“No hay que politizar una tragedia como esta”, dicen algunos internautas en redes sociales, refiriéndose al terremoto de magnitud 7,4 con epicentro en San José del Palmar, Chocó, que sacudió a Colombia este 10 de agosto. La afirmación es utilizada principalmente por usuarios afines al entrante gobierno de Abelardo de la Espriella en respuesta a quienes aseguran que el presidente colombiano estaría priorizando las ayudas humanitarias de países cuyos gobiernos son afines a su ideología por encima de las provenientes de otros países. Lo cierto es que, aunque fuerte, esta afirmación surge de algunos hechos que han generado dudas. Pese a eso, hay varios matices que se deben tener en cuenta a la hora de abordar este tema.

View this post on Instagram

Lo mejor es comenzar por el principio. Horas después del sismo, ya con información sobre la magnitud de los daños y un primer registro de fallecidos, desaparecidos y estructuras afectadas, comenzaron a llegar los primeros anuncios de ayuda humanitaria internacional. Estados Unidos anunció un aporte de 15,5 millones de dólares, mientras la ONU y distintas organizaciones internacionales también activaron mecanismos de asistencia para atender la emergencia, entre ellas agencias como la OMS, el Programa Mundial de Alimentos y la Organización Internacional para las Migraciones. A su vez, al país norteamericano se sumaron México, Ecuador, El Salvador, Chile, Perú, Panamá, Argentina, Brasil, Venezuela, Israel, España, Italia, Cuba, Bolivia, Guatemala y Ucrania, entre otros. Los ofrecimientos fueron diversos: desde equipos especializados de búsqueda y rescate, como los 47 rescatistas que Ecuador puso a disposición de Colombia, hasta personal médico, asistencia técnica e insumos humanitarios.

Mientras algunos países comenzaron a movilizar recursos y equipos hacia Colombia, otros encontraron obstáculos para hacer efectiva su oferta. Es precisamente en este punto donde comienzan los cuestionamientos sobre una posible selección de la ayuda internacional por parte del nuevo Gobierno. 

Algunos de los ofrecimientos que avanzaron con rapidez fueron los de El Salvador, que anunció el envío de dos aviones con 100 toneladas de ayuda humanitaria preparadas según las necesidades transmitidas por las autoridades colombianas, mientras que Emiratos Árabes Unidos confirmó el envío de un puente aéreo con insumos para los damnificados. Israel, por su parte, ofreció asistencia especializada y fue incluido posteriormente entre los países cuyos equipos de rescate serían recibidos por Colombia, junto con Estados Unidos, Ecuador y El Salvador.

Te puede interesar:

Fuerte temblor sacude a Colombia este 10 de agosto

En contraste, hubo ayudas que no tuvieron el mismo desenlace. El caso más evidente es el del Gobierno mexicano, que tenía preparadas toneladas de insumos y un contingente de 255 militares para apoyar las labores de búsqueda y rescate, pero aseguró que su despliegue dependía de una solicitud oficial del Gobierno colombiano, que hasta entonces no había llegado. Una situación similar fue expuesta por Naciones Unidas, que señaló que tampoco había recibido una petición de ayuda por parte de las autoridades colombianas, pese a que el sistema humanitario estaba preparado para prestar asistencia. China, por su parte, llegó a pedir públicamente que Colombia estableciera un canal oficial para coordinar la ayuda internacional. Su embajador en el país, Zhu Jingyang, solicitó al Gobierno que diera a conocer al funcionario encargado de gestionar esa asistencia. 

Esperamos que el gobierno colombiano dé a conocer de inmediato el nombre del funcionario y su enlace oficial para coordinar la asistencia internacional, a favor de los damnificados del terremoto.

Ayudennos a transmitir este mensaje, por favor, ¡es urgente!— Zhu Jingyang (@zhu_jingyang) August 11, 2026

La explicación que comenzó a conocerse en las horas siguientes apuntaba, sin embargo, a un criterio más específico: el Gobierno no estaría cerrando la puerta a la ayuda internacional en general, sino a la llegada de determinados equipos extranjeros de búsqueda y rescate. Según El País, el entonces director de la Unidad Nacional para la Gestión del Riesgo de Desastres (UNGRD), Javier Pava, consideraba que el país tenía capacidad suficiente para atender estas labores, con 23 equipos de búsqueda y rescate urbano (USAR) disponibles. Por eso, su recomendación habría sido priorizar otro tipo de asistencia, como hospitales de campaña, alimentos y tecnología para la gestión de desastres.

Pero la decisión no fue definitiva. En las horas siguientes, Colombia terminó solicitando equipos de búsqueda y rescate de Estados Unidos, Israel, Ecuador y El Salvador, mientras que otros ofrecimientos quedaron por fuera. El cambio se produjo después de la salida de Pava de la dirección de la UNGRD y la llegada de David Tamayo al cargo. De acuerdo con El País, entre los factores considerados para aceptar o descartar algunos equipos estaban sus certificaciones y las capacidades que ya tenía Colombia para responder a la emergencia.

Ante los cuestionamientos, el canciller Omar Bula salió a defender la actuación del Gobierno y negó que Colombia haya rechazado ayuda internacional por razones políticas. Según explicó, el país ha trabajado con los gobiernos y organismos que han ofrecido asistencia y las decisiones sobre qué tipo de apoyo recibir responden a las necesidades identificadas durante la emergencia. “Trabajamos sin ninguna consideración ideológica ni política”, aseguró Bula, quien también señaló que Colombia ha recibido cooperación de distintos países, independientemente de sus posiciones políticas.

