Singer-songwriter Belles and the late Dolly Parton’s “Son of Jolene” debuts at No. 51 on Billboard’s Country Airplay chart (dated Sept. 12). The song drew 1.3 million in airplay audience, up 68% week over week, Aug. 28-Sept. 3, according to Luminate.
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Belles, who earns her first entry on the chart, cowrote the song with Tyler Bank and Dan Harrison as a sequel to Parton’s 1974 Hot Country Songs No. 1 classic, “Jolene.” The new song made its way to Parton through longtime producer Kent Wells, and the legend liked the concept enough to add her vocals.
“Son of Jolene” stands as Parton’s last new recording released during her lifetime.
“I don’t even know how to say ‘thank you’,” Belles said in a video posted to Instagram after Parton died Aug. 25. “I was just a girl from Nebraska growing up idolizing Dolly and I never imagined moving to Nashville that I would get to meet her, much less have this song with her. She just took a chance on me. She really made me believe in myself a lot more. I’m just very grateful.”
Ex-cellent
As Luke Combs’ “Be by You” tops Country Airplay for a third week (32.8 million, up 1%), Lauren Alaina’s “All My Exes,” featuring Chase Matthew, rises a spot to No. 10 (17 million, up 3%). Alaina adds her fourth top 10 and Matthew, his third.
Notably, three of Alaina’s top 10s are collaborations — fitting on a chart where team-ups are scarce but tend to overperform once they catch on. “All My Exes” joins her three one-week No. 1s: HARDY’s “One Beer,” on which she and Devin Dawson are featured (December 2020); Kane Brown’s “What Ifs,” another feature (October 2017); and her own “Road Less Traveled” (April 2017).
Matthew previously visited the top 10 with “Darlin’,” a three-week No. 1 last November, and “Love You Again,” his chart debut that reached No. 9 in 2024.
Alaina cowrote “All My Exes” with Jimmie Gutch, Ben Johnson and Whitney Phillips, born of an argument with a former partner. “I was 22, 23, living in Nashville and dating other country music artists and dating other people in the business, and comedians,” she explained in Billboard’s Makin’ Tracks last September. “All the wrong people, basically.”
All Billboard charts dated Sept. 12 will update Wednesday, Sept. 9, on Billboard.com.
Someone has given NCT 127 notepads. The five bandmates are parked along one side of a wide conference room table, each with hotel stationery and a pen sitting in front of them. It immediately feels like a mistake. When not reflecting on what’s changed for the group in the decade since debut — or heckling each other for misspeaking like they’re still bratty kids living on top of each other in dorms — they’re hunched over, doodling.
Just over 10 years ago, the world was introduced to NCT’s first fixed subgroup (NCT DREAM, WayV and NCT WISH would soon follow) as teenagers getting aggro in science class. In real life, that rowdy energy has dispersed into a mellower campus crush vibe — if you squint, the drawing could almost be confused for diligent note-taking — but the septet’s seventh studio album, Blingy, is just as loud as ever. “I wanted to make a statement,” Chicago native Johnny says: “NCT 127 is back.”
K-pop’s noisiest mavericks have had a relatively quiet couple of years. In 2024, group leader Taeyong enlisted in the South Korean military for compulsory service; deep-voiced, dimpled Jaehyun was next to go. By the end of 2025, they were almost done, while two more — Doyoung and Jungwoo — cycled in, leaving five members (a head count rounded out by Johnny, Yuta and Haechan) to shoulder the weight of this comeback.
When they sit down with Billboard, the rollout is still in progress. Across the table, Taeyong is making scribbles that look plucked straight out of the mind of Bart Simpson: a disembodied robot head; messy stars; a stick-figure animal being beamed up by a UFO; a bird-man with abs and pecs — and, in a nod to Blingy’s raucous lead single, “Piñata,” live debuted at KCON LA the previous Friday (Aug. 14), a donkey with stubby little legs.
A few days later, the headlining set is still on their minds. There’s good reason for it to be: “It’s one of the hardest performances we’d ever had to get ready for,” Johnny says. To offset lineup changes, the guys ultimately had to redistribute lines for nearly every song on the setlist.
This is to say nothing of all the work that went into Blingy’s title track, which was only briefly teased at KCON. Taeyong, who co-created its choreo, recalls the first “full power” run-through: “I wasn’t even dripping sweat. I was just soaked,” he says. “Like some exercise…”
“CrossFit,” Johnny says, then spells out: “H-I-I-T.”
“A bit like CrossFit,” Taeyong laughs. “Maybe even harder.”
While the leader had proposed a few cuts, his teammates rejected them outright. “I felt it then,” Taeyong says. “The members really don’t change when it comes to ambition about performance and being uncompromising with what we show. We all have this desire.” He chuckles to himself: “I have it a bit less. But with everyone’s help, I was able to do it, too.”
Now in his thirties, Taeyong acts like his stamina has fallen off a cliff, but his post-military activities suggest otherwise: within six months of discharging, he released his debut solo studio album WYLD. Granted, it was “easier to make music in the military,” he admits. He had a hand in every track on his own project — but after returning to his group, Taeyong says he barely has time to listen to music, let alone produce it.
Jaehyun took a brief vacation before throwing himself into album preparations. He didn’t have much difficulty settling back in — that is, if his dry witticisms are to be believed. “Music is my life,” he says, completely straight-faced. “Always music. Today music, tomorrow music.”
And a lot was riding on that music. So, when it came time to pick the centerpiece for this era, there was a three-way split: management liked “Piñata” so much they tried to tip the scales in its favor; A&R championed the chest-beating “Legacy”; the members, however, threw their weight behind the impossible-to-ignore “Blingy.”
“It’s a song that gets your attention,” Johnny says. “I wanted people to stop and listen if they were walking by.”
Turning heads is far from a new goal for them. To this day, the title track from NCT 127’s best-selling album Sticker (and its cacophonous flute) is subject to hot debate: “It’s one of those songs where either you hate it, or you love it,” Johnny says. “We try to make people who hate it love it, but sometimes you don’t. We kinda just started to understand that.”
It’s this brash, unselfconscious style — which they call “Neo” — that’s so successful at bringing fans into the fold, he argues: “Because they are like, ‘What the heck is this?’” Jaehyun adds: “From the start, we had to be experimental.” And it’s grown into a calling card.
But it would be a mistake to chalk NCT 127’s music up to just noise. Despite the project’s on-the-nose title, Blingy contains multitudes: pinballing hip-hop banger “IKR” conducts its chaos with unexpected minimalism (they recorded early in the day for a morning rasp); the lightweight “Day After Day” has magical drum-n-bass swerves.
“It raises the question,” Johnny asks, holding this mixed bag up against the singularity of “Sticker,” “What is Neo?” For ultra-capable vocalist Haechan, deep cut “Mad Dog” is the pinnacle of that sound. It’s acidic and abrasive; crucially, the bridge hits like a melodic chaser to its squeaky dubstep drop, making the contrast all the more delicious.
Perhaps that’s why, despite the group’s sonic identity having been discussed to death — “I don’t really know what Neo is anymore,” Yuta huffs a laugh from beneath his black fringe — Taeyong sums it up rather easily: “There is no Neo song,” he says. “The members’ voices are Neo.”
