Marcel Ruiz lleva años construyendo una carrera sólida frente a las cámaras. El actor puertorriqueño, conocido por sus papeles en One Day at a Time, Scream VI y Snowfall, atraviesa uno de los momentos más estimulantes de su trayectoria. Con apenas 24 años, acaba de presentar Summer of 3 en el Festival de Tribeca, una película que no solo protagoniza, sino que también escribió y produjo junto a su padre, el cineasta Carlitos Ruiz. El filme fue además uno de los grandes protagonistas de la más reciente edición del certamen neoyorquino, al obtener los premios a Mejor Interpretación y Mejor Guion en la categoría de Narrativa Estadounidense, un reconocimiento que confirma el surgimiento de una nueva generación de creadores boricuas decididos a contar sus propias historias.
Pero el cine no es el único lenguaje en el que Marcel busca expresarse. Paralelamente a su carrera como actor, ha desarrollado una faceta como DJ y melómano apasionado, explorando los vínculos entre la música caribeña, el house y la cultura de baile contemporánea. Esa sensibilidad musical también atraviesa Summer of 3, una cinta profundamente personal sobre la identidad, la familia y el regreso a casa. En conversación con Rolling Stone en Español, Ruiz reflexiona sobre el presente del cine puertorriqueño, el poder de las historias íntimas, la experiencia de compartir un set y una sala de escritura con su padre, y la necesidad de que las nuevas voces latinoamericanas encuentren más espacios dentro de la industria audiovisual.
Antes que nada, felicitaciones por el reconocimiento en Tribeca. ¿Cómo recibiste este premio?
Con muchísimo agradecimiento y también con mucha ilusión por el cine puertorriqueño y por los artistas de Puerto Rico y Latinoamérica que están surgiendo. Esta película no solo la hicimos para jóvenes, sino también con muchos jóvenes delante y detrás de la cámara.
Estoy muy orgulloso de haber formado parte del proceso completo como escritor, productor y actor. Pero lo que más feliz me hizo fue poder compartir ese momento con mis compañeros, con mi padre y con Mariana Belaval, la otra guionista, que además escribía su primer libreto. Pensar en lo que esto puede significar para sus carreras y para el cine puertorriqueño me emociona muchísimo. Creo que muchos jóvenes van a sentirse identificados con la película.
¿Cómo definirías esta nueva generación del cine puertorriqueño?
Puerto Rico tiene muchísimo que ofrecer. Creo que esta nueva ola cinematográfica surge de un equilibrio muy particular entre lo joven, lo contemporáneo y nuestra realidad social, pero también de nuestra historia política como colonia estadounidense.
Hay una combinación muy interesante entre nuestra música, nuestra forma de hablar, nuestra vida social —ir a la playa, a los ríos, la cultura de los jangueos— y una conciencia histórica y política que mi generación tiene muy presente.
De cierta manera, es un cine que, por naturaleza, termina siendo revolucionario.
Summer of 3 sigue a un personaje que regresa a Puerto Rico después de vivir fuera de la isla. ¿Qué tanto hay de tu propia experiencia en esa historia?
Fue muy especial porque sentí que regresaba a casa de dos maneras distintas. Por un lado, literalmente, al filmar en Puerto Rico después de haber crecido entre la isla y el exterior. Esa experiencia de volver siempre ha estado muy presente en mi vida.
Pero también fue un regreso a mis raíces artísticas. Yo crecí rodeado de cineastas y artistas; el cine fue parte de mi infancia. Hacer esta película junto a mi padre, Carlitos Ruiz, se sintió como un círculo que se cerraba.
Más que un trabajo, este proyecto se sintió como regresar a mi niñez y a la manera en que crecí. Fue un verdadero homecoming tanto como actor como puertorriqueño.
¿Cómo fue trabajar con tu padre en un contexto profesional?
Al principio fue curioso porque decidí que, desde que comenzara el proyecto, no lo llamaría “papá”, sino “Carlitos”. Nunca lo había hecho y todavía me pasa que busco “Carlitos” en mi teléfono y no aparece porque sigue guardado como “papá”.
Pero fue una experiencia profundamente positiva. Algo fundamental en cualquier proceso creativo es sentirse libre de proponer ideas sin miedo a ser juzgado. Uno necesita atravesar muchas ideas malas para llegar a las buenas.
Trabajar con alguien que conozco toda mi vida generó un ambiente muy íntimo y cómodo. No existía la idea de defender quién tenía la razón; simplemente lanzábamos propuestas y descubríamos juntos qué funcionaba.
Además, pude involucrarme en todas las etapas del proceso y aprender muchísimo. Fue prácticamente un máster intensivo sobre cómo hacer una película. Y compartir este momento con mi padre lo hace aún más especial: su primera película se estrenó en Tribeca hace casi dos décadas y ahora regresó al festival con una película hecha conmigo. Es algo que siempre compartiremos.
También escribiste el guion. ¿Cómo cambia la actuación cuando interpretas a un personaje que tú mismo ayudaste a crear?