Sin embargo, mientras el Gobierno sostiene que no ha rechazado asistencia y que las decisiones responden únicamente a criterios técnicos, el caso mexicano volvió a poner en discusión los requisitos para que los equipos extranjeros puedan ingresar al país. La presidenta Claudia Sheinbaum aseguró este 13 de agosto que una brigada de rescatistas de la Secretaría de la Defensa Nacional de México permanece a la espera de autorización para entrar a Colombia. Según explicó, el equipo está certificado internacionalmente y se encuentra listo desde el 10 de agosto, pero las autoridades colombianas habrían solicitado una acreditación adicional para permitir su ingreso. “Están certificados, pero piden otra certificación”, afirmó Sheinbaum al referirse a la situación. La presidenta mexicana cuestionó la exigencia colombiana y reiteró que su Gobierno mantiene disponible el contingente para apoyar las labores de búsqueda y rescate. 

View this post on Instagram

El episodio vuelve a dejar sobre la mesa una pregunta que atraviesa la respuesta internacional al terremoto: ¿qué criterios está utilizando Colombia para determinar qué equipos extranjeros pueden ingresar y cuáles deben permanecer a la espera?

The post ¿Ayuda selectiva? appeared first on Rolling Stone en Español.

Antes de hablar de Pressure, conviene dejar algo claro. Quien espere una película sobre Dwight D. Eisenhower probablemente salga decepcionado. El general aparece, toma la decisión más importante de la Segunda Guerra Mundial y carga sobre sus hombros el peso del desembarco en Normandía. Sin embargo, esta no es su historia. Tampoco pretende construir un retrato psicológico del hombre que cambió el rumbo de la guerra. Su verdadero protagonista es alguien a quien la historia suele relegar a un segundo plano: El meteorólogo James Stagg.

Crítica: Nuremberg

Basada en la obra de teatro de David Haig, Pressure recupera las 72 horas previas al Día D, esa invasión infernal registrada con absoluto realismo en el clásico del cine de guerra Saving Private Ryan. Mientras toda la cúpula militar presiona para lanzar la invasión cuanto antes, Stagg sostiene una posición difícil, ya que el clima puede convertir la operación en un desastre. Frente a él está el meteorólogo estadounidense Irving Krick (Chris Messina), cercano a Eisenhower y convencido de que las condiciones serán favorables. Lo que sigue no es una batalla de egos, sino un choque entre dos formas de entender la ciencia y la toma de decisiones.

Crítica: Oppenheimer

Anthony Maras, el director de esa otra estupenda recreación histórica conocida como Hotel Mumbai, entiende que el suspenso no siempre nace de las explosiones. Aquí surge de mapas, informes meteorológicos y discusiones donde cada palabra puede significar la vida o la muerte de miles de soldados. Sabemos cómo termina la historia, pero eso no reduce la tensión. Al contrario, la incrementa porque conocemos la magnitud de lo que está en juego.

Andrew Scott vuelve a demostrar por qué es uno de los actores más extraordinarios de la actualidad. El actor asume a James Stagg como un hombre reservado, que ama a su esposa a la que deja sola y embarazada para cumplir con su encargo, poco dado a los grandes discursos, pero inquebrantable cuando la evidencia respalda sus argumentos. Scott consigue que un meteorólogo resulte más apasionante que muchos héroes de guerra. Brendan Fraser cumple como Eisenhower, aunque el personaje está deliberadamente construido como el hombre que escucha, sopesa y finalmente decide, no como el centro emocional del relato.

 Crítica: La desaparición de Josef Mengele (Das Verschwinden des Josef Mengele)

Aunque el peso dramático recae sobre Andrew Scott, Damian Lewis y Kerry Condon aportan matices importantes al relato. Lewis interpreta a Bernard Montgomery como el militar impaciente que ve cualquier retraso como una amenaza para toda la operación, encarnando la presión constante que rodea a Eisenhower. Condon, por su parte, evita que Kay Summersby sea una simple secretaria. Su personaje funciona como el puente entre los hombres que discuten estrategias y el líder que debe tomar la decisión final, aportando serenidad, inteligencia y un oportuno contrapunto en un entorno dominado por el ego y la autoridad masculina. Ninguno roba protagonismo, pero ambos enriquecen un conflicto que, de otro modo, correría el riesgo de sentirse demasiado hermético.

Crítica: Bau: Artista en guerra (Bau: Artist At War)

Lo más interesante de Pressure es que recupera una forma de hacer cine que parecía olvidada. Su origen teatral nunca desaparece y eso juega a su favor. La película recuerda esos dramas clásicos como 12 angry Men, donde el conflicto nace de las ideas y no de la acción. Aquí también hay un hombre dispuesto a sostener una verdad mientras todos los demás quieren escuchar una respuesta distinta.

Seguramente habrá quien la etiquete como una película “para viejos” porque carece del vértigo visual del cine bélico contemporáneo. Pero las películas no tienen edad. Tienen curiosidad. Y Pressure invita precisamente a eso,  a descubrir un episodio poco conocido de la Segunda Guerra Mundial para recordarnos que las decisiones verdaderamente importantes no se toman desde el entusiasmo ni desde la presión del momento. Se toman con evidencia, con argumentos y con el coraje de aceptar que, incluso cuando todos exigen certezas, la honestidad consiste en reconocer lo que todavía no se sabe.

The post Crítica: <i>Día D: Bajo presión (Pressure)</i> appeared first on Rolling Stone en Español.