With Doyoung and Jungwoo gone, Blingy tends to tread lighter on the crazy vocals. (Though not completely: “Piñata,” for one, flexes Yuta’s rock chops.) Yet as a happy surprise for fans — and their fellow members — the pair of enlisted singers show up on “127 Million Miles,” a heartfelt thank you to the many faces in the crowd and beyond. Taeyong explains of the song: “Even if we’re that far apart, we’re still able to be together.”
In July, “Did you miss us?” billboards went up across two major U.S. cities, leading fans to believe that North American dates would be added to NCT 127’s upcoming REDLINE tour. Johnny took it upon himself to personally dispel the rumors. “I didn’t want to get anyone’s hopes up,” he says with a small grimace. “I felt like that would make it worse.”
“There was a big picture,” he hand-waves. “But let’s not get into it.”
For the time being, the guys will “reach out as much as possible,” though Johnny adds that another tour is “definitely planned” for next year. “When all of the members are able to work together [in 2027], we’ll definitely try to make another album right away,” he says. What lies beyond is up in the air. “2028.. we’ll try, but we don’t know. Let’s just get through 2027.”
This year, meanwhile, finds them in flux. With the sprawling NCT clan turning a decade old, most of the members’ contracts were up for renewal; when April rolled around, SM Entertainment golden boy Mark Lee became the first to not move forward with the company — or the band.
Johnny emphasizes how long the whole process took in reality. Nothing was done in haste. “The decisions that everybody made weren’t made in a few months,” he says. “It really did take a lot of time and effort and conversation with each other to come upon the conclusion we came upon.”
They kicked off discussions over two years ago, before members began to enlist. “At the beginning, before I went to the military, we all got together and talked about it,” Taeyong says. “I guess each of us had a direction we were thinking about and we each wanted different things, so I think it was unavoidable that we took a longer time to think about it.”
“Ultimately, I can’t say that everyone is completely satisfied,” he concedes, while also effectively putting a lid on the conversation: “But I think we are able to work in a better environment than before.”
With this new seniority came greater creative control. Taeyong fiddles with his phone, looking for an unchosen demo version of an album track. It’s a move not without its objections. “Don’t play it,” Johnny cringes. “Ugh!” Yuta echoes: “What if she likes it too much?” This alternative melody — by the members’ own estimations — wasn’t up to par, so it didn’t go to press. “Hated [this] other version,” Johnny says. “Just gonna say that.”
Do they often find themselves having differences of opinion with their A&R team now? “Always,” Yuta nods.
Taeyong agrees: “I think we have more complaints after renegotiating.” The rest of the members crack up, but Yuta has an amendment to make. “Only him,” he says, poking a thumb at Taeyong. Was he not as forthcoming with his thoughts in the past? “Oh, I complained a lot before,” Taeyong smirks. “And now I’m just complaining even more.”
But they also recognize they’re in good hands for the most part. “We tell the company our opinion,” Haechan says, “[and] resolve it by talking it through. When it comes to songs, the A&R team comes to us with a certain vision, so we keep that in mind as we’re thinking about the album.”
Although Taeyong can be admittedly hard to budge, he’s not closed off to outside information, either. He doesn’t confuse ego for maturity. After SM Entertainment acquired music publisher KRM, “I came to learn some things,” he says. “At first, I had a lot of complaints about there being so many foreign producers in the credits [of our albums].”
But time has shifted his perspective on the matter. “Just because they’re foreign producers doesn’t mean they’re making songs from a place of ignorance,” he says. “These individuals have come over to Korea and are doing song camps. They’re learning about Korean culture and K-pop’s origins, and they know more than I expected. It’s within these song camps where their culture and our culture come together.”
His worries about the K-pop industry divesting itself from the “K” weren’t unfounded. But whereas some K-pop artists seem to chase after the U.S. pop airwaves, NCT 127 has always utilized creative partnerships between (often Black American) producers from the West — Dem Jointz, Patrick “J.Que” Smith, Harvey Mason Jr. — and SM’s genius home team to enhance their sound rather than strip it of complexity.
Johnny offers up a metaphor. “Do you know what an MBTI is?” he asks. “It’s an easy way to explain who you are. But does that define you? I would say no.” The eldest isn’t too hung up on the particulars: “You can label us however you want,” he says. “But, in the end, we kind of made a genre.”
And that’s something they can call all their own.
Additional translation provided by Gene Kim.
Se aproxima una nueva era. Ela Taubert sorprende con ‘No Tengo Remedio’, un sencillo que trae de vuelta insignias de su carrera como los sintetizadores e instrumentales pop que se complementan con sus letras románticas, irónicas y, sobre todo, pegadizas.
Este tema muestra a la bogotana perseverando por encima del rechazo amoroso con honestidad, cercanía y ese humor característico que enamoró a Latinoamérica. La canción captura esa contradicción entre entender que quizá es momento de pasar página y seguir creyendo, contra toda lógica, que aún existe una posibilidad. Expresa este punto con letras como, “Tú y yo somos novios, solo que tú no lo sabes, pero para mí es obvio/Quizás es tonto vernos de nuevo, quizás no soy tu tipo, lo entiendo/Pero por qué no hacer una excepción /Yo sé que no tengo remedio, pero nadie va a quererte como te quiero yo/Yo sé que no me echas de menos, pero déjame intentar, empecemos de cero”. El video musical saldrá el 11 de septiembre en su canal de Youtube.
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Además de haber revelado una nueva pieza del universo que creó con ‘La gente cambia’ y ‘Hasta el fin del mundo’, este año, ha recibido reconocimientos internacionales como menciones en las listas de Forbes y Vogue LATAM de “30 under 30”, las listas que reconocen a los jóvenes más exitosos por debajo de los 30 años. Incluso ayudó a recaudar 11 millones de pesos para los esfuerzos de reconstrucción por el terremoto en el concierto benéfico, Colombia: Voces por la Vida.
Por el momento, se puede escuchar ‘No tengo remedio’ en todas las plataformas de streaming musical.
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Por mandato presidencial, Brasil busca ponerle un tatequieto al lucrativo negocio de los conciertos al regular las condiciones en las que se llevarán a cabo estos eventos masivos. Luiz Inácio Lula da Silva, presidente de Brasil, emitió dos nuevos decretos que rápidamente se hicieron virales por el nombre con el que han sido popularmente conocidos: la Ley Taylor Swift.
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Estas normativas establecen que los eventos con un aforo superior a 100 espectadores deberán ofrecer agua potable de forma gratuita y obligatoria. Además, deberán garantizar que los asistentes puedan ingresar con sus propios recipientes para consumirla.
Otra de las prácticas que busca combatir Lula da Silva con estas regulaciones es la creciente reventa de boletos, un fenómeno que ha cobrado fuerza alrededor del mundo. La nueva legislación enfrenta directamente esta problemática y exige mayor transparencia en las tarifas de los eventos masivos, además de prohibir los cobros adicionales por la transferencia oficial de boletos.
En la normativa, el presidente señaló que la reventa digital consiste en acaparar entradas en cuestión de segundos para después ofrecerlas a precios mucho más elevados. Por ello, la nueva medida también refuerza las garantías para que las personas que tienen derecho a boletos con descuento puedan acceder efectivamente a ellos.
