El motor creativo de Roger Taylor no se detiene y ahora el músico británico se prepara para el lanzamiento de un nuevo álbum de estudio que llegará en la segunda mitad de este año. Violence Insane In A Beautiful World significará su séptimo trabajo discográfico como solista, del cual ya se conoce su primer adelanto.
‘Come On Summer (It’s Party Time)’ cuenta con la participación del Ndlovu Youth Choir, el grupo sudafricano que captó la atención de Taylor por su versión en zulú de ‘Bohemian Rhapsody’. Tras escuchar el cover, el baterista de Queen quiso invitar a la agrupación para cantar en tres de los 10 cortes que conformarán su próximo LP.
El tema tiene un ritmo enérgico y alegre que refuerza los cantos de celebración que se intercalan entre el inglés y el zulú. “Despierto y le doy la bienvenida al día/Miro a mi alrededor y me digo a mí mismo/El sol salió y me siento nuevo”, se escucha en el verso inicial.
De acuerdo con el músico, no se trata de un álbum conceptual, pero sí está inspirado en la manera en que la maldad está arruinando al mundo: “Sí hay una temática y se explica en el título: vivimos en un mundo hermoso, no lo estropeemos. Están ocurriendo locuras en este momento. La violencia en el mundo parece estar tan mal como siempre lo estuvo en cualquier punto de la historia y, claramente, a lo largo de mi vida. (…) Pareciera como si estuviéramos arruinándolo más con el plástico en el océano, las guerras en todas partes y el odio hacia otras religiones”.
Aun así, aclaró que no será un trabajo oscuro, por el contrario, tendrá un espíritu positivo que invite a recobrar la esperanza en la humanidad. “Es un mundo hermoso. La bondad es importante y creo que la hemos olvidado un montón. Así que, en el fondo, esa es la temática”, añadió.
La portada del álbum es una vista de la Tierra y de la Luna y, coincidencialmente, Taylor se encontraba terminándola cuando se conocieron las fotografías espaciales de Artemis II. El arte del disco está relacionado con la historia que se narra en ‘A Beautiful World’, la canción que abrirá el LP, pues está escrita desde la perspectiva de un alienígena que está orbitando la Tierra desde su nave espacial “pensando en lo hermosa que es”. “Al verla más de cerca, ve que hay problemas, infecciones, violencia y horror en contraposición a todas las cosas buenas que también existen”, explicó.
Violence Insane In A Beautiful World se publicará el 18 de septiembre y llevará a Roger Taylor de viaje por Reino Unido en sus únicos shows de 2026.
Lista de canciones de Violence Insane In A Beautiful World
1. ‘A Beautiful World’ ft. The Ndlovu Youth Choir
2. ‘Violence Insane’
3. ‘What Really Matters’
4. ‘Don’t Photograph Food’
5. ‘I See You Now’
6. ‘Chump’
7. ‘Spit In His Eye’
8. ‘Jealous Guy’
9. ‘Come On Summer (It’s Party Time)’ ft. The Ndlovu Youth Choir
10. ‘A Great Big Beautiful World (reprise)’ ft. The Ndlovu Youth Choir
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Jhay P sigue consolidándose como uno de los perfiles más sólidos dentro de la escena urbana contemporánea. En este nuevo paso, el artista presenta su nuevo sencillo titulado ‘Fue culpa suya’, un tema que desvela su lado más romántico y sorpresivo.
‘Fue culpa suya’ narra una historia de amor que avanza sin miedo y con velocidad. El tema está conformado por una química inquebrantable, guiado por una narrativa divertida que Jhay P utiliza como herramienta para recordar cómo aquellos momentos con una mujer lo dejaron cautivado. En sus propias palabras, con un toque de picardía y humor, el cantante revela que su amor se hace cada vez más fuerte hacia la dama por su culpa, gracias a su encanto y aquellos besos inolvidables que lo dejaron pensando en volverla a ver una y otra vez.
En el lado sonoro, Jhay P se sumerge en la energía cautivante y contagiosa del merengue urbano con melodías pegadizas, ritmos bailables y una interpretación llena de carisma. Esta nueva exploración da como resultado una canción vibrante, fresca y romántica que se une a su repertorio musical para capturar la emoción de los primeros encuentros con, tal vez, una persona fugaz.
La llegada de ‘Fue culpa suya’ marca un seguimiento de una serie de lanzamientos que continúan impulsando la carrera del cantante colombiano. Jhay P ha presentado canciones como ‘RIKA’, ‘La Que Más Me Amo’ y ‘Solo Pienso En Vos’, canción que formó parte de la banda sonora oficial de la serie original de Disney+ y Hulu Dear Killer Nannies: Criado Por Sicarios. Además, recientemente, el cantante fue nombrado como uno de los 25 artistas que está definiendo el futuro de la música en la prestigiosa lista de Future Of Music de ROLLING STONE en Español.
