A comienzos de junio de este año, Phoebe Bridgers anunció su primera gira en solitario desde 2023. El afiche promocional incluía una fotografía de la cantante y compositora de 31 años en una desolada calle de un pequeño pueblo, al volante de un vehículo turquesa vintage. Es el crepúsculo: el cielo exhibe un patrón cósmico de azul y rosa, similar al algodón de azúcar, mientras un haz de luz emerge detrás de una antigua casa revestida con tablillas blancas y contraventanas verde oscuro. Bridgers aparece como una figura diminuta dentro del encuadre, pero su energía es inconfundible. Casi dan ganas de preguntarse si su emblemático traje de esqueleto está guardado en el baúl del automóvil.
La imagen fue capturada por el fotógrafo de bellas artes Gregory Crewdson, cuyas inquietantes y deslumbrantes escenas de la vida suburbana han sido comparadas con la obra de David Lynch y el pintor Edward Hopper. Crewdson no suele realizar muchos trabajos editoriales o comerciales, pero asegura que hizo una excepción para la artista de cabello rubio platinado y reconocida inclinación hacia la melancolía.
“Necesito sentirme conectado con el trabajo”, le dice Crewdson, de 63 años, a Rolling Stone durante una videollamada desde su casa en el oeste de Massachusetts. “Había una afinidad, una sensación compartida de misterio y soledad, además del deseo de establecer conexiones con el paisaje y todo lo que eso implica. Es un encuentro entre el mundo de Phoebe y el mío”.
Crewdson cuenta que él y Phoebe Bridgers comenzaron a hablar sobre una posible colaboración hace algunos años, y que finalmente se reunieron el verano pasado en Hudson para planear el proyecto. La imagen fue capturada durante dos jornadas de rodaje en marzo de este año en la cercana Adams. “No quería hojas en los árboles; quería que se sintiera como el invierno dando paso a la primavera”, explica.
Las producciones de Gregory Crewdson se asemejan a un set cinematográfico, con alrededor de 50 personas en el equipo. Para la sesión se utilizaron cinco grúas destinadas a iluminación y equipos técnicos, mientras que el departamento de bomberos roció agua sobre la calle para crear ese resplandor casi místico. Según el fotógrafo, el alto nivel de producción busca intensificar lo que ya existe en el entorno. “Existe una perfecta convergencia entre nuestras luces artificiales y la luz ambiental del sol”, afirma. “Es ese único momento en el que todo encaja”.
La fotografía también posee un componente analógico. Crewdson señala una cabina telefónica visible al fondo de la imagen, un detalle apropiado para la próxima gira de Bridgers, en la que no se permitirá el uso de teléfonos inteligentes, así como la lámpara de xenón que proyecta el intenso haz de luz. “Es una luz de la vieja escuela que ya nadie utiliza”, comenta. “Sería muy fácil recrear eso con inteligencia artificial o efectos digitales, pero nosotros lo hicimos de verdad”.
Los seguidores de Bridgers seguramente peregrinaron a la calle de Adams donde se produjo la imagen, y Crewdson asegura que ya ha visto tatuajes inspirados en la fotografía. El artista también reconoce que, como muchos, quedó profundamente impactado por Punisher, el más reciente disco en solitario de Bridgers, publicado en 2020.
“Hay algo en ese álbum que realmente capturó mi imaginación, algo especialmente fantasmal y onírico”, dice. “Y, por supuesto, está esa tristeza que atraviesa todas las canciones. Me identifiqué muchísimo con ella, porque son temas con los que trabajo constantemente: esa sensación de soledad, pero también el deseo de establecer una conexión”.
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Es un sábado de mayo y el viento dulce del oeste arrastra un frío riguroso que hace sentir el otoño. Faltan apenas un par de horas para que Wos salga al escenario del Club Gimnasia y Esgrima de Ituzaingó, quinta escala de una gira bonaerense que empezó en Mar del Plata, pasó por Bahía Blanca, Tandil, Junín, Villa Ballester y que cerró el fin de semana pasado en Lanús. Afuera, mientras el sol se muere, late algo difícil de transferir. Ocurre con pocos artistas de su generación y lo podemos reducir, apenas, en un término: “mística”. Eso que está en el aire, se percibe a medida que el público, su público, se acerca. Es mística, sí. Pero no cualquier mística. Es una mística que conecta con el fenómeno musical, social y cultural más importante en la historia del rock argentino: la mística ricotera. “Qué bueno que se genere y se sienta esa sensación. Obviamente no es algo que uno pueda buscar, ¿no?”, dice Wos, con una mezcla de timidez, asombro y orgullo. “Pero lo que sí te puedo decir es que, en este camino, me fui encontrando con cosas que me van sorprendiendo a mí mismo”.
La decisión de hacer esta gira bonaerense, emulando una ruta que transitaron grupos como Sumo y Los Redondos en tiempos en los que la mayoría de los artistas de su generación está tocando en Europa o Estados Unidos, parece ir en esa dirección. Para un artista que se acostumbró a llenar estadios de fútbol, son conciertos casi íntimos. “Con todos los que son parte del proyecto, estamos buscando qué cosa realmente nos hace sentido y nos late en el momento para no entrar en el automático y, de verdad, hacer contacto con lo que estamos haciendo”, le explica en su camarín Valentín Oliva, el artista conocido como Wos, a Rolling Stone luego de la prueba de sonido. “Teníamos ganas de volver a conectar con esa energía. Un poco los Obras tenían esa misma línea, pero además queríamos hacerlo por [la provincia de] Buenos Aires y también porque ese público está en un montón de lugares, pero no necesariamente viaja a ver los shows. Nos dimos cuenta de eso: hay mucho público local en cada fecha que quizás no está acostumbrado a trasladarse, y otros que aprovechan para moverse, acompañar y caer desde otros lados. Pero creo que fue un poco eso: las ganas de ir a buscar a esa gente, ese contacto más cercano, y también el estilo de show, con menos capas”.
En septiembre del año pasado, Wos lanzó Ilusión supersport (Doguito Records), un EP de cuatro canciones, que iba acompañado por un mediometraje en blanco y negro, dirigido por Lucas Vignale, el director que fallecería trágicamente en el mismo accidente que el youtuber argentino Gaspi y el cantante estadounidense Oliver Tree.
Al mismo tiempo, protagonizará Magnetizado, el nuevo film de Luis Ortega, inspirado en la novela de Carlos Busqued. Uno de los atractivos de esta gira, para Wos, está en la escala, un vínculo mucho más cercano con la audiencia que permiten este tipo de venues. Microestadios que no superan los 5 mil espectadores. “Es un camino extraño el mío, porque empieza con mucha exposición”, argumenta Wos. “A veces, en algunas cosas, fue un camino inverso; en un sentido tuve algo que muchos tienen que construir por años hasta llegar a esa exposición y a ese nivel de escucha. Pero, por eso mismo, quizás te salteás o hacés otro tipo de camino donde te perdés cosas muy lindas también, como pueden ser este tipo de fechas y este contacto distinto con la gente. Aparte, me está pasando que son los shows que más disfruto arriba del escenario. Es muy loco ese ida y vuelta, y el disfrute que se está generando con la banda también me motiva mucho”. El feedback con sus seguidores gana en intensidad con la proximidad. “Siento que el público cumple una parte muy importante en nuestros shows y tenerlo cerca es clave. Desde que hacía rap y freestyle existió ese ida y vuelta energético, esa interacción. Después se fue transportando también a las canciones y agrandándose a un público totalmente nuevo que fue cambiando con el tiempo. Entonces, después de muchos años de tocar, es lindo encontrarme tan cerca con el público de ahora, que ya no es el mismo de hace cinco años, como nosotros tampoco somos los mismos. Es como actualizar algo, volver a estar cerca de esa gente, ver sus caras, su energía, y volver a sorprenderme. También hay algo de conectar con esta cosa más esencial, que es lo importante de salir a tocar, lo que nos gusta a nosotros. Es como un alivio, ¿no? Es decir: bueno, fuera de cosas exuberantes, en esto hay algo totalmente vivo y totalmente potente que existe, que es juntarnos para esto puntual que sucede. Entonces es muy lindo tener esa oportunidad, y te pasa a importar muy poco todo lo demás”.
