente joven, nueva, que no sé de dónde salió”.
El recuerdo más reciente es de un festival que hicieron en Ciudad Cultural Konex con bandas de la nueva camada como Dum Chica o Cursi No Muere, con quienes coincidieron en una gira por Chile y se hicieron amigos. “Nos conocían, nos respetaban. Nos sentimos re cómodos y re felices con tanta gente joven alrededor. Tal vez el mensaje de Loquero no es tan adolescente como yo pensaba. Pero sí es un mensaje fuerte y joven”, reflexiona Chary. “También veo esto mismo en shows de 2 Minutos. Los grandes al fondo, con su parsimonia y su cervecita en la mano, y los pibes ahí adelante, en la máquina de autodestruirse”.
-Si pensamos en la historia del punk local, ¿en qué lugar podríamos poner a Loquero?
-Mmm… ¿Decís como si fuera un campeonato de fútbol? Jugamos en Primera B, siempre en la mitad de tabla. Un eterno equipo de la Primera B. Nunca tocamos en primera, aunque siempre coqueteamos con la promoción, pero nunca subimos. Con Loquero hemos inspirado, en la periferia y en los lugares populares, algunos corazones románticos y violentos. Creo que hemos dado una mano también a la gente rota, lastimada en la prisión, a nivel compañía y a nivel solidaridad. Estoy bien en donde estoy. Nunca lo viví como una cuestión de éxito o fracaso. Ni en las buenas, ni en las malas, porque nos ha pasado de todo. Hay cosas que nos han impulsado a hacer lo que hicimos, a tocar todo este tiempo, a seguir tocando. Hoy mismo tengo que ensayar y ya tengo la mochila preparada. Siempre abandonando y siempre siguiendo.
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Después de más de tres décadas marcando el rumbo del hip hop, Cypress Hill abre un nuevo capítulo en su historia con el lanzamiento de Dios Bendiga, el primer álbum de estudio completamente en español de la legendaria agrupación de Los Ángeles. El proyecto también representa su primer trabajo de larga duración en más de cuatro años.
Como parte del estreno, B-Real, Sen Dog, Eric Bobo y DJ Lord presentan el video oficial de ‘Estamos Listos’, dirigido por Sergio de Ávila y Jerome Lehoucq, una pieza visual que acompaña uno de los temas centrales de un disco concebido como una celebración de sus raíces latinas y un mensaje de resiliencia, comunidad y esperanza.
A lo largo de doce canciones, Dios Bendiga reúne colaboraciones con figuras clave de la escena latinoamericana como Alemán, Trueno, Poe Leos, Mellow Man Ace, Sick Jacken, La Santa Grifa, Coyote y Guapo. El álbum combina la identidad sonora que convirtió a Cypress Hill en una referencia del rap de la Costa Oeste con elementos de la música latina, incluyendo ritmos de cumbia y una producción encabezada por el percusionista Eric Bobo y el DJ y productor nominado al Grammy DJ Flict.
El anuncio llega tras un exitoso regreso de Cypress Hill a Latinoamérica este año, con presentaciones en festivales como Vive Latino, Lollapalooza Brasil y Tecate Pa’l Norte, reafirmando la vigencia de una banda que, más de treinta años después de irrumpir en la escena, continúa siendo una de las mayores influencias del hip hop mundial.
Dios Bendiga – Tracklist
- Wacha Trucha (feat. Alemán)
- Campeones (feat. Mellow Man Ace)
- Rosas Verdes
- Run (feat. Poe Leos)
- Sueños (feat. Coyote)
- Estamos Listos
- Voló (feat. Sick Jacken)
- Saca La Bolsita (feat. Trueno)
- No Tengo Miedo (feat. Sick Jacken)
- Barrios Prendidos (feat. La Santa Grifa)
- El Perro y El Coyote (feat. Guapo)
- Otra
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El personaje más sabio de Remarkably Bright Creatures vive encerrado en un tanque de cristal, tiene ocho tentáculos y apenas le queda tiempo de vida. Paradójicamente, es el único capaz de comprender que los seres humanos llevan prisiones mucho más difíciles de romper que cualquier acuario.
Basada en la novela superventas de Shelby Van Pelt, la película de Olivia Newman (Where The Crawdads Sing) podría haber sido una de tantas producciones diseñadas para arrancar lágrimas a fuerza de música melosa, coincidencias imposibles y revelaciones familiares. En buena medida lo es. El guion, escrito por Newman en compañía de John Whittington (Lego Batman, DC League Of Super Pets), rara vez esconde hacia dónde se dirige, y casi todas sus piezas encajan con una precisión tal que por momentos parece menos interesado en explorar a sus personajes que en tranquilizar al espectador con la promesa de que todo terminará exactamente como espera.
