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Jeff Bezos, fundador de Amazon, estaría cerca de convertirse en uno de los nuevos accionistas del Liverpool. Un consorcio de inversionistas del que hace parte el multimillonario estadounidense se encuentra en las etapas finales de una negociación para adquirir cerca del 30 % del club inglés a Fenway Sports Group (FSG), actual propietario mayoritario de la institución. La operación tendría un valor aproximado de 1.350 millones de libras esterlinas y valoraría al Liverpool en unos 4.500 millones de libras.
La información fue revelada por Sky News y posteriormente replicada por medios como The Guardian y Reuters. De acuerdo con estos reportes, el acuerdo podría ser anunciado próximamente, aunque todavía no se ha completado.
Bezos no estaría realizando la operación en solitario. El grupo está liderado por Amit Bhatia, empresario que anteriormente fue copropietario del Queens Park Rangers y que además es yerno del magnate indio Lakshmi Mittal. Entre los inversionistas también aparece Eduardo Saverin, cofundador de Facebook.
La participación que busca adquirir el consorcio sería minoritaria, por lo que la llegada de Bezos no implicaría un cambio de propietario ni la pérdida del control por parte de FSG. La compañía estadounidense seguiría siendo el accionista controlador del Liverpool incluso después de la operación.
¿Cómo comenzó el interés de Bezos?
La posible llegada de Bezos al accionariado del conjunto red comenzó a tomar forma semanas atrás. En julio, FSG confirmó que estaba manteniendo conversaciones sobre la entrada de nuevos inversionistas, mientras que un consorcio encabezado por Bhatia exploraba la posibilidad de adquirir una participación significativa en el club.
En ese momento, Bezos todavía no formaba oficialmente parte del grupo. El fundador de Amazon había sido contactado para evaluar su incorporación al consorcio, pero su participación no estaba confirmada. The Guardian informó entonces que el empresario aún no había decidido si invertiría en un club de la Premier League.
Ahora, sin embargo, los reportes más recientes sitúan a Bezos dentro del consorcio que estaría cerca de cerrar la operación. Sky News señala que FSG se prepara incluso para anunciar la transacción, mientras que Reuters confirmó que distintos medios británicos reportan un acuerdo cercano para adquirir aproximadamente un tercio del Liverpool.
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¿Qué busca Bezos en el fútbol?
La posible inversión encaja con la creciente presencia de Bezos y Amazon en la industria deportiva. Aunque Bezos dejó el cargo de CEO de Amazon en 2021 y actualmente ocupa el puesto de presidente ejecutivo, durante los últimos años la compañía ha ampliado considerablemente su participación en el negocio de las transmisiones deportivas.
Amazon ha tenido derechos para emitir partidos de la Premier League en Reino Unido y mantiene acuerdos para transmitir otras grandes competiciones deportivas, entre ellas partidos de la NFL y la Champions League en distintos mercados.
Por ahora, no existe confirmación de que la posible inversión en Liverpool esté relacionada directamente con una futura estrategia de Amazon alrededor de los derechos audiovisuales del fútbol. Sin embargo, la operación colocaría a Bezos dentro del accionariado de uno de los clubes más importantes del mundo precisamente en un momento en el que los derechos deportivos y las plataformas de streaming tienen un peso cada vez mayor en el negocio del fútbol.
¿Qué cambiaría para Liverpool?
La entrada de Bezos no significaría que el Liverpool pase a ser propiedad de Amazon ni que FSG deje de controlar el club. La participación sería minoritaria y, según los reportes, el objetivo de la operación sería incorporar inversión estratégica manteniendo la estructura de control actual.
Tampoco significa necesariamente que el Liverpool vaya a recibir directamente 1.350 millones de libras para invertir en nuevos jugadores. La operación corresponde a la adquisición de una participación accionaria y, por tanto, el valor de la transacción no equivale automáticamente a dinero disponible para el mercado de fichajes. Lo que sí representa es la llegada de Bezos, uno de los hombres más ricos del mundo, a la estructura de un club cuya valoración ha crecido de manera significativa desde la llegada de FSG.