La relación con el imaginario ricotero no es forzada, ni casual. En marzo de 2024, Wos presentó “Quemarás”, con la participación especial del Indio. Se trata de una balada mid tempo, una melodía circular que adopta aires marciales cuando Solari canta “podés resistirte a todo, menos a la tentación en tus modos, el amor es un sentir (y también una idea)”. El fuego, elemento fundamental de la naturaleza y también de la poesía ricotera, ocupa un papel preponderante en la canción. Pero hay otro fuego en ese asunto: el de la antorcha que entregó el Indio, que parecía señalar a Wos como uno de sus herederos. “Saber que el Indio me abrió ese lugar y que para él también fue algo estimulante es impagable. Ese vínculo de amistad que se generó con los años, y que además pudo continuar con ese tema y que quede plasmado en algo artístico, es impresionante. Esa energía de él también nos acompaña. Estar tocando y que aparezca su voz, y yo conectar con eso, es una energía que sí o sí te tira para arriba y te hace estar muy agradecido”, decía Wos. Nadie imaginaba la noticia de la muerte del excantante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, apenas un par de semanas después de este encuentro. El 5 de junio, desde su cuenta de Instagram, lo despidió así: “Hoy que necesito palabras tengo pocas, esta tristeza y un profundo agradecimiento. Nos cambiaste la vida a muchos. Te vamos a extrañar de maneras que aún no imaginamos. Llevo tu música y tu amistad en el corazón. Hasta siempre…”.
Volvamos al camarín, en Ituzaingó. Sobre ese vínculo con el Indio, decía Wos: “Es algo muy especial, algo que ni siquiera sé si me animaba a soñar. ¿Sabés qué pasa? Por cómo soy, las cosas se van dando. A veces tengo cierta timidez con respecto a las cosas que admiro; no en todo lo que me gusta me quiero involucrar, a veces simplemente lo disfruto desde afuera. Pero esto se fue dando de una manera natural, con ciertos guiños que nos fueron conectando. Y es loco que se haya dado, obviamente con tantas diferencias en lo musical. Pero me parece que fue más allá de eso y que terminó mixeando y conectando muy bien”.
La tribu de mi plaza
Las bandas wosistas van cubriendo el microestadio. Nadie hubiera pensado, hace una década, que en las competencias de freestyle en las plazas se estaba gestando un movimiento que crecería (y mutaría) en multiplicidad de direcciones, y que llegaría a lugares tan inesperados y disímiles, como las playas de Miami, las salas de conciertos de Europa, el late night show más popular de Estados Unidos… o este reducto del conurbano bonaerense. Alguna vez, en los 90, Sandro recibía al periodista Mariano del Mazo en un pequeño camarín de un cine de San Miguel con esta frase: “Bienvenido al Madison Square Garden”. Estaba allí porque había ido a cubrir uno de los conciertos suburbanos con los que solía preparar su desembarco en la calle Corrientes. Wos se ríe cuando le cuento la anécdota: “De la plaza es de donde venimos, más allá del lugar puntual o del barrio. Justamente esto de lo que hablaba, de las plazas y el hip-hop: no hay nada más en contacto con eso que ese momento del hip-hop, de las competencias, y lo mismo pasa con el rock de otras formas. Por eso se vive lo que se vive y se siente esa energía, porque es parte de lo que soy y de lo que somos todos”.
De todos modos, para Wos esto no formaba parte de un plan. “No lo soñé”, podría decir para seguir con la dialéctica ricotera. Pero lo que dice es esto: “Alguno que otro decía ‘con esto va a pasar tal cosa’, pero a mí ni se me cruzaba. De pronto empezó a suceder y para los que estábamos ahí fue una sorpresa enorme. Pero, como te digo, sí había una energía muy fuerte y genuina que encontró un lugar en eso: gente con ganas de expresarse y de tirar una rima sin demasiadas capas, sin demasiado elemento, en un contacto muy directo con los otros artistas y con la gente. Justamente, las rondas de freestyle siempre se dieron así; es algo donde se comparte una energía que circula. Fue muy potente lo que pasó y, como toda cosa que se agranda así, al ser una energía tan grande va encauzando hacia distintos lados. Es como una fuente de agua que va a distintos ríos; cada uno arrastra cosas distintas y lleva después su propia corriente, pero de alguna manera muchas cosas salieron de esa explosión”.
La plaza funcionó mucho más que como un espacio de encuentro y exhibición. Fue una escuela. “Ahí es donde yo hice ese recorrido, que es más raro. Esos fueron mis comienzos, mis inicios, que no son los convencionales para después armar una banda. Pero sí, obviamente eso me forjó y esa energía sigue estando. La gente que me escucha lo sabe, lo vio, y se siente también cada vez que en el show aparece la parte de improvisación. Más allá de que yo tocaba la batería y siempre estuve cercano a la música, descubrir la improvisación hizo que construyera mi identidad con eso. De hecho, mi primer acercamiento a las canciones fue a partir del rapeo, de ese formato. Después esa semilla fue deformándose, creciendo y apareciendo cosas nuevas”.
La improvisación es clave a la hora de pensar el freestyle, pero también es clave en la música que hacían (y hacen) los padres de Wos. Alejandro Oliva es uno de los miembros fundadores de La Bomba de Tiempo, el grupo de tambores que improvisan dirigidos por señas que desde hace dos décadas reinventa las noches de los lunes en la Ciudad Cultural Konex. Maia Mónaco es una notable artista multidisciplinaria, cantante y actriz que actualmente se enfocó en una suerte de electrónica orgánica, como una Björk criolla. Juntos, compartieron el grupo El Diablo en la Boca, una propuesta libre de géneros lanzada a la aventura de la improvisación. [Ambos están esta noche acá, en Ituzaingó, y no pueden creer cómo al primer acorde, miles de voces acompañan las complejas letras que canta su hijo].
Wos tardó en trazar una bisectriz entre la música de su casa y la de la plaza. “Me fui dando cuenta después”, confiesa. “En un momento dije: ‘Ah, claro, había algo acá’. Eso viene de ahí, estuve rodeado de eso en mi casa. Y es un tremendo juego que abre una puerta a ese mundo misterioso; un poco me la dio la improvisación. Yo obviamente me doy cuenta de todo eso que absorbí, incluso en lo rítmico puesto en la improvisación. Yo hice percusión de chico y después como que se fueron uniendo las cosas, ¿no? En algún momento de pronto mirás para atrás y le encontrás sentido a todo”.
No es casual que esa sea la piedra angular de su método creativo. Él lo explica así: “Para mí la improvisación, incluso en la composición, es siempre la puerta para sentarme a escribir después. Hay mucho de eso que para mí es muy importante. Las nuevas cosas que estoy componiendo también, muchas salen de las zapadas, así que es como un instrumento que está muy presente para mí. Sé que es lo que más me conecta con esa cosa más inexplicable y de disfrute, a la que después le voy dando distintas formas y distintos canales para darles un orden y una forma en el afuera. Pero la energía primordial creo que es esa”.
¿Sentís que al momento de empezar a desarrollarte como artista ese background te daba herramientas distintas o tu escuela como freestyler estuvo únicamente centrada en escuchar rap?
No sé si fue distinta o no, porque la verdad es que hay demasiada gente, demasiados estilos y formas de hacer. Hay mucha originalidad, sobre todo acá, en Argentina, que es algo que también hizo que eso . afuera llame la atención. Yo creo que cada uno tuvo un enfoque distinto, por lo menos los que yo fui conociendo en ese momento. Había algo muy particular de cada uno que es algo con lo que no podés mentir: en algo tan visceral, todo lo que vos traés aparece ahí, es medio inevitable. Algunos están más relacionados con una cosa que con otra, de acuerdo con lo que pasó en su vida y con lo que absorbieron. Por eso siento que cada uno fue muy distinto y dejó ver su universo. Y por eso también ahora, de los que fueron a construir un camino en lo musical y en lo artístico, se ven cosas tan distintas.