“La cultura es un derecho de todos. Quienes apoyan a sus artistas favoritos —y se esfuerzan por asistir a conciertos y espectáculos— merecen ser tratados con dignidad. Lo que hemos hecho hoy es un ejercicio de democracia”, declaró Lula da Silva.
Estas normativas —y el nombre con el que se les conoce— surgen casi tres años después de la muerte de Ana Clara Benevides Machado, una joven de 23 años y fan de Taylor Swift que falleció durante el concierto de la cantante en Brasil, en medio de una ola de calor extremo que marcó uno de los episodios más trágicos del Eras Tour.
Durante el anuncio de las nuevas legislaciones, Lula da Silva estuvo acompañado por fanáticos de grandes artistas internacionales, entre ellos Taylor Swift, BTS, BLACKPINK, Ariana Grande, Lady Gaga, Harry Styles, Justin Bieber, Katy Perry y Olivia Rodrigo. La presencia de estos seguidores evidenció el respaldo de distintos fandoms a las medidas impulsadas por el mandatario.
“La cultura es un derecho de todos. Y quienes aman la música, el arte y a sus artistas favoritos merecen respeto. Ayer firmé dos decretos para garantizar más derechos a quienes asisten a conciertos y espectáculos. Vamos a combatir a los ‘revendedores digitales’ y a garantizar un mayor acceso a las entradas con descuento. También reforzamos la oferta gratuita de agua potable en grandes eventos y el derecho a ingresar con tu propia botella en eventos abiertos. Más acceso, más respeto y más democracia para quienes viven la cultura”, compartió el presidente en redes sociales.
Um grande prazer receber representantes de fandoms de todo o Brasil para este dia especial. Juntos, vamos combater o cambismo digital e dar mais segurança e oportunidades para quem quer se divertir e ver seu artista preferido
@ricardostuckert pic.twitter.com/BT28qavviK
— Lula (@LulaOficial) August 31, 2026
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Omakase es, sin duda, uno de los lanzamientos del año. Destacado por ROLLING STONE en Español como uno de los mejores proyectos hispanos de la primera mitad de 2026, Álvaro Díaz sorprendió con un álbum disruptivo y lleno de matices en el que se tomó la libertad de hacer lo que le diera la gana. El público respondió de gran manera. Ahora, la tarea del puertorriqueño era llevar esa experiencia a los escenarios y vivir junto a sus fans no solo este último disco, sino también celebrar toda su trayectoria, lo que, al menos en Bogotá, logró con creces en su primera fecha del Omakase Tour.
Según comentan algunos asistentes, las afueras del Movistar Arena de la capital colombiana comenzaron a recibir a los primeros fans de Álvaro desde antes de que el sol se asomara por el cielo de la ciudad. Con el pasar de las horas, a esas primeras personas en llegar se unieron muchas más, algunas dejando de lado sus trabajos y estudios para acudir a la cita con el cantante.
Camisetas, pañoletas y carteles referentes a todos los proyectos del puertoriqueño enriquecieron un panorama en el que miles de personas, desde colegiales y universitarios hasta padres acompañando a sus hijos, desbordaron las filas de entrada al venue. Las expectativas estaban por las nubes y la impaciencia por entrar crecía con cada minuto. La espera terminó a las 6 de la tarde, cuando las puertas se abrieron y los asistentes pudieron dirigirse a sus ubicaciones para esperar el comienzo de la presentación.
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Aproximadamente a las 8:30 de la noche, con el Movistar Arena casi lleno, el show comenzó con la presentación de la telonera: Melodie. La puertorriqueña, quien ha venido construyendo una propuesta que combina el pop alternativo con sonidos urbanos y una marcada estética visual, fue la encargada de preparar al público para la llegada de Alvarito. Durante cerca de 30 minutos, la artista y su banda ofrecieron un sólido performance que logró conectar rápidamente con los asistentes. El set cerró con una canción inédita, próxima a estrenarse, que terminó de despertar la atención de un público que la recibió con entusiasmo y quedó listo para el acto principal de la noche.
Alrededor de las 9:00 p. m., los asistentes comenzaron a gritar “Sí, chef” en repetidas ocasiones, anticipando la entrada de Álvaro, quien, al igual que en su último álbum, dio inicio al show con ‘SICHEF.’, llevando al público al éxtasis desde el primer minuto.
Del mismo modo que en Omakase, el espectáculo estuvo dividido en cuatro etapas separadas por videos protagonizados por un chef oriental que hablaba en japonés, con doblaje del propio Álvaro. En cada interludio —acompañado por un cambio de vestuario—, el cocinero explicaba la preparación de un plato: comenzaba con la selección de la materia prima, continuaba con el fuego y el sazonado y terminaba con el emplatado. Así, la cocina se convirtió en el hilo conductor de un espectáculo que, más que presentar las canciones del álbum, buscaba trasladar su concepto al escenario.
Aunque el concierto estuvo lleno de grandes momentos, con los que el público pasó de la euforia a la tristeza casi sin darse cuenta —como la aparición de Papi Sousa para cantar ‘1% Remix’ o la interpretación visceral de ‘NO PODEMOS SER AMIGOS.’—, hubo instantes que quedarán por siempre en la memoria de los fanáticos de Álvaro.
El primero de esos momentos llegó al principio del show, con un homenaje a Milkman, íntimo amigo y colaborador creativo de Álvaro Díaz, quien falleció en febrero de este año. Fue durante ‘PIENSO EN TI.’, una canción que nació a partir de una de las pistas del productor. Mientras la canción llegaba a su final, las imágenes de Milkman comenzaron a llenar la pantalla a espaldas de Álvaro. Por unos segundos, el tiempo pareció detenerse: el cantante contempló el rostro de su amigo, levantó su botella de aguardiente y le dedicó un trago. Un pequeño gesto para alguien cuya ausencia, aunque dolorosa, sigue encontrando una forma de permanecer sobre el escenario.
El segundo gran momento llegó a la mitad del show, cuando Álvaro invitó a una fanática al escenario y le entregó, por unos instantes, las riendas de la noche. Frente a ella se abrieron tres caminos posibles para continuar el concierto. El primero llevaba de regreso a los primeros días de su carrera, con la posibilidad de rescatar uno de los temas que alguna vez subió a SoundCloud o alguno de los clásicos de sus primeros álbumes. El segundo viajaba hasta Felicilandia. El tercero apuntaba hacia una canción que, por distintas razones, había quedado afuera.
La decisión, sin embargo, no fue completamente suya. Desde la tarima, la fanática buscó la respuesta entre los gritos del público, que terminó inclinando la balanza hacia Felicilandia. Entonces sonaron los primeros acordes de ‘Chinita linda’ y el Movistar Arena se transformó. Miles de voces acompañaron la canción entre gritos, saltos y lágrimas, como si por unos minutos Álvaro no hubiera escogido una canción de su pasado, sino abierto una puerta hacia un recuerdo que el público todavía llevaba consigo.
Si hasta ese momento el público estaba completamente emocionado, el segundo invitado de la noche hizo explotar el venue: Feid.