Lo sorprendente es que, aun con todas esas limitaciones, la película consigue emocionar. Gran parte del mérito pertenece a Sally Field. Hay intérpretes capaces de elevar un diálogo mediocre; Field eleva escenas enteras. Tova, una viuda que lleva décadas limpiando un acuario mientras convive silenciosamente con la pérdida de su hijo y de su esposo, nunca convierte el dolor en histrionismo. Cada gesto transmite la rutina de alguien que aprendió a sobrevivir sin permitirse volver a vivir. No necesita grandes monólogos para expresar el peso de una ausencia que lleva demasiado tiempo instalada en su vida. Basta verla caminar por los pasillos del acuario para entender que la soledad también puede adquirir una forma física.
Lewis Pullman (The Testament Of Ann Lee), encuentra un registro igualmente convincente como Cameron, un músico errante que llega al pueblo buscando respuestas sobre un padre al que nunca conoció. El personaje podría haber sido otro joven inmaduro destinado a madurar gracias a una comunidad pintoresca, pero Pullman evita el cliché gracias a una interpretación honesta, llena de inseguridades y pequeños momentos de vulnerabilidad que terminan construyendo un personaje mucho más creíble que el que propone el libreto.
Sin embargo, los verdaderos tres corazones de la película están en Marcellus. Narrado con la voz serena y melancólica de Molina, el viejo pulpo jamás funciona como un simple recurso fantástico. Es un observador paciente de la condición humana. Mientras los protagonistas esconden secretos, reprimen emociones y dejan pasar oportunidades por miedo al dolor, Marcellus contempla sus vidas con una mezcla de ironía, compasión y una inteligencia que nunca resulta condescendiente. Su presencia recuerda inevitablemente al entrañable documental My Octopus Teacher, aunque aquí el animal deja de ser objeto de observación para convertirse en narrador y motor dramático.
El principal obstáculo de Remarkably Bright Creatures está en su absoluta falta de confianza en el espectador. Cada metáfora termina explicada. Cada emoción importante encuentra una frase que la evidencia. Incluso cuando una mirada bastaría para transmitir el conflicto, el guion siente la necesidad de verbalizarlo. Olivia Newman parece temer que el silencio pueda generar incertidumbre y prefiere acompañar cada paso con música y diálogos que insisten en explicar aquello que ya habíamos comprendido.
También pesa una acumulación de lugares comunes que nunca desaparecen del todo. El pequeño pueblo costero parece construido a partir del manual del drama reconfortante con las amigas y vecinas tan encantadoras como chismosas (Joan Chen, Kathy Baker, Beth Grant, Laura Harris), los romances tardíos (representados en el dueño de la tienda interpretado por Colm Meaney y en la practicante de remo encarnada por Sofia Black-D’Elia), los secretos familiares, las segundas oportunidades y casualidades improbables que terminan enlazando la historia. La película nunca escapa por completo de esa sensación de estar siguiendo un mapa perfectamente trazado.
Pero sería injusto juzgarla únicamente por ello, porque debajo de toda esa estructura convencional existe una reflexión sincera sobre el duelo y la posibilidad de reconstruirse. No plantea que el dolor desaparezca; plantea que la vida puede volver a abrirse paso incluso cuando creemos haber cerrado definitivamente todas las puertas. Esa idea encuentra su mejor expresión en la relación entre Tova y Marcellus. Ninguno puede cambiar el pasado del otro. Lo único que hacen es acompañarse durante el tiempo que les queda. Y, a veces, eso basta.
Ashley Connor fotografía el acuario con una serenidad casi hipnótica. Los reflejos del agua, los tonos fríos y la quietud de los espacios convierten el océano en una extensión emocional de los personajes. Dickon Hinchliffe aporta una partitura elegante, aunque en más de una ocasión insiste demasiado en conducir las emociones, como si desconfiara de la fuerza que ya poseen las imágenes y las actuaciones.
Remarkably Bright Creatures nunca alcanza la profundidad emocional que promete su premisa. Es demasiado complaciente para ello y demasiado ordenada para asumir riesgos narrativos. Sin embargo, posee algo que el cine contemporáneo parece haber ido perdiendo poco a poco: una fe absoluta en la bondad como fuerza transformadora. No hay cinismo, ni ironía permanente, ni personajes que teman expresar afecto porque eso los haga parecer débiles. Es una película que cree, sin vergüenza alguna, que escuchar al otro puede cambiar una vida.