Cuando Fredy Yate viajó a España para ingresar a la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, estaba convencido de que su porvenir se encontraba al otro lado del Atlántico. Superó los exámenes teóricos y prácticos, pero no consiguió uno de los escasos cupos disponibles. Aquel rechazo lo arrojó a una profunda crisis emocional y, al mismo tiempo, alteró para siempre la dirección de su vida: decidió permanecer en Colombia y formarse como maestro en Arte Dramático en el Teatro Libre y la Universidad Central.

Poco después de graduarse, Yate se encontraba dentro de las minas de sal de Zipaquirá y Nemocón, acompañando a Antonio Banderas en el rodaje de Los 33. Más tarde interpretó a Carlos Lehder en American Made, junto a Tom Cruise; participó en Loving Pablo, protagonizada por Javier Bardem y Penélope Cruz, y viajó a Los Ángeles para encarnar a Chucho Castro en Griselda, la serie de Netflix encabezada por Sofía Vergara.

Su trayectoria también incluye producciones colombianas como La reina del flow, El capo y Yo no soy Mendoza. A ellas se suman Brothers Under Fire, cinta de acción protagonizada por Kiefer Sutherland, y La tía Maga, ópera prima de Luna Palacios en la que aborda el alcoholismo y las heridas heredadas dentro de una familia rural.

En esta conversación Yate recuerda los encuentros que transformó en clases de actuación, habla sobre el esfuerzo de conservar la humanidad de un personaje dentro de los ritmos vertiginosos de la televisión y reconstruye aquella derrota que, con los años, terminó pareciéndose extrañamente a una forma del destino.

Has participado en producciones internacionales, además de importantes series colombianas. ¿Cómo cambia tu construcción de un personaje cuando el proyecto responde a una lógica industrial global frente a una narrativa más local?

He tenido la oportunidad de trabajar tanto en producciones nacionales como internacionales. Cuando he coincidido con estrellas como Antonio Banderas, Tom Cruise y Javier Bardem, también he podido observarlos en su faceta de productores ejecutivos. Yo los considero maestros porque me permitieron conocer desde cerca la manera en que se lideran proyectos de semejante magnitud y comprender un poco mejor el panorama de esas grandes producciones.

Al mismo tiempo, trabajar en Colombia me ha enseñado a desenvolverme dentro de producciones más pequeñas, aunque aquí también se construyen universos muy grandes, narrativas interesantes y personajes extraordinarios. La reina del flow, por ejemplo, obtuvo un Emmy Internacional. Haber seguido trabajando en el país me ha permitido mantener los pies sobre la tierra.

Gracias a la Ley 1556, varias producciones de Hollywood comenzaron a rodarse en Colombia. Mi primera película fue Los 33. Tenía un personaje pequeño, pero en American Made conseguí mi primer papel de reparto en una producción de Hollywood al interpretar a Carlos Lehder.

Después continué transitando entre los proyectos nacionales y las películas internacionales rodadas en Colombia. Eso cambió en 2022, cuando Sofía Vergara me llevó por primera vez a Los Ángeles para trabajar durante seis meses en Griselda. Netflix gestionó mi visa O-1 y tuve un contrato de seis meses. Fue la primera vez que me contrataron para viajar directamente a Hollywood y rodar allí.

Ha sido un recorrido entre ambos mundos, pero también una oportunidad para comprender que en Colombia se realizan producciones espectaculares, ambiciosas y con narrativas muy valiosas.

Vienes de una sólida formación teatral. ¿Qué herramientas de ese entrenamiento continúas utilizando frente a la cámara, especialmente cuando el ritmo de rodaje no permite demasiada exploración?

El Teatro Libre me proporcionó herramientas para comprender los géneros, construir la psicología de los personajes y realizar un desglose profundo de cada uno. La televisión me ha costado porque trabaja a una velocidad enorme. En el teatro puedes dedicar tres o seis meses a construir un personaje; en televisión todo ocurre muy rápido.

Hace poco participé en Yo no soy Mendoza, una serie para Netflix, y llegamos a grabar diecisiete escenas diarias. Para mí fue muy exigente, sobre todo porque debía trabajar con el ritmo de la comedia. Además, era una tragicomedia: el personaje atravesaba situaciones dolorosas y serias, pero también vivía momentos muy graciosos. Debía navegar constantemente entre ambos tonos.

Aunque no exista demasiado tiempo para desarrollar al personaje, intento realizar un buen desglose y descubrir su conflicto y su arco dramático. Eso implica trasnochar y sacrificar los fines de semana. Cuando entro en una producción televisiva sé que tendré que dedicarle buena parte de mi tiempo personal.

También continúo estudiando. Hace poco tomé un taller de eneagrama con Victoria Hernández. Los actores nos encontramos en formación permanente. Las herramientas que más me han ayudado son la investigación profunda del personaje y la capacidad de reconocer el género de la historia para encontrar desde allí la manera de interpretarlo.

En series como La reina del flow o El capo, los personajes están fuertemente determinados por su contexto social. ¿Cómo evitas que ese contexto termine reduciéndolos a un estereotipo?

Siempre intento que mis personajes sean humanos. La televisión ha tendido a convertirlos en estereotipos. A veces lees un libreto y piensas: “Este personaje ya lo he visto muchas veces”. Son figuras que se repiten y se parecen demasiado entre sí.

