El 12 de agosto de 2026 la Luna volverá a interponerse entre la Tierra y el Sol para regalarnos uno de esos espectáculos capaces de hacer que millones de personas miren al cielo al mismo tiempo. El eclipse solar total será especialmente visible en Groenlandia, Islandia y el norte de España, mientras que buena parte de Europa podrá observarlo de manera parcial. Un acontecimiento astronómico extraordinario para nosotros; probablemente una excelente oportunidad laboral para Eclipso.
Porque antes de hablar de eclipses en el cine, vale la pena recordar a uno de los villanos más apropiados para la ocasión. Creado por Bob Haney y Lee Elias, Eclipso apareció por primera vez en House of Secrets #61, publicado por DC Comics en 1963. Desde entonces, esta entidad malévola ha hecho de la oscuridad, tanto literal como humana, su lugar favorito para trabajar.
Su historia está ligada a Bruce Gordon, un científico que queda conectado con Eclipso después de un encuentro bastante desafortunado durante una expedición. Cuando las condiciones son propicias, la criatura emerge y Gordon deja de ser precisamente el tipo de persona que uno invitaría a observar tranquilamente un fenómeno astronómico.
A lo largo de los cómics, Eclipso se ha enfrentado a Superman, Batman, la Mujer Maravilla y la Liga de la Justicia, entre muchos otros. Su especialidad no consiste solamente en destruir cosas, algo bastante común entre los supervillanos, sino en encontrar la oscuridad dentro de los demás y utilizarla para corromperlos. Incluso algunos héroes han terminado temporalmente trabajando para él, lo cual seguramente complica bastante las reuniones de la Liga de la Justicia.
Así que, mientras esperamos el eclipse del 12 de agosto y confiamos en que Eclipso tenga otros planes, repasamos diez películas en las que el Sol, la Luna y unos cuantos minutos de oscuridad terminan teniendo consecuencias mucho más serias que sacar el celular para tomar una foto.
10. LARA CROFT: TOMB RAIDER (2001)
Dir. Simon West
Basada en la popular serie de videojuegos desarrollada por Core Design y publicada por Eidos Interactive. La película cuenta con Angelina Jolie en el papel principal como Lara Croft, una intrépida y hábil arqueóloga y aventurera, en su búsqueda de un antiguo artefacto llamado el Triángulo de la Luz, que tiene el poder de controlar el tiempo. Lara se encuentra en una carrera contra el tiempo para encontrar el Triángulo antes que la siniestra sociedad secreta llamada los Illuminati, quienes desean usar su poder para gobernar el mundo, esperando una extraña alineación de planetas acompañada de un eclipse solar
Aunque la película recibió críticas mixtas por su guion y su enfoque en la acción sobre la profundidad del personaje, fue un éxito comercial, lo que llevó a una secuela, Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida, estrenada en 2003 y luego un reboot en 2018 con Alicia Vikander reemplazando a Jolie. Las películas contribuyeron a consolidar la posición de Lara Croft como uno de los personajes más reconocibles en la cultura popular, tanto en los videojuegos como en el cine.
9. JUDY BERLIN (1999)
Dir. Eric Mendelsohn
Aunque esta cinta puede no ser ampliamente conocida fuera de los círculos de cine independiente, sigue siendo apreciada por los cinéfilos por su singularidad y su retrato conmovedor de la condición humana.
Este drama filmado en blanco y negro y protagonizado por Edie Falco (Los Sopranos) como una actriz fracasada, se desarrolla en un día de otoño en Babylon, un tranquilo suburbio de Nueva York en el que sus habitantes van a experimentar un eclipse solar que dura varias horas, y que va a afectar el mundo de varios personajes que deambulan por las calles en busca de recuerdos y de sentido para sus vidas suburbanas.
8. VERÓNICA (2017)
Dir. Paco Plaza
Una película de terror española inspirada en hechos reales ocurridos en Madrid en la década de 1990, conocidos como el “caso Vallecas”, donde una adolescente llamada Estefanía Gutiérrez Lázaro (aquí cambiada por Verónica e interpretada por Sandra Escacena) murió de forma misteriosa tras realizar una sesión de ouija con sus amigas, mientras ocurría el eclipse solar de julio 11 de 1991.
El codirector del clásico de zombies [REC] (2008) nos entrega una cinta de atmósfera inquietante, actuaciones sólidas y dirección efectiva que se destaca por su estilo visual y su capacidad para generar tensión y sustos genuinos sin depender demasiado de los tropos convencionales del género de terror.
7. DOLORES CLAIRBORNE (1995)
Dir. Taylor Hackford
En este drama psicológico y misterioso basado en la novela del mismo nombre escrita por Stephen King, Dolores es una mujer de mediana edad que ha trabajado durante años como ama de llaves para una mujer adinerada en una pequeña isla de Maine. Cuando esta mujer muere en circunstancias misteriosas luego de un eclipse solar, Dolores se convierte en la principal sospechosa de su asesinato. Al mismo tiempo, Dolores debe enfrentar a su propia hija, Selena, quien regresa a la isla para investigar el pasado de su madre y confrontar los demonios que han plagado su relación.
La película utiliza una estructura narrativa no lineal, alternando entre el presente, donde Dolores es interrogada por la policía sobre la muerte de su empleadora, y flashbacks que revelan eventos del pasado que han llevado a la tensa relación entre Dolores y su hija Selena.
Kathy Bates ofrece una actuación destacada como Dolores, mostrando una amplia gama de emociones mientras el personaje lucha contra las acusaciones en su contra y enfrenta el dolor de su pasado turbulento. Jennifer Jason Leigh también brinda una actuación conmovedora como Selena, cuyos recuerdos dolorosos de la infancia y la relación conflictiva con su madre la llevan a una profunda introspección.