Así como sentís que fuiste encontrando tu propia voz en el freestyle, ¿cómo armaste tu identidad al momento de posicionarte como solista por fuera del movimiento?
Y, fue haciéndolo. Fue todo muy en el presente y no hubo demasiado tiempo para planificar nada; todo fue en vivo, digamos. Fue un experimento que se fue construyendo en simultáneo con ese ida y vuelta, con la situación que venía pasando con la exposición y con las giras. Obviamente todo eso que va sucediendo empieza a entrar en tu música. Una cosa era al principio, pero después, cuando ya empecé a tocar en vivo, aparecen otros elementos que empiezan a incidir en el estudio. La vida misma y los años te van dando cosas que ni te imaginás, ni buscás o entendés. Después, en mi caso, creo que hubo siempre una curiosidad de qué más podía encontrar en esta energía, qué otros cauces tenía o qué formas de estímulo podía encontrar para sacar eso que tiene que salir. Bueno, ese es mi eje. Para mí, lo que yo siento es: tengo esta energía misteriosa, desordenada, caótica, y le voy encontrando maneras distintas de que salga y estímulos distintos para que eso aparezca. Se fueron encontrando así cosas incluso muy distintas en mis propios discos, uno de otro. Y también con mi propio productor, con Evlay, llevamos un camino de años donde desarrollamos un vínculo en conjunto que es importantísimo.
Hay una palabra clave en la industria de la música en esta época que es la “narrativa”. Muchos artistas están pensando en un disco y, más allá, en una narrativa que lo acompañe, y me da la sensación de que esa palabra no está en tu vocabulario, sino que vas hacia algo más genuino.
Sí, creo que nunca me salió armar demasiado la cuestión. A veces es más fácil cuando uno puede construirse esa coraza o esa “narrativa”, como se dice. Digo, capaz que sería más sencillo para encarar ciertas cosas, pero no es algo que haya pensado o tenido en cuenta. Creo que la propia vida te va dando su propia narrativa y que entregarse a ese lujo de la vida y de lo que va pasando es lo mejor que, por lo menos yo, siento que puedo hacer. Cada momento me va dando una materia prima distinta.
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Thom Yorke escribió “Nude” para narrar, de manera desgarradora, eso que pasa cuando te das cuenta de que lo que soñaste nunca va a suceder. Pero lo que el líder de Radiohead nunca imaginó es que la introducción de esa canción, uno de los paisajes más desoladores de In Rainbows (2007), iba a terminar siendo el colchón perfecto para que un pibe de Sarandí que soñó mucho y que, según dice, está cumpliendo sus sueños, le cante al culo.
“Baby, te pusiste un putishort que no te calza/ ese culo es más grande que una casa./ Voy a dejarte un negro adentro de la panza/ te hago el amor mientras las horas se pasan”, rezan las primeras barras de “Putishort”, el cuarto track del flamante El que compró perdió, el segundo álbum de Little Boogie.
Martín Velázquez, el nombre detrás del personaje, tiene 25 años y vive en Buenos Aires. Pero cuando atiende el teléfono para hablar con Rolling Stone está en La Saladita, Sarandí, en la habitación de la casa de sus padres. La misma donde grabó sus primeras rimas, donde tiene una carpeta de dibujos tan polvorienta que, según dice, le provoca estornudos. Dibujos de una época en que también quería ser ilustrador de Marvel. “Para 2014, 2015 ya era solo un sueño frustrado”, dice y se ríe con la tranquilidad de alguien que saldó esa cuenta.
Su padre, Carlos “El Buitre” Velázquez, fue boxeador y trabajó dos años junto a Carlos Monzón. Salió de la Isla Maciel lustrando zapatos y encontró en el deporte un idioma para entender el mundo. Ese idioma se lo pasó a su hijo. Y también la música. El primer disco que le regaló Carlos fue Number Ones de Michael Jackson. El segundo, uno de Luis Miguel.
A los seis años, Martín ya sabía lo que quería. “Le dije a mi vieja: yo voy a ser rapero”, recuerda. Su mamá lo miró sin entender del todo. Martín piensa que lo asoció a la cumbia villera que ponían los primos cuando iban a lo de la abuela. “No sé a qué lo asoció. Pero en el fondo siempre trató de consentirme”, dice.
Un día apareció una escuelita de hip-hop en el barrio. Martín se anotó y conoció gente que escuchaba lo mismo que él. Se enamoró del baile, una de las ramas del hip hop. “Sentí que era parte de algo”, recuerda. Pero crecer en un lugar marginal, aclara, tiene una física propia: tarde o temprano uno termina eligiendo el camino del barrio. “Soñar está mal visto. Ser artista está mal visto. Hacer cosas nuevas está mal visto. Y eso es lo que la sociedad nos inculcó por mucho tiempo”, reflexiona.
A los 21 estaba laburando en un frigorífico. La música, en pausa. “Pensaba como la sociedad piensa de un pibito que es de zona sur y baila y canta y dibuja. Ya pensaba así, y me enojé mucho conmigo mismo”. Una charla a tiempo con Delfín, uno de los dos integrantes de Stereo –el dúo productor que hoy es su columna vertebral artística–, fue el cachetazo necesario. Sos artista, ponete las pilas, sacate la bronca. Algo así le dijo. Y de ahí nació “Ni cabida con el ditroit”, el tema con el que empezó a hacer ruido en internet. Algo que confirmó con “Okupas”, donde samplea (y reversiona) “Más o menos bien” de Él Mató.
El disco que acaba de editar junto a Stereo es una de las propuestas más singulares del rap local. Con samples que van de Duki (“She Don’t Give a FO” en “Joven por siempre”) a Charly García (“Promesas sobre el bidet” en “Bando (Freestyle)”), una colaboración con Milo J que impacta (“Voy a dispararme”, que incluye un inesperado sample de la cantante Caroline Polachek) y hasta una balada de redención a piano y voz (“Mamá tenía razón”) que podría salir en la radio.
“Los sueños que estoy cumpliendo son para el guachín ese, para ese pibe que estaba acá en esta habitación hace unos años”, cuenta. “A veces sueño que me busco a mí mismo para decirme: lo hiciste”.
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La primera vez que NIKKÖ tocó en un cementerio entendió que algo en su música había encontrado un lugar definitivo. Por eso, cuando empezó a trabajar en “FRIKIDADIDOU”, una canción atravesada por la imagen de un velorio familiar y los traumas que sobreviven incluso entre los vivos, pensó inmediatamente en una persona: Mariana Enriquez.
La conexión con la escritora se dio a partir de la oscuridad, elemento clave en la cosmovisión de ambas. Todo comenzó en 2024, cuando NIKKÖ –el nombre artístico de Nicole Mugneco– organizó un recital en el Cementerio Británico de Buenos Aires, una experiencia que recuerda como el show más importante y cinematográfico de su carrera hasta ahora. Antes de esa fecha, alguien de su equipo le recomendó leer Alguien camina sobre tu tumba, el libro de crónicas en cementerios de la autora argentina.
“Ya la seguía por entrevistas y sentía mucha conexión con las cosas que decía. Pensaba: ‘Yo quiero ser esa señora en unos años’”, cuenta Nikkö entre risas en diálogo con Rolling Stone. Y dice que intentó invitarla al recital, pero Enriquez no estaba en el país. Quien sí asistió fue la periodista Lala Toutonian, colaboradora y amiga de la escritora, que quedó fascinada con la propuesta. A partir de ahí empezó a construirse un vínculo que terminaría desembocando en “FRIKIDADIDOU”.