Algo parecía decirle al público que el paisa estaría allí. Poco a poco, los gritos comenzaron a crecer y su nombre empezó a apoderarse de la Arena, hasta que finalmente apareció sobre el escenario. Junto a Álvaro, interpretó ‘Llori Pari’, ‘GATITAS SANDUNGUERAS – VOL.1’ y ‘A mí también’, canciones que los asistentes cantaron de principio a fin con la misma emoción con la que habían recibido los primeros temas de la noche.
Para cerrar, no podía faltar el recordatorio de BABYXITA MOR, el EP colaborativo entre ambos artistas que llegará en octubre y que se ha convertido en uno de los proyectos conjuntos más esperados de los últimos años dentro de la escena urbana.
El show llegó a su fin con ‘INAROW62’, uno de los temas mejor recibidos de Omakase y de esas canciones que parecen perfectas para cerrar todo el viaje que representó la presentación. Tras toda la euforia del show, bajar las revoluciones con este tema romántico, acompañado por una instrumental acústica y drums profundos, hizo que el público pudiera despedirse de Álvaro desde un lugar mucho más íntimo. Después de saltar, gritar, llorar y recorrer junto a él distintas etapas de su carrera, el concierto terminó casi como comenzó: con la música tomando el control y dejando a miles de personas cantando juntas, pero esta vez con la calma de quien acaba de llegar al final de un largo viaje.
Al final, la sensación entre los asistentes era la de haber vivido algo más que un concierto. Álvaro Díaz consiguió convertir el universo de su más reciente LP en una experiencia que recorrió distintas etapas de su carrera y, al mismo tiempo, encontró espacio para crear nuevos recuerdos junto a quienes han seguido su música durante años.
La respuesta del público a lo largo de la noche dejó poco espacio para las dudas: entre canciones coreadas de principio a fin, invitados inesperados, lágrimas, saltos y una energía que se mantuvo hasta el último acorde, la mayoría salió del Movistar Arena con una sonrisa. Las expectativas eran altas desde antes de que se abrieran las puertas, pero Álvaro demostró que estaba a la altura del reto.
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La Academia de Cine ya ha seleccionado sus películas favoritas para representar a España en los Óscar 2027. Miriam Garlo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por su papel en Sorda, fue la encargada de anunciar las cintas que competirán por ser la elegida para representar al país en la categoría de Mejor Película Internacional en una de las premiaciones más importantes del séptimo arte.
La primera cinta preseleccionada fue La bola negra, de Los Javis, Javier Calvo y Javier Ambrossi. La producción se perfila como una de las grandes favoritas tanto del público como de los académicos y, además, figura entre las posibles candidatas en otras categorías, como Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Guion Original. La historia presenta un drama que explora la identidad, la búsqueda, el deseo, la memoria y la experiencia de ser homosexual en España a través de distintas generaciones, todo ello enmarcado en una historia de fantasía ambientada alrededor de la Guerra Civil. El filme encuentra su génesis e inspiración en la novela inacabada y homónima de Federico García Lorca, de la que el escritor granadino solo llegó a completar cuatro páginas antes de ser asesinado en 1936.
El siguiente largometraje seleccionado por la Academia es El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo. La producción llegó a los cines españoles la semana pasada y se adentra en la compleja relación entre Esteban y Emilia, un padre y una hija marcados por problemas sin resolver. La historia explora los resentimientos, las expectativas, la ausencia afectiva y las heridas familiares que han marcado su vínculo, todo a partir del deseo de Esteban de ayudar a su hija a impulsar su carrera como actriz.
Por último, está Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. El largometraje es un drama familiar que gira en torno a Ainara, una joven de 17 años interpretada por Blanca Soroa. Brillante y con un futuro prometedor por delante, su familia espera que curse una carrera universitaria y construya una vida profesional convencional. Sin embargo, Ainara sorprende a todos cuando anuncia que quiere convertirse en monja de clausura, convencida de que siente una profunda vocación religiosa. La película fue reconocida con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y posteriormente obtuvo cinco premios Goya, incluido el de Mejor Película.
Uno de los grandes temas y cuestionamientos que surgieron en torno a la decisión de la Academia de Cine fue inevitable: ¿y Almodóvar? Sin embargo, el cineasta quedó fuera de la carrera en los prestigiosos galardones junto con su película Amarga Navidad.
La película que representará a España en la carrera por el premio a Mejor Película Internacional se dará a conocer el próximo 16 de septiembre. La 99.ª edición de los Premios Óscar se celebrará el 14 de marzo de 2027 en el Dolby Theatre de Los Ángeles.
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Jason Isbell y otros músicos llevaron nuevamente a los tribunales el debate sobre el uso de inteligencia artificial en la industria musical. El cantante y compositor estadounidense presentó, junto a otros tres artistas, una demanda colectiva contra Suno, una plataforma de generación musical basada en IA, a la que acusan de utilizar sus identidades sin autorización para crear canciones que imitan sus estilos.
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La demanda fue presentada el lunes 31 de agosto ante un tribunal federal de Massachusetts y, a diferencia de otros procesos que actualmente enfrentan las compañías de inteligencia artificial en la industria musical, no se concentra exclusivamente en el uso de grabaciones, composiciones o letras protegidas por derechos de autor. En este caso, los músicos sostienen que Suno está explotando comercialmente elementos relacionados con su nombre, imagen, semejanza e identidad artística.
Además de Isbell, los demandantes son David Lowery, integrante de Cracker y Camper Van Beethoven; el músico de blues Guy Forsyth; y el saxofonista Eduardo Calle. De acuerdo con la demanda, Suno habría incorporado las características identificables de numerosos artistas a sus modelos de inteligencia artificial sin obtener su consentimiento, permitiendo posteriormente que los usuarios generen música que busca reproducir esas identidades.
Uno de los ejemplos incluidos en el documento involucra directamente a Isbell. Los músicos aseguran que, pese a que Suno afirma bloquear las instrucciones que contienen los nombres de artistas específicos, la plataforma puede responder a este tipo de solicitudes. Según la acción legal, al introducir el nombre de Isbell se obtuvo una canción titulada ‘Paper Bell’, descrita como una pieza de americana que imitaba características asociadas con su voz y su estilo country.
Los demandantes también señalan que el sistema habría sido capaz de producir resultados inspirados en otros artistas, entre ellos Carly Simon, Buddy Guy, Common y Chief Keef. Para los músicos, el problema no radica únicamente en que una inteligencia artificial pueda producir música parecida a determinado género, sino en que pueda utilizar la identidad reconocible de un intérprete como una herramienta comercial sin que este haya dado su autorización.
La diferencia es importante. Un artista puede haber cedido los derechos sobre determinadas grabaciones a una discográfica, pero eso no necesariamente significa que haya transferido el derecho a utilizar su propia identidad. Precisamente sobre ese punto se construye la demanda, que busca obtener una compensación económica y una orden judicial que impida a Suno continuar utilizando las semejanzas de los músicos de esta manera.
Suno, por su parte, rechazó las acusaciones y aseguró que considera que los reclamos carecen de fundamento. La compañía sostiene que su plataforma está diseñada para ayudar a los usuarios a crear música original y no para aprovecharse del nombre de ningún artista. También afirma que cuenta con medidas de protección, entre ellas el bloqueo de instrucciones que mencionen determinados artistas o canciones protegidas por derechos de autor.