6. LADYHAWKE (1985)
Dir. Richard Donner
Una encantadora película de fantasía dirigida por el mismo autor de La profecía, Superman y Arma mortal, ambientada en una tierra medieval ficticia y que sigue la historia de dos amantes, Etienne Navarre (Rutger Hauer), y Lady Isabeau d’Anjou, (Michelle Pfeiffer). Ambos están malditos por el obispo de Aquila, (John Wood), quien está enamorado de Lady Isabeau. Durante el día, Isabeau se transforma en un halcón, mientras que, en las noches, Navarre se convierte en un lobo. Están condenados a nunca encontrarse en su forma humana y así vivir separados.
El destino de la pareja cambia cuando conoce a Philippe “el ladrón” (Matthew Broderick), un joven y astuto criminal que se une a ellos en su búsqueda para romper la maldición, la cual tiene que ver con un eclipse. Juntos, planean enfrentarse al obispo y deshacer el maleficio que los separa.
Ladyhawke se destaca por su ambientación medieval detallada, su hermosa cinematografía y su conmovedora banda sonora compuesta por Alan Parsons. Además, la película ofrece una combinación única de elementos de aventura, romance y fantasía, lo que la convierte en un clásico querido por los aficionados al género de Sword & Sorcery.
5. LITTLE SHOP OF HORRORS (1986)
Dir. Frank Oz
Basada en el musical de Broadway del mismo nombre, que a su vez se inspiró en una película de serie B de 1960 dirigida por Roger Corman, esta delirante cinta dirigida por el titiritero británico detrás de Plaza Sésamo, Los Muppets y personajes como Yoda para Star Wars, sigue a Seymour Krelborn (Rick Moranis), un empleado de una floristería en el Skid Row de Nueva York, quien descubre una planta exótica durante un eclipse solar, que nombra Audrey II (con la voz de Levis Stubbs de The Four Tops) en honor a su compañera de trabajo, Audrey (Ellen Greene), por quien está secretamente enamorado. Sin embargo, Seymour pronto descubre que la planta tiene un apetito insaciable por la sangre y comienza a alimentarla con su propia sangre y con la de otras personas, lo que lleva a consecuencias cada vez más mortales y desastrosas.
La tiendita del horror es conocida por su brillantez visual y su ingenioso humor negro. La película presenta números musicales vibrantes y memorables llevadas a cabo por actores como Steve Martin y Bill Murray, y con canciones originales escritas por Alan Menken, el compositor detrás de la música para La sirenita y La bella y la bestia para Disney.
4. A CONNECTICUT YANKEE IN KING ARTHUR’S COURT (1949)
Dir. Tay Garnett
Esta comedia musical de acción y fantasía está basada en la novela del mismo nombre escrita por Mark Twain (el mismo de Tom Sawyer y Huckleberry Finn) y publicada por primera vez en 1889.
El cantante, actor y leyenda Bing Crosby encarna a Hank Martin, un ingeniero de Connecticut, quien sufre un accidente y se despierta en la Inglaterra del siglo VI, en la época del rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda. Aprovechando su conocimiento del futuro y su ingenio, Hank intenta modernizar la sociedad medieval, introduciendo tecnologías y conceptos avanzados, como la electricidad, el telégrafo y la democracia.
A medida que Hank se gana el favor del rey Arturo y se convierte en su consejero, también se enfrenta a la oposición de los nobles y magos de la corte, que ven sus ideas como amenazas a su poder y autoridad. A lo largo de la película, Hank se ve involucrado en varias aventuras y desafíos, mientras lucha por encontrar una manera de regresar a su propia época y utiliza su conocimiento sobre un eclipse solar inminente para derrotar a sus enemigos. Ha tenido muchas versiones y variantes (como la delirante Army of Darkness), pero esta es quizás la mejor de todas.
3. TOTAL ECLIPSE (1995)
Dir. Agnieszka Holland
El eclipse aquí está solamente en el título, pero sirve como excusa para incluir esta intensa biografía sobre la turbulenta relación entre los poetas franceses Arthur Rimbaud (Leonardo DiCaprio) y Paul Verlaine (David Thewlis). Basada en una obra de Christopher Hampton, la película sigue el encuentro entre ambos escritores en el París de 1871, cuando Rimbaud, con apenas 17 años, irrumpe en la vida de Verlaine y contribuye a convertirla en un desastre sentimental, familiar y alcohólico.
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DiCaprio tenía 20 años durante el rodaje y ya mostraba la intensidad que pocos años después lo convertiría en una estrella. Su Rimbaud es arrogante, provocador, brillante y bastante insoportable, mientras Thewlis interpreta a un Verlaine atrapado entre la fascinación por el joven poeta y una capacidad casi profesional para tomar pésimas decisiones.
Dirigida por Agnieszka Holland (Europa Europa, Franz), está lejos del romanticismo convencional. La relación entre Rimbaud y Verlaine es obsesiva, violenta y autodestructiva. El verdadero eclipse, entonces, no ocurre en el cielo sino entre dos poetas que consiguieron complicarse la existencia sin necesidad de esperar a que la Luna se atravesara frente al Sol.
2. HELLBOY (2004)
Dir. Guillermo del Toro
Una estupenda película de superhéroes basada en el cómic del mismo nombre creado por Mike Mignola y publicado por Dark Horse Comics, protagonizada por un demonio benevolente y poderoso (Ron Perlman) que fue convocado a la Tierra por un conjuro nazi durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue encontrado y criado por el profesor Broom (John Hurt), quien lo cría como un agente de la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal (AIDP). Hellboy trabaja junto a otros seres sobrenaturales, incluyendo a su compañera piroquinética Liz Sherman (Selma Blair) y al empático anfibio Abe Sapien (Doug Jones), para luchar contra amenazas sobrenaturales y monstruosas que amenazan al mundo y, aquí debe abrir un portal al infierno durante un eclipse lunar.