Mira aquí el video oficial de ‘Fue culpa suya’:
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Cuando The Handmaid’s Tale llegó a la televisión, no solo se convirtió en una de las series más premiadas de la última década, sino también en un referente cultural capaz de trascender la ficción para dialogar con debates contemporáneos sobre derechos, libertad y control político. Ahora, ese universo continúa expandiéndose con The Testaments, adaptación de la novela homónima de Margaret Atwood que funciona como secuela directa de la historia original.
Entre las nuevas protagonistas se encuentra Chase Infiniti, la joven actriz de la serie Presumed Innocent y de la cinta ganadora del Óscar One Battle After Another, quien ahora asume el desafío de interpretar a Agnes, conocida por los seguidores de la serie original como Hannah, la hija de June Osborne. Criada dentro de los rígidos valores de Gilead, Agnes representa una nueva generación que comienza a cuestionar las estructuras que han definido toda su existencia.
Conversamos con Chase Infiniti sobre la responsabilidad de incorporarse a una franquicia tan querida por el público, los desafíos emocionales de interpretar a Agnes y la vigencia de los temas que atraviesan la serie.
Antes de hablar de la serie, tengo curiosidad por algo: ¿es cierto que Batman y Toy Story influyeron en tu nombre?
Sí, es cierto. Mi primer nombre viene de Batman Forever y de Nicole Kidman, que interpretaba al personaje de Chase Meridian. Y mi segundo nombre viene de Toy Story, de la frase de Buzz Lightyear “To infinity and beyond” (Al infinito y más allá).
The Handmaid’s Tale ya tiene una enorme base de seguidores. ¿Sentiste presión al entrar en un universo tan icónico como una de las nuevas protagonistas?
Creo que sentí más responsabilidad que miedo. Sé cuánto ama la gente esta historia y lo importantes que son estos personajes. Y especialmente sé cuánto cariño existe por Hannah en la serie original. Así que, más que presión, sentí una gran responsabilidad al asumir este papel.
Agnes crece dentro de un sistema construido sobre el miedo y la obediencia. ¿Qué fue lo más difícil de comprender emocionalmente sobre ella?
Lo más complicado fue entender que muchas de las creencias con las que Agnes creció son completamente distintas a la forma en que yo fui educada y a cómo veo el mundo hoy. Tuve que recordarme constantemente que ella ha vivido toda su vida bajo el control de Gilead. Mantener presente esa realidad fue un ejercicio permanente durante toda la temporada.
La serie aborda temas como el control sobre el cuerpo y la identidad de las mujeres. ¿Interpretar a Agnes cambió tu forma de pensar sobre la libertad o la autonomía personal?
No diría que cambió mi forma de pensar, pero sí reforzó sentimientos que ya tenía. Son derechos que han estado amenazados durante toda mi vida e incluso antes. Si algo hizo esta experiencia fue reavivar una convicción que ya existía en mí: la necesidad de seguir defendiendo nuestros derechos, nuestra libertad de elección y la posibilidad de decidir sobre nuestras propias vidas.
La serie tiene momentos psicológicamente muy intensos. ¿Cómo lograste protegerte emocionalmente durante el rodaje?
Todo el mérito es de mis compañeros de reparto y del equipo técnico. Aunque la serie es oscura y aborda temas muy pesados, el ambiente en el set era completamente distinto. Siempre procurábamos mantener una energía positiva, amorosa y de apoyo mutuo.
Cuando alguien tenía un día difícil o una escena especialmente complicada, siempre había alguien dispuesto a ayudar. Realmente nos cuidamos mucho unos a otros durante todo el proceso.
Para terminar, quiero decirte que The Testaments es una de las series más esperadas del año.
Muchas gracias. Ha sido un placer hablar contigo.
Gracias a ti.
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Luego de varios días atravesados por el dolor, los homenajes espontáneos y la multitudinaria despedida que reunió a miles de personas, Virginia, pareja de Indio Solari, compartió un emotivo mensaje de agradecimiento en nombre suyo y de su hijo Bruno.
La compañera del Indio repasó la extensa lista de personas que acompañaron a la familia desde que se conoció la noticia de su muerte y destacó especialmente a quienes colaboraron en la organización de la despedida pública realizada el fin de semana en Villa Domínico, Avellaneda.