El proceso abre así un nuevo frente en la disputa entre los músicos y las empresas de inteligencia artificial. Mientras buena parte de las demandas anteriores se ha concentrado en determinar si las compañías pueden utilizar material protegido por copyright para entrenar sus modelos, el caso de Isbell y los demás artistas plantea una pregunta distinta: ¿hasta dónde puede llegar una herramienta de IA al reproducir la identidad artística de una persona sin su consentimiento?
La respuesta podría tener consecuencias importantes para una industria en la que las herramientas capaces de generar canciones a partir de simples instrucciones son cada vez más accesibles. Por ahora, el caso Isbell v. Suno Inc. apenas comienza, pero suma una nueva dimensión al complejo debate sobre quién controla la voz, la imagen y el estilo de un artista en la era de la inteligencia artificial.
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Low Clika llega a su primer álbum con una idea clara: no encasillarse. Después de conocerse en un reality y comenzar a trabajar como grupo, sus integrantes han pasado más de un año construyendo un proyecto que busca combinar el regional mexicano, la raíz desde la que parten, con otros sonidos y géneros que hacen parte de sus referencias.
El resultado es un álbum de 12 canciones en el que conviven el R&B, la cumbia, el trap, el reguetón y diferentes vertientes del regional mexicano. Más que seguir una fórmula, Low Clika quiso utilizar el proceso para descubrir qué podía sonar propio. Para hacerlo, trabajaron junto a productores como Wiker All Side, Julia Lewis, Tuncourt y Ribs, entre otros.
“Empezamos justo recién salimos del reality donde nos conocimos y empezamos a trabajar poco a poco en el álbum, en encontrar un sonido para Low Clika”, cuentan. Para ellos, trabajar desde el comienzo con productores de distintos perfiles fue también una manera de crecer como artistas y entender mejor qué querían hacer.
El trabajo en estudio tuvo una dinámica poco convencional. En lugar de llegar con todas las canciones terminadas, el grupo construyó buena parte del material durante un camp de composición y producción en el que varias ideas avanzaban al mismo tiempo. Mientras algunos integrantes componían, otros trabajaban en beats y otros grababan instrumentación.
“Realmente teníamos como que varios booths de trabajo. Estábamos de una estación a la otra y luego a la otra. Todos estábamos chambeando cosas diferentes, pero de las mismas rolas que se estaban haciendo ahí mismo”, explican.
El proceso se convirtió, de alguna manera, en una pequeña fábrica creativa. Una canción podía comenzar con un beat, pasar a la composición, regresar a la producción y terminar tomando forma con la grabación de los instrumentos. Al final de cada semana, el grupo se reunía para escuchar lo que había surgido.
La experiencia también les permitió descubrir que el detalle puede cambiar por completo la intención de una canción. Uno de sus integrantes, por ejemplo, habla de lo que aprendió trabajando el bajo quinto: un mismo adorno puede interpretarse de distintas maneras y producir sensaciones completamente diferentes.
“Importa mucho un adorno que hagas de una manera. Puedes hacer el mismo adorno de otra manera y te da completamente otra intención, y la gente sí lo percibe a la hora de que queda la canción”, explican.
Esa búsqueda también atraviesa las temáticas del álbum. Aunque las 12 canciones son diferentes entre sí, la intención era que todas conservaran una misma esencia. Antes de decidir el concepto definitivo, incluso contemplaron llamar al proyecto Disociado y Agüitado, una idea que resumía la convivencia entre dos estados y dos universos sonoros: una parte más ligada al beat y otra al regional mexicano y a la emoción.
Uno de los momentos más especiales del proceso fue ‘Julieta’. La canción nació en Guadalajara, fuera del camp de composición, durante una sesión mucho más espontánea con el equipo de Golden Ink. El grupo terminó reunido en una terraza, guitarreando y aportando ideas hasta que apareció la historia de ‘Julieta’ y ‘Romeo’.
“No pensamos cómo iba a acabar”, recuerdan. “Cada quien empezó a aportar y ahí fue saliendo la rolita”.
La canción terminó convirtiéndose en una pieza especialmente significativa para el grupo. No solo alcanzó el número 25 en Billboard, sino que tiene la particularidad de haber sido escrita por todos los integrantes de Low Clika, algo que no ocurre con el resto del álbum.
La distribución de tareas dentro del grupo también responde a esa búsqueda de identidad. Low Clika funciona como un equipo en el que cada integrante tiene diferentes responsabilidades: composición, producción, arreglos, ingeniería, contenido y el trabajo relacionado con los shows en vivo. Esa división les ha permitido ser cada vez más autosuficientes.
“Cada quien tiene como que sus roles internos”, explican. “Hay muchos expertos en producción, otros son más buenos en composición, otros son más buenos editando videos y así. Creo que es un equipo completo”.
La misma lógica se traslada a los escenarios. Uno de los integrantes se encarga principalmente de los shows en vivo y de elementos como las secuencias, mientras otros trabajan en la ingeniería y los arreglos. La idea es que las habilidades individuales terminen fortaleciendo el proyecto colectivo.
Para su primer álbum, además, quisieron mantener las colaboraciones en un mínimo. El disco cuenta con una sola invitada: Nani, una amiga del grupo de Monterrey. Su participación surgió casi de manera accidental. La canción había sido pensada inicialmente para Low Clika, pero sentían que algo faltaba.
Después de considerar diferentes voces femeninas, llegaron a Nani. Su participación terminó transformando la canción: incorporó diferentes voces de fondo y le dio una nueva dimensión al tema.
“Le dio una vibra totalmente diferente. Metió muchas voces de fondos; con su voz llenó la rola de una manera que no esperábamos”, dicen.
Aunque el álbum apenas está por salir, Low Clika ya piensa en lo que viene después. Entre los artistas con los que les gustaría colaborar mencionan a Fuerza Regida y a George de Street Mob, mientras que también cuentan que están cerca de cerrar una colaboración con Frontera.
El siguiente paso será llevar el material a los escenarios. El grupo tiene varios shows programados, entre ellos una presentación en el Flow Fest de Ciudad de México. Allí planean combinar canciones del álbum con algunos covers reinterpretados desde su propio estilo y, posiblemente, presentar canciones que todavía no hayan sido lanzadas.
“Para esa fecha tal vez todavía no están fuera, pero va a ser un poco de lo que se viene después del disco, de nuestro concepto, nuestro sonido y todo eso”, adelantan.
Más allá de las canciones, el último año también ha servido para que Low Clika entienda mejor qué significa funcionar como grupo. La experiencia del estudio se ha complementado con actuaciones, grabación de contenido y diferentes experimentos audiovisuales. Incluso han salido a las calles a promocionar sus canciones y han aprendido a enfrentarse a una cámara desde un lugar distinto al que conocían por el reality.
“Actuar o estar en un set con tanta gente viéndote y todos en silencio es diferente”, cuentan. Esa experiencia, dicen, les ha ayudado a perder la vergüenza y ganar herramientas que ahora pueden trasladar a distintas áreas de su trabajo.
