Mark Grayson (Steven Yeun) quería ser como su padre. Esa era la fantasía inicial de la serie animada para adultos Invincible: un adolescente torpe, noble y entusiasmado que descubre que heredó los poderes de Omni-Man (J.K. Simmons), el superhéroe más poderoso del planeta. La primera temporada juega durante un buen rato con esa ilusión juvenil. Mark aprende a volar, se inventa un nombre, estrena traje, se enamora, comete errores y cree que el heroísmo consiste en resistir golpes hasta que el cuerpo aguante.
Entonces Omni-Man masacra a los Guardianes del Globo y tanto Omni-Man como la serie revelan su verdadera identidad. Desde ese momento, Invincible deja claro que no está interesada en la fantasía canónica del superhéroe adolescente. Lo que realmente quiere contar es el derrumbe de una familia.
Nolan Grayson no es simplemente un padre ausente o un mentor exigente. Es un conquistador viltrumita que ha vivido años fingiendo amar a la humanidad mientras espera el momento de someterla. La brutal paliza que le da a Mark en el final de la primera temporada sigue siendo uno de los momentos más devastadores de la televisión reciente porque no duele solo por la sangre. Duele porque convierte una pelea superheroica en abuso familiar. La serie nunca se recupera de esa escena y ese es su mayor acierto.
La segunda temporada entiende que el trauma no desaparece después de los créditos. Mark intenta seguir estudiando, amar a Amber (Zazie Beetz), ayudar a Atom Eve (Gillian Jacobs) y salvar personas, pero carga con la sospecha de que dentro de él puede vivir la misma violencia de su padre. Debbie, la madre de Mark, interpretada vocalmente por una extraordinaria Sandra Oh, se convierte entonces en uno de los personajes más ricos del relato. Su duelo no es solo marital, es el de una mujer que debe aceptar que la vida que construyó fue parcialmente una mentira.
Steven Yeun también hace un trabajo admirable como Mark. Su voz conserva la inseguridad adolescente del personaje, pero cada temporada le añade más cansancio, rabia y miedo. Mark no es invencible. El título siempre fue una ironía. Su cuerpo se rompe, sus vínculos se deterioran y su idea del bien se vuelve más difícil de sostener cada vez que la serie lo obliga a elegir entre salvar a todos o preservar su propia humanidad.
La tercera temporada lleva esa tensión a un punto especialmente feroz. El conflicto con Angstrom Levy (Sterling K. Brown), las variantes de Invincible y la llegada de Conquest (Jeffrey Dean Morgan) convierten la historia en una prueba moral. La violencia ya no es solo un espectáculo sino una tentación. Mark ha repetido durante años que nadie merece morir, incluso los peores enemigos, pero Conquest lo empuja más allá de ese límite. Cuando Mark finalmente responde con una brutalidad que lo horroriza incluso a él mismo, la serie encuentra una de sus ideas centrales. El problema no es tener poder, sino descubrir qué parte de uno mismo aparece cuando el poder deja de tener freno.
La cuarta temporada recoge esas consecuencias y hace algo inteligente, baja la velocidad sin perder intensidad. Después de Conquest, cada golpe pesa distinto. Mark ya no pelea como el chico que quería demostrar que podía ser un héroe. Pelea como alguien que teme convertirse en aquello que más odia. Su relación con Eve, con su medio hermano menor Oliver (Christian Convery), se vuelven más complejas porque todos funcionan como recordatorios de una vida que todavía puede salvarlo de la lógica viltrumita.
El regreso de Nolan al centro dramático de la serie también resulta fundamental. J.K. Simmons nunca interpreta a Omni-Man como un mero villano. Su voz transmite autoridad, vergüenza, orgullo y una culpa que jamás llega a absolverlo. La serie comprende que la redención no puede borrar el daño. Nolan puede cambiar, pero eso no elimina lo que hizo. Y Mark debe decidir si puede mirar a su padre sin convertirse en él.
Invincible también funciona porque, como en los mejores cómics de superhéroes (la serie está basada en el propio cómic de Kirkman), su universo secundario está lleno de personajes que parecen merecer su propia serie (Atom Eve tiene un episodio especial). Rex Splode (Jason Mantzoukas), Cecil Stedman (Walton Goggins), Allen The Alien (Seth Rogen), Robot (Zachary Quinto), Monster Girl (Grey DeLisle), Thragg (Lee Pace) y muchos más (tal vez demasiados), amplían la historia más allá del drama familiar de los Grayson.
No todos reciben el mismo desarrollo en las cuatro temporadas, y ahí aparece una de las debilidades del conjunto: La serie acumula tantos frentes que algunos personajes desaparecen durante largos tramos o quedan reducidos a promesas futuras. Aun así, cuando decide concentrarse en ellos, encuentra momentos notables, especialmente en el conflicto de Eve con el sentido práctico del heroísmo y en la ambigüedad moral de Cecil.
La animación ha sido motivo de debate desde el comienzo. En escenas cotidianas puede lucir rígida, incluso barata para una producción de este tamaño (¿es que no entienden que es un homenaje retorcido a las series animadas de aventuras de los ochenta y noventa?). Pero los quejicas de las redes deben admitir sin rechistar que cuando llega la acción importante, la serie sabe exactamente dónde poner el músculo.
Las peleas, más que buscar elegancia buscan impacto brutal. Los cuerpos atraviesan edificios, los huesos se rompen, la sangre salpica y la destrucción tiene consecuencias. Esa crudeza separa a Invincible de tantas historias de superhéroes donde las ciudades quedan reducidas a escombros sin que nadie parezca recordar a las víctimas.
La comparación con The Boys, la otra serie de superhéroes de Prime Video, e Invincible es inevitable porque las dos parten de una misma premisa que es la de desmontar el mito del superhéroe perfecto. Pero sus objetivos son distintos. La serie de Eric Kripke (también basada en cómics) utiliza el cinismo, la sátira política y el humor negro para mostrar un mundo donde el poder corrompe inevitablemente, mientras que Invincible conserva una fe casi clásica en el heroísmo.
Incluso en sus momentos más oscuros, la serie de Robert Kirkman sigue creyendo que las personas pueden elegir ser mejores. Donde The Boys se pregunta cuánto tarda un dios en convertirse en monstruo, Invincible se obsesiona con una cuestión más dolorosa y es la de cómo evitar convertirse en el monstruo que te crió.
Después de cuatro temporadas, la serie se ha convertido en algo más que una alternativa violenta al modelo Marvel o DC. Su fuerza no está en parodiar el género, sino en exprimirlo hasta que aparezca lo que muchas franquicias esconden: El costo emocional de salvar el mundo, la herencia tóxica de los padres, la culpa de sobrevivir y el miedo a que la violencia se transmita como una enfermedad familiar.
Invincible empezó preguntando qué pasaría si Superman fuera tu papá. Cuatro temporadas después, la pregunta es mucho más profunda: ¿Qué haces cuando descubres que el monstruo al que debes derrotar también forma parte de tu sangre?
P.D. Todavía quedan muchos interrogantes, los cuales se irán revelando en la temporada 5, la cual probablemente no será la última, pensando en la tendencia de Kirkman de alargar sus relatos de manera innecesaria como lo hizo con The Walking Dead.
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La responsabilidad de un vocalista con su instrumento es tan enorme que, si sus cuerdas vocales llegaran a dañarse, podría enfrentarse al fin de su carrera. Por eso es que para Bruce Dickinson decir adiós cuando ya no se posee la misma capacidad vocal que antes es un acto de dignidad y de respeto con los fanáticos.
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El cantante de Iron Maiden, que posee una de las voces más privilegiadas del heavy metal, habló recientemente sobre lo que opina de sus colegas que, pese a tener graves afectaciones en sus voces que les impiden ofrecer interpretaciones de calidad, insisten en seguir subiendo a un escenario. En una entrevista con Kerrang!, el músico recordó una discusión que tuvo con un periodista al respecto: “Le dije, ‘Mira, hay un montón de cantantes cuyas voces ya están deterioradas y todo el mundo lo sabe. Y me responde, ‘Sí, pero son leyendas’. No son unas leyendas, son personas que no pueden cantar más. Cuando lo hacían bien, sí lo eran. Pero cuando ya no lo pueden hacer, dejan de serlo”.
Dickinson admitió que es una “verdad brutal”, pero advirtió que él mismo no podría seguir ofreciendo presentaciones si su capacidad vocal se viera reducida considerablemente. “No sé cómo la gente se sube a un escenario cuando ya no puede cantar más. Claro, es su vida, pero no es la manera en que yo hago las cosas”, agregó.
El tema surgió luego de abordar la salida de Nicko McBrain a finales de 2024, quien tras sufrir de un derrame cerebral en 2023 vio reducida su capacidad de tocar la batería y decidió dar un paso al costado de su vida de gira. El baterista Simon Dawson, que también desempeña el mismo papel en British Lion —la segunda agrupación de Steve Harris—, asumió la posición y ha acompañado a la banda en sus presentaciones desde entonces.
En la misma entrevista con el medio inglés, tanto Dickinson como Harris hablaron sobre si existen preocupaciones por el fin de Iron Maiden, a lo que ambos respondieron que el grupo legendario todavía tiene mucho para dar. Los músicos no descartaron que, una vez finalice la gira de celebración por los 50 años de existencia de la Doncella de Hierro, comiencen a trabajar en el sucesor de Senjutsu (2021), aunque aclararon que todo llegará a su tiempo.
“Personalmente, amaría hacer otro disco. […] Si tuviera que elegir entre eso y salir de gira de nuevo, preferiría lo primero, pero Steve funciona al contrario. Él saldría de gira y gira hasta que muriera en el escenario”, comentó el vocalista. “Creo que Bruce amaría hacer un nuevo álbum y yo no tengo problema con eso. Solo pienso que si lo hacemos, tiene que ser en el momento indicado”, sumó el frontman. “No quiero hablar mucho de eso y no digo que no vayamos a hacerlo, solo que no quiero apresurarlo”.