Yo me acerqué a esta película primero como escritor y después como actor. La escritura me abrió una dimensión completamente nueva de la actuación.
Como guionista, entiendes el trasfondo del personaje, el subtexto de cada escena y todas esas ideas que quizás nunca llegan al papel, pero permanecen en tu cabeza cuando llegas al set.
Eso me permitió llegar muy preparado y sentirme libre para improvisar, jugar y simplemente estar presente durante el rodaje.
Además, cambió completamente mi relación con la actuación. Ahora abordo cada personaje desde la sensibilidad de un escritor, incluso cuando no participo en el guion, y eso ha transformado mi manera de trabajar y de disfrutar el oficio.
Después de esta experiencia, ¿qué te interesa más: escribir, actuar o dirigir?
Definitivamente quiero hacer las tres cosas.
Hay proyectos en los que solo quiero actuar, porque también disfruto mucho la libertad de concentrarme únicamente en el personaje. Pero hay otros que nacen primero desde la escritura y terminan involucrándome en varias áreas.
Lo que sí tengo claro es que quiero dirigir pronto. Este proceso me dio mucha confianza y me hizo sentir que quizás no necesito esperar tanto para hacerlo. Estoy muy inspirado y quiero probar esa faceta más temprano que tarde.
¿Qué historias latinoamericanas siguen faltando en Hollywood?
Algo que aprendí haciendo esta película es que mientras más específica es una historia, más universal termina siendo.
Muchas veces la industria hace creer que ciertas historias son demasiado locales y que otras audiencias no van a conectar con ellas. Pero ocurre exactamente lo contrario: cuando uno habla desde lo más íntimo y particular de su experiencia, conecta con algo profundamente humano.
Como latinos debemos entender que aquello que nos hace diferentes no es una limitación, sino nuestra mayor fortaleza.
Yo hago cine desde mi experiencia puertorriqueña, pero cuando hago una película no pienso únicamente en Puerto Rico. Pienso en todos los latinos, porque al final nuestros distintos microcosmos también dialogan entre sí.
La música también ocupa un lugar importante en tu vida como DJ. ¿Qué tan importante fue para construir el universo de Summer of 3?
Fue fundamental. Ser joven en Puerto Rico es una experiencia profundamente sensorial y queríamos capturar eso en la película.
La música es parte esencial de nuestra identidad cultural y del proceso de crecer en la isla. Si queríamos que los jóvenes se sintieran realmente representados, la banda sonora tenía que ser auténtica.
En Puerto Rico la música está presente en todas partes. Es prácticamente un personaje más dentro de nuestras vidas y, por supuesto, también dentro de esta película.
Además, me interesa mucho que los músicos y los cineastas colaboren más estrechamente. Creo que esta nueva generación del cine puertorriqueño tiene una gran oportunidad para construir puentes entre ambas industrias y representar nuestra cultura de la manera más genuina posible.
También eres DJ. ¿Cómo definirías un set de Marcel Ruiz?
Me gusta pensar que un set mío es una invitación a entrar en mi mundo.
Quiero que la gente sienta que, al escucharme, conoce un poco mejor quién soy y de dónde vengo. También me interesa que descubran algo sobre la historia de la música, sobre nuestros ritmos ancestrales y las influencias caribeñas y africanas presentes en muchos géneros.
Actualmente me concentro sobre todo en el house y el disco, pero esos géneros tienen profundas raíces caribeñas y puertorriqueñas. Vivir en Nueva York también ha reforzado mucho esa conexión.
Para mí, pinchar música es una forma de honrar esa historia y compartir mi identidad a través del baile.
The post Marcel Ruiz está listo para contar sus propias historias appeared first on Rolling Stone en Español.
Después de tres años del estreno de Tripolar, la banda argentina Usted Señalemelo presentó Términos y Condiciones, su nueva entrega. Si bien el trío, conformado por el vocalista Juan Saieg, el guitarrista Gabriel “Cocó” Orozco y el baterista Lucca Beguerie Petrich, tiene a su público acostumbrado a grandes cambios con cada nuevo álbum, puede que ninguno haya sido tan drástico como este. En esta ocasión, la agrupación se adentra de lleno en la música electrónica explorando diversos géneros y sonidos, desde el drum n’ bass hasta el disco.
A dos meses del lanzamiento de este nuevo material, los tres integrantes de Usted Señalemelo se sentaron a conversar con ROLLING STONE en Español sobre los nuevos paisajes sónicos que conforman este proyecto, los retos de trabajar en nueva música y al mismo tiempo estar de gira, sus colaboraciones con Jay de la Cueva, Portugal. The Man y Enanitos Verdes, y mucho más.
Términos y Condiciones se estrenó ya hace un par de meses. ¿Cómo ha sido el recibimiento de su público?