Mi trabajo consiste en descubrir cómo humanizarlas. Debido a que en televisión no tenemos demasiado tiempo, trato de conectar al personaje con aspectos de mí mismo. Me pregunto qué podría dolerle, cómo se relaciona emocionalmente con los demás y qué existe detrás de aquello que muestra.

Por fortuna, actualmente los personajes están siendo escritos de una manera más humana que antes. Poco a poco han comenzado a salir de esos moldes y eso les permite conectarse de una forma más profunda con las audiencias.

Has trabajado con diferentes acentos y formas de hablar. ¿Cómo afecta el lenguaje —no solamente la pronunciación— la manera en que un actor piensa y reacciona dentro de un personaje?

Cuando debes utilizar un acento con el que no trabajas habitualmente, este puede consumir, al menos en mi caso, cerca de la mitad de la energía interpretativa. Por eso suelo trabajar con un coach.

Acabo de hacer una película con María Cecilia Botero y Yolanda Rayo titulada La tía Maga. La directora quería que mi personaje tuviera un acento difícil de ubicar: había nacido en los Llanos, pero después había crecido entre Madrid y Dinamarca. Además, su pareja procedía de otro lugar. Su manera de hablar debía recoger todas esas influencias sin quedar completamente marcada por ninguna.

Casi todos los actores de la producción utilizaron sus propios acentos, pero yo decidí asumir el reto de construir uno distinto. Le pedí ayuda a Michelle Gutiérrez. Ella grabó todas las frases del personaje y durante un mes las escuché una y otra vez hasta incorporarlas.

El problema fue que, cuando terminó el rodaje, recibí una audición para interpretar a un mexicano. He estudiado ese acento y normalmente puedo utilizarlo con facilidad, pero todavía tenía tan incorporado el llanero que mi personaje mexicano comenzó a sonar como si acabara de bajar de un caballo. Necesitaba limpiarme del acento anterior. Ese trabajo puede resultar una verdadera locura, pero también es un desafío muy interesante.

¿Qué puedes contarnos sobre La tía Maga y tu personaje dentro de la película?

Es la ópera prima de Luna Palacios y actualmente se encuentra en posproducción. La rodamos en enero en Madrid, Cundinamarca. Está protagonizada por María Cecilia Botero y Yolanda Rayo, y yo soy el coprotagonista. Es un drama con elementos de realismo mágico que aborda el alcoholismo y sus efectos sobre una familia.

La historia transcurre en el campo durante los años ochenta. Presenta a una familia en la que el padre abusa de sus hijas y alquila habitaciones dentro de la casa. Mi personaje es uno de los huéspedes y se enamora de una de las adolescentes. Cuando descubre el abuso, intenta sacarla de ese lugar, pero la manera en que se aproxima a ella también es problemática: le ofrece licor porque la joven padece alcoholismo.

La película construye una crítica muy fuerte. Con frecuencia hablamos de las drogas como una amenaza para las familias, pero olvidamos que el alcoholismo también ha destruido hogares en Colombia y en el mundo. El tema me interesó mucho porque está presente en mi propia historia familiar. De alguna manera, quise intentar sanar ciertas cosas a través de la película.

Hubo un momento en tu juventud en el que no conseguir un cupo para estudiar actuación en España te llevó a una profunda crisis emocional. Al contemplar ahora ese episodio, ¿qué comprendiste sobre ti y cómo transformó aquella caída tu manera de enfrentar la profesión y la vida?

Mi madre y mi padrastro vivían en España y yo quería estudiar interpretación textual en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Mi padre biológico nos abandonó cuando mi madre estaba embarazada y nunca lo conocí. Mi padrastro me adoptó y me dio el apellido Yate. Como tenía ciudadanía española, inició ese proceso para facilitar mi viaje y mis estudios.

Me obsesioné con ingresar. Trabajé en restaurantes para pagar el curso preparatorio y estudié durante todo un año. Los profesores reconocieron mi talento y me aseguraron que podría conseguirlo. Superé los exámenes teóricos, para los cuales debía conocer prácticamente toda la obra de autores como Federico García Lorca y Ramón María del Valle-Inclán. También aprobé las pruebas prácticas de actuación, canto y baile, además de la entrevista.

Sin embargo, superar las pruebas no garantizaba una plaza. Solo ofrecían veinticuatro cupos, doce de ellos para hombres, y las posibilidades para un extranjero eran mínimas. No fui admitido. Aquel fue el primer gran rechazo de mi carrera y no estaba preparado para recibirlo. Me provocó una crisis emocional muy profunda. Fue también mi bienvenida a una profesión hecha de innumerables rechazos.

En aquel momento no entendía que la vida estaba modificando mi camino. Para presentar las pruebas había tenido que castellanizar mi acento y adaptar mi voz. Con el tiempo comprendí que comenzar mi formación desde ese lugar habría significado alejarme de mis propias raíces.

Viajé de vacaciones a Colombia con mi madre y mi padrastro. Teníamos pasajes de regreso, pero decidí no tomar el vuelo. Me quedé, pensé detenidamente qué debía hacer y resolví estudiar en el Teatro Libre, que entonces tenía un convenio con la Universidad Central y ofrecía una de las mejores formaciones actorales del país. Allí obtuve mi título como maestro en Arte Dramático y pude formarme desde mis raíces colombianas. La vida me devolvió a ellas y eso fue lo mejor que podía ocurrirme.

Cuando me gradué, en 2013, Hollywood llegó a Colombia para rodar Los 33. Casi inmediatamente después de recibir mi título ya me encontraba en las minas de sal de Zipaquirá y Nemocón trabajando junto a Antonio Banderas. Permanecí un mes como parte del grupo de los 33 mineros y pude observar de cerca el trabajo de esos actores.