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Sin duda, todo ser humano guarda una chispa que se convierte en el motor que impulsa su vida. Es difícil imaginar nuestra existencia sin una esperanza capaz de robarnos el aliento cada vez que pensamos en ella. En los días malos, en los mejores e incluso en los más ordinarios, recordar y aferrarnos a aquello que ilumina nuestro corazón es un abrazo para el alma. Es una fuerza que nos sostiene y nos recuerda que, aunque sea por un instante, la belleza también habita en la sencillez. Y en ese momento, la vida parece no poder ser mejor. Esa chispa puede encontrarse en una taza de café por la mañana, en jugar con tu perro, en escuchar tu canción favorita, en ver a tu artista preferido sobre el escenario, en compartir una comida con toda la familia, en viajar al lugar con el que siempre soñaste o, simplemente, en el privilegio de estar vivo. Esa luz que arde con la intensidad de la esperanza y la pasión tiene un nombre para Greeicy: Candela.
En esta entrevista exclusiva con ROLLING STONE en Español, la artista colombiana comparte la historia detrás de su cuarto álbum de estudio, Candela. Más que un proyecto que amplía su catálogo musical, Greeicy nos abre las puertas de su universo personal para invitarnos a reflexionar sobre esa pasión que enciende la candela que cada ser humano lleva dentro. A través de las distintas etapas de su vida, encontró en este concepto un mantra que la ayudó a superar las adversidades que alguna vez limitaron su camino hacia la mujer y la artista que es hoy. Por ello, extiende una invitación a todos aquellos que conecten con su mensaje: detenerse por un momento y meditar sobre el tiempo, la búsqueda y el propósito de la vida. Porque al final, solo tenemos una, y la manera en que recordaremos nuestros días se construye en el presente. Es aquí y ahora donde decidimos qué experiencias, sueños y emociones encenderán nuestra propia Candela.
Lee aquí la entrevista completa:
Candela es lo que nos enciende el alma, lo que nos motiva en nuestra cotidianidad y lo que nos sigue inspirando en lo más profundo. Cuéntame sobre esto.
Me encanta que inicie así la conversación. Definitivamente, esta es la conclusión del por qué le puse Candela al álbum. De hecho, este concepto nace en un momento de mi vida que era difícil, donde el alma estaba un poquito bajita y donde estábamos un poquito apagados a nivel familiar. Estábamos bien, pero había mucho ruido afuera y eso te afecta el alma. Yo dije: ‘Dios mío, gracias porque entendí la importancia’. Todos tenemos una candela, esa lucecita dentro; solo falta que entendamos qué es lo que la enciende. En mi caso, creo que la pasión la enciende, la familia, la música, el orgullo hacia los míos, bailar, mis animales. Siento que la vida me puso en esta situación para analizar varias circunstancias a mi alrededor, así me regaló este concepto.
“La palabra empezó a llegar desde varios lugares y dije: ‘La vida está muy Candela’”
La gente estaba candela, y todo lo estaba. Era lindo que todas las personas encontráramos cuáles son esas cositas que encienden el alma cuando nos duele, o cuando los días están difíciles. Esto nos puede salvar de muchas situaciones. En mi caso, muchas veces digo que le dedicamos mucho porcentaje de nuestra vida al trabajo, pero, ¿a qué le quieres dedicar más tiempo? Siento que trabajamos tanto, que diría que es un 60% de nuestra vida que se va destinada al trabajo, pero tampoco veo las estadísticas. Quiero que la gente se pregunte a qué le queremos dedicar ese tiempo, porque cuando los días se ponen difíciles, no es lo mismo si te levantas a hacer algo que te apasiona y que en el día te hará encender tu candela. Me pasaba que me sentía bajita de ánimo, pero iba de manera responsable a realizar mis labores, pero también decía: ‘Gracias Dios mío por permitirme hacer lo que amo, porque esto enciende mi candela’. Este álbum encierra todo esto. A nivel musical, hay mucha variedad. Siento que cada una de las canciones enciende una candela diferente en mí.
Candela es una celebración de tu autodescubrimiento. ¿Qué fue aquello que descubriste que no sabías de ti?
Creo que, a nivel de la Candela del alma y del ser humano, hay una muy especial. Esta última etapa de mi vida, y algunas otras que conllevan la maternidad, siento que para las mujeres que tenemos este privilegio de crear vida y de dar vida, es una etapa en la que te das cuenta que puedes dar mucho más de lo que crees. Ejemplo, cuando llegó la maternidad para mí hace cuatro años, yo decía: ‘Wow, yo en mi lista de sueños nunca tuve ser madre y siempre le había dedicado gran porcentaje de mi tiempo a mis sueños, a la actuación, música y arte’. Pero después puse la maternidad como prioridad y me sumergí con intención y alegría a este universo, y cuando pasaron los años, vi que a duras penas me bañaba y me alcanzaba el tiempo, creí que no sería capaz de hacerlo. Sin embargo, con el tiempo entendí que hay muchas maneras de llegar al mismo lugar. No soy la misma mujer de antes, soy mucho mejor porque tengo un motor a mi lado que me motiva, inspira y enciende mi Candela. Encontré otra manera. Sigo encontrando ese balance perfecto para que todo esté bien. Para mí, como quiero estar bien con mi hijo, también quiero estar bien como individuo, y para eso, me gusta sentirme productiva, que trabajo por lo que me gusta y que sigo haciendo música. En esta etapa me he dado cuenta de que somos más capaces de lo que creemos.
A nivel musical, todo ha sido muy bonito porque siempre se puede avanzar. Miro atrás y digo: ‘Wow, no soy la misma de antes’. Hoy, a nivel musical, me siento en otro lugar porque ya sé qué me gusta y sé con qué cosas me conecto. En este recorrido me di cuenta que conecto con un montón de géneros y sonidos. Nunca ha sido fácil definirme o describir a qué género me dedico; solo me gusta la música. Disfruto de la música latina, la bachata, la salsa, el reggae, lo urbano, el folclor colombiano y muchas cosas más. En el álbum se ve un poco todos estos universos que me conectan a nivel musical. Me encantó descubrir que tenemos esa posibilidad de experimentar y explorar porque la gente está abierta a escucharte en otra propuesta, y es que, años atrás, se preguntaba cuál era el género que te definía. Hoy hay mucha posibilidad de explorar con géneros que nunca habías tratado.
“Siento que ha sido una etapa de descubrirme en muchos aspectos artísticos y personales”
A Candela lo percibo como un renacimiento de Greeicy, ¿lo sientes así?
Sí. Y más porque nunca había sentido que un álbum me representara tanto. Yo soy todas las canciones de ese álbum. Hay canciones muy personales, y no sé si las personas las puedan recibir como si fueran suyas, pero, independientemente de que nuestras realidades sean diferentes, todos nos enamoramos, equivocamos y aprendemos, y tenemos el mismo tipo de sentimientos. Siento que es lo lindo que tenemos los artistas para conectar a través de la música, de lo que sea que estés hablando y por más personal que sea. Ha sido muy bonito, porque en todos estos contextos musicales donde me siento identificada, la gente también conecta con cada una de las canciones que hay dentro de Candela.
También quería platicar de la versatilidad que muestras en Candela. ¿Cómo exploraste esta búsqueda sonora para el álbum?
Siento que el explorar diferentes géneros se ha venido dando en el transcurso de los años. Me he juntado con diferentes artistas; ya había hecho un reggae con Cultura Profética, que es mi banda favorita de reggae, y tener esta segunda canción con ellos es muy especial, no solo porque los considero unos artistas maravillosos, sino porque también son unos seres humanos preciosos. La música latina también me encanta. No soy bailarina profesional, pero la gente sabe que me gusta mucho el baile y me conecto mucho con la bachata, merengue, que tampoco había hecho. También me tomé el atrevimiento de hacer un vallenato, y recuerdo que alguna vez hicimos una versión de ‘Si tu amor no vuelve’ en reggae, pero nunca me había tomado el atrevimiento. De los géneros que experimenté en este álbum, ese fue el que tenía un poco más de nervios, y es que vengo de un país de muy vallenato, donde tenemos exponentes muy increíbles haciendo el género. No quería parecer atrevida y haciéndolo a la ligera. El productor con el que hicimos la canción nunca había hecho un vallenato, pero es un gran músico que entiende la música desde todos sus universos, así que lo hicimos desde todo el respeto. La gente se ha conectado un montón con esa canción.
Hay otra canción que me recuerda a mi infancia, al folclor. Es la época del colegio donde teníamos clases de danza y nos poníamos las faldas folkloricas. Esa canción representa la alegría de esa época y fue muy lindo porque representa la alegría de la vida, que contagia la emoción de ver a alguien conectando, bailando y demás. También hay afro y todo lo que te invita al baile y movimiento. Traté de agarrar todos esos géneros que me gustan y que escucho en mi día a día.
Este material tiene colaboraciones con Rawayana, Cultura Profética, La Guru, Calema y Branbel. ¿Cómo se dieron estos juntes?