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La película generó una secuela en 2008, titulada Hellboy II: The Golden Army, también dirigida por Guillermo del Toro. En 2019, se lanzó un reinicio de la franquicia con David Harbour como protagonista, pero, tristemente, no contó con la participación de del Toro ni de Perlman. Luego contó con otro reboot en 2025 con Jack Kesy, pero las entregas de Del Toro siguen siendo las mejores.
1.APOCALYPTO (2006)
Dir. Mel Gibson
Ambientada en la civilización maya durante el período de decadencia, la cinta del director de Braveheart sigue la historia de un joven cazador llamado Jaguar Paw (Rudy Youngblood), quien lucha por sobrevivir después de que su aldea es atacada y su familia es capturada por un grupo de guerreros enemigos Jaguar Paw se embarca en una peligrosa odisea para rescatar a su esposa e hijo de las garras de sus captores y regresar a su hogar. En el camino, enfrenta una serie de desafíos y obstáculos, incluyendo persecuciones, enfrentamientos con animales salvajes y con otros humanos. A esto se suma que los líderes mayas ven un eclipse solar como señal de un dios enojado cuya sed de sangre debe ser saciada por los líderes.
Esta cinta es considerada por muchos como una obra maestra del género de aventuras épicas (el actor Robert Duvall la consideró como todo un clásico del cine equiparable a El padrino y Apocalypse Now). Su impactante cinematografía, así como por las impresionantes actuaciones de su elenco principal, muchos de los cuales son actores no profesionales de origen nativo, aborda de una manera brutal y agreste temas universales como la supervivencia, la familia y la fuerza ante la adversidad, lo que la convierte en una experiencia cinematográfica altamente emocionante y conmovedora.
P.D. ¡Cuidado con Eclipso!
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Nunca serán suficientes los homenajes a Robe Iniesta. Durante su reciente presentación en Sonorama Ribera 2026, Leiva se tomó un momento para sorprender al público con una interpretación de ‘El Hombre Pájaro’, la canción que abre el último álbum que el difunto músico publicó en 2023.
Hacia la mitad de su set, el músico madrileño tomó su guitarra acústica y les pidió a los casi 50,000 asistentes que guardaran el silencio que más les fuera posible, pues interpretaría una canción muy especial y particularmente difícil para él. Fue entonces cuando comenzó a tocar los acordes iniciales del tema y muchos no pudieron evitar cantarla al unísono. El momento quedó registrado en Internet y se ha convertido en uno de los más especiales que ha dejado esta temporada de festivales.
Esta no es la primera vez en que Leiva le pone su sello a ‘El Hombre Pájaro’, ya que en Año Nuevo fue el encargado de homenajear al líder de Extremoduro durante el resumen de 2025 de RTVE. Al igual que la versión que presentó en directo, el cantautor le imprimió un estilo más íntimo y sensible, digno de un gran amigo y admirador del músico de Extremadura.
Sin saberlo, Leiva incluyó en Gigante —su álbum de 2025—la que sería la última grabación musical de Robe en ‘Caída libre’. En entrevista con ROLLING STONE en Español a inicios de este año, el artista declaró la colaboración como “un regalo de la vida”. “No me parece que tenga un valor positivo, sino lo contrario, eso quiere decir que ya no está con nosotros”, meditó. “Pero lo tomo como un regalo de la vida porque, en sus últimos tiempos, la vida me regaló que me cruzara con él y que tuviera la generosidad de subirse a mi caballo, generar juntos música y dejarme algo de una belleza enorme. Tengo la sensación de tener mucha suerte de haber podido compartir tiempo y música con Robe. Y eso me queda en el corazón”.
Robe Iniesta murió el 10 de diciembre de 2025 a los 63 años y aunque en sus últimos años de vida padeció de algunos problemas de salud, no se supo de la causa exacta de su deceso. Su arte dejó una gran marca en la historia del rock español y a día de hoy continúan los tributos hacia su persona.
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Una de las vocalistas principales de KATSEYE se tomará un descanso del grupo
Sophia Laforzeta compartió un mensaje en redes que se tomara un hiatus para centrarse en su salud mental. Compartió que “Tomar esta decisión no fue fácil, pero estoy aprendiendo que la salud viene primero. Estoy dándome cuenta de que si no cuido mi mente y cuerpo ahora, no podré continuar haciendo lo que amo durante más tiempo”.
Los gestores del grupo, HYBE, también sacaron un mensaje oficial en nombre de la cantante de 23 años, “Aunque Sophia quisiera volver a tocar con las otras miembros, la salud, seguridad y bienestar a largo plazo de nuestros artistas siempre será la prioridad Número Uno”. La compañía añadió que “Continuaremos monitoreando cercanamente su progreso y le brindaremos apoyo en el camino. Apreciamos sinceramente la comprensión y apoyo [de los fans] para Sophia. Esperamos con ansias su regreso a KATSEYE”.
El patrón se repite para el grupo. En febrero, se reveló que otro miembro, Manon Bannerman, se tomaría una pausa temporal de salud mental. La estrella suiza aún no ha regresado a la agrupación y ha estado ausente de las más recientes apariciones y alfombras rojas.
En su mensaje, Laforteza resaltó que ella continuará el trabajo duro para llevar a cabo su proceso de sanación. Después de múltiples presentaciones veraniegas como el festival Head in the Clouds de 88rising en Los Ángeles, el pasado 8 de agosto, KATSEYE realizará su debut del Tonight Show el 12 de agosto.