“Gente querida: Bruno y yo tenemos una lista interminable de personas que se ofrecieron genuinamente y a la que queremos agradecer”, comienza el mensaje. Entre los nombres mencionados aparecen amigos históricos del músico, integrantes de su círculo íntimo, abogados, familiares y colaboradores que estuvieron presentes durante los días más difíciles.
También hubo un reconocimiento especial para quienes participaron de la organización de la despedida: “Máximo, Facu, Joaco, Wado, a los que les delegué la hermosa despedida que lograron organizar. A nuestro gobernador Axel, que aportó con todo su personal”.
Virginia también agradeció a la banda que acompañó a Solari durante los últimos años, a su equipo de trabajo y a los cuerpos de bomberos que colaboraron con el operativo. “A su querida y amada banda, a nuestro querido KVK, siempre presentes. A los maravillosos bomberos de Avellaneda, Quilmes, Lanús. ¿Qué decirles? Ustedes saben”, dijo.
Además, dedicó unas palabras a los vecinos de Parque Leloir, donde se desarrolló parte del operativo vinculado a la despedida. “Y bueno, a ustedes, a su querido público, a su amado público, que nunca dudó de su respaldo, comportamiento y amor. Que hicieron que su despedida fuera un orgullo y una emoción inconmensurable”.
El mensaje completo:
“Gente querida: Bruno y yo tenemos una lista interminable de personas que se ofrecieron genuinamente y a la que queremos agradecer.
Martita Garín, Gastón Daus y Patricia, que nos acompañaron el primer espantoso momento. JJ y Marcelo, sus grandes amigos que estuvieron y están siempre. Nuestros abogados Gustavo Triemstra y Federico González Ghione, que nos respaldaron todo el tiempo.
Máximo, Facu, Joaco, Wado, a los que les delegué la hermosa despedida que lograron organizar. A nuestro gobernador Axel, que aportó con todo su personal. A la familia Solari, a la familia Mones Ruiz, un gran soporte en estos momentos.
A su querida y amada banda, a nuestro querido KVK, siempre presentes. A los maravillosos bomberos de Avellaneda, Quilmes, Lanús. ¿Qué decirles? Ustedes saben. A nuestros queridos vecinos de Leloir, que soportaron todo el despliegue de esos días, complicándoles la vida.
Y bueno, a ustedes, a su querido público, a su amado público, que nunca dudó de su respaldo, comportamiento y amor. Que hicieron que su despedida fuera un orgullo y una emoción inconmensurable.
Honrémoslo cuidando nuestro estado de ánimo, abrazándonos y sin bajar los brazos, porque a la rebeldía no se renuncia.
Los amamos.”
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Desde Boi Neon hasta Divino amor, Gabriel Mascaro se ha consolidado como una de las voces más originales del cine latinoamericano contemporáneo. Sus películas suelen explorar los cuerpos, el deseo y las estructuras de poder desde perspectivas inesperadas, mezclando realismo, sensualidad, humor y elementos fantásticos para construir universos profundamente políticos.
En O Último Azul (Sendero azul), el cineasta brasileño imagina un futuro cercano donde el Estado obliga a las personas mayores a abandonar sus hogares y trasladarse a colonias especiales una vez alcanzan cierta edad. Lo que comienza como una distopía sobre la productividad y la exclusión termina transformándose en una aventura luminosa protagonizada por Teresa, una mujer que decide desafiar el destino que otros han elegido para ella.
Conversamos con Mascaro sobre el origen de la película, las influencias que marcaron su construcción y la manera en que el filme reivindica el derecho a seguir soñando sin importar la edad.
En O Último Azul el Estado convierte la vejez en un problema político y logístico. ¿Qué aspectos te interesaba explorar sobre ese miedo contemporáneo a envejecer y sobre las sociedades que solo valoran a las personas mientras siguen siendo productivas?
La película nace justamente de esa reflexión. Vivimos en una sociedad que establece una relación muy directa entre productividad y valor humano. Cuando un cuerpo deja de ser productivo, parece perder también su lugar dentro del sistema.
Pero para mí también era importante hablar sobre el desplazamiento forzado. Normalmente asociamos ese concepto a guerras, crisis climáticas o conflictos geopolíticos. Aquí quise trasladar esa idea a otro contexto: una persona que debe abandonar su hogar únicamente porque cumplió 75 años.
Me interesaba tomar temas que ya están presentes en nuestra realidad y transformarlos en una alegoría. La película comienza como una distopía, pero poco a poco se convierte en una aventura, en una historia de viaje, incluso en una especie de coming of age protagonizado por dos mujeres mayores que descubren nuevas formas de vivir.
La película mezcla ciencia ficción, road movie, fantasía, psicodelia y realismo mágico, pero nunca pierde de vista la dimensión humana de Teresa. ¿Cómo encontraste ese balance?