Con Cultura Profética tuve una colaboración hace como tres años. Soy fan de ellos desde hace muchos años atrás. Cuando ‘Mantis’ salió, fue muy lindo porque llegó de una manera muy mágica y especial. Tuve un encuentro con una mantis religiosa. Lo primero que me dijeron fue que era muy difícil encontrarte con ella, y su significado es muy lindo. Para este álbum, me tomé la tarea de ejercitar mi músculo de la composición, entonces me puse a escribir una canción por mi cuenta, y ese día llegó un mensaje súper especial. Salió casi en dos horas. Nos pareció muy lindo en ese momento. Quedó guardada por casi cuatro meses, hasta que pasa una vaina en la vida de nosotros que fue muy extraña porque era ajeno a nuestra realidad. Después de eso, abrí mi computador porque tenía que entregar el álbum y ya tenía muchos mensajes pendientes, y lo primero que vi fue ‘Mantis’, lo que me erizó la piel. Gracias a varias situaciones, entendí por qué llegó esa canción. Me conecté muy profundamente con esa canción y subí a Instagram un pedacito, y al día siguiente, Willy de Cultura Profética me escribió diciendo que le gustó la canción y que estaría muy lindo volver a colaborar. Me emocioné demasiado y le mandé todo. Apareció de nuevo con su propuesta y me erizó, y lo que escribió, sin explicarle, para mí fue como si la vida o Dios hubieran puesto esas palabras en él. Es muy especial tenerlos ahí.
La que tengo con Rawayana, que es ‘Solecito vení’, es una de mis favoritas, y de los demás también. Tiene mucho que ver con dos cosas: la canción es muy buena y Rawayana está en un momento súper especial. Para mí, esto ha sido un privilegio y empujón gigante de hacer esta canción con ellos. Cuando la hicimos, no pensamos en Rawayana, solo pensábamos en playita y verano, donde puedas compartir con tus amigos en el mar. Salió la canción y me sonaba mucho a Rawayana, sentía la esencia de ellos. Dude en mandarla porque la agenda de ellos es una locura, y no sabía si iban a tener el tiempo de ir a un estudio y hacer su parte. Pero bueno, lo peor es que me dijeran que no tenían tiempo, no perdía con hacer el intento. Le escribí a Beto y le dije que me había tomado el atrevimiento, aceptando si me decían que no porque sabía lo apretada que estaría su agenda y justo estaban terminando Donde es el after. Él me dijo que no se imaginaba que le fuera a mandar algo así, pero le encantó y fueron súper generosos. Sacaron el espacio en medio de toda la prioridad que tenían para finalizar su álbum. Fuimos al estudio y escribió su parte. La canción salió y sabía que si era una colaboración tenía que ser con ellos.
Otra colaboración es con Branbel, un artista caleño muy talentoso. Lleva haciendo música hace muchos años y nació con ese talento. Está destinado a ser artista. También tiene una historia de vida muy bonita. Él es muy luchador y trabajador. Lo conocimos y nos enamoramos de su talento, así que hemos apoyado mucho su conocimiento para guiar su camino porque digamos que a nivel industria apenas está empezando. Tiene una magia súper bonita.
Para el vallenato, que me tomé el atrevimiento de hacer desde el respeto y con los profesionales del género, invité a La Guru, una artista colombiana. Me encanta porque siento que ella es la reina del despecho y desamor. Todo lo que sea de esos temas, los toca. La vi mucho en este tema, y no por el género, porque no hace vallenato, pero sentí que su voz, que es muy femenina, contrasta muy lindo con la mía. Ella hace un trabajo de composición maravilloso, y lo que le hizo a la canción fue muy bello.
Calema, que es un dúo de Portugal, los tenía mucho en mi radar, tal vez no tan presentes como dúo y artistas, pero sí había una canción de ellos que tenía en mi playlist. Yo, más que guardar artistas, voy guardando canciones de diferentes géneros que me gustan; pasa de urbano a vallenato, folclor a salsa y tengo todo lo que me gusta. Tenía una canción de ellos, así que los tenía referenciados. Pensaba hacerla sola, pero en la disquera los mencionaron diciendo que eran un dúo interesante con sonidos africanos, y cuando me los mostraron, claro que los conocía. La verdad, ellos le sumaron muchísimo a la canción. Tienen voces lindas y les quedó muy bella.
Las colaboraciones me gustan porque son muy versátiles, como el mismo álbum. Son artistas muy diferentes entre ellos, lo que le dio el toque. Así como hay muchos géneros, también hay muchos artistas. Esto me encantó porque amplifica y redondea todo el universo que hay dentro de Candela.
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Las mejores películas sobre la identidad rara vez intentan definirla. Prefieren observar cómo se construye, se quiebra y se transforma después de años de triunfos y derrotas.
El documental de Dano García no es una biografía convencional ni un relato cronológico sobre una transición de género. Tampoco es un manifiesto político disfrazado de cine. Es algo mucho más íntimo y complejo. Estamos ante un intento por ordenar los fragmentos dispersos de una vida mientras todavía se está viviendo, haciendo uso de la tecnología.
Mickey Cundapí Bustamante, artista multidisciplinaria, videobloguera y protagonista absoluta de la película, se convierte simultáneamente en narradora, personaje y archivo. A través de fotografías familiares, videos caseros, animaciones digitales, recreaciones y diarios personales, la película construye una especie de collage emocional donde el pasado y el presente conviven constantemente.
García encuentra una forma visual particularmente apropiada para contar esta historia. Desde las primeras imágenes, dominadas por colores saturados, proyecciones, pantallas y cuerpos transformados en superficies de expresión, queda claro que estamos ante una propuesta que privilegia las emociones sobre la cronología. La estructura avanza por asociaciones, recuerdos y sensaciones. Cada capítulo funciona como una puerta hacia una etapa distinta de la vida de Mickey (los primeros tacones, las pelucas, los descubrimientos), así como los errores cometidos, los miedos, las ansiedades y las pequeñas victorias que terminaron definiendo quién es hoy.
La película evita convertir a Mickey en un personaje ideal. Aquí hay dolor, resentimiento, episodios de soledad, fantasías perversas y momentos donde la confusión parece imponerse sobre cualquier certeza. García se niega a construir un relato de victimización. La discriminación, el miedo, el odio y la sombra del suicidio aparecen como realidades concretas dentro de la historia, pero se interesa mucho más por los mecanismos que permitieron a Mickey sobrevivir a esos momentos. La película no pregunta únicamente qué le ocurrió sino cómo logró seguir adelante.
Se habla de una infancia feliz sostenida por una familia amorosa, pero también de una adolescencia marcada por el conflicto interno, la incomprensión social y la presión de crecer en un entorno profundamente conservador. Mazatlán aparece constantemente como el escenario físico y emocional de esa lucha. El mar que regresa una y otra vez a la pantalla funciona casi como un espejo de la protagonista siempre en movimiento, cambiando y regresando al mismo lugar desde una forma distinta.
El documental pertenece a esa tradición de documentales autobiográficos tipo Tarnation, donde la experimentación visual no es un mero adorno sino una extensión de la experiencia narrada y una ampliación del lenguaje audiovisual. Pero Mickey se siente como que por fin ya estamos viendo un trabajo del siglo XXI, donde la cineosfera, la teleosfera y la ciberesfera difuminan sus límites, mezclándose y yuxtaponiéndose, del mismo modo como está sucediendo con los pronombres y con el discurso del género.
Mickey, al igual que el delirante trabajo de inmersión al ecosistema de los videojuegos conocido como Grand Theft Hamlet, se atreve por ir más allá de los cánones impuestos por el lenguaje del cine y los géneros cinematográficos, de ahí que el contenido se sienta tremendamente coherente con la forma. Los archivos digitales, las ventanas superpuestas, las animaciones y los cambios constantes de textura visual reflejan una identidad que también se encuentra en permanente reconstrucción. Lo que para algunos espectadores podrá parecer disperso o confuso terminará adquiriendo sentido como la representación de una memoria fragmentada que intenta reorganizarse.
La película parece moverse más cerca del mundo del videoarte y la videoinstalación que del documental tradicional, pero esto solo se sentirá como un pecado mortal para los espectadores puristas y para quienes todavía creen que los géneros son binarios y que las reglas sociales deben obedecerse, así sean arbitrarias y convencionales.
Otros podrán sentir que la propuesta formal puede convertir a su protagonista en un ser frío y distante. Pero la humanidad jamás se pierde. Incluso en sus pasajes más abstractos, nunca nos alejamos de Mickey. Todo nos retrotrae y a la vez nos lanza a sus recuerdos, fantasías, heridas e intentos por entenderse. Ayuda muchísimo que la familia esté integrada a la propuesta del documental y que las lógicas de la ciberesfera como lo son los reels, los blogs, los videos confesionales, los avatares, los videojuegos y los podcast sean utilizadas para ello.
Lo que permanece después de los créditos no es únicamente la historia de una transición de género. Es la sensación de haber acompañado a alguien en el proceso de apropiarse de su propia narrativa. Durante años, otras personas intentaron decirle quién y cómo debía ser. Mickey responde recuperando la palabra, la imagen y el cuerpo, convirtiendo cada recuerdo, incluso los más dolorosos, en un acto de libertad.
En tiempos donde tantas historias personales terminan reducidas a etiquetas o consignas, el documental de Dano García apuesta por algo mucho más difícil y es la de retratar a una persona compleja, contradictoria, vulnerable, profundamente humana, y asimismo, hacernos sentir algo por ella . En últimas, esa es la función primordial del arte.
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Desde hace casi dos décadas, Hugo Covarrubias se ha convertido en una de las voces más singulares de la animación latinoamericana. Diseñador gráfico de formación, director, animador y académico chileno, comenzó su carrera adaptando relatos literarios al stop motion con cortometrajes como El almohadón de plumas y La noche boca arriba. Más tarde participó en la creación de Puerto Papel, una de las series animadas más ambiciosas producidas en la región.
El reconocimiento internacional llegó con Bestia (2021), un inquietante cortometraje inspirado en la figura de Ingrid Olderöck, agente de la policía secreta de la dictadura de Augusto Pinochet. La película fue nominada al Óscar, ganó el Premio Annie al Mejor Cortometraje Animado y se convirtió en una de las obras más comentadas del cine latinoamericano reciente.