“Cocó”: La verdad que muy positivo. Fue medio sorpresivo, porque nuestro público no estaba acostumbrado a ver esta faceta nueva de nosotros, pero la verdad es muy lindo cómo la gente nos quiere y nos banca y sabe que somos una banda cambiante y disfrutan de ello. Así que ha sido muy positivo en todos los lugares a donde nos escuchan y todos los lugares que vamos a visitar en esta gira también.
¿Qué es lo que ustedes sienten que es diferente en Términos y Condiciones en comparación con sus anteriores álbumes?
Lucca: Me parece que cada álbum que hacemos tratamos de que sea diferente en el sentido de las fórmulas a la hora de componer y también a la hora de producir. Con este disco fue la primera vez que lo hicimos mientras estábamos de gira por un montón de lugares. Fue un proyecto que lo empezamos a componer en México, después en España, después seguimos en Argentina.
Fue también un disco donde tuvimos que unificar un montón de canciones que habían nacido en diferentes lugares y con diferentes personas, porque también fue la primera vez que nos abríamos a componer con otra gente. Nosotros éramos muy herméticos en ese sentido en los álbumes anteriores. Y en este queríamos experimentar qué pasaría si sumábamos gente al equipo a la hora de estar en el estudio componiendo. Y fue algo que nos encantó y que nos enseñó un montón de cosas.
Creo que un poco la estética más electrónica —que es algo que la banda siempre ha tenido, pero un poco más oculto o en un segundo plano— fue una decisión que apareció mientras estábamos haciendo las canciones; de decir, “Este debería ser más el eje central y tratar de hacer algo un poco distinto a lo que veníamos haciendo”, porque también era lo que necesitábamos nosotros internamente a la hora de hacer música. Todo el tiempo buscamos hacer cosas nuevas o distintas a lo que ya hemos hecho.
Hablabas de que este fue el primer disco que grabaron estando de gira. ¿Fue el proceso más complicado a comparación de cuando se centran en hacerlo en el estudio?
Juan: Creo que al principio nos sacó un poco la presión, inclusive que en otros momentos en los cuales no nos teníamos que enfocar en hacer música y no estábamos de tour. También el estar de tour te trae una inspiración, el estar en otro lugar te trae una desconexión de la rutina diaria de cada uno. Así que siento que hasta inclusive es el momento indicado para concebir o componer una canción. Lo que sí fue difícil fue tratar de unificarlo después.
Y es que el álbum tiene un sonido muy versátil. Encontramos elementos de drum n’ bass, dance, electro. ¿Qué los orilló a estos sonidos mucho más electrónicos?
“Cocó”: La verdad es que la electrónica nos gusta desde hace mucho tiempo, muchos años, en todas sus facetas, ya sea el drum n’ bass o el house más puro. Desde chiquitos nos gusta y queríamos incorporarlo en el disco y que también se escuche como esa faceta y esa cuestión interna que tenemos en un disco nuestro. Estando de gira y todo, la computadora fue un instrumento principal también, aparte de los instrumentos que tocamos cada uno, y un poco el instrumento donde haces las canciones te lleva un poquito a lugares distintos. Pero bueno, la esencia de lo que es la electrónica la llevamos adentro y es algo que nos gusta mucho.
¿Ustedes conversan antes de sentarse a componer y a grabar sobre estas temáticas y estos sonidos que va a tener el álbum o van saliendo conforme ustedes empiezan a tocar?
Juan: Corrijanme si me equivoco, pero no hemos tenido un disco en el cual hemos tenido claro desde un principio qué era lo que queríamos, sino que lo fuimos encontrando a medida que lo hacíamos.
Lucca: Sí. Quizás tenemos claros ciertos métodos o recursos, pero que también van cambiando permanentemente.
Nos pasó en este disco. Empezar a hacerlo de una manera, como te decíamos, de colaboración con mucha gente y de repente frenar, que fue algo que no le habíamos hecho a ninguno en el proceso de grabación, y decir, “¿Qué es lo que nos está dando esto a nosotros”, y ahí empezar a replantearnos a nivel recurso, a nivel estético, cuáles son los límites que vamos a poner. Por ejemplo, la mayoría del disco está tocado por nosotros, está solo Tweety González, está Jay de la Cueva, pero porque son invitaciones muy puntuales desde otro lugar. No solo desde la capacidad de tocar un instrumento, sino ya que hay un vínculo y que nos gusta que sean parte, pero en otros discos hemos tenido arreglos de cuerdas, de viento, hemos tenido un montón de instrumentos que no los podemos tocar nosotros y en este disco un poco el proceso fue que lo toquemos nosotros y que esté todo resuelto por nosotros y para lo que no podemos hacer nosotros, buscar recursos desde los procesos, las guitarras o los sintetizadores y llegar a eso. Así que lo fuimos encontrando en el proceso.
Y hablando de Jay de la Cueva, ¿cómo fue trabajar con él?