El aprendizaje, sin embargo, no ha venido únicamente de los aciertos. Para ellos, reconocer los errores ha sido igual de importante para entender hacia dónde quieren ir.
“Hay deficiencias y cosas malas que justamente se tienen que tener. Esa conciencia de lo que estás haciendo mal para en un futuro corregirlo. Ya eres mejor y dices: ya no soy la misma persona que antes, ya tengo un poco más de experiencia”.
Esa evolución es, quizá, una de las claves para entender el momento actual de Low Clika. El grupo todavía está construyendo su identidad, pero lo hace desde una dinámica colectiva en la que cada integrante aporta desde un lugar distinto. Después de más de un año de trabajo, el primer álbum representa tanto un punto de llegada como el comienzo de una etapa nueva.
Y mientras esperan que el disco finalmente vea la luz, también miran hacia los escenarios, las próximas colaboraciones y las canciones que ya están preparando. El objetivo parece ser el mismo que tenían cuando entraron por primera vez al estudio: seguir descubriendo qué puede ser Low Clika.
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Juanes volvió a los escenarios para comenzar una nueva etapa de su carrera. Este jueves 3 de septiembre, el músico colombiano inauguró en Orlando, Florida, su Juanes World Tour 2026, una gira de más de 29 fechas por Norteamérica con la que celebra 25 años de trayectoria como solista y presenta una renovada propuesta en vivo.
El concierto en el Hard Rock Live de Orlando marcó el punto de partida de un espectáculo diseñado alrededor del universo de JuanesTeban, su duodécimo álbum de estudio, pero que también recorre algunas de las canciones que han convertido al artista en una de las figuras fundamentales del rock latinoamericano.
La nueva puesta en escena busca diferenciarse de sus anteriores giras a través de una mayor energía, interacción con el público y una propuesta visual inspirada en las distintas emociones y contrastes que atraviesan JuanesTeban. El resultado es un espectáculo que conecta la etapa actual del músico con un repertorio construido durante más de dos décadas.
Durante el concierto, Juanes interpretó canciones de su más reciente álbum como ‘Una Noche Contigo’, ‘Hagamos Que’, ‘Muérdeme’ y ‘Timelapse de Sol’, que convivieron en el repertorio con clásicos como ‘Es Por Ti’, ‘Mala Gente’ y ‘Volverte A Ver’.
Uno de los momentos más cercanos de la noche llegó con ‘Para Tu Amor’. Juanes abandonó el escenario para interpretar la canción entre el público, convirtiendo uno de los temas más queridos de su catálogo en un momento íntimo y compartido directamente con sus seguidores.
El disco también representa una nueva conexión de Juanes con artistas de distintas generaciones y escenas. JuanesTeban incluye colaboraciones con Bomba Estéreo, Conociendo Rusia, Mon Laferte, Rawayana y Vivir Quintana, además de ‘Una Noche Contigo’ junto a La Arrolladora Banda El Limón, canción que le permitió conseguir su primer número uno en el listado Regional Mexicano.
Este momento adquiere una dimensión especial al coincidir con el aniversario número 25 del inicio de la carrera solista de Juanes. Desde entonces, el músico ha construido un catálogo que atraviesa el rock, el pop y distintos sonidos latinoamericanos, convirtiendo canciones como ‘Es Por Ti’, ‘A Dios le Pido’, ‘La Camisa Negra’ y ‘Volverte A Ver’ en parte del imaginario musical de varias generaciones.
Tras su primera fecha en Orlando, Juanes continúa este viernes 4 de septiembre en el Kaseya Center de Miami, donde tendrá como invitada a la cantautora venezolana Joaquina. El recorrido seguirá por Jacksonville, Atlanta, Charlotte, Nashville, Columbus, Cleveland, Indianapolis, Newark, Toronto, Montreal, Boston, Chicago, Houston, Los Ángeles y San Diego, entre otras ciudades.
A partir del 18 de septiembre, Andrea Bejar se incorporará como acto de apertura para las siguientes fechas. La gira norteamericana concluirá el 22 de octubre en San Diego, en Gallagher Square at Petco Park.
Con JuanesTeban como punto de partida y un repertorio que resume un cuarto de siglo de música, Juanes apuesta por un espectáculo que mira simultáneamente hacia adelante y hacia atrás: presenta una nueva etapa artística sin dejar de lado las canciones que construyeron su historia.
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Es increíble como una cosa que parece pequeña puede terminar convirtiéndose en una historia mucho más grande. Eso es lo que logró Veintiuno con La balada de Delirio y Equilibrio, su álbum de 2025 que partió de una canción incluida en Gourmet (2018) y que le dio rienda suelta a su imaginación. “Es un disco muy de lore. Hemos desarrollado cierto lore que estaba de manera intrínseca en la banda. A mí me gusta mucho esta cosa de la intertextualidad, de introducir ideas que se desarrollen entre canciones”, comenta Diego, frontman de la agrupación. “Quiero pensar que es una cosa de construir un pequeño cosmos de lo que tú haces”.
Este universo es expansivo por naturaleza, así que ahora Diego, Pepe, Yago y Rafa presentan una ramificación más: El último baile de Delirio y Equilibrio. Este álbum no figura como una edición deluxe, sino más bien se presenta como un trabajo que conserva su independencia al contar con temas nuevos y reversiones de las canciones de su antecesor en manos de artistas invitados. Repion, Rufus T. Firefly, Puño Dragón, Grande Amore, Malmö 040, DJ Nano, XAS y Yarea dotan los cortes de un nuevo aire que permite entender que para los de Toledo los límites no existen.
Semanas antes de su lanzamiento, Diego y Yago conversaron con ROLLING STONE en Español sobre la reedición, cómo logran crean historias extensas sin perder el sentido, la influencia de la mitología en su música y lo que hay detrás de ‘Magia negra’, el corte que solo se podrá escuchar en formato vinilo.
¿Por qué decidieron seguir expandiendo este universo que crearon con La balada de Delirio y Equilibrio? ¿Por qué hacerlo con reinterpretaciones?
Diego: Cuando estás hablando de una relación de pareja, como ocurre con La balada, hay una pregunta que es inevitable: “¿Cómo habrían sido las cosas?”. Es un pensamiento que creo que tenemos todos, sobre todo, cuando algo ha salido mal. Raramente te lo preguntas cuando las cosas van bien. En la génesis de La balada incluso estaba como un easter egg porque estaba en la portada. Estaba la idea de las vidas pasadas, de qué nos ha llevado a ser quiénes somos y cómo nos comportamos, y qué podría haber sido si estuviéramos en otra posición. Con esa premisa, nos pareció que había un camino a desarrollar y hacer algo que en parte es un juego, pero también somos una banda muy interesada por ver dónde están los límites de lo que hacemos.
Somos una banda de pop, eso está en el ADN del grupo, pero nos nutrimos de muchas cosas más o menos visibles, más o menos explícitas. Cuando hemos tenido la posibilidad, hemos intentado explorar esos caminos. El hecho de poder abrir las canciones y expandirlas es muy estimulante. Ahora que la banda tiene un tamaño, podemos desarrollar la posibilidad de irnos al estudio con Rufus T. Firefly y trabajar una canción nuestra a ver a dónde nos lleva. Ese juego siempre habíamos querido hacerlo [porque], en lo creativo, es muy estimulante, mucho más que la tentación de meter una voz de un artista que te gusta y ya está. Es una búsqueda muy artística, es lo que más nos interesa hacer.