Durante su visita al Festival Internacional de Cine en Guadalajara, conversamos con Covarrubias sobre la vigencia de las historias relacionadas con la dictadura, la importancia de la memoria, el lenguaje visual de Bestia y los desafíos de llevar el stop motion a territorios cada vez más personales.
Después de haber presentado Bestia en tantos países, ¿qué representa para ti regresar a México?
México siempre ha sido un lugar muy cercano para nosotros. Esta es mi segunda vez en Guadalajara y desde la primera visita sentí una conexión muy especial con la ciudad. Chile ha crecido rodeado de cultura mexicana: películas, música, telenovelas, televisión. Hay algo familiar que hace que uno se sienta en casa.
Además, Guadalajara se ha convertido en una plataforma fundamental para el cine latinoamericano. Es un festival que abre puertas y conecta nuestras historias con el resto del mundo. Para cualquier realizador es un espacio muy importante para mostrar su trabajo.
Bestia aborda una de las etapas más oscuras de la historia chilena. ¿Por qué sigue siendo importante hablar de estos temas?
Porque hoy es más necesario que nunca. Estamos viendo cómo ciertos discursos vuelven a ganar espacio en distintas partes del mundo y eso obliga a mantener viva la conversación sobre la memoria y la justicia.
Lo importante es encontrar nuevas formas de contar estas historias. Con Bestia no quería hacer un discurso político evidente. Quería construir una experiencia cinematográfica que atrapara al espectador antes de revelar de qué estaba hablando realmente. La protagonista podría parecer una asesina serial cualquiera. Solo poco a poco el público descubre que está observando a una torturadora de la dictadura.
Creo que el desafío está en ampliar el diálogo y llegar incluso a quienes normalmente no escucharían este tipo de relatos.
Uno de los aspectos más fascinantes de Bestia es que transmite una enorme sensación de autenticidad, incluso cuando trabaja desde la ficción.
Eso era fundamental para mí. Mucha gente cree que Bestia es un documental, pero no lo es. Hay muchos elementos ficcionados.
Por ejemplo, nunca entré a la casa real donde vivió Ingrid Olderöck. No me parecía necesario. Lo que me interesaba era comprender la naturaleza de la maldad, no reconstruir un espacio de manera exacta. Sin embargo, ocurrió algo muy curioso: después del estreno conocí a una persona que sí había estado en esa casa y me dijo que se parecía muchísimo a lo que habíamos imaginado.
Eso me hizo pensar que, cuando uno investiga profundamente un personaje, termina construyendo una especie de radiografía emocional que puede acercarse bastante a la realidad.
Tus referentes suelen asociarse al stop motion más artesanal. ¿Qué influencias reconoces en tu trabajo?
Sin duda hay una influencia de artistas como los hermanos Quay y Jan Švankmajer. Pero más que copiar una estética, siempre me ha interesado la forma en que utilizan los objetos para contar historias.
En Bestia cada elemento tiene un significado. Los muebles, los trofeos, los símbolos, los materiales. Todo comunica algo sobre el personaje. Esa importancia de los objetos como portadores de sentido es algo que siempre me ha fascinado.
También me interesa mucho cómo los espacios narran. Las casas, las habitaciones y los escenarios cuentan cosas sobre los personajes incluso cuando ellos permanecen en silencio.
El diseño sonoro es otra de las grandes fortalezas del cortometraje.
Para mí el sonido siempre ha sido fundamental. De hecho, creo que si alguien escucha Bestia con los ojos cerrados está viendo otra película. Trabajamos con la compositora Ángela Acuña y con el equipo de sonido construyendo una experiencia muy física. Quería que la música no funcionara únicamente como acompañamiento, sino que se mezclara con los ruidos y las texturas para generar incomodidad, tensión y angustia.
Recuerdo que durante la mezcla final escuché la película únicamente con audífonos y sentí exactamente lo que buscaba: una sensación física, casi visceral. Ahí supe que íbamos por el camino correcto.
¿Cómo encontraste el lenguaje visual adecuado para representar a una figura tan perturbadora?
Fue un proceso muy largo. Al principio pensé en utilizar juguetes y una estética más infantil, pero poco a poco fuimos eliminando elementos hasta quedarnos con algo mucho más austero.
Las figuras de porcelana fueron fundamentales porque tienen una expresión casi inmóvil. Eso encajaba perfectamente con la personalidad de Ingrid Olderöck. La protagonista mantiene prácticamente el mismo rostro durante toda la película y, sin embargo, el espectador percibe cambios emocionales.
También trabajamos mucho con los materiales. Queríamos que únicamente brillaran la piel de los personajes y algunos elementos orgánicos como la carne. Todo lo demás debía ser opaco, frío y desprovisto de vida.
La animación latinoamericana atraviesa uno de sus mejores momentos. ¿Cómo observas ese crecimiento?
Con mucha esperanza. Cuando yo empecé, éramos muy pocos haciendo stop motion en la región. Hoy ocurre exactamente lo contrario.
Veo más escuelas, más estudiantes, más proyectos y más autores encontrando voces propias. México, Chile, Argentina, Brasil… todos están produciendo trabajos muy interesantes.
También creo que tenemos una responsabilidad. Vivimos tiempos complejos y la animación puede convertirse en una herramienta muy poderosa para reflexionar sobre temas políticos, sociales y humanos. No debemos tener miedo de utilizarla para eso.
Más allá de la animación, ¿qué cineastas influyeron en Bestia?
Curiosamente, mis referencias principales no fueron películas animadas. Revisité mucho cine de los años setenta, especialmente thrillers psicológicos.
Roman Polanski fue una influencia importante, sobre todo películas como El quimérico inquilino y Repulsión. Me interesaba la manera en que construyen personajes perturbadores y espacios cargados de tensión.
También volví a Antonioni y a otros cineastas de la época para recuperar cierta atmósfera visual y emocional. Bestia nace de ese diálogo entre el cine psicológico de aquellos años y mis propias experiencias e inquietudes personales.
Tu próximo proyecto, Bautismo, también tiene vínculos con la dictadura. ¿Qué puedes adelantarnos?
Es una película mucho más personal. Será mi primer largometraje y nace directamente de mi infancia. Yo crecí durante los últimos años de la dictadura en una familia que, por razones económicas y sociales, vivía dentro de una especie de burbuja. Mi padre tenía una panadería y además registraba muchas cosas en video. Esos materiales familiares se convirtieron en un punto de partida para reflexionar sobre cómo una persona construye su identidad dentro de un contexto político determinado.
La película habla de libertad, de crecimiento, de la relación con los padres y de cómo uno descubre que el mundo es mucho más complejo de lo que parecía durante la infancia. Esperamos estrenarla entre 2028 y 2029.
Después de Bestia y Bautismo ¿qué sigue para Hugo Covarrubias?
Seguir contando historias. Tal vez desde lugares distintos, tal vez explorando nuevas formas, pero siempre intentando encontrar algo verdadero dentro de cada proyecto. Al final, eso es lo que más me interesa: que una película provoque preguntas, genere conversación y deje una huella emocional en quien la ve. Porque ahí es donde el cine realmente cobra sentido.
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Se cuenta que Suga, nacido Min Yoongi, recibió su apodo de la expresión “shooting guard“, pero él prefiere centrarse en otro significado más acertado: “Es un apodo que a veces se les da a los deportistas que tienen una gran técnica”, dice, y menciona a Sugar Ray Leonard y al luchador de la UFC ‘Suga’ Sean O’Malley. Como rapero, Suga cuenta con un arsenal aparentemente infinito de flows de última generación, prestando mucha atención a la evolución del hip hop estadounidense. También comenzó como productor en su ciudad natal, Daegu, y nunca dejó de crear ritmos: autoprodujo gran parte de su álbum de 2023, D-Day, y produjo la canción extra de Arirang, ‘Come Over’. En el estudio, escucha más de lo que habla, y da un paso al frente para mediar en los desacuerdos entre los demás miembros. En nuestra entrevista, realizada en febrero en la sede de Hybe en Seúl, Corea del Sur, se refiere a su trabajo en BTS como “este trabajo”, pero deja claro que le encanta lo que hace.
En 2023, completaste una trilogía de lanzamientos bajo el nombre de Agust D, tu alter ego. Tanto en la vida como en tu carrera artística, ¿tuviste una sensación de plenitud y de que estabas listo para seguir adelante?
Sí, y me alisté en el ejército justo después de eso. Me sentía bastante decidido tras terminar la trilogía, sentía que Agust D había llegado a su fin… Después de ese álbum final, no me queda ningún sentimiento negativo en el cuerpo.
Dijiste que siempre habías sentido rabia dentro de ti. ¿De dónde viene eso?
Supongo que, cuando era más joven, tenía un poco de complejo de inferioridad. Además de cierta frustración con la sociedad en general, claro. Creo que fue una combinación de esas cosas.
Una de las cosas que hace que BTS sea tan interesante, y creo que una de las razones secretas de su gran éxito, es que no tienen las personalidades ni el perfil típico de los artistas que uno esperaría encontrar en un grupo de ídolos. Al igual que RM, tu forma de ser como artista, tu forma de pensar… no encaja necesariamente de forma natural en un grupo de ídolos.
Ya hacía música en Daegu antes de venir a Seúl, y en ese entonces realmente no entendía los grupos de ídolos. Pero luego, una vez que me uní a uno… aprendí que es mucho trabajo, que te mantiene superocupado y que no es nada sencillo. Ahora que me he acostumbrado, creo que en realidad encajo bien en este trabajo.
Cuando te metiste en este álbum —y repito lo involucrado que estás en la producción y que piensas en términos sonoros—, ¿cómo te imaginabas que sonaría y cómo se compara eso con el resultado?