“El tema habla de familiares reunidos en un velorio, de gente que no se ve nunca, de la careteada y de los traumas que tiene uno. Entonces pensé: ‘Che, esta canción necesita que Mariana diga algo acá’. Sentía que el tema necesitaba su voz. Que había algo ahí que ella podía narrar mejor que nadie”, dice. Y cuenta que la grabación terminó siendo mucho más relajada de lo que esperaba. NIKKÖ pasó a buscar a Enriquez por su casa y juntas fueron a un estudio en Benavídez. “Lo que menos tiempo llevó fue grabar. Después nos quedamos todo el día hablando de música, tenis, Taylor Swift, canguros…”.
El momento más intimidante llegó cuando tuvo que mostrarle el texto que había escrito especialmente para ella. “Le dije: ‘Capaz esto te parece una mierda y tengo que encerrarme en el baño a escribirlo de nuevo’. Pero le encantó. Lo único que me cambió fue un verbo”, cuenta Nikkö, que de chica soñaba con ser escritora.
“Yo me encerraba en mi cuarto y escribía novelas interminables sin rumbo”, recuerda. “Me ponía música y lo que esa música me hacía sentir era hacia donde llevaba la historia”. A los 12 años descubrió accidentalmente que también podía usar su voz. Estaba sola en su casa, en el descanso de una escalera con eco, cuando hizo un sonido y pensó: “Che, creo que puedo cantar”. Las novelas empezaron a transformarse en poemas y después en canciones. Poco tiempo más tarde convenció a sus padres para empezar clases de canto, algo que desconcertó bastante a su familia porque siempre había repetido que quería ser escritora.
La primera vez que cantó en vivo fue en un bar de San Isidro, durante una muestra de su profesora. Eligió “I Love Rock ’n’ Roll”, el clásico popularizado por Joan Jett. “Después, cuando conocí más su historia, me sentí completamente identificada con ella. Cuando cuenta que iba a los sellos discográficos y le decían que no podía cantar, que su música no servía, yo me veo reflejada. Siempre me sentí del lado de los rechazados. En el colegio era la loser, la perdedora. Y arriba del escenario es cuando me siento ganadora. Tocar en vivo es una venganza contra mis pensamientos intrusivos y contra mi yo del pasado, que muchas veces dudaba de sí mismo”.
La primera etapa de su carrera estuvo marcada por Finnegans, la banda que formó después de terminar el colegio y con la que pasó once años grabando discos y girando de forma independiente. Ahí aprendió a tocar, producir, organizar shows. Pero el proyecto cumplió su ciclo. “La banda se terminó convirtiendo en una pyme”, resume. “Tenía una velocidad de ideas muy constante y una banda implica combinar horarios, economías, opiniones. Entendí que Finnegans había cumplido su ciclo. Y supe que no iba a volver a tener otra banda porque mi banda fue esa”.
Aunque el proyecto terminó, muchas de las bases de su sonido siguen ahí. “Salíamos a tocar con camisas largas hasta el piso, todo negro. El último disco, Frank, fue el más pop: nos fuimos a Mendoza, a una finca, tomamos ácido, compramos un sintetizador y empezamos a sonar diferente. Pero cuando armé mi identidad solista me di cuenta de que los momentos que más disfruto en vivo son cuando todo se pone más rockero y violento”, sostiene. En Finnegans ya había guitarras que, por momentos, buscaban ir por el camino de Jack White o The Dead Weather… y “FRIKIDADIDOU” suena a The Kills.
“Cuando la música se pone violenta siento que mi cuerpo la necesita”, asegura Nikkö. “Después de tocar, me tiemblan mucho las manos. Termino con la presión baja, como si hubiese ido a una batalla”. Y aclara: “Amo el pop. Me encanta Prince, me encanta Michael Jackson, me encanta toda la estética de los ochenta. Pero mi alma necesita la catarsis del rock”.
Tras el final de Finnegans, Nikkö inició oficialmente su camino solista justo antes de la pandemia, en 2020, con el EP El nuevo planeta, un primer manifiesto donde probó correrse del rock más rígido para explorar climas oscuros con sensibilidad pop. Más tarde llegó Maniki, su primer álbum, un trabajo introspectivo que llama a hacer catarsis. Los primeros adelantos de su próximo disco muestran su costado más crudo y guitarrero, influenciado por el rock alternativo de los noventa.
Además del riff podrido de la guitarra y el galope ajustado de la batería, la letra del estribillo de “FRIKIDADIDOU” sintetiza con precisión la mirada actual de Nikkö: “De chica no me gustaba la gente/ ahora veo muertos que están en mi mente”, canta con un grito casi gutural. “Hay cosas que no se pueden cantar lindo”, explica la artista.
“La voz que quedó grabada fue prácticamente la de la maqueta porque ahí me grité todo. No puede ser melódico. Tiene que doler. Eso tiene que salir crudo. Hay momentos que necesitan ser gritados”.
El videoclip de la canción muestra esta pesadilla urbana que narra Nikkö en la letra, que dialoga muy bien con el imaginario literario de Mariana Enriquez. La participación de la autora en el clip no está planteada como un cameo clásico, sino como una presencia narrativa. Una voz espectral que lo invade todo.
Un espíritu similar se evoca en el cover que hizo Nikkö de “La casa del sol naciente” –cantada alguna vez en estas pampas por Palito Ortega–, otro de los momentos clave a la hora de entender su nueva etapa. La idea de la versión surgió después de escuchar la interpretación a capela de Sinéad O’Connor. “Esa canción tiene una soledad muy infantil que me destruye”, dice. “Tenía que convertirse en algo desgarrador”.
La colaboración con Enriquez formará parte del próximo disco de Nikkö, Aquel lugar donde perdí la inocencia, que promete ser “muy crudo, con mucha guitarra, nada de pistas, nada de sintetizadores”. Lo resume así: “Volví a mis influencias más noventosas”. Y adelanta: “Hay un tema que habla de alguien que se suicidó y se arrepintió. Va muy al hueso”. El álbum será presentado el 17 de octubre. Y sí, será otra vez en un cementerio. Mientras tanto, Nikkö observa con entusiasmo el estado actual del rock argentino. Nombra bandas como Dum Chica, Buenos Vampiros y Mujer Cebra como parte de una nueva ola que apareció después de la pandemia. “Cuando estuvimos encerrados tanto tiempo, mucha gente necesitó volver a sentir la distorsión en el pecho”, reflexiona. “A veces no querés que te canten suavecito al oído. A veces necesitás que te griten”.
Su más reciente aparición se dio en la Feria del Libro de Buenos Aires, primero en un recorrido por los largos pasillos del predio, megáfono en mano. Y luego en forma de show. O deberíamos decir, de performance. Porque lo que ocurre cuando Nikkö sale a escena no se parece a un clásico show acústico en una feria en La Rural. El maquillaje, el vestuario, la interpretación y la música, por supuesto, se ponen al servicio del mundo de fantasía dark que construyó Nikkö en su cabeza. Y que cobra vida en sus obras, ya sea entre libros, en el sótano de un bar o rodeada de lápidas.
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Keith Richards no está seguro de estar listo para futuras giras de los Rolling Stones, pero eso no significa que la banda no vaya a volver a tocar en vivo. Con el lanzamiento de su nuevo álbum, Foreign Tongues, el 10 de julio, el guitarrista de los Stones planteó la idea de que la banda realice residencias en una nueva entrevista con Uncut.
“No sé si las giras son posibles”, dijo Richards, de 82 años, a la revista. “Los viajes son agotadores. Pero sí veo la posibilidad de que hagamos una residencia en algún lugar. Donde sea, Londres, Nueva York, París, cualquier sitio. ¡Tocaría en Roma! Pero no veo por qué no podrían organizar algunos conciertos en un nuevo formato”.
¿Sigue Richards entusiasmado con los Stones? “Sí, seguirá siendo emocionante hasta que algo dentro de mí me diga: “Se acabó”, dijo. “Me encanta trabajar con ellos. O sea, ¿qué voy a hacer?”.
La última gira de los Stones fue en 2024, con conciertos en Norteamérica. En mayo, Richards declaró a Associated Press que la banda podría “hablar el año que viene” sobre salir de gira. A finales de 2025, tras los primeros informes publicados en el tabloide británico The Sun que indicaban que Richards no estaba dispuesto a comprometerse con una gira por estadios del Reino Unido y Europa, un portavoz confirmó que esos planes se habían descartado.