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El 10 de agosto de 1996, hace exactamente 30 años, Oasis llegó a Knebworth Park para ofrecer uno de los conciertos más importantes de su carrera y, con el tiempo, uno de los momentos definitivos de la historia del rock británico. Al día siguiente, la banda volvería a subir al escenario frente a otra multitud. En total, cerca de 250.000 personas asistieron a las dos fechas para ver a Liam Gallagher, Noel Gallagher, Paul Arthurs, Paul McGuigan y Alan White en el punto más alto de su ascenso.
Knebworth no fue simplemente un concierto multitudinario. Fue la consecuencia natural de una escalada que, en apenas unos años, había convertido a Oasis en la banda más grande del Reino Unido. Desde la publicación de Definitely Maybe en 1994, el grupo de Manchester había pasado de tocar en clubes pequeños a encabezar festivales y llenar estadios. Pero fue What’s the Story Morning Glory?, publicado en octubre de 1995, el disco que terminó de transformar esa popularidad en un fenómeno masivo.
Canciones como ‘Wonderwall’, ‘Don’t Look Back in Anger’, ‘Champagne Supernova’ y ‘Some Might Say’ habían convertido a Oasis en algo mucho más grande que una banda asociada al britpop. Su música estaba en todas partes y los hermanos Gallagher se habían convertido en protagonistas permanentes de la conversación cultural británica. Knebworth fue, en muchos sentidos, la materialización física de ese fenómeno.
La escala del evento era difícil de imaginar incluso para los estándares de los grandes conciertos de la época. Más de dos millones y medio de personas solicitaron entradas, pero solo unas 250.000 pudieron asistir. El escenario fue construido especialmente para las presentaciones y el recinto de Knebworth Park se transformó durante aquellos dos días en una enorme celebración de la cultura británica de mediados de los noventa.
El cartel también ayudaba a dimensionar el momento. Oasis estuvo acompañado por artistas como The Charlatans, Manic Street Preachers, The Prodigy, Ocean Colour Scene y Kula Shaker, entre otros. Pero todo estaba diseñado alrededor de una sola idea: Oasis era la banda del momento y Knebworth era su gran coronación.
La presentación del 10 de agosto comenzó con ‘Columbia’ y continuó con un repertorio que recorría los dos primeros discos de la banda. ‘Acquiesce’, ‘Some Might Say’, ‘The Masterplan’, ‘Wonderwal’’ y ‘Whatever’ formaron parte de una noche que terminó con ‘Champagne Supernova’ y ‘I Am the Walrus’. Al día siguiente, el grupo repitió prácticamente el mismo recorrido ante otra multitud.
Más allá del tamaño del público, lo que convirtió a Knebworth en un acontecimiento histórico fue el momento en el que ocurrió. Oasis todavía estaba en la cima. La tensión entre Liam y Noel Gallagher que posteriormente marcaría buena parte de la historia de la banda aún no había alcanzado sus niveles más conocidos, mientras que el grupo todavía conservaba la sensación de peligro, arrogancia y espontaneidad que había definido sus primeros años.
También era el momento en que el britpop alcanzaba su máxima expresión. Oasis había sido colocado en el centro de una rivalidad mediática con Blur, pero para cuando llegó Knebworth la conversación ya había trascendido aquella competencia. La banda había conseguido algo más difícil: convertir canciones de rock en himnos generacionales.
Tres décadas después, las imágenes de Knebworth conservan precisamente esa dimensión. Liam Gallagher frente a una multitud que parece extenderse hasta el horizonte, Noel tocando la guitarra mientras miles de personas cantan cada palabra y una banda que todavía parecía estar descubriendo hasta dónde podía llegar. Es el registro de Oasis antes de que la historia comenzara a desmontar aquella versión de sí misma.
Knebworth tampoco fue el final de Oasis, aunque con el paso del tiempo adquirió inevitablemente ese carácter de punto culminante. La banda continuaría grabando discos, llenando escenarios y atravesando cambios de formación durante más de una década, hasta su separación en 2009. Pero nunca volvería a ocupar exactamente el mismo lugar cultural que había alcanzado durante aquel verano de 1996.
En 2026, 30 años después, Knebworth permanece como una fotografía de un instante irrepetible: el momento en que Oasis dejó de pertenecer únicamente a sus seguidores para convertirse en parte de la historia del rock. Porque pocas bandas han tenido la oportunidad de mirar desde un escenario hacia una multitud de ese tamaño y saber, incluso en ese momento, que estaban viviendo algo que probablemente nunca volvería a repetirse.
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Algunas canciones de Taylor Swift fueron eliminadas de recientes videos publicados en redes sociales por el presidente Donald Trump y la Casa Blanca. Los clips incluían comentarios de tono sarcástico por parte del mandatario y de su equipo político.
El video, publicado el 3 de agosto en TikTok, mostraba al presidente de Estados Unidos, Donald Trump, y a la primera dama, Melania Trump, junto a fuegos artificiales, mientras de fondo sonaba la canción ‘August’, de Taylor Swift. En la descripción del clip, Trump escribió: “¡Estoy seguro de que Taylor Swift estará súper emocionada de que hayamos usado su canción!”, acompañado de los hashtags #taylorswift, #maga y #august.
En otro clip, Donald Trump intentó vincular el concepto del álbum Red (2012), de Taylor Swift, con su campaña política, al asegurar que la cantante había creado el material en homenaje al color que identifica al Partido Republicano. El audio del video también fue retirado posteriormente.