“Cocó”: Increíble, la verdad es que es muy bueno trabajar y componer con gente que lleva muchos años haciendo esto, que es nuestro objetivo, ser como Jay, tantos años tanto en el foco y también disfrutando, porque eso es lo que uno ve, que está disfrutando del momento, que no tenía por qué hacer una canción con nosotros y se copó y pegamos muy buena onda con él. Fue puro aprendizaje, la verdad. Era una idea de vuelta muy linda. Es una canción que nos gusta mucho, que nos llevó por lugares muy lindos.
Además, creo que ambos proyectos están en una sintonía, porque el último álbum que Jay sacó igual está muy influenciado por la música electrónica y la música disco.
Juan: Tiene como una onda ochentera el último disco de él y creo que eso que decís de la sintonía hizo que en el estudio funcionáramos tan bien y en un solo día haya salido ‘Prácticas’.
Y si bien ahorita decían que Jay tuvo influencia en el álbum y Tweety González también, nada más hay una colaboración pura, por así decirlo, que es con Portugal. The Man. ¿Cómo fue acercarlos a su sonido y traerlos a su disco?
Lucca: Hicimos un show con ellos. Fue increíble. Nosotros no los habíamos visto nunca en vivo, así que fue una sorpresa hermosa no solo conocerlos sino poder ver el show y ver también cómo ellos están de local en su país tocando. Fue una noche hermosa donde pegamos muy buena onda. Estuvimos compartiendo toda la noche charlas, ellos estaban muy al día con lo que pasaba en la música en español alternativa, así que también nos preguntaban muchas cosas. Estaban muy interesados en meterse un poco en la música en español alternativa y salir de lo que es Estados Unidos, así que quedamos en contacto y cuando apareció esta canción, ‘Dando vueltas’, lo primero que se nos ocurrió fue invitarlos porque sentíamos que era una canción que había nacido desde un lugar más influenciado por la música que escuchábamos en esa época, en la década del 2010, toda esa onda más indie, alternativa. Entonces, les mandamos la canción y les encantó y dijeron que sí de una. Fue algo muy natural y orgánico que no siempre pasa. Para nosotros fue una oportunidad hermosa y que sean la primera colaboración así en un disco de nosotros es algo increíble.
Ahora que hablas de la escena alternativa, me llama mucho la atención que últimamente artistas argentinos están explorando estos paisajes mucho más electrónicos. Pienso en Silvestre y Naranja, pienso en Peces Raros, hasta CA7RIEL & Paco Amoros lo están explorando un poco. ¿Qué sienten que está pasando en la escena argentina para que muchos artistas se estén inclinando hacia estos sonidos?
Juan: Creo que en Argentina también tenemos un público que es muy exigente y eso a los artistas los hace tratar de diferenciarse más o tratar de experimentar más o tratar de llegar a un lugar nuevo. Mundialmente la electrónica tuvo de alguna manera una especie de revival después de todo lo que pasó con Fred again.. y de alguna manera creo que está conectado con eso. No sé qué esté sucediendo para que muchas bandas lo estén experimentando, pero creo que es un momento mundial también.
Y háblenme también de la parte estética de este proyecto, es muy monocromática, todo está en blanco y negro. ¿Por qué tomaron esa decisión?
Lucca: Fue un poco lo que nos pasó también con el tema de unificar musicalmente lo que estaba pasando y agarrar el recurso de la electrónica. Todo lo que nosotros también estábamos usando a nivel concepto, con el nombre del disco y con todo lo que estábamos viendo de referencia a nivel estético, tenía mucho que ver lo monocromático, las letras, los números y la sobreinformación, así que fue un poco natural el hecho de decir, “Esto está muy conectado con lo que también está pasando musicalmente”, y queríamos que eso fuera así. Queríamos que fuera un disco muy directo donde estuviéramos vestidos siempre de la misma manera, donde las canciones tuvieran funciones similares en el sentido de estructura o de lo directo que son. Toda la parte estética fue apareciendo también a medida de que íbamos encontrando la parte musical.
Históricamente siempre fuimos muy de los colores y de que todas las etapas de la banda estuvieran marcadas por ciertos colores muy glamativos, así que también, de alguna manera, es tratar de empezar de cero en cuanto a decir, “Bueno, esto es blanco y negro y a partir de ahora todo lo que pasa es como renovarse”.
Me quiero pasar a hablar de una colaboración que salió hace poquito que hicieron con Enanitos Verdes para una nueva versión por el resto de tus días, ¿cómo fue trabajar con estas leyendas del rock?
Lucca: Fue increíble, la verdad. Nosotros los conocemos desde que éramos muy chicos. Nosotros somos de Mendoza, ellos también son de Mendoza, así que había un vínculo muy cercano de toda la vida. Y cuando Felipe [Staiti] empezó a hacer este disco el año pasado, nos escribió porque tenía ganas de que estuviera una banda representando lo que es la música mendocina y de cierta manera pasar la aposta.