Por ahora, el acuerdo continúa pendiente de completarse. Si finalmente se concreta, Bezos se convertirá en uno de los nombres más reconocidos dentro del grupo de inversionistas del Liverpool, mientras FSG mantendrá las riendas de una institución que continúa expandiendo su valor tanto dentro como fuera del terreno de juego.
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El rock en español cambió de rumbo con la visión, creatividad y espíritu experimental de Gustavo Cerati. Más que el “cantante de Soda Stereo”, el artista argentino se consolidó como un referente indiscutible del género, llevando su faceta como compositor, guitarrista, productor y arreglista hacia una evolución constante, incluso cuando parecía haber alcanzado la cima.
Hoy, 11 de agosto, celebramos su natalicio y lo que habría sido su cumpleaños número 67 repasando su recorrido artístico y homenajeando uno de los álbumes que continúa inspirando a nuevas generaciones y que, sin duda, marcó un antes y un después en la historia del rock en español: Canción Animal de Soda Stereo.
Gustavo Cerati fue un maestro del rock en español, pero también un artista inquieto que exploró y transitó por territorios como el new wave, el pop rock, el punk, el post-punk, el shoegaze, la música alternativa y la electrónica. Incluso en su faceta como cantautor llevó su habilidad lírica a nuevos niveles, demostrando una capacidad de evolución que pocos artistas de su generación alcanzaron.
Cuando difuminar las fronteras entre géneros todavía era visto como un tabú, Cerati ya había salido de la caja. Si había algo que lo distinguía, era su voluntad de jugar bajo sus propias reglas. Nunca tuvo interés en permanecer atado a un mismo sonido o género, incluso después de haberse consagrado como una figura imprescindible del rock en español.
Con la irrupción de Soda Stereo en la escena musical, Cerati, junto a Zeta Bosio en el bajo y Charly Alberti en la batería, marcó un antes y un después en el rock latinoamericano. Su propuesta no pasó desapercibida: con guitarras limpias, sintetizadores y una mezcla de intrepidez, elegancia e ironía, la agrupación encontró una identidad multifacética que rápidamente conquistó a su público. Desde su primer álbum, Argentina los acogió, los abrazó y los hizo suyos. Sus primeras canciones pronto se convirtieron en clásicos que encontraron un lugar permanente en el repertorio y en la memoria de sus compatriotas. Y así, casi sin darse cuenta, Soda Stereo dejó de ser un fenómeno local: Latinoamérica puso los reflectores sobre ellos.
El rock argentino ya cargaba con una historia enorme y era, por sí mismo, un sello de prestigio. Pero ¿cómo llevarlo más allá de sus fronteras? Soda Stereo encontró la respuesta. La banda llevó su música a nuevos países y convirtió su propuesta en un fenómeno continental. Latinoamérica entera comenzó a vivir la euforia, la emoción y el sentimiento que sus canciones despertaban, y no era para menos.
Con el tiempo, sus composiciones se transformaron en un legado inmortal. En el centro de esa revolución estaba Cerati, quien se consolidó como una de las grandes leyendas del género y como un artista cada vez más sofisticado, obsesionado con los detalles y capaz de elevar cada aspecto de su obra: desde la lírica y las guitarras hasta la producción y el sonido cambiante de Soda Stereo.
En esta gran historia de la música aparece Canción Animal (1990), probablemente uno de los álbumes más importantes —y para muchos, el mejor— de Soda Stereo. El material, compuesto por 10 canciones, incluye una de las piezas más emblemáticas de la historia del rock en español: ‘De música ligera’. La canción le dio la vuelta al mundo y, 36 años después, continúa cantándose con un fervor difícil de describir. Su fuerza permanece intacta en cada escenario, en cada generación que la descubre y en cada voz que se suma a sus estrofas. Porque si algo demuestra el paso del tiempo es que el legado de Cerati sigue vivo: su esencia permanece en cada acorde, en cada verso y en cada emoción que provoca una canción que se volvió inmortal.