En su momento, Taylor Swift se manifestó abiertamente en contra de la campaña presidencial de Trump y afirmó que el mandatario era “MUY CONSCIENTE de que no lo queremos como presidente”. Además, en las elecciones de 2024, la cantante expresó públicamente su apoyo a Kamala Harris, entonces vicepresidenta de Estados Unidos y rival de Trump en la contienda presidencial.
En aquella ocasión, Trump arremetió públicamente contra la artista después de que expresara su apoyo a su rival demócrata. “¡ODIO A TAYLOR SWIFT!”, escribió el entonces candidato. En el mismo mensaje, añadió: “¿Alguien se ha dado cuenta de que, desde que dije ‘ODIO A TAYLOR SWIFT’, ya no es ‘GUAPA’?”.
Taylor Swift se suma a la lista de artistas que se han opuesto al uso de su música en actos o contenidos relacionados con la campaña política de Donald Trump. En ocasiones anteriores, el mandatario ha utilizado canciones de artistas como Ariana Grande, Katy Perry, Sabrina Carpenter, Olivia Rodrigo, Beyoncé, Rihanna, Adele, The Rolling Stones, Elton John, Céline Dion y Kenny Loggins, entre muchos otros.
“Por favor, no utilicen mi música en relación con esta barbaridad inhumana y disparate atroz”, dijo Ariana Grande después de que la Casa Blanca publicara su música en un video de agentes de ICE esposando y deteniendo a personas.
Por ahora, Taylor Swift y su equipo no han dado declaraciones al respecto.
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Con un gorro de plush negro, anteojos oscuros, campera negra y una remera con la inscripción “Si esperas vas a entender” y el logo de su último proyecto conceptual, La gente manda, Cristian “Pity” Álvarez se presentó esta mañana en el Tribunal Oral en lo Criminal (TOC) N29 para afrontar el primer dia del juicio por homicidio en su contra, por los sucesos ocurridos en julio de 2018 que terminó con la muerte de Cristian Díaz.
Acompañado por su abogado, el defensor oficial Javier Aldo Marino, el músico se sentó y escuchó los cargos en su contra sin decir una palabra (tampoco habló a su llegada, increpado por una veintena de micrófonos y cámaras, ni lo hizo a su salida), con la vista perdida hacia abajo, retorciendo su gorro o jugueteando con una birome. Al término de la lectura, el juez Gustavo Goerner (que lidera el tribunal junto a los jueces Juan María Ramos Padilla y Hugo Navarro) lo invitó a sentarse en el centro de la sala para leerle sus derechos y responder algunos datos personales.
En esta primera instancia, Pity se negó a declarar, pero aseguró que lo hará “más adelante”, en este juicio que se extenderá hasta mediados de septiembre, con tres audiencias por semana y una duración no mayor a las tres horas por jornada (convenido previamente entre las partes, ya que el abogado defensor sostuvo que Pity no puede mantener su concentración más allá de ese lapso).
Así, Pity dio constancia de su nombre, el de sus padres, el lugar donde hoy vive, pero no pudo decir el número de su documento. Al ser consultado acerca de si había tenido o tiene algún tipo de adicción, el músico contestó: “Tal vez sí. Fui adicto a lo que se conoce como pasta base. Pero ahora ya no consumo”. Preguntado sobre su profesión, Pity dudó, pero terminó aceptando que ahora podría considerarse “músico”. “Puedo ganar plata pero también perderla”, señaló cuando el fiscal Sandro Abraldes le preguntó si con la música ganaba dinero. “En el último concierto, en Mendoza, perdí mucha plata”, sostuvo y aseguró que él no firma los contratos. “Pienso que no estoy capacitado. Yo estoy en los temas artísticos, pero no en lo comercial. No manejo dinero. Tengo una billetera virtual, en la que mi hermana pone dinero cuando lo necesito”.
Por último, consultado por algún tipo de enfermedades y medicaciones, el músico sostuvo que tiene un problema de cadera y también hipertensión. “Mi amigo el padre César me hace acordar de las medicaciones y él me las trae también a mi casa”.
Una vez finalizadas las preguntas, Pity volvió a sentarse junto a su abogado y comenzó la lectura de su declaración realizada ante la policía en 2018, luego de entregarse. Diez minutos después, Pity se quedó dormido sentado, con los brazos cruzados.
El abogado defensor esperó otros diez minutos y pidió la palabra: “El señor Alvarez no está presente. No se puede juzgar a alguien así… No está en condiciones”, le dijo Marino a los jueces y pidió la interrupción de la audiencia hasta que se le puedan hacer los estudios médicos necesarios que había pedido tiempo atrás. “Está desconectado y no puede defenderse. No quiero que el juicio transcurra en ausencia, porque no es que él no quiere estar acá, sino que no puede”, insistió.
El fiscal aseguró no estar de acuerdo con que el juicio se postergue aún más de lo que fue postergado (el juicio debía haberse realizado en abril de 2021, pero se postergó dos veces por recomendación del mismo tribunal, que consideró que Pity no se encontraba en condiciones psíquicas de afrontar el proceso) y los jueces coincidieron en que el músico puede ser juzgado y aseguraron que “el trámite del proceso no puede quedar supeditado a un examen médico” y que no iban a aceptar una “postergación indefinida del debate”.
Acto seguido se leyó la lista de los 10 testigos que convocó la fiscalía y se levantó la audiencia hasta el próximo miércoles. Entonces sí, luego de media hora durmiendo, el abogado despertó a Pity para poder retirarse en medio de un caos de cámaras de televisión y micrófonos, tal cual como había sido cuando ingresó al tribunal, dos horas antes.
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La historia del Womanizer bien podría haber sido escrita como una comedia francesa. Michael Lenke, un ingeniero retirado de Baviera, leyó una investigación según la cual cerca de la mitad de las mujeres experimentaban dificultades para alcanzar el orgasmo. En lugar de aceptar el dato como otra estadística sobre la desigualdad sexual, bajó a su taller y comenzó a experimentar con una vieja bomba de acuario.