Lamentablemente fue a la distancia. Obviamente estuvimos mucho en contacto, pero él estaba de gira y estaba con un montón de cosas del disco, así que no pudimos brindar ni festejar como corresponde. Creo que es algo que nos quedó pendiente por el tema de su partida, pero nos queda el orgullo, el honor de ser parte, de vivir esa experiencia y de compartir esos momentos aunque sea a la distancia, pero sabiendo que él y Marciano fueron personas que siempre estuvieron ahí apoyándonos, muy presentes, estando al tanto de lo que pasaba y nos queda ese lindo recuerdo de poder haber compartido aunque sea una canción en este disco.
Y esa confianza que tuvieron tanto Marciano como Felipe no ha sido infundada y lo han demostrado con su música y creciendo porque ya son más de diez años de este proyecto. El año pasado se cumplieron diez años desde que se estrenó su álbum debut.
Lucca: Es loco porque son ya diez años, cuatro discos, y todos marcaron una etapa diferente. Nuestra amistad empezó con la música, básicamente, por lo que siempre ha sido parte fundamental y siempre ha ido evolucionando nuestra música. Nuestra forma de escuchar o de hacer música ha ido creciendo con nuestra forma de ser también. Al estar tan unidos desde tan chicos, cada disco marca una etapa muy marcada de nuestras vidas, y eso es loco porque el primer disco, como decías, teníamos 18, 19 años. Es un disco que empezamos a hacer en la preadolescencia y que tuvo una forma de hacerse muy diferente al segundo disco y al tercero.
Creo que a cada disco le tenemos un cariño muy grande y siempre tratamos de no perder esa esencia que nos representa; esa identidad. Más allá de que la música suene diferente, creo que siempre está la identidad de nosotros en cada disco y eso es lo que tratamos de que prevalezca.
Juan: En el proceso de en Términos y Condiciones nos basamos un poco en la época del primer álbum también y en nuestros inicios: cuando empezamos también a compartir música entre nosotros. El primer disco fue como una especie de referencia, aunque no se nota, pero bueno, siento que dando vueltas podrías ponerlo en el disco y se relacionaría con un montón de canciones de uno y el otro.
¿Dirías que reconectaron con esa versión de ustedes adolescentes?
Juan: Sí, yo creo que sí. Hace poco, Lucca dijo algo que a mí me quedó resonando, que en el primer disco también hay bajos que están tocados con sintetizadores, que los tocó el papá de Lucca. A lo que voy es que este disco de alguna manera nos conectó mucho con ese adolescente personal de cada uno de nosotros y quizá en esos momentos no sabíamos realmente cómo generar esos sonidos o cómo buscarlos y quizá hoy, con la experiencia de todos estos años, hemos llegado a poder igualar ese audio de referencia que quizás desde el inicio estuvo.
The post Conoce los <i>Términos y Condiciones</i> de Usted Señalemelo appeared first on Rolling Stone en Español.
Alcanzar el cielo tiene su precio. Cuando se llega a lo más alto, es fácil olvidar el camino de vuelta, perder de vista aquello que nos sostuvo antes de los aplausos, antes de los focos y de los sueños cumplidos. La fama puede nublar el juicio, el éxito puede alejarnos de nuestras raíces y, en ocasiones, hacernos creer que pertenecemos más a la cima que al lugar del que partimos. La historia de Alejandro Sanz es diferente, porque por más lejos que haya llegado, por más escenarios que haya conquistado y por más corazones que haya emocionado con sus canciones, nunca ha dejado de mirar hacia atrás con gratitud. Su mayor éxito no está en los récords ni en los reconocimientos, sino en conservar intacto el vínculo con sus orígenes. Y es que para él, la cima no es un destino, es parte del camino de regreso. Un regreso a Madrid, la ciudad que lo vio soñar, que le acompañó en sus primeros pasos y que fue testigo del nacimiento de una de las voces más queridas de la música en español. Porque hay lugares que nunca se abandonan del todo; viven en uno para siempre. Y para Alejandro Sanz, ese lugar será siempre Madrid.
Quien tiene la fortuna de recorrer las calles de Madrid cae bajo un hechizo difícil de explicar y aún más difícil de olvidar. La ciudad se queda para siempre con una parte de tu corazón. Su gente, sus tradiciones, su cultura y sus sonidos conforman un mosaico de historias que han pasado de generación en generación y que, tarde o temprano, incluso si vienes de un rincón lejano del mundo, te harán sentir como en casa. Madrid es encanto, pasión, vanguardia, legado y hogar. Y cuando has paseado por sus museos, parques, tabernas, tablaos, barrios, mercados y monumentos; cuando has vivido sus tradiciones, sus fiestas populares y sus experiencias más castizas, entiendes por qué Alejandro Sanz siempre vuelve a ella. Porque Madrid es uno de esos lugares a los que perteneces incluso antes de darte cuenta, un sitio que te llena el alma con cada instante que permaneces en ella; no es una ciudad para vivir a la ligera, porque permanece contigo mucho después de haber partido.
Con más de tres décadas de carrera, ¿cómo mantienes la inspiración como si fueras un novato en la música?