El álbum es mucho más que una muestra del alcance global que alcanzó Soda Stereo: es también un motivo de orgullo para la música argentina y un parteaguas fundamental en la historia del rock en español. Canción Animal marcó un momento decisivo en la manera de sentir, escuchar y concebir el género, con Gustavo Cerati al frente de una transformación que todavía resuena. La banda recuperó un sonido más crudo, guitarrero, directo y visceralmente rockero, pero sin renunciar a uno de los principios que siempre definieron a Cerati: la experimentación. Para él, explorar nuevos sonidos no era una desviación del camino, sino una forma de mantenerse en movimiento, de romper sus propios límites y, sobre todo, de seguir sintiéndose vivo a través de la música.
El disco también reúne canciones que terminaron por convertirse en piezas fundamentales de su repertorio, como ‘Entre caníbales’, ‘Té para tres’, ‘Un millón de años luz’, ‘Sueles dejarme solo’, ‘Hombre al agua’ y ‘Canción animal’, el tema que da nombre al álbum. En cada una de ellas se percibe la nueva dirección sonora de la banda: guitarras que asumen un papel protagónico, una batería mucho más contundente y un bajo con mayor presencia, elementos que reforzaron el carácter directo y visceral de la producción.
La presentación de Canción Animal representó, además, un momento decisivo en la trayectoria de Soda Stereo. Su impacto fue tal que la propia Latin Recording Academy ha señalado esta etapa como un hito central en la carrera de la agrupación, consolidando el álbum como una obra esencial para entender su evolución y su influencia en el rock en español.
Para este punto de su trayectoria, el punto de inflexión y clímax creativo de Cerati resultaba difícil de describir: su pluma había adquirido una nueva dimensión, capaz de convertir cada canción en un giro inesperado y casi mágico. A lo largo del material se respira una energía nocturna y sexual que atraviesa las composiciones, mientras sus canciones mantienen una sensación de movimiento constante y funcionan, en muchos casos, como declaraciones de principios envueltas en mensajes ocultos. La producción, envolvente y cuidadosamente construida, abre paso a un universo de sensaciones y conceptos difíciles de olvidar: misterio, vulnerabilidad, intimidad, oscuridad, sensualidad, psicodelia y agresividad. Todo convive en un mismo espacio sonoro, revelando a un Cerati dispuesto a explorar los rincones más intensos y ambiguos de su creatividad.
11 años después, Cerati rindió homenaje al álbum que lo había llevado a la mirada internacional. En su proyecto como solista, 11 Episodios Sinfónicos, abrió el repertorio con ‘Canción animal’, una reinterpretación que, sin ser una nueva composición, demuestra una vez más su capacidad para transformar por completo el significado de una canción. Cerati tomó aquella pieza marcada por guitarras, bajo, batería y una energía sensual y rockera, y la trasladó a un universo completamente distinto. La orquesta, la voz y un dramatismo mucho más pronunciado asumieron el protagonismo, convirtiendo la canción en una experiencia teatral, elegante y profundamente emocional. La esencia permanecía intacta, pero el contexto había cambiado: ahora, ‘Canción animal’ parecía contar una historia desde otra perspectiva.
El álbum, integrado por grandes clásicos de su trayectoria, funciona como un recorrido por las distintas etapas, experimentos sonoros y búsquedas creativas que hicieron de Cerati uno de los artistas más innovadores de la música latinoamericana. Escuchar ambas versiones de ‘Canción animal’ permite apreciar, quizá mejor que cualquier otra cosa, la magnitud de su evolución artística: una misma canción, dos universos sonoros y un artista que nunca dejó de reinventarse.