Su esposa Brigitte probó los sucesivos prototipos durante los casi dos años que duró el desarrollo. El mecanismo abandonaba la vibración tradicional y utilizaba variaciones de presión de aire para estimular el clítoris sin contacto directo. El primer Womanizer llegó al mercado alemán en 2014 y terminó transformándose en un fenómeno internacional.
La historia real posee todos los elementos de una gran historia. Un matrimonio maduro, un problema íntimo, un inventor excéntrico, una esposa convertida en colaboradora y una bomba de pecera que termina revolucionando la industria de los juguetes sexuales.
Pour le plaisir toma libremente esa anécdota y la convierte en la historia de Fanny y Tom, una pareja que lleva veinte años casada. La revelación llega cuando Fanny, interpretada por la gran Alexandra Lamy (a quien hace poco vimos en Louise Violet), reconoce que nunca ha experimentado un orgasmo durante sus encuentros sexuales. Tom, encarnado por el gran François Cluzet, recibe la noticia como un pequeño terremoto dirigido contra su ego, pero después de superar la primera conmoción decide aplicar sus conocimientos de ingeniería para buscar una solución.
La película podría haberse convertido fácilmente en una sucesión de chistes vulgares, cuerpos expuestos y prototipos colocados en lugares equivocados. Su directora, la actriz Reem Kherici (Cat and Dog), prefiere otro camino. Hay equívocos, experimentos fallidos y la vieja bomba de acuario, pero la comedia nunca utiliza la sexualidad femenina para degradar a sus personajes. El sexo aparece como curiosidad, aprendizaje y juego compartido.
Esa elección resulta especialmente refrescante después de tantos relatos contemporáneos que asocian el deseo con la dominación, el castigo y la violencia. Desde el éxito de la infame trilogía de Cincuenta sombras de Grey, una parte de la ficción comercial parece convencida de que toda sexualidad adulta necesita látigos, cuartos cerrados y contratos redactados por abogados. Pour le plaisir recupera una idea mucho más sencilla y, paradójicamente, menos frecuente: el sexo también puede nacer de la ternura.
Fanny y Tom no buscan reconstruir su matrimonio mediante una fantasía oscura, sino aprendiendo a conversar. El dispositivo surge de la colaboración entre ambos. Ella debe reconocer lo que siente, lo que no siente y aquello que nunca se atrevió a pedir; él debe abandonar la creencia de que su desempeño constituye la medida absoluta de la satisfacción de su esposa. El placer deja de ser un examen masculino y se convierte en una exploración conjunta.
También se agradece que los protagonistas sean adultos cercanos a los cincuenta años. El cine suele representar la sexualidad como patrimonio exclusivo de cuerpos jóvenes, mientras condena a los personajes maduros a convertirse en padres preocupados, consejeros sentimentales o criaturas retiradas del deseo. Fanny y Tom poseen veinte años de historia, hábitos compartidos, frustraciones acumuladas y un afecto que ha sobrevivido incluso a lo que nunca pudieron decirse.
La confesión de Fanny resulta dolorosa no porque revele la inexistencia del amor, sino porque demuestra cuánto silencio puede esconderse dentro de una relación estable. Ella ha fingido para proteger el orgullo de Tom y preservar una armonía construida sobre una omisión. La película reconoce así una de las paradojas más persistentes de la vida conyugal. Las personas pueden compartir una casa, una familia y dos décadas sin encontrar las palabras necesarias para hablar de sus cuerpos.
Alexandra Lamy conduce ese despertar con naturalidad. Su interpretación evita convertir a Fanny en una víctima solemne o en una mujer repentinamente liberada por arte de magia. El personaje avanza con curiosidad, vergüenza, entusiasmo y cierta incredulidad ante la posibilidad de que el placer no tenga que ser fingido.
François Cluzet encuentra el tono exacto para Tom. Su orgullo queda herido, pero el personaje nunca se transforma en el estereotipo del macho humillado. Puede resultar torpe y obsesivo, aunque su empeño nace del cariño y de un deseo genuino de escuchar. La química entre ambos sostiene la película. Parecen una pareja que ha compartido suficientes mañanas, discusiones y reconciliaciones para reconocer el ritmo del otro.
Kherici, quien además interpreta a la sexóloga Victoria, maneja el tema con discreción. Las escenas sexuales evitan la exposición frontal y privilegian reacciones, sensaciones y efectos cómicos. Esa delicadeza no significa mojigatería. La película habla abiertamente del clítoris, la anorgasmia, la simulación del orgasmo y hay una visita a un club Swinger, pero lo hace sin convertir cada conversación en una conferencia o en una película de porno softcore.
Hay información importante detrás de sus bromas. Durante siglos, la anatomía femenina fue estudiada y representada desde una mirada centrada en la reproducción, mientras el clítoris quedaba reducido, mutilado en los dibujos o sencillamente omitido. Pour le plaisir incorpora esa ignorancia histórica para demostrar que el problema de Fanny no pertenece exclusivamente a su matrimonio, forma parte de una cultura que ha enseñado a muchas mujeres a proteger el placer masculino mientras desconocen el propio.
Algunos espectadores se podrán quejar de que las situaciones secundarias son previsibles, que varios personajes existen únicamente para provocar malentendidos y que la puesta en escena permanece dentro de una zona demasiado segura. El asunto podría haber producido tal vez una sátira más incisiva sobre la brecha orgásmica, la industria sexual o la fragilidad del ego masculino.