Nuestra mayor prioridad era buscar un tipo de sonido que no hubieran escuchado de nosotros antes. Y creo que es simplemente un álbum de pop bien hecho, así que estamos muy satisfechos. No fue fácil escribir tantas canciones y pasar por todas las reescrituras y ediciones, pero también fue muy divertido, así que creo que por eso obtuvimos buenos resultados.
¿Perdiste personalmente alguna batalla por las canciones?
Creo que lo más importante es el equilibrio, por eso no insistí en incluir una canción concreta ni nada por el estilo. Dediqué más tiempo a escuchar diferentes opiniones y a mediar entre ellas. De todos modos, todo salió muy bien. La mayoría de mis canciones favoritas se incluyeron. Incluso aquellas que al principio no me encantaban, me han ido gustando cada vez más tras escucharlas varias veces. Así que, personalmente, estoy muy satisfecho con el álbum.
En 2022, cuando BTS anunció que se tomaría un descanso, dijiste que sentías que te estabas quedando sin cosas que decir. ¿Qué te ayudó a superar ese sentimiento?
Pues lancé mi álbum solista después de eso, y fue muy difícil trabajar en él. Pero ahora he estado enfocado en estresarme menos por eso. Siempre voy a encontrar cosas que decir, y luego me volveré a quedar sin ellas. Cuando ahora miro las notas de mi teléfono, me doy cuenta de que muchas notas viejas han adquirido un nuevo significado. Así que también canalicé algunas de ellas al trabajar en este álbum. Pero, sí, hay un ciclo eterno de encontrar y quedarme sin cosas que decir.
Diplo fue muy importante para este disco, y tengo curiosidad por saber qué observaste tú, como productor, y qué lo convirtió en la persona adecuada para impulsar el sonido de este álbum.
Ya había trabajado mucho con artistas de k-pop, así que entendía bien el proceso y el ambiente. Además, es un productor muy prolífico. Estábamos en un punto en el que necesitábamos a alguien que, más allá de escribir grandes canciones, realmente entendiera el flujo y la estructura de un álbum. Diplo hizo un trabajo increíble.
Sé que desde hace mucho eres un gran conocedor del hip hop. Si tuvieras que elegir rápidamente a tus mejores MC de todos los tiempos y explicar por qué, ¿a quiénes elegirías?
[Risas] Primero que todo, esa palabra, ‘MC’. Justo estaba hablando con mis amigos de que ya no la usamos casi. Pero, bueno… es difícil elegir. Crecí escuchando a Eminem, así que Eminem. Luego, Kendrick Lamar.
¿Qué opinas del estado actual del hip hop estadounidense? Ha habido mucho debate sobre si está un poco estancado.
Me entristece mucho la muerte de novatos con talento, como Juice WRLD. Pero la música siempre sigue ciclos basados en las tendencias. Puede que las cosas parezcan estancadas en este momento, pero antes de que te des cuenta, el hip hop volverá a subir en las listas. Siento que está en un período de transición. Es cierto que el hip hop está un poco estancado ahora mismo, pero seguro que volverá.
Le decía a J-Hope que los primeros 10 años de BTS fueron de ascenso. Ahora, están todos juntos de nuevo y ya en la cima. ¿Cuáles son sus metas actuales para BTS?
Deberíamos simplemente disfrutar. Antes, éramos demasiado competitivos, supongo. Siento que, en el afán por alcanzar nuestras metas, no nos preocupábamos tanto por nuestra salud física y emocional. Pero ahora podemos relajarnos un poco, especialmente porque todos somos mayores. Así que creo que ahora podemos divertirnos más con esto.
Parece que los miembros han hablado de seguir presentándose juntos en un futuro lejano: en sus 40, 50 y 60 años. ¿Te imaginas que eso suceda?
Mientras tengamos ganas, creo que podremos seguir adelante incluso a los 70 u 80 años. No estoy seguro de si podremos presentarnos igual que ahora, pero aun así… Podríamos encontrar otra forma de hacerlo. Así que, mientras tengamos ganas, no creo que haya ningún problema.
En tu opinión, ¿cuál es el verdadero secreto del éxito de BTS? Tanto en lo profesional como en lo que respecta a ser un grupo que permanece unido y cuyos miembros se quieren entre sí.
Es que son muy divertidos. Es divertido estar con ellos. Y como hemos pasado por todo tipo de dificultades juntos… los considero mi familia. Estoy seguro de que eso es parte de nuestro éxito, que compartimos un vínculo tan fuerte. Además, todos tienen mucho talento. Creo que por eso podemos confiar los unos en los otros en este viaje juntos.
¿Es complejo el escrutinio? Hay cosas que podrían ser insignificantes para otra persona, pero que son muy importantes en tu contexto. ¿Es difícil saber que así es como “tienes que actuar”?
Bueno, es parte del trabajo. Mi trabajo es vivir bajo la mirada del público. A veces, supongo, no es conveniente. No es conveniente, pero no me importa cómo me ven otros, y nunca leo las opiniones de los demás sobre mí. Así que no creo que sea particularmente difícil.
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Desde el principio, BTS nunca fue como los demás grupos de ídolos de Corea del Sur, y su líder fue una de las principales razones. RM, nacido Kim Namjoon, era un adolescente estudioso cuya única forma de rebelarse consistía en “salir a la calle a rapear”, cuando firmó con BigHit Music, la discográfica que acabó creando BTS en torno a él. Sus raíces underground y su instinto alternativo se ven plasmados a lo largo de sus álbumes solistas, Indigo y Right Place, Wrong Person, pero también lleva la música de su grupo hacia direcciones más atrevidas: su tema favorito de Arirang es ‘FYA’, en parte porque contó con JPEGMafia como coautor y con Diplo y Flume como productores. Durante la conversación, RM no se guarda nada, en parte porque piensa en la posteridad. “Considero que esta revista y esta entrevista contigo son simplemente otro registro”, dice, sentado en la sede de Hybe en Seúl, Corea del Sur, a mediados de febrero, “podría volver a leerla cuando tenga, digamos, 50 años”.
Eres una contradicción andante porque tus gustos son alternativos, sin embargo, eres el líder de la banda más grande del mundo, creando excelente música pop para las masas.
Creo que esa contradicción es como una crisis para mí, pero al mismo tiempo… esas dos caras están en mi interior. Escucho música pop, me encanta, siempre sigo las listas de éxitos. Cuando, a veces, no quiero pensar demasiado, simplemente busco el Top 50 Global y lo escucho. Pero en otros momentos me siento: “Vaya, esto no es suficiente. Tengo que indagar más”.
Es muy interesante escuchar tus álbumes en solitario, da la sensación de ser el tipo de música que hubieras hecho si nunca hubiera existido BTS. Me parece interesante que, como artista, hayas podido llegar a ese punto mentalmente.
Cuando todo el mundo dice que sí, yo quiero decir que no. Cuando formaba parte de BTS, me encantaba, pero, por supuesto, también hubo cosas que realmente odié. Y no podía negar esos sentimientos. Pero creo que sabía qué cosas mostrarle a la gente o qué simplemente ocultar y convertirlo en un álbum. Cuando regresé como solista, pensaba: “Tengo que hacer esto. Tengo que decirlo, porque si somos siete [miembros], tengo que cumplir con mi papel”. A veces tengo que ser amable porque muchos chicos nos están viendo, pero empecé en la música en las calles y rapeando, no puedo resistirlo. A veces siento que solo quiero hacer esta mierda… Así que, cuando se trata de proyectos en solitario, puedo expresarme tal vez sin pensar en cuestiones económicas.
Pude hacer una canción con Little Simz, Moses Sumney; grandes artistas… Realmente traté de romper las barreras. Me afeité todo el pelo e intenté no ponerme maquillaje. Y todos esos sonidos y artistas alternativos, realmente fue un buen reto y aprendí mucho, y eso me ayudó mucho cuando volví a las sesiones en Los Ángeles el año pasado para este álbum.
En 2022, le dijiste a Pharrell Williams que todavía amabas la música, pero que tal vez amabas más las artes visuales. ¿Cambiaste de opinión? ¿Cómo fue ese viaje para ti?
Creo que la música siempre está ahí. Es la raíz de todo, no puedes resistirte cuando suena una canción que te encanta, o evitar bailar o mover la cabeza al ritmo. Y creo que el arte visual, a veces, requiere más conocimientos previos, formación y aspectos más intelectuales. En el ejército, escuché muchísimos álbumes. Creo que ahora mismo estoy más enamorado de la música que antes… El álbum de Dijon estuvo genial. Revisé mi “Wrapped” de Spotify: Dijon, creo que lo escuché más de 500 minutos.
Has dejado en claro que los sencillos que BTS lanzó en 2020 y 2021 te dejaron confundido sobre cuál era la identidad del grupo.
Considero que todavía no lo sé. Creo que un músico debe hablar con su música. Y creo que sigo muy confundido, porque pensé que al terminar el servicio militar y al todos volver, entonces tal vez habría algún tipo de consenso muy claro con el que todos nos podríamos identificar, pero no fue tan así. Así que creo que estas 14 canciones podrían ser… todavía es muy difuso, pero podrían ser simplemente una respuesta para los que se preguntan: “¿Qué es BTS en 2026?”. Creo que para este álbum, intento expresar cosas más universales, como el amor, el dolor, la nostalgia. Todavía me interesa eso, expandir las experiencias personales en emociones y sentimientos universales.
¿Has pensado en escribir un libro?
La verdad es que sí. Pero, a medida que voy leyendo más y más libros, creo que no puedo, porque hay demasiados textos y escritores geniales en el mundo. Me da mucha pena siquiera el intentar escribir, así que escribo diarios, a veces escribo ensayos tontos. Quizá años después, si cambio de opinión, podría juntarlos y darles forma. Pero creo que escribir un libro me da más miedo que hacer un álbum.
¿Qué tipo de cosas haces para despejar la mente?