Después llegó Tom Cruise y conseguí en American Made mi primer papel de reparto en una producción de Hollywood. Más adelante participé junto a Javier Bardem y Penélope Cruz en Loving Pablo. Algunos compañeros consiguieron ingresar a la escuela en España años después, pero no vivieron las oportunidades que yo encontré aquí.

Siento que la vida me concedió una revancha. Si hubiera ingresado a la escuela de Madrid, tal vez sería profesor o estaría haciendo teatro allí, pero probablemente no habría construido la carrera que llevo hasta ahora. Todavía es un proceso y queda mucho por hacer, pero hoy comprendo que tenía que suceder de esta manera.

Además de La tía maga ¿Qué proyectos vienen para ti?

Acabamos de estrenar Brothers Under Fire, protagonizada por Kiefer Sutherland. Interpreto a Octavio; es un papel breve, pero en esta profesión es importante continuar trabajando y permanecer vigente.

También existe una nueva película en preparación para dentro de unos meses. Me ofrecieron un personaje y el proyecto cuenta con un presupuesto cercano al millón y medio de dólares. Sus productores están explorando posibles alianzas internacionales.

El año comenzó con La tía Maga y anteriormente estrené Yo no soy Mendoza, una comedia en la que interpreté al antagonista. Fue algo muy diferente a lo que había hecho y el público recibió muy bien al personaje.

Esta es una carrera de ascensos, descensos y silencios. Hay momentos en los que parece que no sucede nada. Uno quisiera que todo avanzara inmediatamente, pero debe aprender a conservar la calma, tener paciencia y continuar entrenando.

Después de Griselda, 42 Management & Production se puso en contacto conmigo para representarme internacionalmente. Sofía Vergara también continúa apoyando mi proceso migratorio y me entregó una carta de recomendación para solicitar una nueva visa. Están sucediendo cosas muy valiosas en mi carrera y debo aprender a poner la mirada sobre ellas, no solamente sobre las dificultades.

No me considero únicamente un actor de telenovelas colombianas. Soy un actor con proyección internacional y la vida me lo ha demostrado varias veces. Las producciones de Hollywood han venido a Colombia, he presentado mis audiciones y se han fijado en mi trabajo. Sofía Vergara confió en mí y me llevó a Los Ángeles. Todo eso ha ocurrido por alguna razón.

The post Fredy Yate: “La vida me devolvió a mis raíces y eso fue lo mejor” appeared first on Rolling Stone en Español.

La palabra extraño es un adjetivo interesante. Proviene del latín extraneus, que originalmente hacía referencia a aquello que estaba “fuera”, que era externo, ajeno o extranjero. La RAE lo entiende como “sorprendente o raro”. Raro, por su parte, suele utilizarse con una connotación negativa, aunque el Diccionario de la lengua española propone otra visión: se refiere también a algo “extraordinario, poco común o infrecuente”. Es precisamente esa palabra con la que STRANGEHUMAN describe su propuesta musical, y pocas definiciones parecen encajar tan bien con ella.

Nacido en Santiago de Chile, Maximiliano Valenzuela, antes conocido como Max Valenzuela y ahora STRANGEHUMAN —o Nova, según a quién se le pregunte—, comenzó a ganar notoriedad siendo adolescente gracias a la red social Musical.ly —ahora TikTok—, donde sus videos haciendo lip sync y bailes comenzaron a acumular millones de reproducciones y seguidores. Su llegada a las redes estuvo acompañada por apariciones en televisión y eventos, convirtiéndolo, con apenas 13 años, en uno de los primeros fenómenos digitales de su país y de la región.

Sin embargo, la intención de dedicarse a la música no llegó después de la fama. Al contrario, desde muy joven Max tenía como objetivo encaminarse hacia este mundo. “Desde que era niño siempre quise hacer música. Esa fue siempre mi meta, solamente que no tenía los recursos cuando recién empecé para poder grabar. No tenía dinero para ir a los estudios porque, bueno, vengo de una familia bastante común. Todos estos gastos no estaban contemplados para mis padres”, explica. Ante la imposibilidad de comenzar, el chileno tomó la decisión firme de hacerse “famoso” como fuera, sin importar “dar cringe”.

Pero la música que Max imaginaba para sí mismo tampoco apareció de la nada. En el camino fue acumulando referencias de lugares muy distintos. “Cuando empecé con la transición de Max Valenzuela a STRANGEHUMAN, A$AP Rocky fue de mis influencias más importantes. La manera en la que se viste, la confianza que tenía, sus canciones. Incluso el nombre STRANGEHUMAN proviene de uno de sus temas. Ese tipo me inspiró demasiado”, dice, refiriéndose al tema ‘Sandman’ (Permanent bling my tooth is, yeah, I’m a strange human).

A él se sumaron después XXXTentacion, Frank Ocean —su principal inspiración musical en el último tiempo—, Lil Wayne y Drake —o como lo llama el chileno entre risas, el “papá”—, mientras que buena parte de sus influencias más tempranas llegaron desde su casa. Su madre, cuenta, escuchaba Depeche Mode, Nirvana, Amy Winehouse y Sade, mientras él crecía también escuchando corrientes más alternativas del rock y el pop. Esa mezcla terminó convirtiéndose en una suerte de archivo sonoro desde el que comenzó a construir su propia identidad. “Estoy muy inspirado por un montón de cosas”, concluye.