¿Qué tan inspirador resulta trabajar de esta manera y escuchar sus canciones en un estilo que ustedes no suelen trabajar?
Yago: Esa es la parte que más me ha gustado: el hecho de entregarle una canción a Repion o a Rufus. Darles una guitarra y decirles, “¿Cómo lo hubierais hecho vosotros?”. Creo que ha sido lo más enriquecedor de todo este proceso.
D: Porque se aleja de ti.
Y: Se aleja de ti, pero es tuyo.
Sí y justo quería preguntarles por esta diferencia. Diego mencionaba que una cosa es invitar a un artista para que escriba o cante un verso que ustedes ya escribieron, y otra es darle la libertad de hacer con la canción lo que le plazca. ¿Cómo llegan a darle esta confianza a alguien?
D: Hemos colaborado con gente que ya nos gustaba. No hemos tenido que arriesgarnos al abismo de alguien con quien no tuviéramos nada en común. Yo con Puño Dragón, por ejemplo, me he subido a cantar en conciertos suyos. Yarea es alguien con quien hemos coincidido mucho en el estudio y que conocemos de hace mucho tiempo. Rufus es la banda que ha servido de ejemplo para que exista Veintiuno no solo por la música que hacen, sino por la carrera que han hecho, por cómo han avanzado contra viento y marea, por cómo se han peleado con el mundo para desarrollar lo que ellos querían desarrollar. Repion son íntimas amigas desde hace 13 o 14 años.
Malmö fue un collab que llegó a nosotros. Los habíamos invitado a cantar en otras canciones y fue el bajista quien me escribió, “Tío, vengo de una ruptura, no había conectado con ‘Estarás’ y cuando lo dejé con mi pareja, volví a esa canción de manera random y me ha atravesado por la mitad”. Entonces, hemos tirado de gente con la que teníamos la confianza de saber que si les dábamos la mano, el lugar al que iba a ir, iba a estar bien de partida.
A mí me gusta que, además de ser una reedición, bien podría funcionar como un disco independiente justamente por eso. Son versiones diferentes añaden canciones que no estaban en el disco original, pero también juegan con el orden de las canciones. ¿Qué historia querían contar aquí jugando con el orden de del disco?
D: Hay canciones que han cambiado mucho su energía. Yago es una persona muy preocupada de los set, pero es que ‘Mitología’ tenía una energía profundamente diferente. Para nosotros es una canción muy Bleachers y de pronto cuando ha pasado por Grande Amore, se ha convertido en una rave. Entonces, no tenía sentido que se mantuviesen en los mismos lugares porque son canciones distintas.
Y: Sí. Igual, originalmente, La balada lo hicimos de una manera más narrativa y El último baile lo hemos hecho por sensaciones, por intensidad. Creo que ese ha sido un poco el criterio.
La conclusión que yo saqué entre el sonido, las letras y el texto que escribiste es que hay un mundo dentro de un mundo, dentro de otro mundo. Delirio y Equilibrio siempre se encuentran y al final de sus vidas recuerdan que pasaron la vida juntos, pero luego tienen que olvidarlo para volver a iniciar. ¿Cómo ha sido este proceso de expandir el universo de una canción que salió, aparte, en 2018?
D: Para mí esa es la parte más sencilla. Yo creo que lo más difícil cuando escribes una canción es adoptar un punto de vista. Hay infinitos caminos, tienes que coger uno, comprometerte con ese uno y que eso acabe siendo una canción entre los tres y seis minutos. Cuando tengo una premisa narrativa, para mí es mucho más sencillo trabajar. El ejercicio complejo es cerrarlo. ‘Magia negra’ es un cierre, porque tenía que haber uno; es una despedida.
Estoy muy enfermo de la ficción y, seguramente, La balada sea el resultado de cuatro o cinco libros que me tuvieron muy absorbido durante uno o dos años. Ahí es donde a mí me apeteció la idea de desarrollar un cosmos y así se lo conté a los chicos. Creo que tenemos una fanbase muy intensa y muy sentimental que podía disfrutar de eso. Afortunadamente, lo bueno que tiene no ser un grupo mainstream es que cuando construyes una comunidad al margen de los dos hits que tenga la banda, puedes desarrollar cosas y a lo mejor la gente se queda. Es una cosa muy increíble.
Has hablado del texto que cierra el álbum. Ese texto, con variaciones, es un compendio de varias cosas que están en mi libreta desde hace dos años porque, no sé si es una historia lineal, pero yo sé la historia que estoy contando en el disco, tengo muy claro a lo que remite. Tanto es así que remite a una canción de hace ocho años, pero también remite a otra canción de hace cinco y remite a otra de hace tres. Los temas de los que yo siento que tengo para hablar, que me interesa hablar, son muy pocos y están todos aquí porque hay una dimensión de cómo y desde dónde escribo canciones que he tenido la oportunidad de condensar aquí.
Nosotros en directo unimos ‘Desvelo’ y ‘Estarás’ porque están contando la misma cosa, están hablando de un mismo momento. Si ese momento es literal o no, es irrelevante. Lo importante es que es un momento que me ha dado para, al menos, dos canciones, casi tres.
Yo escuchaba el disco y pensaba, “¿Cómo llegó a tanto desde tan poco?”.
Y: Al final, es que una emoción ya sea amor, atracción, odio, lo que sea, es como Star Wars. Puedes extenderlo por todos los lados que tú quieras, contar historias paralelas, después hacer un What If como Marvel. Entonces, lo puedes alargar todo lo que quieras. La cosa es que sea un camino muy interesante.
Y que tenga sentido.
D: Sí, pero lo bueno es que incluso aunque creas que estás hablando de otra cosa, te va a llevar allí. A mí todo me va a llevar a un momento en el que recuerdo haber estado mirando hacia arriba en la Plaza de la Paja en una noche de verano, haciendo fiestas aquí en Madrid, y por el motivo que sea tuve una experiencia muy plástica por cómo se filtraba la luz en los árboles. Me quedé enganchado ahí y me apetecía ponerlo dentro de una canción. Puedes querer hablar del universo, pero acabarás hablando de ti.
En una declaración, Diego, dijiste que tú no terminabas las canciones, sino que las abandonabas. Pero con todo lo que ha surgido con estos dos discos, no siento que las abandones del todo. ¿Cómo sabes cuál es el momento de “abandonar” una canción?
D: Lo que lo define es la fecha de entrega. A mí me ayudan muchísimo las fechas de entrega porque es un condicionante más y te obliga a acabarlo. Es gracioso que preguntes esto porque estoy haciendo un esfuerzo muy grande ahora en acabar canciones y decir, “Creo que hasta aquí no hay más”. Es un ejercicio que estoy intentando, pero es que siempre podría ser un poco mejor.
No sé si las acabo. Alguna, por cojones, la acabaré, pero que los chicos me han visto cambiar letras en la cabina, grabando. Soy el peor compañero del mundo. Reabriría la canción, cambiaría cosas y tendría a todo el mundo condenado a repetir otra vez lo mismo, y lo peor es que no sería mejor canción, solo es inseguridad.