Caminar es genial, porque cuando das un paseo y ves los paisajes, tu cuerpo físico se está moviendo, y solo dejas que se mueva. Me ayuda a relajarme, y puedo soltar el estrés y todos esos pensamientos, y mirar al cielo. Pero Instagram, YouTube, Netflix… me quitan tiempo para verlo.
El servicio militar no fue sencillo para ti. ¿Todavía te estás recuperando psicológicamente? ¿Cómo te va con eso?
Creo que ya salí en gran parte de allí, si lo llamamos una cueva… Han pasado ocho meses y creo que ahora estoy bien, pero a veces, cuando trato de dormir y, simplemente, cuando se me viene a la mente, [me digo a mí mismo]: “Olvídalo, hombre. Ya terminé. Ya no estoy en el ejército”. Pero, siendo sincero, esa experiencia de tocar fondo psicológicamente creo que me ayuda. Ahora, estoy durmiendo en mi cama. Estoy bien. Creo que esa es la gran autoterapia.
¿Cambió esa experiencia lo que quieres de la vida como persona?
Siempre quiero vivir el presente, el ahora. Pero hay muchas cosas, en 2026, que nos distraen a ti y a mí de vivirlo. Pensamos que cuando vemos los reels y todos esos shorts estamos viviendo el ahora, pero no hacen más que distraer. Así que realmente extraño los momentos en los que simplemente caminaba bajo la lluvia y pensaba en todo.
Creo que esos eran los momentos en los que realmente vivía el presente. De verdad no quiero pensar en el pasado ni en el futuro porque son solo fantasía, pero es muy difícil concentrarse únicamente en dónde estás en este momento… Siempre me esfuerzo por dejar el teléfono a un lado de vez en cuando y leer un libro. Me esfuerzo por no pensar en el pasado [ni en el] futuro, porque el futuro nunca llega.
Estabas en ese lugar oscuro psicológicamente, y saliste de él. No fue para siempre. ¿Qué le dirías a un fan que se siente así en este momento?
Salí de eso, de la crisis que tuve el año pasado debido a todos esos entornos en los que me encontraba. Salí de eso físicamente, pero mentalmente, hasta ahora lo estoy admitiendo, ese sufrimiento imprescindible. No sé cómo se llama, pero siempre está ahí en alguna parte de mi corazón. Creo que todavía estoy descubriendo quién soy. Quizá soy demasiado sensible, [más] que los demás… O pienso demasiado.
A veces no puedo dormir, pero ¿quiero morir? No. Intento disfrutar de la vida, de dar paseos, de los buenos amigos, de tomar algo, de la música, de esta entrevista. Sigo luchando contra demonios, y creo que tal vez sea para siempre, y como dije, para siempre es demasiado tiempo. Pero solo quiero decir una cosa: en resumen, creo que la vida es divertida. No porque esté en BTS o sea una estrella. Simplemente creo que la vida es divertida y vivir es mejor.
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Entre las cosas que más le gustan en este mundo a Jin, nacido Kim Seokjin, están Coldplay, su estatus de “guapo a nivel mundial” y quizá, sobre todo, ser miembro de BTS. Incluso en un grupo notablemente centrado en los fans, el artista pone mucha atención a los sentimientos del ARMY: sus EP y shows en solitario fueron como una forma de mantenerlos entretenidos durante el descanso del grupo, además abogó por extender la gira de BTS. También es el rockero designado —incluso colaboró con Coldplay—, pese a que no ha tenido tiempo de ver tantas bandas como le gustaría. “Aunque he dado un montón de conciertos, en realidad no he ido a muchos”, dice en una entrevista realizada en febrero en la sede de Hybe en Seúl, Corea.
Me encanta tu canción en solitario ‘Loser’.
Para esa canción, colaboré con una artista coreana llamada Choi Yena. Ahora tengo 35 años [según el sistema tradicional de edad coreano; 33 según el recuento internacional], pero, para esa canción, intenté crear un ambiente más juvenil. Me alegra mucho saber que te gustó.
Suelen gustarme los géneros cercanos al rock, y siempre he querido incluir ese sonido en un álbum solista. Así que hice más peticiones de lo habitual. Al principio, la canción no sonaba tan intensa, así que pedí cosas como: “¿Y si amplificamos los gritos? ¿Y si cambiamos el sonido?”. Hice muchos ajustes.
¿Cómo te sientes al tener 35 años y ser un ídolo? Te ves muy joven, te sientes bien, pero ¿cómo concilias eso en tu mente?
Supongo que, de cualquier manera, es agotador físicamente. Si bien es cierto que ahora los mismos movimientos pueden parecer un poco más difíciles, esa es una carga que debo soportar. Para el público, tengo que mostrarme en plena forma. Así que tengo que esforzarme más. Siendo honesto, soy consciente de que no me muevo tan bien como los demás miembros. Por eso siempre he llegado temprano a los ensayos o me he quedado hasta tarde para ponerme al día. Todavía lo hago.
Pero, tengo que decirlo, sigues siendo guapo.
Sí, supongo que tuve suerte. Creo que soy más guapo que los otros miembros, aunque todos lo son. Debo tener al menos una cosa en la que sea el mejor del grupo [sonríe].
Tu gira en solitario tuvo una energía muy rockera y un nuevo enfoque; fue muy diferente de lo que haces con BTS. ¿Cómo se trasladó esa experiencia tanto a la creación del álbum como a la gira que vas a hacer con el grupo?
Solo estuve de gira un par de meses con mi banda. En cambio, he estado de gira con BTS por más de una década, por lo que no creo que la experiencia con la banda marque una gran diferencia. El grupo pasó más de 10 años haciendo música juntos y sincronizándose. Probablemente volveremos a la armonía de las giras sin mucho problema. Todos los miembros han tenido muchas ganas de salir de gira; se han estado esforzando mucho. Me ha costado mantener el ritmo, pero haré todo lo posible.
Estabas terminando tu gira en solitario durante el proceso de composición del álbum. Arirang es muy bueno, pero ¡imagina lo bueno que sería si tuvieras unos cuantos créditos de composición más!
[Sonríe] Sí, creo que hubiera sido mejor. Pero los demás miembros hicieron un trabajo increíble. Además, si hubiera sido codicioso y hubiera insistido en una sesión en solitario para poder incluir mis propias canciones, esta entrevista no se habría realizado hasta dentro de unos meses. ¿No se habrían aburrido demasiado los fans durante ese tiempo? La grabación se programó con unos tres meses de antelación, y mi gira ya estaba programada antes de eso. Así que, simplemente, no encajaron las fechas.
Siento que se vieron influenciados por tu música rock, aunque no estuvieras presente durante la composición. Me parece que toma esos elementos rockeros que te encantan y que utilizas tan bien.
No sé si hay varios elementos rockeros en este álbum. Después de todo, nuestro grupo siempre ha tenido una base de hip hop. A los demás miembros también les gusta el rock, pero yo soy el mayor fan. Por eso mi álbum solista tiene un enfoque rockero. Pero no sé si tuvo una gran influencia más allá de eso.
En algunos momentos, especialmente en la segunda mitad, escucho partes rockeras.
Los demás miembros me vieron en concierto y no paraban de decirme que ellos también querían presentarse. Así que, si influí en algo, podría ser que mi concierto inspiró a los demás a desearlo aún más y les dio un pequeño empujón. Eso podría haber tenido un pequeño efecto. V fue invitado especial en mi concierto una vez. Y cuando me vio bailar, sintió tal nostalgia que se echó a llorar en el escenario.
¿Cuál es tu canción de rock favorita de todos los tiempos?
Diría que mi favorita es ‘Viva La Vida’, de Coldplay. He sido invitado a dos de sus conciertos, y tenía muchas ganas de ver esa canción en vivo, aunque no me llamaron hasta mucho más tarde. Así que recuerdo que estaba saltando entre bastidores mientras escuchaba la canción… Hay otros temas geniales, por supuesto, y también canciones populares, pero esa en particular es especial para mí. Cuando veo ese escenario, siento que mi corazón late con fuerza. Tiene una cualidad tan conmovedora y emotiva, es el tipo de canción que me inspira. Así que pensé mucho en esos sentimientos cuando hice mi álbum solista.
Ser el mayor de la banda conlleva cierta responsabilidad. ¿Qué te gusta y qué no te gusta de ser el mayor de la banda?
Soy el mayor, pero dentro del equipo, los miembros realmente no… ¿me tratan como al mayor? ¿Suena raro decir eso? Supongo que no me ven como el mayor ni yo actúo como tal. Pero cuando son amigables, y me llaman hermano, y estamos cómodos, eso es lo que más me gusta. Supongo que lo opuesto es que no me gusta cuando se ponen demasiado informales. Como cuando me dan una palmada en el trasero, por ejemplo. Diría que esa es la parte que menos me gusta [risas].
Por cierto, 35 años es muy joven.
Sí, lo sé, lo sé. Pero me di cuenta de que definitivamente hay una diferencia entre los 25 y los 35.
Y tú siempre eres el primero en experimentar eso en la banda.
Tienes toda la razón. Déjame contarte lo que me dijo una vez uno de los miembros, me dijo: “Jin, si tienes problemas, ¡puedes esforzarte más y superarlos!”, y él es unos dos o tres años más joven que yo. Luego, volvió a hablar conmigo, dos o tres años después, y me dijo: “Vaya, ¿así de mal te sentías a esta edad? No tenía ni idea”.
Tu papel en el programa de variedades coreano Kian’s Bizarre B&B fue un gran éxito; a todos les encantó. ¿Cómo afecta eso tu forma de ver las posibilidades profesionales de cara al futuro?
Siempre he pensado que no hay motivo para seguir si no es con el grupo. Supongo que una carrera en solitario simplemente no es tan importante para mí. Si hiciera algo, sería… intentar algo diferente dentro del grupo cuando los fans se aburran. No me interesa la actuación ni nada por el estilo.