La música te hace muchos regalos, pero uno de los más importantes es mantener la ilusión intacta. Si no tienes la vocación y la ilusión, no sirve de nada. Creo que esto es aplicable a todo. Después de tres décadas siempre hay momentos de más dudas o cansancio, pero la música es tan bella y me ha regalado tanto, que solo le puedo deber fidelidad y la capacidad de sorprenderme.
“No me importa tanto ser recordado por las cifras, los estadios o los récords”.
Tienes una trayectoria enorme, con un reconocimiento internacional indiscutible, ¿qué es lo que más peso ocupa en tu carrera después de haber cumplido lo que muchos artistas desean?
Bueno, a estas alturas, el peso ya no está en las listas de éxitos ni en los premios… en realidad nunca lo estuvo; ese es un regalo del camino, pero no el destino. Hoy lo que más pesa —en el mejor de los sentidos— es la responsabilidad con la emoción de la gente, conservar esa conexión es increíble, como un hilo invisible irrompible. Me hace feliz saber que una canción mía acompaña a la gente, que la hacen suya. Lo que más ocupa mi mente es seguir siendo honesto con la música y no repetirme por comodidad.
¿Cuáles consideras que han sido tus mayores influencias musicales?
Para mí siempre han sido muy amplias. Siempre he sido un devorador de música, tanto de la música flamenca, como del pop, rock y música clásica. No dejo de sorprenderme por la música. Pero si tengo que elegir, el flamenco es uno de mis grandes motivadores, pero también la música italiana de los 70 y la música rock de toda la vida. Digamos que estos son mis ingredientes para un cóctel en el que construyo mi música.
The Madrid EDITION (@editionmadrid), Madrid
Gran parte de tu prestigio en la música viene de tus letras, que son inspiradoras, poéticas y conmovedoras, ¿de dónde podrías decir que viene tu mayor fuente de inspiración lírica?
La vida siempre será mi mayor inspiración, con sus negros, blancos y grises. La observación y la vulnerabilidad de cada detalle vivido es la imprenta de mis letras. Yo no busco las musas, me siento a esperarlas trabajando, pero, sobre todo, escuchando. La inspiración viene de dejar que las cosas te duelan y te alegren sin filtros. Si tú no te emocionas al escribir, es imposible que el que escucha sienta algo.
En estos tiempos que estamos viviendo, ¿qué podrías decir sobre lo más fácil o lo más difícil de conectar con las nuevas generaciones?
La emoción humana no cambia, es perenne. El desamor, la búsqueda de identidad y la pasión se sienten igual que a los 15 años, se sienten igual hoy que hace tres décadas. La música sigue siendo el vehículo directo al corazón. Por otro lado, hoy todo va a una velocidad vertiginosa; se consume música como si fuera contenido efímero. Lograr que alguien se detenga a escuchar una canción de cuatro minutos es un reto… Pero ¿sabes? Cuando lancé ‘No es lo mismo’ se llevaron las manos a la cabeza porque decían que era larga… Tampoco hemos cambiado tanto.
“Si te disfrazas de algo que no eres, el público lo nota tarde o temprano”.
Hablando de nuevas generaciones, ¿hay algunos artistas madrileños que destaquen en tu radar?
Madrid siempre ha sido un hervidero de talento brutal y la diversidad es su pilar más importante. Me gusta mucho lo que se está haciendo en la escena urbana y pop alternativa. Hay mucha gente capaz de redefinir la raíz madrileña y española desde una óptica contemporánea, sin perder la esencia. La música se crea, nunca se destruye… solo se transforma.
Madrid es una ciudad abierta y acogedora, donde todo está cerca y eso cambia la forma en que se vive el día a día, también en su región. ¿Cómo influye esa cercanía y facilidad para moverse en tu forma de vivir, crear y disfrutar Madrid?
Totalmente. Madrid tiene esa magia de gran metrópoli pero con alma de pueblo. En Madrid puedes estar en muchas ciudades al mismo tiempo, de Moratalaz a pasear por la Castellana, y en diez minutos, estar tomándote una caña en Lavapiés o paseando por el Retiro. Esa cercanía de Madrid te permite improvisar la vida, y me encanta. Y como siempre he dicho… de Madrid al cielo, pero atado. Es una ciudad libre que te abraza en cada uno de sus rincones.
Viva Madrid @vivamadridtaberna, Madrid
Cuando quieres desconectarte un poco del ajetreo, ¿qué lugares de la región de Madrid son tus imperdibles? ¿Se te vienen a la cabeza algunos lugares como Chinchón, Buitrago, Patones, Manzanares, u otros?
Me encantan todos los que mencionas. Perderse por las calles de piedra de Patones es como viajar en el tiempo, te limpia la cabeza al instante. La plaza de Chinchón tiene una solera única para desconectar y comer bien. Cuando el ruido de la ciudad es muy fuerte, la sierra de Madrid es mi refugio.
¿Cómo ha sido la lucha de no perderte a ti mismo en una industria tan demandante?