Aunque su recorrido terminó llevándolo de la creación de contenido a la música y la composición, Nova no considera que esto haya implicado necesariamente una transformación de su persona. “Siento que hasta el día de hoy no transiciono por completo porque, al final, sí, a la gente le gusta mi música, pero a muchas personas les gusta mi corazón, mi carisma y, en general, la manera en la que soy. El influencer tiene mucho de eso, de mostrarse tal cual es. No busco tampoco transicionar ni encasillarme en ser un cantante. Me expreso a través de todo: así como en un TikTok o en cómo me visto, en lo que canto […]. Ya las cosas van tan pegadas que no me gustaría encasillarme”, comparte.

Después de varios años construyendo una identidad propia entre las redes, la música y un universo de influencias tan amplio como el suyo, y luego de llamar la atención con proyectos como METAMORFOSIS, STRANGEHUMAN llegó este 2026 a AÚN NO HE TERMINADO, uno de los momentos más personales de su recorrido. El álbum nació durante un periodo en el que Max se sentía estancado y profundamente frustrado, y terminó convirtiéndose en una forma de procesar aquello que llevaba dentro.

El proyecto comenzó a tomar forma entre finales de 2024 y comienzos de 2025, aunque en un principio no tenía una dirección demasiado definida. Max empezó a grabar canciones, dejó varias fuera y se permitió experimentar con distintos registros. Esa libertad también está presente en la primera parte del álbum, donde, según cuenta, buscó simplemente divertirse con la música. “Hay canciones donde se nota que yo lo estoy pasando increíble. Me salen barras que quizás no son tan profundas, pero sentía que también era parte del proceso. Divertirme con la música, hablar y de todo”.

La dirección de este trabajo discográfico, sin embargo, terminó apareciendo casi por accidente. El cantante se dio cuenta de que había un patrón que atravesaba el proceso: las canciones no estaban terminadas, los másteres tampoco y, en general, siempre quedaba algo pendiente. La coincidencia se hizo evidente cuando, a pocos días de la entrega del álbum, su mánager le recordó que debía terminar aquello que había dejado a medias. “Me acuerdo perfectamente que faltaba como una semana para entregarlo y mi mánager me dice: ‘No puedes pasarte esta fecha, tienen que entregarlo, ponte a terminar lo que no has terminado’. Y, hermano, ese es el nombre del álbum, ¿entiendes?”.

El disco está dividido en dos partes. Si la primera mitad nació desde la diversión, la segunda encontró un lugar mucho más íntimo. Allí aparecen las cosas que Max quería decir y que le dolían, aquellas que había ido guardando y que encontró en la música una forma de soltar. “A veces igual siento que hago música por lo mismo, o sea, porque me duele. Soy sensible, me afectan las cosas y la única manera a veces de botarlas es a través de la música”, explica. Así, su segundo LP terminó convirtiéndose también en un ejercicio de vulnerabilidad. “Sentía que quería botar todo”, dice. Y, quizá por eso, la dirección que el álbum no tenía al comienzo terminó apareciendo de manera orgánica.

Entre las colaboraciones del álbum destaca ‘SUSTANCIAS EN MI CORAZÓN’, junto a DannyLux. La canción nació casi por casualidad, durante un viaje a Miami en el que ambos coincidieron en medio de distintos eventos. Max cuenta que no conocía personalmente a Danny hasta que el cantante se acercó a saludarlo en un after party. Después de intercambiar sus redes y escuchar más de su música, la conexión fue inmediata. “Le dije: ‘Hermano, veámonos porque me encanta lo que haces’. […] Creo que como a la semana, dos semanas por ahí, pero en un corto plazo yo le mandé este tema con un primer verso y me dijo: ‘Hermano, me encanta’, y me mandó su verso el mismo día, de una”.

La colaboración no se quedó en el estudio. Ambos terminaron cantando la canción en distintos escenarios y grabaron su videoclip en Miami. Para Nova, además, el encuentro trascendió lo musical. “Conocí a la familia de Danny. Al igual que él, son un amor. Ese chico es especial”.

El mexicoamericano es quizás el más reconocido entre los invitados de AÚN NO HE TERMINADO, pero el disco también reúne a nombres como suei y COSMIC KID, pertenecientes a una generación de artistas emergentes con los que Max comparte una relación cercana. “A mí se me hace que suei es de los mejores de habla hispana”, revela sobre el venezolano. “El tipo sabe demasiado de música, domina muy bien su sonido y cuando hicimos ese tema, él tenía claro lo que quería. Lo grabó de una, no escribió nada. Improvisó”. Del argentino, en cambio, no necesita muchas palabras para describir su conexión. Le basta con decir que “es mi hermano” para dejar claro su vínculo casi familiar.

Esa cercanía parece ser, en realidad, uno de los criterios más importantes para el chileno a la hora de compartir una canción. Más que buscar colaboraciones por el peso de un nombre o por lo que puedan aportar a una estrategia determinada, valora que exista un vínculo genuino con quienes participan en su música. “Más allá de haber colaborado, son personas con las que hablo por videollamada y nos preguntamos cómo estamos. Mantenemos una amistad linda y harto respeto. Siento que eso tiene mucho valor, más que la colaboración en sí”.