¿Lo dejaste atrás? Siempre estuvo entre las posibilidades.
Hace años que ya no considero esa posibilidad. Supongo que pensaba que no era el momento adecuado, pero estoy bastante convencido de que no será el momento adecuado por mucho tiempo.
¿Cuál es tu mayor ambición personal para los próximos cinco años?
Mi mayor sueño siempre ha sido salir de gira con BTS y conocer a tantos fans como pueda, de todas partes del mundo. Pero cuando recibimos los planes de la gira por primera vez, no tenía muchas paradas, solo iba a durar unos tres o cuatro meses. Dije: ‘Ahora que volvimos, le prometimos a la gente que iríamos a verla, y siento que esto es romper nuestra promesa. Me gustaría reestructurar esta gira para que podamos visitar más ciudades”. Así es cómo llegamos al calendario final de la gira; pudimos extenderla de cuatro meses a más de un año.
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Production by @_nuhana
Nuhana Executive Producer @sooh_hwang
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Camera Operators: Byeong Hwi Min, Churl Gwon, Hyunsuh Paik
DIT : Jiwoon Lee
Sound operator : Min Jae Lee
Digital Technician Huijin Kim
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Production assistant Seohyun Yoon
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J-Hope es “de hablar suave y elegante”, dice uno de sus colaboradores en Arirang, el compositor James Essien. “Y luego, cuando rapea, ¡es como si apareciera DMX! Uno queda: ‘¿Qué diablos?’. No te lo esperas”. Como dejó claro en su debut en solitario, Jack in the Box (2022), un álbum con gran diversidad sonora pero implacablemente contundente (después de su mixtape Hope World de 2018), a Jeong Hoseok nunca se le acaban las sorpresas, y su imagen pública sonriente es solo una de las caras de su realidad. Llegó a BigHit (más tarde Hybe) como bailarín de calle y aprendió a rapear después de unirse a BTS. Es ingenioso para llenar los silencios en las entrevistas grupales, siempre atento a si una sala necesita energía o sus amigos necesitan ayuda. “Hago lo que puedo por los otros miembros”, dice en una entrevista realizada a mediados de febrero en la sede de Hybe en Seúl, Corea del Sur.
¿Cómo se siente estar de vuelta con el grupo?
Bueno, después de terminar mi servicio militar, me presenté como solista por un tiempo antes de reunirme con el grupo. Y durante ese tiempo, ya sentía lo diferentes que son esas experiencias. Ahora que estamos juntos de nuevo, los otros miembros están llenando cualquier vacío que siento en mi expresión, en mi actuación.
En muchos sentidos, me di cuenta de que por eso somos siete: cada uno hace su trabajo de manera espectacular, y eso es algo que valorar. Pero lo que más me gusta es que los fans estarán felices de que estemos juntos de nuevo. Yo también estoy muy feliz por eso.
Hay una letra muy importante en tu tema en solitario ‘Arson’: “¿Apago el fuego o ardo con más intensidad?”. Parece una pregunta trascendental que se aplica tanto a tu carrera como a la de BTS, y parece estar relacionada con lo que dijo RM sobre que pensó en disolver al grupo, pero que al final decidió seguir adelante. ¿Qué relación hay entre esa letra y ese sentimiento?
Cuando escribí esa canción en 2022, volqué todas las emociones que sentía en ese momento. En aquel entonces, estaba preocupado. Pensaba: ¿es realmente algo bueno recibir todo este amor y atención? Quizás, mientras todos me aplauden y me animan, debería simplemente apagarlo todo. Y me preguntaba si era esto lo que quería. Pero creo que he cambiado mucho desde entonces. Porque todo esto es simplemente parte de mí, y a través de todo ello, ya sea trabajando con el grupo o en mi carrera personal, estoy viviendo muchas experiencias y aprendiendo de todo.
Hay cosas que solo puedes sentir en un momento concreto de tu vida. Así es como vives, creces y te conviertes en adulto, después de todo. Creo que sentí mucho de eso mientras hacía música durante ese tiempo y desde entonces.
Eso apunta a la idea de que siempre fue muy probable que ustedes continuaran, pero siempre tuvieron la opción de decir: “Ya lo hemos hecho todo, podemos retirarnos en la cima”.
Aunque, bueno… Ahora que ha pasado un tiempo, me di cuenta de que probablemente no es algo que pueda detener solo porque quiera hacerlo. Personalmente, me influyen mucho las personas que me rodean, así que tengo que pensar si puedo manejar el impacto emocional que mis decisiones tendrán en tantas otras personas. Me costó mucho lidiar con eso. Al final, sentí que mantener viva la llama es lo que realmente quiero, y la decisión que más se siente como mi verdadera esencia.
En tu álbum solista de 2022, usaste la metáfora de estar dentro de una caja. ¿Sigues sintiéndote como si estuvieras en algún tipo de caja? Y, de ser así, ¿de qué tipo?
Creo que esa fue una metáfora perfecta para ese momento. Pero ahora que he creado más música propia, me he desafiado a mí mismo y he sentido más cosas en general, no diría que estoy en una caja. Ahora me pregunto: “¿Qué puedo crear ahora que estoy fuera de la caja?”.
Aunque, en realidad, el origen de [mi] música proviene de la caja de Pandora. En la historia, todo el mal se libera cuando ella abre la caja, pero cuando la cierra, todavía queda esperanza dentro. Entonces, ¿a qué se enfrenta la esperanza cuando sale de la caja? Cuando lo pienso, debe haber tantas… otras presencias que necesito encontrar e incorporar a mi música, porque hay muchas emociones en la vida, ¿no? Ya sea alegría, amor o incluso algo más negativo. Hoy en día me interesa más enfrentarme a esas emociones de frente y expresarlas a través de mi música.
Tienes un papel muy importante en el grupo, tanto musical como emocional. Se dice que eres quien los mantiene unidos, y RM ha dicho que, en cierto modo, compartes su liderazgo. Es tu personalidad y tu talento: te necesitan. ¿Alguna vez te resulta una carga?
No diría que es una carga, simplemente hago lo que puedo, creo que ese es mi papel en el equipo. Y, bueno, no lo veo como una obligación, no pienso en lo que tengo que hacer, simplemente me sale de forma natural este… ¿papel? ¿Debería llamarlo así? Me resulta raro llamarlo un papel. Pero lo único que hago es tomármelo con calma.
Creo que queda claro, por tus letras y entrevistas, que a veces J-Hope está buscando una fuente de esperanza. Tú haces eso por otras personas, pero ¿dónde puedes encontrar esperanza tú?
Bueno… realmente pienso en eso todo el tiempo. Incluso mientras hablaba de esperanza, no estaba seguro de si realmente era una persona llena de esperanza. La verdad, sin embargo, es que todo se basa en tu mentalidad. ¿Era una persona alegre, positiva y optimista antes de que me pusieran el nombre de J-Hope? Claro, tenía una personalidad vivaz, pero no estaba obsesionado con la naturaleza de la esperanza ni nada por el estilo. Es como si el nombre y el lugar que encontré en la vida me hubieran convertido en quien soy.
En cuanto me lo pusieron, me dije a mí mismo que debía asumir la responsabilidad de este nombre que llevo, y eso cambió algo dentro de mí. Empecé a buscar esperanza por todas partes. Así que también se lo conté a los demás. Que si cambias tu forma de pensar, realmente puedes encontrar esperanza. Siempre me recuerdo a mí mismo: “Tú eres J-Hope”. Así que, no, no tengo un método detallado sobre cómo llegar ahí, pero mi vida actual está tan entrelazada con el concepto de esperanza y con J-Hope, que terminé encontrando mi camino.
¿Qué momentos se destacan para ti de la creación de Arirang? ¿Tal vez aquellos en los que sentiste que estabas descubriendo algo nuevo?
En primer lugar, el simple hecho de que los siete voláramos a Estados Unidos y tuviéramos sesiones de grabación juntos supuso un cambio total en nuestro proceso. Así que nos divertimos mucho empapándonos de la cultura y sintiendo el ambiente mientras trabajábamos. Creo que eso es lo que hizo que este álbum sea tan especial y único, y muchas de las canciones en sí mismas tienen un tono muy diferente al de nuestra última entrega. Así es como se refleja el proceso. Viajar juntos para hacer música nos permitió mostrar una nueva faceta de nosotros mismos y terminó fortaleciendo nuestro núcleo como grupo.
A juzgar por tus últimos sencillos como solista, pareces más cómodo escribiendo sobre romance. ¿Qué tuvo que cambiar en tu mente para llegar a eso?
Siento que el amor y el romance que se viven a los treinta años tienen un peso diferente al amor y el romance de los veinte. Más allá de mi experiencia personal, me doy cuenta de que reflexiono más profundamente sobre ello y adopto la perspectiva de un adulto más maduro.
Por supuesto, a quienes son mayores que yo les puede parecer tierno, pero lo que siento ahora es que debo abordar los temas emocionales con más reflexión y cuidado. Y, de hecho, eso me ha liberado para hablar más abiertamente sobre el amor. Creo que es simplemente el orden natural de las cosas. Me di cuenta de que el amor, como concepto, se va refinando cada vez más con el paso del tiempo.
Los primeros 10 años de BTS se centraron en alcanzar un nuevo tipo de superestrellato. Entonces, ¿cuál es el objetivo de BTS 2.0?
Últimamente, he estado pensando en que no debería adelantarme a los acontecimientos. Simplemente estamos viviendo y nos estamos divirtiendo mucho en este momento. Mientras sigamos avanzando con estos sentimientos intactos, naturalmente cumpliremos y lograremos todo tipo de cosas. Así que, en lugar de soñar en grande, solo quiero seguir divirtiéndome haciendo música con el grupo y cultivar nuestra relación entre nosotros y con nuestros fans durante muchos años más. Ese es mi único objetivo y mi esperanza. Eso es lo que quiero.