Kherici escoge la amabilidad y eso la lleva a suavizar el conflicto. Pero esa suavidad también forma parte de su encanto. Pour le plaisir no quiere escandalizar ni impartir una revolución desde un púlpito. Desea normalizar una conversación y permitir que el público se ría de los silencios que todavía rodean el placer femenino. Su principal logro consiste en hablar de sexo sin separarlo del afecto.
Es una comedia ligera, entrañable y recomendada especialmente para ver en pareja. Puede generar risas, reconocimientos y alguna conversación posterior que resulte más provechosa que muchas cenas románticas. La película comprende que, después de veinte años, salvar una relación no siempre exige recuperar la pasión de la juventud. A veces basta con escucharse, conservar la curiosidad y encontrar una vieja bomba de acuario.
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En La vida de Adèle (2013), Abdellatif Kechiche convirtió el despertar sexual de una adolescente en una experiencia torrencial. El deseo se expresaba mediante los cuerpos, la comida, las lágrimas y unas escenas sexuales cuya explicitud desató una discusión que todavía acompaña a la película: ¿estaba narrando el descubrimiento de una mujer o proyectando sobre él la mirada de un director heterosexual?
La pequeña hermana comparte con aquella película la historia de una joven que comienza a reconocer su atracción por otras mujeres, pero la actriz convertida en directora Hafsia Herzi (La buena madre) elige un camino diferente. En lugar de concentrarse en la consumación del deseo, observa aquello que sucede antes y después: el aislamiento, la culpa, la necesidad de ocultarse y el temor de que vivir con honestidad pueda significar perder a la familia, la fe y el lugar ocupado en el mundo.
Basada en la novela autoficcional La petite dernière, publicada por la escritora francoargelina Fátima Daas en 2020, la película conserva esa tensión entre experiencia íntima, identidad religiosa y pertenencia cultural. Herzi no intenta hablar en nombre de todas las lesbianas musulmanas; sigue a una joven específica cuya verdad no cabe dentro de las respuestas simples.
Fátima (Nadia Melliti) tiene 17 años, es la menor de tres hermanas y vive con su familia argelina en los suburbios de París. Es inteligente, competitiva, aficionada al fútbol y está a punto de comenzar sus estudios universitarios. También padece asma, fuma, lleva gorra y utiliza ropa holgada, como si intentara atravesar los espacios sin llamar la atención. Le gustan las mujeres, pero nadie puede saberlo.
Su entorno le ha enseñado que la homosexualidad merece burla o condena. Cuando sus compañeros atacan verbalmente a un estudiante gay, Fátima permanece junto a ellos. No participa por completo, pero tampoco lo defiende. El muchacho la identifica como lesbiana y ella responde con violencia. No golpea solamente a quien ha revelado su secreto: intenta destruir la verdad que acaba de escuchar.
La escena establece el conflicto principal sin convertirlo en un discurso. Fátima sabe quién es, aunque todavía no posee una forma segura de habitar esa identidad. Su agresividad nace del miedo a ser descubierta y del desprecio que ha aprendido a dirigir contra sí misma. El joven desaparece después del relato, pero sus palabras continúan acompañándola como una herida.
La protagonista mantiene además una relación con un muchacho musulmán que parece encaminada hacia una especie de compromiso tácito. Él representa la vida que los demás esperan de ella: matrimonio, estabilidad y continuidad familiar. Romper esa relación significa lastimar a una persona, pero también abandonar el futuro que parecía haber sido escrito con anticipación.
Fátima descarga una aplicación de citas y comienza a encontrarse clandestinamente con mujeres. Utiliza nombres y nacionalidades falsas, separando el deseo de su verdadera identidad. Su primer acercamiento a una mujer mayor no desemboca en una gran historia romántica; consiste principalmente en una conversación dentro de un automóvil sobre lo que dos mujeres pueden hacer juntas. Para Fátima, hasta esa información elemental posee el poder de una revelación.
Herzi convierte cada encuentro en una estación obligatoria del aprendizaje sexual, pero algunas mujeres aparecen y desaparecen sin dejar una moraleja. La experimentación le permite a Fátima descubrir posibilidades, pero no resuelve su conflicto. Tener relaciones con mujeres no equivale todavía a aceptar que es lesbiana, mucho menos a imaginar una vida en la que su familia pueda conocerla plenamente.
La relación más importante surge con Ji-Na (Park Ji-min), la enfermera coreana que conoce durante una consulta relacionada con el asma. Un ejercicio respiratorio se convierte en el comienzo de una intimidad mucho más profunda. Con Ji-Na, Fatima consigue abandonar algunas de sus identidades falsas, asistir a una marcha del orgullo y participar en espacios donde no necesita vigilar cada gesto.
La química entre Nadia Melliti y Park Ji-min ofrece los momentos más luminosos de la película. Sin embargo, Herzi se niega a presentar el romance como una medicina capaz de curarlo todo. Ji-Na también arrastra sus propios conflictos, y el amor no puede resolver una división interior que Fátima todavía no sabe nombrar. Otra persona puede acompañar el descubrimiento, pero no realizarlo en su lugar.
Esa decisión diferencia a La pequeña hermana de numerosos relatos de iniciación queer. No hay una pareja salvadora ni una revelación pública que reorganice mágicamente la existencia. Fátima puede celebrar su orientación sexual durante una noche y regresar al día siguiente a una casa donde todavía teme pronunciarlo. La libertad y el encierro no aparecen como etapas consecutivas, sino como realidades simultáneas.
El asma adquiere entonces una resonancia inevitable. Fátima necesita aprender a respirar mientras vive dentro de una identidad que le corta el aire. La película no transforma la enfermedad en una metáfora demasiado evidente, pero la respiración aparece ligada al sexo, la angustia y la posibilidad de expresarse. Ji-Na entra en su vida precisamente enseñándole a llenar los pulmones.