Esa importancia de la conexión personal también se extiende a la escena de la que forma parte. Aunque reconoce que no se siente completamente integrado al circuito chileno —en parte porque su carrera se ha desarrollado lejos de su país—, sigue de cerca a los artistas que están construyendo nuevas propuestas. “Me encanta la escena chilena. No me siento tan parte, pero no es porque no quiera, sino porque no estoy aquí. Las cosas han salido como han salido y es parte del proceso”. Entre sus nombres cercanos menciona a sus paisanos IcyCold, Brokenstar y lolosuelto, a quienes considera sus hermanos, además de destacar el talento que existe actualmente en el reguetón y el trap chileno.

Esa mirada se extiende más allá de su país. Max encuentra referencias en distintas escenas latinoamericanas: Little Boogie y Doly Flackko en Argentina; Latin Mafia y legallyrxxx en México; y Big Soto, Underaiki y suei en Venezuela. Más que identificar una única escena de la que se nutra artísticamente, parece encontrar inspiración en distintos lugares y, sobre todo, en las personas que tiene cerca.

Quizás esa amplitud explique también por qué encuentra tanto valor en una camada que parece menos interesada en responder a las categorías tradicionales de la industria. Para Nova, la nueva música no nace de la necesidad de pertenecer a un género. “Yo creo que los chicos no quieren encajar. Los chicos hacen lo que hacen porque les gusta, y ya. Siento que eso es lo lindo de la música de las personas que mencioné: es pura y honesta. Es un buen recordatorio de la razón por la que empezaste en esto. Creo que se nos olvida a veces porque empezamos en esto”.

Esa misma convicción parece extenderse a la manera en que STRANGEHUMAN enfrenta la mirada externa. Aunque el medio y el público puedan ejercer presión, Max asegura que ha aprendido a no dejar que las opiniones ajenas determinen cómo se siente consigo mismo. “No me importa lo que los demás piensen, en verdad. Y no lo digo desde la arrogancia, lo digo desde mi salud mental, desde querer estar bien y no estar pensando en esto”.

Su seguridad, explica, también nace de reconocerse a sí mismo y de tener cerca aquello que considera realmente importante. “Me gusta pensar que me conozco lo suficiente y que los demás no lo hacen. Soy muy seguro de mí mismo y, te repito, tengo a Dios, tengo a mi familia, tengo salud y hago lo que me gusta. Todo lo demás es una bendición”.

La relación con Dios ocupa, precisamente, un lugar importante dentro de esa forma de entender su vida. El cantante aclara que no se considera una persona religiosa, aunque su vínculo con la espiritualidad existe desde niño, cuando asistió durante varios años a la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Con el tiempo se alejó de la institución, pero no de su fe. “Creo que mi comunicación con Dios es más directa. Siempre ha estado presente”.

Esa conexión adquirió un significado distinto durante los últimos años. Las dificultades que atravesó las interpreta como parte de un proceso que todavía está aprendiendo a comprender. “Todo lo que me ha pasado siento que no es casualidad. […] Si Dios me ha puesto todas estas barreras y todas estas pruebas, es para que yo las supere, porque lo que le pedí a él es grande y no me lo va a dar así como así”.

Para Max, incluso aquello que parece contradictorio puede formar parte de ese proceso. “Cuando le pedí paz, me envió caos; cuando le pedí trabajo, me dejó sin trabajo”, cuenta. Más que entenderlo como un castigo, encuentra en esas experiencias una forma de preparación para aquello que espera conseguir.

View this post on Instagram

El siguiente capítulo de STRANGEHUMAN ya comenzó a escribirse sobre los escenarios. El pasado 5 de agosto, Max dio inicio a su gira por Latinoamérica en el Club Ámbar de Santiago, en una noche que tuvo un significado especial por ser el punto de partida en su propio país. “Fue muy nostálgico, muy lindo, una experiencia hermosa. En verdad estaba toda mi familia, estaban todos mis amigos y me sentí muy cómodo, me sentía en casa”, cuenta sobre ese primer concierto. 

Desde allí, el recorrido continuó por Perú, Colombia y Guatemala. Ahora, Max se prepara para cerrar el recorrido en su segunda patria, México, donde concretó dos sold outs. 

La gira llega mientras Nova comienza a mirar más allá de AÚN NO HE TERMINADO. Después del álbum, Max ha publicado los sencillos ‘Airdrop’ y ‘BOOMERANG’, aunque, al menos por ahora, no parece tener demasiado interés en definir cuál será el siguiente movimiento de su proyecto. “Creo que estoy un poco a la deriva y eso me gusta. Solo quería sacarla. Sentía que era el mensaje que quería dar”, explica sobre ‘Airdrop’.

Detrás de la canción hay, además, una búsqueda espiritual que parece prolongar algunas de las inquietudes que atravesaron su último álbum. “A pesar de que empieza con ‘Too many hoes’, va más por el lado de empezar a pedirle una señal a Dios. Que me hable. Eso me hace sentir súper bien”. El tema ya encontró un lugar en los conciertos de esta nueva etapa: “Cuando la canté ayer fue un momento muy lindo y dije: ‘Bien ahí’”.

Más que anunciar una dirección concreta, Max prefiere dejar abierta la pregunta sobre qué vendrá después. “Esta canción me encanta. Creo que ahora voy a empezar a pensar en qué es lo que quiero decir y qué historia quiero contar”.

Por ahora, esa incertidumbre parece ser parte de la propia propuesta. Con una gira a punto de terminar, dos nuevos sencillos y un proyecto que todavía se resiste a ser encasillado, STRANGEHUMAN no parece tener demasiado interés en adelantar el próximo paso. Cuando le pregunto qué pueden esperar sus seguidores para lo que queda del año, responde: “Muy inesperado. Desearía que no esperen nada, que se sorprendan”.