Después de Canción Animal (1990), muchos habrían esperado que Soda Stereo permaneciera en ese mismo territorio sonoro. Y, en retrospectiva, ¿quién podría culparlos? Habían encontrado una fórmula que funcionaba, un verdadero diamante musical que los había llevado a nuevas alturas. Pero, tratándose de Gustavo Cerati, quedarse en el mismo lugar nunca fue una opción.
El siguiente trabajo de la agrupación marcaría un cambio radical en su trayectoria. Con Dynamo (1992), Soda Stereo volvió a internarse en el terreno de la experimentación y abrió la puerta a una nueva etapa creativa. Lejos de convertirse en prisioneros de sus propios éxitos, se atrevieron a desafiarlos. El shoegaze, el ruido, la distorsión y la psicodelia tomaron el protagonismo, construyendo un paisaje sonoro mucho más arriesgado y atmosférico. Dynamo demostró que Soda Stereo no estaba dispuesto a repetir una fórmula ganadora: prefería reinventarse, aun cuando eso significara alejarse de aquello que el público ya conocía y esperaba de ellos.
Poco después, con Sueño Stereo (1995) como su último álbum de estudio, Soda Stereo llegó a su final. Y aunque para muchos parecía el cierre definitivo de una de las grandes historias del rock latinoamericano, Cerati todavía tenía nuevos planes en mente. Ahí comenzó su etapa como solista: una era fascinante, sorpresiva, experimental y profundamente personal. Con una libertad creativa distinta, el argentino emprendió una nueva transformación artística, incluso después de haber alcanzado junto a Soda Stereo dimensiones que parecían inimaginables.
Lejos de vivir a la sombra de la banda que lo había convertido en una leyenda, Cerati construyó un universo propio. Su nombre adquirió una nueva dimensión y demostró que su legado no dependía únicamente de Soda Stereo: podía reinventarse, evolucionar y dejar una huella imborrable por cuenta propia.
A lo largo de su trayectoria como solista, Cerati dejó una colección de álbumes fundamentales como Colores Santos (1992), Bocanada (1999) y Siempre es hoy (2002), obras que ampliaron todavía más los límites de su búsqueda creativa. Pero su legado no se limitó a la composición o la interpretación: también se consolidó como uno de los productores más respetados de su generación.
Cerati entendía la música como un universo en el que cada elemento tenía un propósito. Se involucraba en cada etapa de una producción, desde el detalle más pequeño hasta la construcción de atmósferas, texturas y dimensiones sonoras capaces de transformar por completo una canción. Su obsesión por experimentar y encontrar nuevas posibilidades convirtió la producción en otra de sus grandes herramientas de expresión, demostrando que para él no existían límites entre ser compositor, músico, arreglista o productor.
La trayectoria de Gustavo Cerati pertenece a esa clase de historias complejas y extraordinarias que pocas veces aparecen en la música. Cambió radicalmente la manera de sentir, escuchar y entender el rock en español, pero su influencia trascendió las fronteras del género para convertirse en una aportación invaluable a la música en general. Su forma de cantar, escribir, producir, escuchar y sentir hacía de cada obra un universo propio. La inspiración podía surgir de cualquier lugar: un viaje por carretera, una experiencia cotidiana, una imagen fugaz o incluso el lenguaje abstracto de un sueño convertido en metáfora. Y, aunque muchas de sus ideas nacían desde un territorio profundamente personal e íntimo, Cerati poseía la capacidad de convertirlas en emociones colectivas. Su voz y su pluma lograron que miles de personas encontraran en ellas algo propio.
Quizá por eso su legado permanece tan vigente. Pocos artistas han demostrado una curiosidad creativa capaz de sostener la experimentación y la innovación durante tantos años sin perder su esencia. Cerati no dejó únicamente canciones: dejó una manera de entender el arte, de cuestionarlo y de reinventarlo. Y esa es, quizá, la verdadera magia de su música: que incluso después de su partida, seguimos escuchándola con la misma sensación de estar al borde de algo nuevo, esperando descubrir hacia dónde habría llevado su sonido la próxima vez.