Quizá por eso termina funcionando. No porque sea impredecible ni porque reinvente el melodrama, sino porque encuentra en Sally Field y en un anciano pulpo la capacidad de recordarnos que las conexiones más improbables suelen ser también las más necesarias. Hay historias que buscan sorprender. Remarkably Bright Creatures prefiere abrazar. Y, aunque a veces apriete demasiado fuerte, cuesta no devolverle el gesto.
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Durante demasiado tiempo, el cine queer pareció convencido de que toda historia debía comenzar con una herida. La expulsión familiar, la violencia, el rechazo, la enfermedad o la muerte se convirtieron casi en requisitos narrativos para justificar la existencia de un personaje LGBTQ+. El fin de las primeras veces toma una decisión mucho más arriesgada y, por ello, profundamente política: Desplazar el conflicto hacia un segundo plano para permitir que el deseo, la curiosidad y la felicidad ocupen el centro de la historia.
El director Rafael Espejo comprende que también existe una revolución en la ternura. Eduardo (Alejandro Quintana) llega desde un pequeño pueblo a Guadalajara para presentar un examen universitario. Sin embargo, el verdadero examen no ocurre dentro de un salón, sino durante una noche donde el azar lo lleva a conocer a Mario (Carlos E. López Cervantes) y a un grupo de jóvenes que viven su identidad con una naturalidad desconocida para él. La ciudad deja de ser únicamente un escenario urbano para convertirse en un territorio de posibilidades. Las conversaciones, las fiestas, los besos, las calles y los silencios funcionan como pequeñas iniciaciones hacia una vida que hasta ese momento parecía imposible.
Espejo evita construir esa experiencia desde la épica. Las primeras veces rara vez son acontecimientos grandiosos. Suelen ser torpes, confusas, contradictorias e incluso ridículas. Hay tequila, sexo, drogas, una fiesta, un intento fallido de tatuaje, un teléfono perdido y una camisa manchada de vómito. Pero detrás de esa acumulación de experiencias existe algo mucho más importante, un joven descubriendo que la identidad no aparece de golpe, sino que se construye lentamente a partir de personas, lugares y encuentros que terminan modificándonos sin que lo advirtamos.
En ese sentido, El fin de las primeras veces pertenece a una tradición del coming of age mucho más interesada en observar que en explicar. Espejo permite que las escenas respiren, que el tiempo permanezca dentro de los planos y que los silencios revelen aquello que los personajes todavía no saben nombrar. La película parece desconfiar de las grandes declaraciones porque entiende que el descubrimiento personal ocurre casi siempre en los gestos mínimos como una mirada sostenida algunos segundos más, una conversación durante el amanecer o el extraño alivio de sentirse, por primera vez, completamente anónimo.
También resulta refrescante la manera en que representa la experiencia queer. No porque ignore la discriminación (las conversaciones con la madre de Eduardo dejan entrever una tensión familiar evidente) sino porque decide no convertir el sufrimiento en la única forma posible de representación. La película parece dialogar directamente con una idea expresada por el propio director: No hay mayor revolución que ser felices. Esa felicidad no aparece como ingenuidad, sino como una forma de resistencia frente a un mundo donde los derechos conquistados siguen siendo frágiles.
Alejandro Quintana sostiene la película con una interpretación basada más en la observación que en el dramatismo. Eduardo parece absorberlo todo. Mira la ciudad, escucha a quienes lo rodean y almacena cada experiencia con la intensidad de quien sospecha que esos recuerdos terminarán definiendo el resto de su vida. Esa mirada convierte al espectador en un compañero de viaje más que en un observador externo.
Quizá algunos espectadores encuentren la historia demasiado ligera o familiar dentro del abundante panorama del coming of age contemporáneo. Sin embargo, la aparente sencillez es precisamente una de sus mayores virtudes. Y es que Espejo no pretende reinventar el género; intenta devolverle algo que muchas veces había perdido: la posibilidad de descubrir la identidad sin convertir cada paso en una tragedia. Porque crecer no siempre significa sobrevivir a un desastre, a veces basta una sola noche para descubrir que existe un lugar donde podemos empezar a pertenecer. Y pocas películas recientes entienden esa delicada transformación con tanta sensibilidad como El fin de las primeras veces.
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