Es una lucha, a veces, desigual. La música se mueve en masa, y tú pretendes defender tu feudo de manera individual, pero, al final, creo que es una gran ventaja porque el tiempo siempre juega a favor de las cosas que son auténticas. Creo que todo vuelve. Hay momentos de mucha efervescencia y parece que toda la música va a cambiar a un lugar que es totalmente inhóspito, pero, cuando te das cuenta, todo vuelve.
Eres uno de los artistas que ha sido muy abierto sobre temas como la depresión, el agotamiento emocional y sus derivados. ¿Crees que este es el precio de la fama?
No sé si es el precio de la fama o simplemente el precio de estar vivo y ser sensible. Lo que pasa es que la fama amplifica todo. En esta profesión se nos exige estar siempre al 100 %, ser infalibles, sonreír en cada foto. Pero somos humanos. Cuando me abrí en redes sobre cómo me sentía, no lo hice pensando en la fama, sino porque estaba cansado, necesitaba ser sincero con mi gente y mis seguidores. Nunca me han gustado las caretas, hay que ir de frente para bien o para mal. El éxito no te inmuniza contra el dolor de la mente.
Hablando de este tema, tu documental, Cuando nadie me ve, retrata tus dudas, tus crisis emocionales y algunos momentos privados de tu vida. ¿Qué fue lo más catártico de su creación? ¿Cuál fue la necesidad principal de trabajar en ese material?
La necesidad principal fue la de vaciarme y quitarme la armadura. Llega un momento en la carrera donde el personaje puede llegar a devorar a la persona si no tienes cuidado. Lo más catártico fue mirarme al espejo a través del documental y reconocer mis propias debilidades sin juzgarme. Al final es un documental de un tipo que se hace las mismas preguntas existenciales que cualquiera.
¿Qué tan difícil fue mostrarte tan vulnerable con tu público? ¿Hubo algún momento en el que quisiste dar un paso atrás?
Da vértigo. Te sientes desnudo en mitad de una plaza pública. Hubo días en los que pensé: “¿Para qué me estaré metiendo en esto?”. Pero, al final, creo que la vulnerabilidad no es debilidad, es valentía, y si de alguna manera tu honestidad ayuda a otros a no sentirse solos en su propia oscuridad, cualquier duda desaparece.
The Madrid EDITION (@editionmadrid), Madrid
Madrid es tu casa, pero después de tantos años viajando por el mundo, ¿qué tiene la ciudad que hace que siempre quieras volver y que, además, haga sentir a quienes llegan que también pueden encontrar aquí su lugar?
Madrid tiene los brazos más grandes del mundo; aquí nadie es forastero. Da igual de dónde vengas, a los tres días de estar aquí ya eres madrileño. Lo mágico de volver es su luz, su cielo y, sobre todo, su gente. La alegría de vivir que se respira en sus calles es espectacular.
Cuando necesitas desconectar sin alejarte demasiado, ¿qué lugares de la región de Madrid te vienen a la cabeza para cambiar de ritmo y recargar energía?
Perderse por las calles de piedra de Patones es como viajar en el tiempo, te limpia la cabeza al instante. La plaza de Chinchón tiene una solera única para desconectar y comer bien. Cuando el ruido de la ciudad es muy fuerte, la sierra de Madrid es mi refugio.
¿Cuál crees que es la clave de no perder la esencia de sí mismo en una industria que es dominada, actualmente, por géneros tan comerciales?
Saber decir “no”. Es muy tentador subirse a la ola de lo que está de moda para sonar en las radios o acumular streams. Pero si te disfrazas de algo que no eres, el público lo nota tarde o temprano. La clave es respetar tu propio compás. Se puede evolucionar, experimentar y usar nuevos sonidos, pero sin perder la honestidad ni el pellizco que te define.
“Para mí, ‘vivir bien’ en Madrid es saber perder el tiempo con dignidad”.
¿Cómo te sientes, después de más de 30 años, al ser el referente que llevó los sonidos españoles de forma masiva a diversos rincones del mundo?
Se siente un orgullo, pero matizado con mucha humildad. Cuando empecé, no tenía un mapa; iba derribando puertas a base de intuición y de canciones. Saber que abrí camino para que la música con identidad española se escuchara con respeto en América y otros continentes es una de las mayores satisfacciones de mi vida.
Además, creaste un puente cultural y sonoro entre España y América Latina. Cuando miras atrás, ¿lo ves así?
Sí, y es un puente de doble vía. Latinoamérica me lo ha dado todo; me adoptaron como un hijo más desde el primer día. Yo no concibo mi música sin América Latina, sin su riqueza rítmica, su poesía y su forma de amar la música. Más que crear un puente, siento que descubrí que siempre fuimos el mismo río, solo que con distintas orillas.
Madrid habla mucho de disfrutar la vida sin prisas, de sentarse en una terraza, de alargar los momentos. Para ti, ¿qué significa “vivir bien” en Madrid?