Su muerte, el 4 de septiembre del 2014, nos tomó por sorpresa. La reacción de toda Argentina y Latinoamérica fue inevitable, pues no solo se perdía una leyenda de la música, sino un gran ser humano.
Gracias… totales, Gustavo Cerati. Feliz cumpleaños 67.
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Blink-182 está trabajando en nueva música. Así lo confirmó Travis Barker, baterista de la banda, en una reciente entrevista en el podcast de The New York Times.
Al ser preguntado por sus proyectos actuales, Barker contó que ya está trabajando junto a Tom DeLonge y Mark Hoppus en el próximo álbum de la agrupación que ayudó a redefinir el pop punk. Y aunque la posibilidad de que el proceso comenzara en 2027 estaba sobre la mesa, el baterista dejó claro que el regreso al estudio de Blink-182 ya está en marcha este 2026.
La noticia llega casi tres años después de ONE MORE TIME…, disco con el que DeLonge regresó oficialmente a la formación y que marcó el primer disco de estudio de la banda con su alineación más reconocida desde Neighborhoods (2011). El proyecto, publicado en octubre de 2023, reunió 17 canciones que recorrieron tanto la historia de la agrupación como las experiencias personales que atravesaron sus integrantes durante los años de separación.
Un año después, el grupo amplió ese material con ONE MORE TIME… PART-2, una edición que sumó ocho canciones inéditas al álbum original. Entre ellas estuvieron temas como ‘All In My Head’, ‘No Fun’ y ‘Take Me In’, completando un proyecto de 27 canciones en su edición deluxe. De acuerdo con la propia banda, ambos lanzamientos fueron grabados entre 2022 y 2024, en paralelo con su gira de reunión.
Por ahora, Barker no ha revelado una fecha tentativa para el lanzamiento del nuevo álbum ni ha adelantado detalles sobre su sonido. Tampoco se conoce si la banda ya tiene canciones terminadas o si el proceso se encuentra todavía en una etapa temprana. Lo que sí está claro es que el regreso al estudio ya comenzó y que la nueva producción será el siguiente capítulo de la etapa que inició con la reunión de DeLonge, Hoppus y Barker.
Mientras Blink-182 prepara ese nuevo disco, Barker no ha dejado de moverse entre distintos proyectos. En los últimos años, su trabajo como productor y músico lo ha llevado a colaborar con artistas de diferentes escenas, desde el punk y el rock alternativo hasta el hip hop y el pop. Entre sus trabajos recientes aparecen producciones para Alkaline Trio y Yellowcard, además de colaboraciones con artistas como Lil Tecca y Bishop Briggs.
A esto se suma una fecha especial para Blink-182: en junio la banda celebró los 25 años de Take Off Your Pants and Jacket, uno de sus discos fundamentales y el primero de la historia del punk en debutar en el número uno del Billboard 200. Para la conmemoración, el grupo lanzó una edición aniversario que reunió seis canciones que originalmente habían aparecido como temas ocultos en distintas versiones físicas del álbum.
La revelación sobre el nuevo disco, además, llega pocos días antes de otro de los proyectos más personales de Barker. Este 13 de agosto se estrenará Travis Barker: Louder Than Fear, un documental que recorre su vida, su llegada a Blink-182, su carrera como baterista y productor y las experiencias que han marcado su trayectoria. La película, dirigida por Justin Krook y Michael Dwyer, llegará a Hulu en Estados Unidos y a Disney+ internacionalmente.
El documental, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Tribeca en junio, fue construido a lo largo de más de una década de trabajo y busca mostrar una mirada más íntima sobre Barker, más allá de su papel como baterista de una de las bandas más influyentes del pop punk.