Mick Jagger está más entusiasmado. “Me encantaría”, declaró Jagger recientemente a Sunday Today, “así que espero hacerlo en cuanto sea posible”.
Mientras tanto, los Stones se están volcando en el mundo de los podcasts, o algo parecido. Una serie de seis partes sobre la creación de su nuevo álbum, Speaking in Tongues (que no debe confundirse con el álbum de Talking Heads), comienza el 25 de junio, con nuevos episodios cada semana. Norah Jones es la narradora, y el programa se basa en nuevas entrevistas con Jagger, Richards y Ronnie Wood, junto con tomas descartadas de estudio y canciones inéditas de las sesiones. El productor Andrew Watt, Robert Smith de The Cure, Steve Winwood y el artista de portadas Nathaniel Mary Quinn también participan.
Los Stones grabaron Foreign Tongues en menos de un mes en los estudios Metropolis, en el oeste de Londres, una antigua central eléctrica. “Fueron unas semanas muy intensas”, dijo Jagger en un comunicado cuando se anunció el álbum, añadiendo que la pequeña sala de grabación ayudó a los músicos a compenetrarse entre sí. Wood dijo que la banda a menudo grababa una canción en la primera toma. El álbum incluye una interpretación del fallecido baterista Charlie Watts, de una de sus últimas sesiones de estudio. Algunas canciones de Hackney Diamonds provienen de esas mismas fechas.
Foreign Tongues incluye 14 temas, con colaboraciones de Paul McCartney, Winwood, Robert Smith y Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers, además de los habituales colaboradores de los Stones, Darryl Jones, Matt Clifford y Steve Jordan. El álbum incluye una versión de “You Know I’m No Good” de Amy Winehouse.
La banda comenzó a promocionar el álbum en abril con el lanzamiento de “Rough and Twisted” como sencillo de vinilo de edición limitada bajo el nombre de The Cockroaches. “In the Stars” le siguió en mayo, con un video protagonizado por la actriz Odessa A’zion y escenas del grupo rejuvenecidas digitalmente. Un tercer sencillo, “Jealous Lover”, se lanzará el 26 de junio.
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Madrid. Quien ha tenido el privilegio de recorrer sus calles sabe que la ciudad deja una huella imborrable. Sus plazas, sabores, habitantes y sonidos conforman un mosaico de generaciones y tradiciones que perduran en el tiempo, fusionándose en perfecta armonía con una vibrante propuesta contemporánea. Una ciudad donde la historia y la modernidad conviven de manera natural, creando una energía única que cautiva a cada visitante. Y para disfrutar plenamente de cada instante en la gran metrópoli española, nada mejor que hospedarse en un lugar que capture y refleje su esencia. Es aquí donde entra en escena The Madrid EDITION.
Este sofisticado refugio urbano se encuentra en una de las zonas más emblemáticas de la capital, rodeado de edificios históricos que permiten sumergirse de lleno en el espíritu madrileño. Reconocido como el primer hotel de lujo lifestyle de la ciudad, The Madrid EDITION se ha convertido en un referente para quienes desean experimentar la capital desde una perspectiva privilegiada. Su ubicación excepcional sitúa algunos de los principales atractivos culturales y turísticos a tan solo unos pasos, entre ellos la Plaza Mayor, el Mercado de San Miguel, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el Palacio Real y el Teatro Real.
La sofisticación y elegancia entran a la conversación cuando se habla de The Madrid EDITION. La arquitectura, el diseño y el interiorismo del resort llevan la firma del reconocido arquitecto británico John Pawson, en colaboración con la visión artística, el espíritu creativo y la sensibilidad estética de François Champsaur. El resultado de esta sinergia es un espacio exclusivo y vanguardista que redefine el concepto de lujo contemporáneo, ofreciendo una experiencia de hospedaje única en una de las capitales más fascinantes del mundo.
Hospedarse en The Madrid EDITION es vivir una de las experiencias más vibrantes y exclusivas de la ciudad. Con 200 habitaciones, suites y penthouses —77 de ellas interconectadas—, el hotel ha sido diseñado para ofrecer una estancia excepcional tanto a familias como a grupos que buscan descubrir Madrid con el máximo confort. Sus 21 suites destacan por una estética elegante y contemporánea, concebida para crear espacios sofisticados y acogedores. Además, ofrecen privilegiadas vistas a la Plaza de las Descalzas, uno de los rincones más emblemáticos del centro histórico. La propuesta de alojamiento se complementa con una cuidada selección de categorías, entre las que se encuentran la One Bedroom Corner Suite, Loft Corner Suite, Superior One Bedroom Suite, Premier One Bedroom Suite y Studio Terrace One Bedroom Suite, además de exclusivos áticos que elevan la experiencia a un nuevo nivel de lujo y privacidad.
En lo más alto de The Madrid EDITION se encuentran las máximas expresiones de exclusividad, sofisticación y elegancia: The Madrid Penthouse y The Opera Penthouse. Estas extraordinarias residencias elevan el concepto de privacidad a una nueva dimensión, ofreciendo la amplitud y el confort de una villa privada suspendida sobre el corazón de Madrid. Diseñadas para huéspedes que valoran la discreción y las experiencias excepcionales, ambas propuestas redefinen el lujo contemporáneo en la capital española. Cada una cuenta con una espectacular terraza envolvente, completamente amueblada y rodeada de vegetación, desde donde se contemplan impresionantes vistas panorámicas del skyline madrileño. Su piscina privada transforma el exterior en un auténtico oasis urbano, perfecto tanto para disfrutar de una estancia exclusiva como para celebrar encuentros inolvidables. El ático dúplex, con hasta 490 m² de superficie, ha sido concebido para ofrecer el máximo nivel de confort y funcionalidad. Su distribución incluye un elegante dormitorio con cama king size, amplias áreas de estar y comedor, además de una cocina totalmente equipada con acceso independiente para el servicio, garantizando una experiencia de privacidad y comodidad absoluta.
The Madrid Penthouse ofrece una estancia verdaderamente memorable, concebida como una exclusiva residencia privada distribuida en dos niveles. Su configuración incluye un amplio dormitorio principal con cama king size y la posibilidad de conectarse con una Deluxe City View, permitiendo alcanzar hasta dos habitaciones y alojar cómodamente a cinco huéspedes. Cada detalle de su diseño refleja una interpretación contemporánea del lujo, inspirada en el emblemático pórtico barroco de Pedro de Ribera, una de las señas de identidad arquitectónicas del hotel. El dormitorio principal incorpora un elegante vestidor con vistas a la ciudad, ropa de cama italiana confeccionada a medida y una cuidada selección de acabados que evidencian la atención al detalle y el compromiso con la excelencia que distinguen a The Madrid EDITION. La experiencia se completa con impresionantes ventanales de suelo a techo, ventanas practicables y amplias terrazas privadas panorámicas, además de un jardín exclusivo y una piscina exterior que convierten la estancia en un auténtico refugio urbano. Desde sus espacios al aire libre se disfrutan vistas privilegiadas del centro de Madrid, el barrio de Ópera, algunos de los perfiles más icónicos de la Gran Vía y, en el horizonte, la silueta de la sierra madrileña.
Por su parte, The Opera Penthouse se presenta como un auténtico refugio urbano de diseño atemporal, un espacio concebido para quienes buscan una experiencia exclusiva y sofisticada en el corazón de Madrid. Su cuidada propuesta exterior integra exuberante vegetación mediterránea, una piscina privada, zona lounge, tumbonas y un elegante comedor al aire libre con capacidad para hasta 14 comensales, creando el escenario perfecto para disfrutar de momentos memorables bajo el cielo madrileño. En la planta superior se encuentra el dormitorio principal, un santuario de tranquilidad que incorpora un amplio vestidor y privilegiadas vistas al Palacio Real, el Teatro Real y el perfil histórico de la ciudad. Cada rincón ha sido diseñado para ofrecer una sensación de privacidad, confort y sofisticación, convirtiendo esta residencia en una de las experiencias más exclusivas de The Madrid EDITION.