Hay una raíz muy personal detrás de la película. Cuando murió mi abuelo, mi abuela comenzó a pintar. Nadie en mi familia era artista. Fue una forma de reinventarse, de resignificar su vida. Esa experiencia se quedó conmigo durante muchos años y terminó convirtiéndose en una de las semillas de esta historia.
También hubo decisiones formales importantes. Trabajamos una cinematografía muy cercana a los personajes. No queríamos hacer una película sobre paisajes. Queríamos acercarnos a los rostros, a las arrugas, a los cuerpos. Por eso utilizamos un formato más cerrado, casi como un retrato. La cámara acompaña a Teresa y nos permite compartir su experiencia desde una proximidad emocional muy directa.
Además, la película tiene una dimensión lúdica. Desde la primera secuencia, cuando Teresa baila frente a cámara, queríamos invitar al espectador a participar de un juego. Es una distopía, sí, pero una distopía atravesada por el humor y la imaginación.
Mientras veía la película pensaba en clásicos como Soylent Green, Fahrenheit 451, Logan’s Run e incluso en Brazil de Terry Gilliam. ¿Qué referencias cinematográficas y literarias te acompañaron durante el proceso?
Soylent Green fue una referencia importante, especialmente por la forma en que convierte una idea política en una experiencia cotidiana. También pensamos mucho en la noción de los vehículos como herramientas del sistema. En Fahrenheit 451 estaban los camiones que quemaban libros. Nosotros imaginamos una especie de vehículo destinado a recoger ancianos y expulsarlos de la sociedad.
Me interesaba construir una autocracia tropical. Tomar elementos reconocibles de la ciencia ficción clásica, pero reinterpretarlos desde una sensibilidad latinoamericana y brasileña.
Denise Weinberg construye un personaje extraordinariamente complejo. Teresa es vulnerable, curiosa, sensual, obstinada y contradictoria. ¿Cómo trabajaron para evitar que fuera simplemente una víctima?
Ese fue uno de los mayores desafíos. Muchas historias sobre personas mayores terminan definiéndolas únicamente por lo que ya vivieron. Teresa es diferente porque no está reviviendo el pasado. Está descubriendo cosas nuevas.
Comienza siendo una mujer conservadora, completamente integrada al sistema. No quiere cambiar el mundo. Solo quiere cumplir un pequeño deseo: volar en un avión. Pero a medida que el viaje avanza empieza a descubrir otras posibilidades, otras personas, otras formas de entender la vida.
Para mí era fundamental que Teresa mantuviera siempre una enorme curiosidad por el mundo. No quería convertirla en una víctima ni en un símbolo. Quería que siguiera siendo una persona capaz de sorprenderse.
Hay una presencia constante del deseo en la película. El erotismo aparece como una forma de vitalidad más que como una provocación.
Exactamente. No quería filmar a una mujer que estuviera buscando recuperar una sexualidad perdida. Lo que me interesaba era mostrar a alguien que descubre deseos que ni siquiera sabía que seguían existiendo dentro de ella.
Pensaba mucho en la adolescencia mientras escribía la película. En ese momento de la vida en que una persona comienza a descubrir quién es y qué desea. Lo que hice fue trasladar esa energía a una mujer de edad avanzada. Reemplazar el cuerpo joven que descubre el mundo por un cuerpo que la sociedad considera terminado, pero que sigue teniendo la capacidad de experimentar cosas nuevas.
¿Por eso elegiste a Rodrigo Santoro para interpretar a Kadu?
Sí. Me interesaba jugar con la imagen pública que existe alrededor de Rodrigo. Durante años ha sido visto como uno de los grandes símbolos de belleza del cine brasileño.
Aquí sigue siendo un hombre atractivo, pero aparece en un registro mucho más terrenal, vulnerable y roto. Para Teresa representa algo ambiguo. Hay atracción, curiosidad, deseo, pero también incertidumbre. Ella misma no comprende completamente lo que está sintiendo.
Y eso era muy importante para mí: mostrar a una mujer que sigue descubriendo partes desconocidas de sí misma.
El final deja una sensación muy particular entre esperanza, incertidumbre y liberación. ¿Crees que Teresa logra escapar del sistema?
Cuando escribí las primeras versiones del guion había una escena donde literalmente volaba. Pero mientras avanzaba el proceso entendí que eso me generaba un problema. Si ella cumplía completamente su sueño, parecía que la historia terminaba allí.