Yago, desde su lado, ¿cómo logran entender la mente de Diego?
Y: Bueno, porque son muchos años ya currando juntos. Lo de abandonar las canciones he de reconocer que creo que no es ni nuestro, creo que esa cita célebre se la robamos a alguien porque tiene toda la razón del mundo.
Tú en el estudio te puedes liar, hacer ahí todo lo que quieras. Entonces, es cierto que las fechas de entrega… hay que entregarlo y hay que darlo. Al final, tenemos de compañeros de viaje a una discográfica a la que hay que responder con una agenda.
Yo se lo digo a Diego, cuando me pasa alguna maqueta en acústica y voz, si creo que no es una canción terminada, le digo lo que creo que podría molar; si creo que es algo terminado, que simplemente habría que juntarse a vestir la canción, le digo que es un muy buen tema.
Es muy complejo hacer pop porque no te puedes salir de unas estructuras muy variopintas, no puedes irte a hacer estructuras de metal progresivo de repente. En cuanto tú tienes una razón de ser de esa canción y tienes una estrofa y un estribillo (parece super sencillo lo que estoy diciendo, pero ese proceso es super complejo), después hay que encontrar el sitio, el vestido. Eso es lo que lo que hacemos. En cuanto tú tienes una estrofa, un estribillo y tienes un vestido, ya tienes una canción. Lo demás es darle vueltas y empeorarla.
En La balada hay unas referencias directas al cine como Suspiria y La La Land. En este disco hay referencias a la mitología griega con ‘Troya’ y está ‘Orphee’. ¿Qué lugar tiene la mitología El último baile de Delirio y Equilibrio?
D: Yo soy un loco de la mitología, confieso. En ‘Delirio y Equilibrio’ ya había una referencia directa a Eurídice y Orfeo en el puente porque a mí ese mito me encanta. Creo que, igual que ocurre con todos los mitos clásicos, da una explicación muy bella a una serie de realidades muy complejas y me encanta la forma parabólica de contar esas cosas. Hablan de la confianza y de traicionar la confianza. Hablan de la duda y me encanta la idea de que en los últimos 3000 años la forma en la que percibimos la duda sea la misma. Tú le cuentas a una a un niño pequeño el mito de Eurídice y Orfeo, y va a entender con bastante grado de acierto por qué Orfeo miró hacia atrás.
Por responderte otra pregunta, yo soy enfermo de ficción. Soy un niño rata. Soy un crío que creció encerrado en casa leyendo, viendo películas, cómics y escuchando discos, y ahora me pagan por hacerlo. Se va a hinchar la gente de que lo haga porque me encanta y me libera.
Citar una película como Orphée, que no es solo que haga referencia al mito, sino que hace referencia a una manera de leer el mito que tuvo Jean Cocteau, es mucho más interesante que lo que yo tenga que decir.
En los vídeos de ‘Vidas pasadas’ y ‘Troya’ hay imágenes que son fotogramas de pelis y de series que hemos buscado clonar. Si alguien cree que ha encontrado una referencia a Twin Peaks dentro de ‘Vidas Pasadas’, no se lo está inventando.
¿Las canciones extra ‘Troya’, ‘Pide un deseo por mí’ y ‘Magia Negra’ surgieron durante las sesiones de La balada o se crearon después?
D: Ya estábamos trabajando en ‘Pide un deseo por mí’ antes de terminar La balada. Había una maqueta. ‘Troya’ creo que ya es posterior. ‘Vidas pasadas’, sin duda, es anterior. Dejé un pequeño easter egg en la portada de La balada porque sabía que en algún momento esa canción iba a estar. ‘Magia negra’ es una canción muy ex novo y se queda para el fan de la banda que haya hecho el esfuerzo que gastarse 40 y pico euros en un vinilo. Es una canción que vamos a dejar para quien quiera entrar.
Hablando de la canción, por el título me imaginé que iba a ser más mística a nivel sonoro, pero cuando la escuché me sorprendí porque la sentí un poco más country. Además, la “magia negra” la tomé como si fuera algo positivo o algo de lo que el protagonista de la canción sabe de sus riesgos, pero no le importa recurrir a ella. ¿Por qué justo esta es la canción oculta y no otra?
D: En parte porque es la última. Yo creo que es una forma muy bonita de cerrar lo que queríamos contar. Para que veas, el texto de la contraportada del disco es anterior a la canción. Tan al final fue que ese texto es anterior a la canción. El texto ya buscaba ser conclusivo con la narración, y aun así la canción es posterior. Entonces, es una canción que está muy pensada para ser el final de algo.
Y: Sí, también como has dicho que tenía un toque country, hacer un ghost track es una buena oportunidad para probar cosas que quieres hacer sin que sea el siguiente super single de la banda. No sabemos si en algún futuro estará en plataformas digitales, pero se va a pasar un buen tiempo siendo ghost en el vinilo.
D: El último disco de Noah Kahan y el último disco de Mumford & Sons tienen mucha culpa de que exista esa canción.
¿La canción resultó siendo lo que esperaban?
D: Menos mal que no. Eso es aburridísimo.
Y: Si no te sorprende, igual estás haciendo algo mal.
D: Yo sí que te reconozco que quería desde hace bastante tiempo que la última canción de ese disco se refiriera al “último baile”. Quería que se diera, pero no tenía una canción. Tardé muchísimo en tenerla y no creía que fuera llegar a nada y ese tipo de canción no es algo que nosotros hayamos hecho mucho. Shuffles Veintiuno tendrá dos, y este será el segundo o el tercero. No es un estilo de canción que hayamos trabajado mucho. Pero era, “Cuando está lo sabes. Cuando no está, te puedes perder y tirarte buscando muchísimo tiempo, pero cuando la tienes, lo sabes”. Esa canción está escrita en una mañana. Cuando la tuve fue como, “Me voy a ir con esto a muerte con vosotros”, porque tenía clarísimo que esa canción era.
Me gusta eso de que sea diferente porque va muy con la vibra del disco de llevar las canciones de Veintiuno a otras dimensiones que quizás no uno no se imagina al escuchar la banda en general. Este álbum es un standout en su discografía.
D: Sí. También es que cualquier proyecto artístico, creo, es muy preso de lo que se hace popular del proyecto. Es algo que, desgraciadamente, no eliges tú. Yo soy consciente de que somos una banda a la que la gente puede que recurra para otros momentos que no son sentarte melancólicamente delante de una ventana, pero bueno. No ser lo que alguien espera de ti, creo que es lo mejor que te puede pasar.
Sí. Y justo lo que me mencionabas al principio de que ustedes siempre se han apropiado mucho de su sonido, no intentan apelar al mainstream, sino van a su ritmo y van defendiendo lo que ustedes creen que es bueno para la banda.
D: De lo contrario, puede ser muy agotador. Cuando sí estás buscando lo que es la tendencia en todo momento, si la tendencia se pone de tu parte, vivirás en una jaula de oro. Pero casi que prefiero que tengamos un proyecto en el que disfrutamos de dónde está la banda emocionalmente y qué es lo que acaba proyectando creativamente.
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