La experiencia en The Madrid EDITION no estaría completa sin una visita a Oroya, su excepcional restaurante ubicado en la azotea del hotel. Bajo la dirección del reconocido chef peruano Diego Muñoz, este sofisticado espacio combina una atmósfera elegante, un impecable diseño interior y una destacada selección de piscos que rinde homenaje a la riqueza cultural de Perú. En Oroya, las tradiciones y los sabores del mundo dialogan de manera natural. La propuesta gastronómica tiene como eje central la cocina peruana y el producto local, dando lugar a creaciones vibrantes, frescas y llenas de matices. A esta base se suman influencias de las cocinas japonesa, española, africana, china e italiana, que enriquecen cada plato y convierten la experiencia culinaria en un viaje de descubrimiento y sofisticación.
Oroya presume de una de las vistas más privilegiadas y espectaculares de Madrid. Su atmósfera relajada y sofisticada invita a disfrutar de momentos memorables, rodeado de amplios ventanales que conectan al visitante con la energía vibrante de la ciudad y su inconfundible horizonte. The Roof también celebra el ritmo y la esencia de cada temporada madrileña, adaptando su programación a los momentos más especiales del calendario. Durante el verano, se convierte en escenario de algunas de las citas más esperadas de la ciudad, como la verbena de San Juan o las veladas dedicadas al Eclipse Solar, además de acoger guest bartendings internacionales y exclusivas experiencias gastronómicas junto a restaurantes invitados. La piscina, una de las más amplias de Madrid, completa la experiencia y transforma la azotea en un auténtico oasis urbano. Aquí, los huéspedes pueden disfrutar de cócteles de autor y una cuidada selección de bocados mientras descansan en sus cinco camas balinesas o en alguna de sus 25 hamacas. Todo ello con unas vistas excepcionales que abarcan algunos de los iconos más representativos de la ciudad, como el Teatro Real y, en el horizonte, la majestuosa Sierra de Guadarrama. Una panorámica que alcanza su máxima expresión al atardecer, cuando el cielo madrileño regala escenas de una belleza difícil de igualar.
La experiencia en The Madrid EDITION trasciende el concepto tradicional de hospedaje. Más que una puerta de entrada a lo mejor de la capital española, se presenta como un refugio contemporáneo y sofisticado donde desconectar del ritmo acelerado de la ciudad sin renunciar a su energía y encanto. Cada espacio ha sido concebido para ofrecer una estancia excepcional, desde sus elegantes suites y penthouses hasta sus espectaculares terrazas con algunas de las vistas más privilegiadas de la Villa y Corte. Un destino en sí mismo donde el diseño, la hospitalidad y el lujo contemporáneo se unen para crear una experiencia inolvidable en el corazón de Madrid.
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26. RaiNao — Marcriá
Un día antes de su cumpleaños número 32, RaiNao publicó su segundo álbum de estudio al cual describió como su “mayor experimento”. El disco se caracteriza por el estilo ecléctico de la cantante, incluyendo influencias de bomba y guaguancó —que desarrolla en compañía de colegas como El Laberinto del Coco, Omara Portuondo y Andy Montañez— sin caer en lugares comunes. No es un LP denso, pero sí requiere de atención para emprender un viaje sensorial hacia un Puerto Rico descrito a través de los sentidos de la artista de Santurce. “Mis referencias más sinceras son los pilares de generaciones pasadas y los artistas valientes de mi isla y del Caribe”, explicó la cantante al momento del lanzamiento. “Me propuse inmortalizar algunas de mis voces caribeñas favoritas en este proyecto… esa es la verdadera definición de Marcriá”. MPB
25. Monsieur Periné — Instrucciones para ser feliz
El dueto camina sobre los prejuicios en búsqueda de la felicidad. Rompen estigmas en canciones como ‘AGUARÁCHATE’ y hacen de la alegría un símbolo de resistencia en tiempos de violencia. “En donde vivimos rodeados de violencia, es difícil y también un acto de rebeldía la felicidad, es una manera de resistencia en estos tiempos” reflexiona Catalina.
¿Dónde está nuestro lugar feliz? ¿Qué es la felicidad?: “Dentro de la realidad está lo absurdo, y dentro de lo absurdo, la felicidad” responden los dos, quienes invitan a un viaje sonoro que quizá sea su álbum más experimental y, al mismo tiempo, el más comercial, en el que nos brindan Instrucciones para ser feliz. SS
24. EMJAY — Confesiones de las que me voy a arrepentir
El pop no tiene que ser perfecto ni pulcro; también se presta para hablar de lo que incomoda y romper con los estereotipos que aún en 2026 rodean al género. Confesiones de las que me voy a arrepentir es una bomba de pop rebelde que aborda pensamientos que no suelen decirse en voz alta, pero que son más comunes de lo que parece. Como quien escribe un mensaje importante y le da a “enviar” con los ojos cerrados, EMJAY compuso letras que exponen su lado más personal y que, pese a las dudas, sintió la necesidad de compartirlas. Aquí hay versos para la hipocresía, para las declaraciones anónimas de amor y para las obsesiones producto de la exposición mediática. MPB
23. Maluma – Loco x Volver
Después de conquistar el mundo, Maluma vuelve la mirada hacia el lugar donde todo comenzó. En Loco x Volver, el colombiano construye un homenaje íntimo a sus raíces, a su familia y a la identidad que lo formó mucho antes de convertirse en una estrella global. A través de canciones cargadas de nostalgia, gratitud y madurez emocional, el artista presenta una de las obras más personales de su carrera, marcada por el impacto que han tenido la paternidad y el paso del tiempo en su manera de entender el éxito.
Musicalmente, el álbum recorre sonidos esenciales de Colombia y Latinoamérica, combinando reggaetón, vallenato, salsa, merengue, dancehall y pop. Las colaboraciones con Ryan Castro, Kany García, Arcángel y otros artistas enriquecen un proyecto que encuentra su mayor fortaleza en la honestidad. Lejos de los personajes y las apariencias, Loco x Volver muestra a un Maluma más humano, reflexivo y conectado con aquello que realmente le da sentido a su vida.
22. Tokischa — AMOR & DROGA
“No me siento orgullosa de haber sido drogadicta, pero sí de haber encontrado la sobriedad. Es un tema importante, porque hay mucha adicción en el mundo” dijo en entrevista para ROLLING STONE en Español, en donde habló de su álbum debut: AMOR & DROGA.
Una época oscura de su vida, en la que un mal amor la llevó por el camino de las drogas. Una etapa que la marcó, pero que hoy, con el paso del tiempo y varios años de sobriedad, es solo un recuerdo que sirvió de semilla artística para su primera gran producción. Aunque suene cliché, lo importante no es caer, es saber levantarse. SS
21. Draco Rosa – Olas de luz
Cinco años después de su último álbum de canciones inéditas, Draco Rosa regresa con Olas de luz, una obra contemplativa y profundamente espiritual. Lejos de la angustia que marcó algunos de sus discos más emblemáticos, el puertorriqueño encuentra aquí un espacio para la sanación, la gratitud y la introspección. A través de paisajes sonoros que transitan entre el Caribe, el rock, el jazz y sonidos mediterráneos, Draco construye un álbum que dialoga con su propia historia y con las experiencias que han transformado su vida.
Más que una colección de canciones, Olas de luz funciona como una plegaria íntima, donde la vulnerabilidad y la serenidad conviven en equilibrio. La voz del artista, marcada por el tiempo y la experiencia, guía un viaje emocional que confirma su lugar como uno de los compositores más singulares y profundos de la música en español.