Nadia Melliti, debutante sin experiencia profesional previa y ganadora del premio a mejor actriz en Cannes, construye al personaje desde la opacidad. Fátima ha aprendido a mantener el rostro casi inmóvil, a responder con pocas palabras y a ocultar el sobresalto bajo una aparente indiferencia. Cuando finalmente sonríe o llora, la emoción adquiere una fuerza extraordinaria porque ha debido atravesar todas sus defensas.
Park Ji-min, recordada por Return to Seoul, imprime a Ji-Na una seguridad que poco a poco revela sus fisuras. Mouna Soualem también introduce una energía expansiva como una mujer vinculada al mundo nocturno que atrae a Fátima. Cada una representa una forma distinta de vivir la sexualidad, sin que la película convierta ninguna en modelo definitivo.
La cámara de Jérémie Attard (colaborador frecuente de Herzi) se acerca constantemente al rostro de Fátima, pero cuanto más próxima está, más difícil parece descifrarla. Los espejos y reflejos expresan ocasionalmente su división, aunque es Melliti quien evita que esos recursos caigan en el lugar común. La dureza de sus facciones contrasta con una mirada que todavía conserva la fragilidad de alguien que teme ser expulsada de todo lo que ama.
Herzi filma la intimidad desde la experiencia de Fátima y no desde la curiosidad del espectador. El cuerpo no aparece convertido en exhibición ni las relaciones sexuales buscan superar la notoriedad de La vida de Adèle. Lo importante no es cuánto muestra la película, sino qué significa para la protagonista permitir que otra mujer la vea.
El conflicto religioso tampoco recibe una solución fácil. Fátima no deja de ser musulmana al reconocerse lesbiana, pero tampoco puede ignorar las interpretaciones de su fe que condenan su deseo. La película comprende que la identidad no funciona mediante sustituciones. No basta con abandonar una comunidad y entrar en otra. La protagonista ama a su familia, conserva una relación con sus creencias y necesita encontrar una manera de vivir sin amputar ninguna de esas partes.
El desenlace entre Fátima y su madre rechaza la confesión melodramática seguida por una aceptación inmediata o una expulsión brutal. En el cumpleaños de la joven, las palabras parecen estar a punto de llegar, pero lo decisivo permanece en los gestos, las sospechas y aquello que ambas comprenden sin decir. No hay una solución porque ciertos conflictos familiares no terminan en una sola conversación.
La pequeña hermana podría parecer menos apasionada que La vida de Adèle, pero su serenidad no implica ausencia de intensidad. El incendio está dentro de Fátima, protegido por un rostro que aprendió demasiado pronto a no revelar nada. En lugar de convertir el despertar sexual en espectáculo, la película observa el trabajo psicológico necesario para poder pronunciar el propio deseo.
No es solamente una historia sobre salir del clóset. Es el retrato de una mujer joven que intenta abrir una puerta sin cerrar para siempre la casa de la que proviene. Y en esa búsqueda dolorosa, silenciosa y todavía inconclusa encuentra una emoción profundamente verdadera.
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Un fuerte sismo sacudió varias partes del país en la mañana de este 10 de agosto, según informó el Servicio Geológico Colombiano (SGC). Según el organismo, el epicentro del temblor, de magnitud 7,4 y una profundidad de 96 kilómetros, fue en el municipio de San José del Palmar, ubicado en el Chocó, y se registró específicamente a las 7:34 am.
En el momento de realizar esta nota, el SGC actualizó su boletín a las 8:33 am, reportando una réplica de magnitud 4,8 en el mismo municipio donde se originó el temblor principal.
El sismo se sintió en diferentes partes del país, con reportes ciudadanos en lugares como Bogotá, Risaralda, Tolima, Huila, Valle del Cauca, Medellín, entre otros, mientras que en el Chocó, los municipios más cercanos al epicentro son San José del Palmar, ubicado a 20 kilómetros; Río Iró, a 22 kilómetros; y Nóvita, a 32 kilómetros. Nubia Carolina Córdoba, gobernadora del Chocó, se pronunció por medio de redes sociales.
Quibdó, Capital del departamento, es una de las capitales más afectadas por el temblor. Ciudadanos reportan graves afectaciones en casas y edificios.
“Tenemos por lo menos 19 estructuras colapsadas con personas atrapadas”, dijo el alcalde de Cali, Alejandro solicitando ayuda en forma de rescatistas a ciudades como Bogotá y Medellín.
En el departamento de Risaralda, especialmente en Pereira, Manizales y el Eje Cafetero, numerosas edificaciones sufrieron importantes daños en su estructura.
Por su parte, el alcalde de Bogotá, Carlos Fernando Galán, señaló que, de momento, “no hay reporte de afectaciones ni daños estructurales, sólo algunas grietas en edificios”. Mientras que el alcalde de Medellín, Federico Gutiérrez, señaló que hasta el momento no se conocen víctimas mortales en la ciudad.
Informe preliminar sobre efectos del fuerte temblor que se sintió en Medellín.
Seguimos atentos. pic.twitter.com/ycsDIQwFpI— Fico Gutiérrez (@FicoGutierrez) August 10, 2026
El recién posesionado Abelardo de la Espriella también se pronunció. “He asumido directamente el liderazgo de la atención por la emergencia en San José del Palmar (…) También estaré personalmente en Pereira para acompañar a los afectados y verificar la respuesta del Gobierno”, dijo.
En el departamento de Risaralda, especialmente en Pereira, Manizales y el Eje Cafetero, las autoridades reportan cerca de 20 fallecidos. Además, numerosas edificaciones sufrieron importantes daños en su estructura.
Noticia en desarrollo.
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