Así, mientras Barker se prepara para mostrar en pantalla una parte de la historia que lo convirtió en uno de los bateristas más reconocibles de su generación, también deja abierta una nueva etapa para Blink-182. Por ahora, no queda más que esperar para conocer qué traerá el próximo capítulo de la banda.
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La estrella internacional colombiana Karol G continúa expandiendo su universo musical y creativo. Esta vez, presenta su séptimo álbum de estudio, NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO, una oda a las emociones y experiencias que han marcado su vida durante los últimos años. Con este material, la artista abre un nuevo capítulo en su trayectoria, al mostrar una faceta de mayor evolución artística y, a la vez, abordar su proyecto más ambicioso y emocionalmente complejo hasta la fecha.
NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO transita por algunos de los sentimientos más complejos que una persona puede experimentar, especialmente cuando ocurren de manera simultánea: el amor, el desamor, el dolor, la nostalgia, la esperanza y la sanación. Aunque sus 14 canciones pueden interpretarse como un recorrido hacia la sanación, el álbum no cuenta una única historia. Por el contrario, cada tema explora distintas experiencias emocionales y universales que, al entrelazarse, construyen un relato con el que es posible identificarse y generar una conexión colectiva.
En este recorrido, Karol G va más allá de la sanación y se atreve a explorar el camino hacia la libertad y la plenitud. Ya no se trata de perseguir nuevos hitos ni de correr detrás del próximo éxito, sino de detenerse, mirar hacia atrás y contemplar todo lo que ha construido y sembrado a lo largo de los últimos años. El álbum se convierte así en un retrato íntimo de la historia de la estrella colombiana, entrelazado con las experiencias, emociones y confesiones que sus fanáticos le han compartido con el paso del tiempo.
Cada tema de NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO nace de una intención particular y esencial: construir un recorrido emocional que invite a la reflexión. En este viaje, el orden de las canciones es tan importante como las emociones que despiertan al escucharlas. Más que un álbum para oír, es una experiencia para sentir; un espacio de refugio y acompañamiento para quienes atraviesan algunos de los sentimientos más complejos de la vida.
Desde el terreno sonoro, Karol G concibe este disco como un nuevo universo creativo, en el que profundiza en la honestidad emocional que ha caracterizado su música. El álbum propone una mezcla natural y envolvente de sonidos que convergen con el pop alternativo y diversas influencias latinas, acompañados de una producción fresca y una instrumentación orgánica. El resultado es un material que transita con fluidez entre lo íntimo y lo expansivo, construyendo una atmósfera sonora tan personal como evocadora.
Las colaboraciones de NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO revelan a una Karol G dispuesta a salir de su zona de confort y asumir nuevos retos en cada etapa de su carrera. Entre ellas destaca ‘Still’, junto a Bruno Mars, que marca su primera canción completamente en inglés. El álbum también reúne a Drake, Greg Gonzalez, Judeline y Rusowsky, ampliando el espectro sonoro y creativo del proyecto.
La producción incorpora, además, la mirada de reconocidos artistas y productores internacionales, quienes aportan sus propios lenguajes musicales para enriquecer la propuesta. Edgar Barrera, Oklou, Omar Fedi, Ovy On The Drums, Sky Rompiendo, Taiko y Tainy, entre otros más, forman parte de este equipo creativo que contribuye a darle al álbum una identidad diversa, contemporánea y en constante exploración.
Por ahora, ya puedes escuchar NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO en todas las plataformas de streaming musical.
Tracklist NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO:
- Te Llevas To
- Maybe
- Bebiendo Lágrimas
- Ahí ft. Drake
- Final Feliz
- Still ft. Bruno Mars
- Alguien que te amaba
- MATADORA
- For u My Lova
- Si lo ven
- Bby WOW ft. Judeline, Rusowsky
- Con quién andará?
- Eclipse
- Después de ti ft. Greg González
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