Y yo no quería hacer una película donde el mensaje fuera: “Ya cumplió su deseo, ahora puede morir tranquila”. Lo que me interesaba era exactamente lo contrario. Por eso el final permanece abierto. Teresa descubre que puede volar mucho más alto de lo que imaginaba, pero de una manera distinta.
Para mí la vitalidad tiene que ver con la incertidumbre. Con no saber exactamente qué ocurrirá mañana. La muerte es certeza. La vida, en cambio, está hecha de contradicciones, preguntas y posibilidades. Y quería que el espectador saliera de la película con esa sensación.
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Beret fue puesto en libertad provisional este jueves luego de haber sido detenido en Sevilla por una presunta agresión sexual. El hecho habría ocurrido en abril pasado y, de acuerdo con información de El País, involucraría a una fanática con la que el músico se puso en contacto mediante redes sociales.
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Por el momento se desconocen más detalles sobre la denuncia, sin embargo, se sabe que el cantante ejerció su derecho a no declarar y que el juez de la plaza número cuatro de la Sección de Violencia sobre la Mujer del Tribunal de Instancia de Sevilla le impuso medidas cautelares. Francisco Javier Álvarez Beret —su nombre de nacimiento— no podrá comunicarse con la denunciante ni acercarse a menos de 500 metros de ella, así como también le fue retirado el pasaporte por un periodo de tres meses.
El equipo del sevillano se negó a ofrecer declaraciones durante las primeras horas transcurridas tras conocerse la noticia, pero esta tarde su agencia de management, Urbania Entertainment, emitió un comunicado al respecto. Allí, reafirma su “absoluta confianza” en la inocencia de su representado e informa que este “niega rotundamente los hechos que se le atribuyen”.
“Con el objetivo de defender sus derechos y esclarecer la verdad, hemos reforzado su defensa mediante la contratación de un equipo jurídico especializado que trabajará para acreditar la falsedad de las acusaciones vertidas contra él y garantizar el pleno respeto a todas las garantías que amparan cualquier procedimiento judicial”, se lee en el documento.
Aunque la agencia declaró que colaborará con las autoridades para esclarecer el caso, también advirtió que, de encontrarlo procedente, su representación legal interpondrá acciones legales en contra de quienes hayan “formulado, difundido o contribuido” a la difusión de “acusaciones falsas”. Por el lado de la denunciante no se han conocido declaraciones públicas.
Varios ayuntamientos como el de Elche, Rubí, Lemos y Armilla han cancelado o suspendido las presentaciones que Beret tenía programadas para las próximas semanas correspondientes a su gira Lo bello y lo roto.
Noticia en desarrollo…
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No estamos solos en el universo; Steven Spielberg lleva años diciéndonoslo. Los extraterrestres están entre nosotros. A veces se esconden en nuestros armarios, con la apariencia de adorables ancianos con dedos brillantes (E.T.). Otras veces, descienden a la Tierra en naves nodrizas, inspirándonos a reflexionar sobre la vida, el universo y todo lo demás, incluso jugando con nuestro puré de patatas (Encuentros cercanos del tercer tipo). Spielberg nos advirtió que vigiláramos el cielo, no fuera que estos visitantes intentaran reclutarnos para zoológicos humanos (Firelight, una película de ciencia ficción que Spielberg, con 17 años, realizó en 1964) o exterminarnos por completo (La guerra de los mundos). Nos ha enseñado a buscarlos en cada rincón de la vida moderna, incluso si nuestro recuerdo de ellos termina siendo borrado por Will Smith (las películas de Men in Black, en las que Spielberg ha sido productor ejecutivo desde el primer día).
Ahora, uno de los grandes cineastas estadounidenses de los últimos 50 años ha vuelto al tema de los hombrecitos verdes, en un formato que prácticamente él mismo ideó hace cinco décadas: el éxito de taquilla de prestigio. Disclosure Day (El día de la revelación) da por sentado que a) los extraterrestres existen y b) el gobierno nos miente. Ambos conceptos se dan por ciertos y tienen la misma importancia, al igual que la idea de que los denunciantes son uno de los últimos grandes defensores de la democracia y que el poder del Estado se utilizará para silenciar a quienes intenten hablar. Sobre el papel, su última película parece un thriller paranoico de los años 70. En pantalla, luce como una película de verano de los 90, con todo el brillo de las grandes producciones. En realidad, este intento desacertado de aprovechar la ola de desconfianza y falta de fe en nuestras figuras de autoridad no podría ser más actual. Esta vez, los Hombres de Negro son los malos.
Recuerdan cuando Spielberg reemplazó digitalmente las armas en manos de los agentes del gobierno para el 20 aniversario de E.T., y luego expresó su arrepentimiento por la decisión? Imaginen que no solo restauró las armas, sino que creó una película completa de dos horas y media en torno a esa secuencia como una especie de mea culpa. Eso es El día de la revelación.