Para mí, “vivir bien” en Madrid es saber perder el tiempo con dignidad. Es sentarte en una terraza al sol a arreglar el mundo con los amigos sin mirar el reloj. Es el arte del tapeo, de caminar sin rumbo por el Madrid de los Austrias y dejarte llevar por el ritmo de la calle, que es un ritmo vivo, pero que no te ahoga.
¿Hay algún rincón de Madrid donde sientas tranquilidad, comodidad o algo especial? ¿Qué lo hace único para ti?
El Templo de Debod al atardecer. Ver ponerse el sol desde ahí, con las vistas a la Casa de Campo y el Palacio Real, tiene una mística especial. Me transmite una paz enorme. Es un lugar donde el tiempo parece detenerse en mitad del caos de la ciudad.
Madrid convive muy bien con sus tradiciones y, al mismo tiempo, con una energía muy contemporánea. ¿Dónde percibes tú ese equilibrio entre lo clásico y lo nuevo en tu día a día?
Conviven de forma orgánica, sin pisarse. Lo ves en la gastronomía, donde un bar de taberna de toda la vida convive con un restaurante vanguardista de estrella Michelin. Madrid no olvida lo que fue para ser moderna, y eso la hace única.
Viva Madrid @vivamadridtaberna, Madrid
¿Cómo convives con éxitos como ‘Corazón partío’, ‘Amiga mía’, ‘La tortura’, entre otras? ¿Qué es lo que experimentas al tener tantos éxitos atemporales en tu catálogo?
Convivo con ellos con un agradecimiento infinito. Son canciones que ya no me pertenecen solo a mí, forman parte de la vida de mucha gente. Lo más bonito es ver cómo siguen encontrando su lugar con el paso del tiempo y acompañando a nuevas generaciones.
En junio, arrancas tu gira por España con el tour ¿Y ahora qué? ¿Has preparado algo especial para tu gente?
Siempre preparamos algo especial, porque volver a casa exige dar el resto. El concepto de “¿Y ahora qué?” juega mucho con mirar al futuro sin olvidar de dónde venimos. Vamos a tener una puesta en escena muy visual, muy potente, pero el núcleo sigue siendo el mismo: la banda tocando en directo, el alma en el escenario, y un recorrido por esos temas que nos han hecho crecer juntos. Habrá sorpresas, invitados y, sobre todo, mucha emoción.
Yo sé que has dejado un legado inmenso para la música en español, pero, para ti, ¿qué es lo más importante para ser recordado en la historia de la música en nuestros países?
No me importa tanto ser recordado por las cifras, los estadios o los récords. Lo verdaderamente importante para mí es ser recordado como alguien que fue honesto con lo que sentía y que logró que los demás se sintieran acompañados. Si dentro de muchos años alguien escucha una canción mía en un momento difícil y encuentra un poco de consuelo o de alegría, entonces todo este viaje habrá valido la pena.
¿Qué se siente ser madrileño y portar ese distintivo por todo el mundo?
De Madrid al cielo. Es una ciudad rica, con mucho espíritu. Aquí han pasado muchas cosas musicalmente, culturalmente y socialmente. Es un orgullo mi ciudad. Es algo que llevo dentro. Tengo mis raíces andaluzas, pero mis raíces de Madrid son muy profundas. Madrid tiene una cosa muy particular: siempre recibe a todos con los brazos abiertos, y eso es algo muy bonito.
Jardines de Sabatini, Madrid
Historia : Ximena Zambrano @ximenaazambrano
Fotografía : SALVA MUSTÉ (@salvamuste)
Productor Ejecutivo : Alejandro Ortiz @xalejandro.ortiz
Producción General : Vicky Estrin @vicky_estrin
Glam : Clara Rollán @lastlooksoficial
BTS: Martin Caballero @maartincaballero
Edicion Video : Estefania Farias @es.fa.guevara
The post Alejandro Sanz: El eterno madrileño appeared first on Rolling Stone en Español.
]]>
]]>
]]>
- Cada día, Disney Plus actualiza su ranking y da una pista clara de qué producciones son tendencia en los fanáticos.
- Hay un amplio catálogo de series y películas que no te podés perder, entre estrenos recientes, clásicos de siempre y alguna sorpresa.
- Las plataformas moldean más del 80% de lo que consumimos sin que lo advirtamos tan claramente.
- Netflix, Prime Video y Disney+ ya no sólo ofrecen contenido: también deciden qué se vuelve tendencia y qué queda sepultado en el catálogo.
- Estudios científicos ponen en tensión el rol del algoritmo como nuevo árbitro cultural, en detrimento de la crítica especializada.
- La conductora contó por primera vez que la cantante se cayó del escenario durante una grabación de su programa.
- Houston ya estaba en plena recaída.
- A los 83 años, editó su «The Boys of Dungeon Lane», su vigésimo disco solista de estudio. E hizo una campaña promocional más grande que cualquier artista novel: reportaje público en TikTok, actuaciones en vivo en la TV y entrevistas con varios diarios.
- Es que un Beatle siempre será un Beatle y la palabra «retiro» no existe en su vocabulario.