The post STRANGEHUMAN no busca encajar appeared first on Rolling Stone en Español.

Después de dos años de silencio total, Royal Blood ha anunciado el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Dead Company. El dúo británico de rock se había mantenido alejado de los focos desde 2024 a excepción de unas breves apariciones en redes durante el 2025, pero ahora se prepara para una nueva era musical que inicia con el sencillo ‘Ten Over Ten’.

Te puede interesar:

Hayley Williams lanza EP2, el proyecto de su nueva banda, Power Snatch 

La canción está llena de vigor pues los músicos entraron al estudio con el objetivo de dar todo de sí mismos. “Mi mentalidad fue: si vas a hacer algo, hazlo muy bien sin pensar en un plan B; da todo lo que tengas”, dijo el bajista y vocalista Mike Kerr en entrevista con Kerrang!. El frontman también explicó que tomaron inspiración de la velocidad e intensidad de Motörhead.

De acuerdo con un comunicado de prensa, la agrupación regresó al estudio de grabación sin ponerse una fecha límite y apartándose de distracciones, dejando como resultado un LP totalmente autoproducido —o “anti-producido”— con “energía muy DIY”. “Nos reunimos en una habitación para componer música juntos y sentir las ondas de sonido. Así es como te emocionas de nuevo”, afirmó el baterista Ben Thatcher al medio británico.

Royal Blood presentó su último álbum en 2023 bajo el título de Back to the Water Below, un trabajo post pandémico que nació desde la necesidad de volver a conectar con otros seres humanos a través de la música. El disco le permitió a la agrupación regresar a sus inicios y explorar una faceta más honesta pues retomó la inocencia de su debut en 2014, pero sin olvidar la experiencia que ganó desde entonces.

Ahora, el sucesor promete ser un álbum “crudo” y “directo” que llevó a Thatcher y a Kerr a volver a lo esencial. Dead Company se publicará el próximo 13 de noviembre.

The post Royal Blood anuncia la llegada de su próximo álbum, <i>Dead Company</i> appeared first on Rolling Stone en Español.

Después de meses de controversia por el uso de IA en Spotify, la empresa ha decidido etiquetar a los ‘artistas’ y las piezas musicales creadas con inteligencia artificial. Esta medida excluirá dicho contenido de las recomendaciones que genera el algoritmo de la plataforma, como parte de una campaña para combatir los perfiles falsos y la música ilegítima, así como para mejorar el control de calidad.

La empresa ha creado una etiqueta denominada “IA personas” para identificar a todos los ‘artistas’ creados mediante inteligencia artificial. Esta nueva distinción aparecerá al inicio de sus perfiles y en cada una de sus listas de reproducción, desde canciones individuales hasta materiales de mayor duración, como los discos. La decisión responde a la inconformidad manifestada por los usuarios durante los últimos meses, quienes han expresado de manera reiterada su rechazo a la música generada mediante IA.

“La verdadera conexión entre artista y fan solo puede construirse sobre una base de confianza y autenticidad. En la música, esto significa que los oyentes deben poder confiar en que el artista detrás de la música es quien dice ser. Esto es más esencial que nunca en la era de la IA generativa”, comunicó la empresa. 

En resultados recientes, Spotify informó que eliminó de su plataforma 75 millones de canciones consideradas no legítimas en el transcurso de un año. Esta cifra refleja, en parte, el crecimiento desmedido de contenido generado mediante inteligencia artificial dentro de la industria musical. Como referencia, se estima que el catálogo orgánico de la plataforma ronda los 100 millones de canciones.

Lorde denuncia las descripciones de canciones generadas por IA de Spotify

Esta nueva etiqueta entrará en vigor en septiembre. Sin embargo, la empresa ya lleva a cabo un proceso exhaustivo de búsqueda y revisión para identificar los perfiles que utilizan inteligencia artificial en la creación de sus contenidos. Spotify permitirá que los creadores declaren si sus materiales fueron generados con esta tecnología, con el fin de asignarles la etiqueta “IA personas”. Además, la plataforma implementará procesos de verificación que combinarán la revisión humana con sistemas de inteligencia artificial para identificar este tipo de contenido.

“Los oyentes nos han dejado claro que no les gusta ver un perfil de artista que parezca humano, solo para descubrir después que la personalidad ha sido generada por inteligencia artificial. Esperamos que los artistas sean transparentes, por lo que les brindamos la oportunidad de revelarlo, pero no nos basaremos únicamente en su declaración”, agregó la empresa. 

“Si bien, creemos que todos los artistas tienen libertad creativa, para determinar cómo se presentan, la programación de Spotify se centra en impulsar la música de artistas auténticos, que están construyendo sus carreras en la música”.

Existe una larga lista de casos detrás de esta controversia. En ocasiones anteriores, la plataforma llegó a publicar canciones generadas mediante inteligencia artificial en los perfiles de artistas fallecidos, sin la autorización de sus familiares ni de las compañías discográficas correspondientes. Uno de estos casos fue el de Blaze Foley, quien murió en 1989. 

La preocupación también ha sido expresada por artistas en activo como Bad Bunny, Billie Eilish, Pearl Jam, Stevie Wonder y Elvis Costello, entre muchos otros, quienes han manifestado públicamente su rechazo al uso de inteligencia artificial en la música.

Spotify agrega música generada por IA a los perfiles de artistas fallecidos

The post Spotify responde a la controversia de la IA dentro de su plataforma  appeared first on Rolling Stone en Español.