Spielberg nos sumerge en este thriller de conspiración mediática, con nuestro protagonista ya huyendo y los matones corporativos pisándole los talones. Daniel Kellner (Josh O’Connor, que una vez más irradia la esencia del antihéroe de los setenta) intenta esconderse a plena vista en un combate de lucha libre profesional cuando un matón le apunta con una pistola a las costillas. Lo escoltan hasta el estacionamiento, donde lo espera un elegante villano llamado Noah Scanlon (Colin Forth, elegante y malvado). Scanlon era el jefe de Kellner en Wardex, una empresa privada contratada para mantener en secreto el hecho de que, efectivamente, una “nave exótica” se estrelló en Roswell, Nuevo México, hace tantos años. La prueba del encubrimiento está en la mochila de Kellner. Él y algunos cómplices dentro de la organización quieren hacer pública la información. Scanlon quiere recuperar la información de la empresa y está dispuesto a matar a la novia de Daniel, Jane (Eve Hewson), si es necesario. Por suerte, Kellner tiene una baza: un “dispositivo”, uno de tres, que puede destruir ciudades, permitir a los usuarios “sumergirse” en la conciencia de otra persona, volver invisibles a grupos enteros de personas y, en esencia, hacer lo que sea que requiera la compleja trama de Disclosure Day para avanzar en la historia. El encuentro cercano termina en un punto muerto y una huida.
Mientras tanto, en Kansas City, Missouri, la meteoróloga Margaret Fairchild (Emily Blunt), su vecina de confianza, está teniendo un día extraño. Todo comienza con un cardenal creado por CGI que entra volando a su apartamento, interrumpiendo brevemente una discusión entre Margaret y su novio (Wyatt Russell). La rareza alcanza su punto álgido cuando, de repente, habla con un dialecto de otro mundo durante una transmisión en vivo, atrayendo así la atención de Scanlon y Hugo (Colman Domingo), el exempleado de Wardex que le confió a Daniel los discos duros con décadas de evidencia. De alguna manera, Margaret se ha activado por la presencia de ese pájaro. Ahora puede hablar cualquier idioma, leer la mente, hacer que la gente vea a sus seres queridos fallecidos y recibir transmisiones de información clasificada aparentemente de la nada; al igual que ese dispositivo alienígena místico, sus talentos, antes latentes, parecen transformarse y manifestarse según los caprichos narrativos del guion de David Koepp. Al igual que Daniel, ella también está huyendo. Pero fuerzas ajenas a su control los atraen el uno hacia el otro, y tienen una cita con el destino que lo cambiará todo, etcétera.
Cabe mencionar otros asuntos que se gestan en torno a las huidas de este dúo: la Tercera Guerra Mundial está a punto de estallar, manteniendo a todos en vilo. Hugo cuenta con un equipo de ayudantes que parecen estar construyendo un decorado —en concreto, una vieja casa suburbana— en un lugar desconocido, con un propósito que se revelará en el momento oportuno. Scanlon sigue controlando a Jane a distancia mediante ese dispositivo alienígena. También tiene un grupo de secuaces, uno bueno y otro malo, con la buena interpretada por la estrella de Hannibal, Hetienne Park, y el malo por Henry Lloyd-Hughes; si este último tuviera bigote, se lo pasaría retorciéndolo eternamente durante toda la película. La gran Elisabeth Marvel aparece como una monja que cuidó de Jane cuando era novicia y contemplaba una vida dedicada al servicio divino. La religión parece ser la única institución que la película aún considera pura y legítima, y un fuerte sentido de fe impregna toda Disclosure Day de una manera singular dentro de la filmografía de Spielberg. El Señor obra de maneras misteriosas, incluso mientras el propio director trabaja con solidez, dirigiendo desde primeros planos prolongados hasta emocionantes escenas de persecución con la misma destreza y asombro que ya esperamos de él.
También hay una fuerte sensación de fe respecto a la veracidad de las cosas, lo que no debería convertir a Disclosure Day en una película tan políticamente comprometida y, sin embargo, dado el mundo actual, podría decirse que la convierte en la película más política del verano. La palabra “verdad” se pronuncia más veces aquí que en cualquier película anterior de Spielberg, y estamos hablando de un tipo que hizo un drama serio sobre la publicación de los Papeles del Pentágono (The Post). Los thrillers de conspiración se basan en la emoción de sacar a la luz cosas que los que mueven los hilos quieren que permanezcan ocultas, y junto al asesinato de JFK, la mitología de Roswell es la piedra Rosetta para la brigada de los sombreros de papel de aluminio. Spielberg se divierte al preguntar: ¿Y si todo eso no es tan descabellado como todos pensábamos? Pero también sabe que el concepto de información pública como moneda de cambio y reconocer el simple hecho de que 2+2 no es igual a 5, independientemente de lo que diga cualquier Gran Hermano de turno, debería ser un requisito básico para cualquier discurso estándar en la sociedad civil. La realidad ha pasado del consenso al campo de batalla. Puede que el cineasta esté montando una campaña sensacionalista con este regreso a la ciencia ficción, pero parece creer sinceramente que la verdad está ahí fuera y que nos liberará.