20. Kidd Voodoo — Euforia
Conocimos a Kidd Voodoo explorando los códigos del género urbano, un terreno que le permitió consolidarse como una de las figuras más prometedoras de la nueva generación chilena. Sin embargo, fue con Euforia cuando el artista reveló una faceta mucho más íntima y vulnerable, una que hasta entonces había permanecido en las sombras. Este giro sonoro y creativo surge de una necesidad profunda de confrontar y procesar sus heridas más personales, en medio de una crisis existencial que parece encontrar refugio únicamente en la música. A lo largo del álbum, Kidd Voodoo se muestra dispuesto a desafiar sus propias fronteras artísticas y emocionales, abrazando las contradicciones que atraviesan su proceso creativo: la ansiedad, el ego, la incertidumbre y el temor a la transformación. El resultado es una obra honesta que expone tanto sus fragilidades como su evolución.
“Volver a esto fue un atrevimiento porque no es un género que esté totalmente comercializado como lo es el reggaetón. Para mí, este fue un acierto, totalmente”, compartió en una entrevista exclusiva con ROLLING STONE en Español. XZ
19. Quevedo — El Baifo
La banda sonora del verano tuvo uno de sus momentos más representativos con El Baifo, el álbum con el que Quevedo rinde tributo a sus raíces canarias. Tras alcanzar algunos de los mayores hitos de su carrera, el artista opta por mirar hacia adentro y reconectar con aquello que lo define: la tierra que lo vio crecer. A lo largo del disco, celebra la identidad de las Islas Canarias a través de sus paisajes, sus expresiones lingüísticas, sus tradiciones, sus sonidos y el profundo sentido de pertenencia que une a su gente. Lejos de adoptar la posición de una estrella consagrada, Quevedo aborda este proyecto desde la humildad y la conciencia de que aún le queda mucho por descubrir, tanto en lo artístico como en lo personal. Esa idea se refleja en el propio título del álbum. “Baifo” es el término utilizado en Canarias para referirse a una cría de cabra, especialmente cuando aún es joven. La elección no es casual: mientras que en la cultura popular llamar a alguien “la cabra” remite al concepto anglosajón de G.O.A.T. (Greatest Of All Time), reservado para los más grandes de la historia, Quevedo prefiere identificarse con quien todavía está creciendo, aprendiendo y encontrando su lugar en el camino.
El Baifo es, en esencia, una vuelta al hogar para Quevedo. A través de una lírica introspectiva y una propuesta sonora profundamente arraigada en sus recuerdos, el artista incorpora timples, castañuelas, trompetas y timbales, además de referencias directas a los carnavales y verbenas que han moldeado su identidad y continúan ocupando un lugar central en su memoria. XZ
18. TIMØ — Canto pa’ no llorar
TIMØ apuesta por el formato que los vio enamorarse de la música: el álbum. Con Canto pa’ no llorar, el trío colombiano presenta una obra pensada para escucharse de principio a fin, donde las canciones dialogan entre sí y construyen una identidad sonora marcada por la influencia del pop latino de los años 2000. Grabado entre México, Madrid y Los Ángeles, el disco representa un paso adelante en la evolución artística de la banda.
La producción recupera el protagonismo de los instrumentos en vivo, con guitarras, baterías y teclados grabados de forma orgánica, buscando la calidez e imperfección de los discos que marcaron a sus integrantes. Además, colaboraciones con Juanes, Nil Moliner y Vanessa Martín enriquecen un repertorio que transita entre la nostalgia, el riesgo y la emoción. Canto pa’ no llorar confirma a TIMØ como una de las propuestas más sólidas y ambiciosas del nuevo pop colombiano. MT
17. Bratty — HOSHI
En HOSHI, Bratty parte de la palabra japonesa para “estrella” para preguntarse qué significa ocupar ese lugar. Con una estrella en la frente como símbolo de validación, la artista de Culiacán mira hacia sus inseguridades, el ego y la presión que tiene un artista de hacer algo original. Entre sonidos más alternativos y colaboraciones con Julieta Venegas, Ed Maverick, Marc Seguí, Natt Calma y Barry B, el disco es un retrato vulnerable de su presente artístico. PM
16. Joaquina — Al romper la burbuja 2
De la historia que presentó en Al romper la burbuja, Joaquina no quería dejar nada por decir, por eso en el primer aniversario del LP extendió la narrativa con cinco canciones extra. Esta edición deluxe separa las nuevas canciones de las anteriores, dándoles el espacio suficiente para que quien las escuche pueda interiorizar sus palabras. Allí, la cantautora venezolana encuentra un lugar donde por fin siente que pertenece, es crítica con las problemáticas que enfrenta su generación como consecuencia de la hiperconectividad y hace un homenaje hermoso a su hermana. Tenía razón cuando decía que Al romper la burbuja 2 es un buen cierre para la etapa de su álbum debut. MPB
15. Omar Courtz — Por si mañana no estoy
En su segundo LP, la estrella puertorriqueña invita a reflexionar sobre la manera en que concebimos el tiempo y su influencia en nuestras vidas. En una sociedad cada vez más enfocada en el futuro, solemos olvidar que aquello que está por venir es el resultado directo de las decisiones y acciones que tomamos en el presente. A través de este material, el artista construye una oda al aquí y al ahora, exaltando la importancia de vivir cada instante con plenitud.
Por si mañana no estoy condensa los distintos sonidos que Courtz ha explorado a lo largo de su trayectoria, fusionando reggaetón, R&B, trap, texturas electrónicas y afrobeats en una obra cohesiva y profundamente íntima. El álbum no solo refleja su evolución artística, sino que también reafirma su identidad creativa con una honestidad poco común. Con esta producción, Courtz demuestra por qué es considerado uno de los artistas más apasionados, auténticos y comprometidos de su generación. XZ
14. Ryan Castro, J Balvin — OMERTA
El exponente más importante del universo urbano colombiano junto a uno de los más polifacéticos de los últimos años: J Balvin junto a Ryan Castro. Desde hace algunos años la amistad entre los paisas los ha llevado a colaborar en diferentes éxitos, pero con la llegada de OMERTA, su amistad trasciende a una hermandad.
Durante diez canciones, los nacidos en Medellín se juntan a Eladio Carrión en ‘GWA’ y a los productores DJ Snake y SOG en ‘Tonto’ y ‘Omerta’ respectivamente. Un disco con melodías contagiosas y ritmos que pondrán a bailar a la gente en discotecas y TikTok. SS
13. Juanes — JuanesTeban
Después de más de dos décadas de carrera, Juanes sigue encontrando nuevas formas de reinventarse sin perder de vista sus raíces. En JuanesTeban, el colombiano presenta un álbum que explora la dualidad que ha marcado su vida artística y personal: la luz y la sombra, el rock y la cumbia, la euforia y la vulnerabilidad. A través de 16 canciones, el artista construye un retrato íntimo de sí mismo, donde conviven el ícono global y Teban, un alter ego que le permite revelar emociones y reflexiones más profundas.