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Production by @_nuhana
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Gaffer/Camera Operator Wonman Kim
Camera Operators: Byeong Hwi Min, Churl Gwon, Hyunsuh Paik
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Digital Technician Huijin Kim
Photo Assistance: Soojung Oh, Minhyuk Lee, Minjun Kim, Jihyun Oh, Juwan Kang, Junhyung Yang Set Design assistance: Sohyun Won, Yunseon Choi, Junhyuk Sim
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V pasó gran parte de su infancia con su abuela en Geochang, un pequeño pueblo al sur de Corea del Sur. Allí desarrolló un gusto por la música clásica, desde Chet Baker hasta Frank Sinatra y Elvis Presley, y una aura melancólica y misteriosa que lo distingue de sus compañeros. Su voz encaja a la perfección: un barítono profundo y sensual que desata en su EP debut, Layover, con un aire íntimo y sensual. Siempre ha sido un elemento esencial en el sonido de BTS, y en Arirang, sus composiciones incluyeron temas fundamentales como ‘Into the Sun’. Se muestra tranquilo y seguro de sí mismo, salvo por su incapacidad para alcanzar las notas altas que le resultan tan naturales a alguien como Jimin. “Estoy en el registro más bajo”, afirma en una entrevista realizada en febrero en la sede de Hybe en Seúl, Corea del Sur. “Pero he aprendido mucho. He mejorado desde que grabamos nuestros álbumes anteriores, pero siempre será un reto para mí”.
¿Cómo te sentiste en 2022, cuando quedó claro que se avecinaba un descanso? Esto es todo lo que has conocido durante tanto tiempo.
Bueno, mientras estamos en el servicio militar, no podemos actuar aunque queramos. Así que realmente anhelaba actuar. Quería lanzar un álbum, quería cantar y bailar. Definitivamente sentía ese… ¿deseo? Llamémoslo deseo. Pero como nuestro país nos necesitaba, teníamos que hacer lo mejor posible con nuestra situación en ese momento. Así que me esforcé mucho por olvidarme de V de BTS por un tiempo, para poder concentrarme en vivir mi vida como Kim Taehyung.
Dijiste que después de tu baja, reconstruiste y reiniciaste tu mente y tu cuerpo. ¿Qué significa eso para ti?
Esa idea fue muy importante para mí. Sabía que mi tiempo en el ejército iba a ser bastante largo, así que pensé mucho en cómo aprovecharlo al máximo y no desperdiciarlo. Primero, consideré mis valores y mi salud. Intenté organizarme y reflexionar profundamente sobre mi mundo interior, mirándome a mí mismo y contemplando la clase de persona en la que finalmente quiero convertirme. Así que durante ese año y medio, hice mucho ejercicio. Leí mucho, escuché mucha música. Y creo que eso me dio la oportunidad de reconstruir mi cuerpo y mi mente.
¿Qué es lo más importante que has leído?
Le pregunté a mi amigo: “¡Oye, quiero leer! ¿Me recomiendas algún libro?”. Se emocionó muchísimo y me recomendó los libros de Han Kang y Keigo Higashino. Así que, literalmente, eso fue todo lo que leí. También había un libro llamado Eleven Steps. Era una especie de libro de filosofía. Pero con cualquiera de los libros, me encontraba insertándome en el texto. Como si me imaginara como un personaje de una novela, por ejemplo. Estaba tan absorto en mi imaginación en ese momento. ¿Fue útil? No estoy seguro.
Las ARMY’s dicen que te ves más seguro de ti mismo. ¿Lo sientes así?
Es que… De hecho, me di cuenta de que después de hacer ejercicio, me veía y me sentía diferente a cuando no lo hacía, tanto por fuera como por dentro. Así que supongo que tengo una figura más segura.
Eres muy cuidadoso con tu música en solitario. Tienes muchas canciones que compones y luego no publicas o borras. ¿Qué significó para ti terminar Layover y lanzarla al mundo?
Layover llegó a mí en un momento en que sentí la necesidad de reflexionar sobre mi trayectoria como V de BTS. La palabra “layover” puede significar una parada entre destinos, pero para mí, expresa que mi vida no es un camino recto. Quiero decir: puedo hacer este tipo de música, pero también me gustan muchos otros estilos. Me encanta el jazz, la música clásica e incluso la música alternativa, así que quería compartir eso con las ARMY’s y nuestros oyentes. Amo la música con todo mi corazón, y Layover es esa representación de mí.
El nuevo álbum de BTS es muy diferente de tu trabajo en solitario. Al crearlo, ¿cuáles eran tus objetivos personales para el álbum?
Antes que nada, no hay una sola canción en este álbum que no sea de mi estilo. Todas y cada una son de mi estilo y el tipo de música que siempre quise hacer. Creo que este era otro estilo que quería explorar, en cuanto a géneros. Así que me entregué por completo para crear este álbum, y tiene mucho cariño. Me refiero a este álbum de Arirang.
¿Tienes un momento favorito, ya sea tuyo o de otro miembro, en este álbum?
Como trabajamos en tantas canciones, hubo muchas canciones que me encantaron y que no fueron elegidas para el álbum. Y por supuesto tengo mis favoritas entre las canciones que se incluyeron. Pero más que nada… no veo la hora de volver a subir al escenario. Porque mis canciones favoritas siempre cambian cuando tocamos.
En un grupo de siete miembros, hay mucho espacio sonoro. ¿Alguna vez se involucra el ego: “Me gustaría estar más en esta canción” o “Esta canción en la que aparezco más no apareció”?
Bueno, creo que estaba más preocupado por poder hacer un buen trabajo. Porque por mucho que escuche lo que me gusta, es un juego totalmente diferente realizarlo yo mismo. Entonces, incluso si amo algo, tengo que esforzarme mucho, mucho, para interpretarlo y reimaginarlo de una manera que tenga sentido para mí. Pero si alguna vez tengo menos partes o tomo una parte menos central en una canción, no me siento mal por eso. Porque otro miembro ocupará ese lugar. Simplemente me siento… aliviado, en cierto modo. Lo único es que si los siete no encajamos, simplemente transmitimos esa canción.
Creo que el grupo es bueno para que todos se sientan prácticamente iguales.
Exacto. Y como los siete hemos tenido una carrera en solitario, el ego individual de cada uno es más fuerte ahora. Pensé que eso podría cambiar las cosas cuando nos reunimos de nuevo, pero en realidad nos potenciamos mutuamente y terminamos haciendo un mejor álbum. Así que tengo la sensación de que nuestro trabajo está más pulido que antes.
¿Sería correcto decir que no tienes ningún deseo de ser una estrella del pop solista?
Si no tengo ningún deseo, ¿no debería dejar de ser artista? Aprendí muchísimo de [los demás miembros] mientras trabajábamos en este álbum y saqué mucho provecho de observar sus trayectorias. Aprendí muchísimo. Así que cuando llegue el momento de hacer mi próximo álbum en solitario, planeo absorber las mayores fortalezas de cada miembro.
Me encanta el sonido más jazzístico de temas como ‘Winter Ahead’, una canción preciosa. Pero parece que estarías abierto a grabar un álbum pop.
Sí. De hecho, es un estilo que me encanta, uno que he intentado explorar. Así que, por supuesto. No sé cuándo será, pero algún día es un género que me encantaría probar. Eso es lo que pienso.
Las ARMY’s adoran tu actuación, pero les gustaría que interpretaras un papel donde el personaje no muera. ¿Harás más papeles así? ¿Buscarás un papel donde el personaje sobreviva?
Creo que mi mentalidad es la misma en la actuación que en la música. Cuando actúo, parte del objetivo es probar diferentes papeles que no puedo experimentar en la vida real, ¿verdad? De la misma manera, no quiero limitarme a un solo género musical. Quiero experimentar todos los géneros que realmente me gustan. Y algún día, si tengo la oportunidad, espero poder actuar en muchos papeles diferentes que siempre he querido probar.
Si tuvieras que recomendar a las ARMY’s a un artista de jazz, ¿quién sería?
¡Uy, hay demasiados! ¡Etta James!
Crew & Staff Credits
Writer @hiattb
Photographer @pakbae
Editors in Chief @seanfwoods & @shirleyhalperin
Executive Music Editor Christian Hoard
Creative Director @joe_hutchinson
Director of Photography @jennsantana
Director of Social & Video @waiss_aramesh
Associate Director of Social Media @leahluser
Executive Producer @chriskimfilm
Senior Product Designer @nthompson89
Senior Visuals Editor @photoeditorjoe
Producer/colorist @mitchsaavedra
Styling @yeyewrks
Hair @bit.boot_hansom @bit.boot_kimhwayeon @ozikc
Makeup @da_a_reum @shinae.lee
Set Designer @yeabyul
Production by @_nuhana
Nuhana Executive Producer @sooh_hwang
Nuhana Producers Producer @sebbbing@Kalegno
Nuhana Line Producer @_justcallmecherry
RS video DoP @mikebeechfilm
Gaffer/Camera Operator Wonman Kim
Camera Operators: Byeong Hwi Min, Churl Gwon, Hyunsuh Paik
DIT : Jiwoon Lee
Sound operator : Min Jae Lee
Digital Technician Huijin Kim
Photo Assistance: Soojung Oh, Minhyuk Lee, Minjun Kim, Jihyun Oh, Juwan Kang, Junhyung Yang Set Design assistance: Sohyun Won, Yunseon Choi, Junhyuk Sim
Production assistant Seohyun Yoon
Video Post-Production @glossnewyork
FASHION CREDITS
Jacket @__bonbom Sweater @ssstein_design Pants @maisonmargiela
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