Hay mucho que disfrutar en Disclosure Day: O’Connor demuestra una vez más su calidad de protagonista sin detenerse a conquistar; la singular habilidad de Blunt para hacer que todo, desde el desconcierto hasta la firmeza, pasando por un monólogo improvisado en ruso, parezca orgánico y arraigado en la realidad; la forma en que Colman Domingo dota a la frase «Siempre habéis sido vosotros dos» de la misma solemnidad con la que la mayoría de los actores interpretan las palabras de Shakespeare, Pinter y August Wilson; una toma de un coche saliendo de una granja —como si literalmente estallara por un lateral— que recuerda a la sensación que solían tener las películas de verano, pero que ahora rara vez transmiten. Y hay mucho que criticar, desde la forma en que los giros y revelaciones de la película resultan frustrantemente arbitrarios hasta un clímax que debería ser espectacular y, sin embargo, decepciona. Las reflexiones filosóficas nunca pasan de ser tertulias nocturnas en residencias estudiantiles y no terminan de encajar con los elementos más propios de una superproducción. David Koepp es, al igual que el director, un profesional consumado, pero es difícil evitar la sensación de que el guion, irregular y poco fluido, necesitaba varias revisiones.
Sin embargo, al final, sigue siendo una película de Steven Spielberg. Y si bien la calidad de su obra puede variar enormemente al considerar su trayectoria, subyace una pasión fundamental: por el cine, por contar historias a través de imágenes, por brindar al público una experiencia que despierte emociones intensas y genere adrenalina. Esto le confiere a su trabajo una vitalidad que evidencia la sensibilidad de un artista en plena creación. Para quienes crecimos con la Generación Tiburón, la idea de una nueva película de Spielberg es todo un acontecimiento, independientemente de si se trata de un éxito de taquilla o de una lección de civismo en la gran pantalla. Lo mismo ocurre con quienes se iniciaron en su obra durante la década de los noventa, cuando probablemente era el único director de Hollywood capaz de estrenar Parque Jurásico y La Lista de Schindler en el mismo año (!) y que todo encajara a la perfección.
Ese ADN cinematográfico de Spielberg está presente en Disclosure Day, y aunque este ejercicio de género tal vez no alcance las cotas de sus mejores obras del siglo XXI —entre las que destacaríamos se encuentran: Atrápame si puedes, Las aventuras de Tintín, Lincoln, Los fabelmans, West Side Story—, su presencia es más que suficiente para justificar la compra de una entrada. Además, tiene un extraño aire de cierre de ciclo, y no solo porque regresa al terreno fértil de Encuentros cercanos del tercer tipo y sus otros espectáculos de ciencia ficción. Se pueden apreciar rastros de todo, desde Duel hasta Minority Report, hasta el punto de que casi se convierte en una retrospectiva de su carrera en miniatura. Se le puede oír crujir los nudillos mientras dirige tanto las grandes escenas de acción como los pocos momentos más pequeños, efectivos e íntimos que aparecen. Sí, Spielberg cree que no somos el único juego que se desarrolla en el cosmos. Pero también cree que nuestra mejor naturaleza sigue intacta y que el cine aún tiene el poder de conmover y abrir corazones. Esta idea puede parecer anticuada para algunos, pero no resulta extraña en absoluto.
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Entre las miles de personas que durante el fin de semana se acercaron a Villa Domínico para despedir a Indio Solari, hubo dos que pasaron una noche entera mirando el asfalto. Mientras la fila avanzaba lentamente y los seguidores del Indio llegaban desde distintos puntos del país para darle el último adiós a su ídolo, Talo y Marcelo (o, como lo llaman sus amigos, El Fantasma), trabajaban sobre la calle para dar forma a una imagen que terminaría convirtiéndose en uno de los íconos de la jornada: un retrato monumental de Solari pintado directamente sobre el pavimento.