Producido junto a Nico Cotton, el disco reúne colaboraciones con Rawayana, Bomba Estéreo, Mon Laferte, Conociendo Rusia y Vivir Quintana, entre otros. Musicalmente diverso y emocionalmente honesto, JuanesTeban combina sonidos latinoamericanos, letras introspectivas y una propuesta visual creada por el propio artista. El resultado es una obra que celebra todas las contradicciones que hacen de Juanes uno de los músicos más importantes de habla hispana. MT
12. Feid — EL GREEN PRINT: la saga (DISC 1) – FEID VS FERXXO
A lo largo de su carrera, Feid se ha mecido entre la dualidad de sus dos personalidades artísticas, compartiendo trabajos en los que suele predominar una o la otra. En EL GREEN PRINT, enfrenta a las dos en un mismo disco, logrando un equilibrio entre las mejores cualidades de Feid y de Ferxxo. Con canciones que rompen estilos como ‘Que vuelta vox’ y su reggae con reggaetón, ‘El hexxo’ con su sonido caribeño club o su colaboración con el rapero japonés Yuki Chima en ‘Medellín Takai’, el cantante paisa continúa demostrando que su música tiene concepto y un sentido social de acompañamiento. “Este disco ha sido pensado como un sitio seguro pa’ la gente”, dijo en el documental sobre el EP. MPB
11. Julieta Venegas — Norteña
Julieta Venegas regresa a sus raíces tijuanenses para reflexionar sobre su relación con la música, su familia y la ciudad que la formó. El proyecto une un disco y su primer libro, Norteña: Memorias del comienzo, dos obras que dialogan sin depender una de la otra. Julieta reinterpreta la música norteña a su manera, mezclando regional mexicano, su ya conocida sensibilidad pop y una mirada íntima sobre Tijuana, la frontera y la identidad. PM
10. Trueno — TURR4ZO
El 4 es un número clave en la vida de Trueno, está ligado a su historia y a su origen, por eso su cuarto álbum “tenía que ser el mejor”. En el disco, Trueno vuelve a homenajear al barrio para reivindicar una palabra usada de forma despectiva y convertirla en motivo de orgullo. El rapero enlaza hip hop con la memoria musical icónica de Argentina, sampleando desde Gardel, Sandro y Cerati hasta Los Wachiturros. Entre cumbia, tango, rock y rap, construye un recorrido sonoro por su identidad y sigue moldeando esa forma de hip hop argentino que honra sus raíces pero siempre con la mirada hacia adelante. PM
9. Carín León — MUDA
Durante los últimos años la música mexicana ha crecido de manera abismal dentro de la gran industria, lo que ha dado rienda suelta a una creatividad que seguramente estaba, pero no llegaba a tantas personas. Eso es MUDA, una producción en donde Carín León sigue derrochando talento en pro de la creatividad, en donde el sonido mexicano se entrelaza con pop, big band, ska, blues, salsa y funk.
El nacido en Hermosillo se caracteriza por su capacidad vocal e interpretativa, capaz de transitar desde el amor más profundo en ‘Desde que te tengo’ hasta la fiesta y el desmadre de ‘Carranga’, junto a Juanes. Dentro del álbum también destaca una colaboración con Rawayana. SS
8. Rels B — love love FLAKK
Un viaje a Colombia durante seis meses le sirvió a Rels B para hacer un trabajo de introspección y sanación que dio como resultado love love FLAKK. El EP cuenta con 11 canciones que lo ven desenvolverse entre sus ya usuales sonidos isleños y R&B, pero en las cuales también incluye texturas de jazz, hip hop y bossa nova. El disco le sirvió al músico español para “aprender a decir que no”, por lo que el establecer límites y el poner sus intereses por encima de lo que opinen los demás marcan el eje temático. MPB
7. Jorge Drexler — Taracá
A lo largo de su carrera, Jorge Drexler ha construido una obra donde la sensibilidad y la curiosidad musical conviven de manera natural. En Taracá, el uruguayo presenta una obra profundamente personal que encuentra en el candombe su columna vertebral, explorando la memoria, la identidad y los vínculos que atraviesan generaciones. Concebido durante años y construido entre Uruguay, Puerto Rico y España, el álbum combina tradición y contemporaneidad en once canciones donde la palabra y el tambor ocupan el centro de la escena.
Con colaboraciones que van desde Young Miko hasta la histórica murga Falta y Resto, Taracá funciona como un encuentro de culturas y sensibilidades. También es un homenaje a las raíces familiares de Drexler, marcado por recuerdos de infancia y reflexiones sobre el amor, la resistencia y la pertenencia. Más que un disco, Taracá es una celebración de estar presentes, de reconocer de dónde venimos y de encontrar belleza incluso en tiempos inciertos. MT
6. Álvaro Díaz — OMAKASE
Álvaro Díaz parte del concepto japonés de dejar la experiencia en manos del chef para invitar al oyente a confiar en su visión. Tras cerrar el ciclo de Felicilandia y SAYONARA, el puertorriqueño se permite cocinar sonidos nuevos y hacer lo que le da la gana sin ponerse cajas. Crudo, melancólico y experimental como solo él sabe. El disco conserva su espíritu alternativo y emocional y sigue empujando los límites del género urbano. Tainy, Jesse Báez, Latin Mafia, Akriila y Rubi lo acompañan y agregan sabores a la experiencia.
PM
5. Rawayana — ¿Dónde es el after?
Pocas bandas latinoamericanas han construido un universo tan propio como Rawayana. En ¿Dónde es el after?, la agrupación venezolana convierte la fiesta en una metáfora de la búsqueda humana por experiencias que trascienden lo cotidiano. Guiado simbólicamente por el Sol, el álbum explora la memoria, el desarraigo, la amistad y la celebración a través de una mezcla de sonidos que va desde los tambores venezolanos y el venetón hasta el afrobeat, el funk y el pop alternativo.
Con una extensa lista de invitados que incluye a Manuel Turizo, Elena Rose, Carín León, Grupo Frontera, DannyLux, Servando y Florentino, entre otros, el disco funciona como una gran reunión latinoamericana. Más que una colección de canciones, ¿Dónde es el after? Es una invitación a vivir el presente, a encontrar comunidad en medio de la incertidumbre y a recordar que, a veces, la mejor fiesta ocurre cuando dejamos de buscarla. MT
4. Fito Páez — Shine
Lejos de acomodarse en la nostalgia, Fito Páez utiliza Shine para reafirmar que sigue siendo una de las voces más inquietas y relevantes del rock en español. El álbum transita entre el rock clásico, el blues, el reggae, las baladas y los arreglos orquestales, mientras construye un relato atravesado por la reflexión política, la memoria, el amor y la redención. Desde la energía de ‘Girl T. Rex’ hasta la crítica social de la canción que da nombre al disco, Páez demuestra que su pluma conserva la misma agudeza de siempre.
A lo largo de la producción también hay espacio para tragedias futboleras inspiradas en Shakespeare, homenajes a Pablo Milanés, guiños a The Beatles y momentos de profunda introspección. Shine es un disco que mira el presente con preocupación, pero sin renunciar a la esperanza, confirmando la capacidad de Fito para transformar experiencias personales y colectivas en canciones que resisten el paso del tiempo. MT
3. Eladio Carrión — Corsa
Concebido como un tracklist que podría encajar perfectamente en un videojuego como Need for Speed, Corsa encuentra a Eladio Carrión transitando entre el trap clásico, el drill, los afrobeats, la electrónica y el rap introspectivo. El álbum retrata a un artista más maduro, decidido y ambicioso, que entiende la velocidad y el poder como elementos inseparables de una carrera de alto riesgo, una visión que refleja el camino que lo ha llevado a convertirse en una de las figuras más influyentes de la música urbana actual. XZ
2. Kany Garcia — Puerta Abierta
“Es el álbum en el que más he hecho una mirada introspectiva de forma muy personal”, nos dijo la puertorriqueña sobre este álbum que mira a su pasado y a sus raíces con profundo orgullo y destreza. Es, además, una decidida declaración de principios: “Más de una vez creí que era una payasa, dándole al mundo todo lo que pedía”, canta Kany en ‘Fiera’.
Para ella, se ha tratado de regresar a las cosas que le importan y le preocupan. Consciente de su impacto, asume su plataforma más allá de lo musical, y ha presentado un disco valiente y necesario. RD
1. Ca7riel y Paco Amoroso — FREE SPIRITS
También los locos tienen que descansar. FREE SPIRITS es el paso más coherente para la dirección artística del dúo argentino. Tras años de irreverencia, reflectores y exposición, Ca7riel y Paco Amoroso tenían que tomarse un respiro y priorizar su bienestar. Así llegan al FREE SPIRITS Wellness Center, un exclusivo centro de recalibración creado por Sting para curar “espíritus quebrados”. Quizá no tenga la atención de PAPOTA o Baño María, pero mantiene esa gran manera de caminar la línea entre realidad y performance, así como su talento e irreverencia en canciones junto a Sting, Jack Black, Anderson .Paak y Fred Again. PM
POR MARTÍN TORO, MELISA PARADA BORDA, PABLO MONROY, XIMENA ZAMBRANO, SANTIAGO SANABRIA, RICARDO DURÁN
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