La fotografía aérea del mural, tomada desde un dron, recorrió las redes sociales y los medios de comunicación. El retrato del Indio, ocupando toda la calzada y rodeado por cientos de personas, fue la postal viral de una despedida tan popular como espontánea y conmovedora. El símbolo de un acontecimiento que quedará marcado en la memoria cultural de la Argentina.
La idea nació apenas se conoció la noticia de la muerte de Solari. “El viernes nos enteramos y fue algo impactante para nosotros. Tanto él [por El Fastasma] como yo somos muy fanáticos, sobre todo de Los Redondos”, cuenta Talo a Rolling Stone. Horas más tarde recibió el llamado de su compañero. “Me dijo: ‘Vamos a pintar al Indio’. Yo ni siquiera sabía que lo iban a velar en Villa Domínico, mi barrio. Cuando me enteré, se me movilizó todo el cuerpo”.
La cita fue a las 11 de la noche del sábado en la esquina de Posadas y Mitre, a escasos metros del Parque Domínico y del Polideportivo José María Gatica, donde se llevó a cabo el velatorio público. “Algunos chicos nos ayudaron a pintar el fondo de blanco y a marcar la cuadrícula. Después nos pusimos a pintar”, narra Talo. Lo que siguió fue una noche atravesada por el trabajo, la emoción y la colaboración colectiva.
Vecinos y amigos del barrio acercaron cables, consiguieron electricidad, ayudaron con los permisos pertinentes de la Municipalidad y organizaron un cordón improvisado alrededor del dibujo para evitar que la gente lo pisara mientras todavía estaba fresco. “Fue un conjunto de personas que se movilizó para lograr esto”, explica Talo. “Nos traían agua, café, algo para comer. Todo se fue dando de manera muy natural”.
“Pensé que el Indio nunca se iba a morir”, admite. “Tuvimos el privilegio de que todo ocurriera ahí y sentí que no podía dejar pasar la oportunidad de brindarle algo como artista. Todo el arte que nos dio fue infernal. Esto fue una muestra de cariño de nuestra parte”, dice Talo y da más precisiones de su trabajo: “Los chicos dicen que fueron diez horas. Para mí fueron doce. Fue eterno”.
A medida que amanecía y la cantidad de personas aumentaba, también crecía la carga emocional del momento. “Cuando levantaba la cabeza veía los ojos tristes de la gente. Los míos también. A cada rato se me llenaban de lágrimas”, dice. “Miraba el mural y no podía creer lo que estaba viendo. Nunca me lo hubiese imaginado. Miraba para arriba y sentía que estaba él, y que le decía: ‘Qué guacho, el regalo que me diste’”.
La multitud comenzó a rodear la obra incluso antes de que estuviera terminada. Muchos se acercaban para agradecerles, otros para sacarse fotos o simplemente para observar el proceso. Algunos les acercaban bebidas calientes; otros se quedaban durante horas acompañando el trabajo. “Recibimos muchísimo cariño. Todavía no puedo asimilar todo lo que pasó”, reconoce Talo y se le quiebra la voz: “Fue demasiada energía junta”.
Gracias a la gestión de la organización, Talo pudo ingresar a despedirse de Solari. Cuando regresó al lugar donde estaba el mural, se recostó sobre el capó de su auto para recuperar fuerzas. “Volví shockeado y cansado, no daba más“, recuerda. En una de las imágenes aéreas tomadas por un dron durante la despedida, se lo puede ver allí, casi oculto junto a la obra que acababa de terminar.
Además del físico, el mural también implicó un esfuerzo económico considerable para la dupla. Entre pinturas y materiales invirtieron cerca de 200 mil pesos. “Nos dolió”, admite. “Estoy a cero”, agrega entre risas. Sin embargo, el objetivo nunca estuvo relacionado con una cuestión comercial. “No fuimos por eso. Lo hicimos por otra cosa”, dice. “Venimos de abajo, a puro pulmón, desde el anonimato”.
Talo y El Fantasma llevan años trabajando juntos. Realizaron murales, telones y banderas para distintas instituciones y especialmente para Independiente, el club con el que mantienen un fuerte vínculo. Sin embargo, nada de lo que habían hecho hasta ahora alcanzó la repercusión de este trabajo.
La técnica es la misma que usan para los telones de las hinchadas: cuadrícula, tiza, aerógrafo y manos a la obra. Talo labura en una punta, El Fantasma en la otra, cada uno con su mesita para mezclar pinturas. Y tratan de ganarse la vida de esa manera.
“La verdad es que todavía no puedo creer todo lo que pasó”, insiste Talo una vez más antes de despedirse. “No caigo de lo que estamos hablando, ni del quilombo que se armó con el dibujo del Indio. El mural quedó plasmado ahí y será para toda la vida. O lo que dure”.
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