Después de décadas persiguiendo al Correcaminos, cayendo desde acantilados, explotando con su propia dinamita y comprobando que prácticamente ningún producto comprado a Acme funciona como debería, Wile E. Coyote finalmente descubre un arma que nunca había utilizado: la ley.
Esa es la deliciosa premisa de Coyote vs. Acme, una película que toma una de las bromas más persistentes de la historia de la animación estadounidense y la convierte en algo inesperadamente más complejo. Porque detrás de yunques, cohetes, catapultas y explosivos defectuosos aparece una pregunta bastante razonable: ¿qué ocurriría si alguien obligara a una gigantesca corporación a responder por todos los desastres provocados por sus productos?
Inspirada en el relato satírico de Ian Frazier publicado por The New Yorker en 1990, la película mezcla animación y acción real para llevar el eterno enfrentamiento del Coyote con Acme hasta un tribunal. Pero bajo la superficie de esa comedia judicial existe también una historia acerca del fracaso, la perseverancia, la amistad y esa extraña capacidad humana (o coyotesca) de continuar intentando algo cuando todas las evidencias aconsejan rendirse.
Conversamos con Will Forté, Lana Condor y el director Dave Green sobre la manera en que la película encontró una dimensión emocional detrás de un personaje condenado durante generaciones a fracasar, la sátira contra el poder corporativo y una idea que atraviesa toda la historia: perder una y otra vez no significa necesariamente haber sido derrotado.
Quiero comenzar diciendo algo: Acme apesta. La genialidad de la premisa consiste en tomar un chiste animado repetido durante generaciones y preguntarse qué ocurriría si todas esas catástrofes tuvieran consecuencias reales. ¿En qué momento entendiste que esta idea podría convertirse en algo más que una comedia nostálgica?
DAVE GREEN: Es una gran pregunta. La película está basada en un artículo de The New Yorker de 1990 llamado Coyote v. Acme, que planteaba de una manera muy directa una pregunta: si Wile E. Coyote demandara a Acme, ¿tendría un buen caso? Es una pregunta muy absurda planteada de una forma absolutamente seria, y eso estableció las bases del tono de toda la película.
A partir de ahí, trabajando con nuestra guionista, Samy Burch, hablamos mucho sobre la posibilidad de explorar a Wile E. como personaje más allá de los límites de un cortometraje de siete minutos.
Realmente queríamos descubrir qué era lo que impulsaba a este personaje. Su deseo estaba clarísimo: sabíamos que quería atrapar al Correcaminos. Y su obstáculo también era evidente: tenía delante a esta corporación gigantesca que constantemente hacía estallar todas sus esperanzas y sus sueños.
Pero queríamos preguntarnos algo más: ¿qué siente realmente cuando resulta herido? ¿Cómo se relaciona con otras personas? Al colocarlo junto a Will y Lana y observar cómo sus personajes interactúan con Wile E., pudimos descubrir facetas completamente nuevas de quien, hasta entonces, había sido literalmente un personaje bidimensional.
Coyote vs. Acme funciona como comedia, pero también contiene una crítica sorprendentemente directa al poder de las corporaciones. ¿Cómo encontraron el equilibrio entre lo absurdo de la premisa y los temas muy reales que existen debajo de ella?
WILL FORTÉ: En realidad, el guion hizo por nosotros la mayor parte del trabajo. Estaba muy claro dónde debía aparecer el lado cómico y, al mismo tiempo, muchas de esas ideas podían plantearse todavía desde la comedia. Está tan bien escrito que nunca sientes que los momentos en los que la película quiere decir algo estén separados del resto. Todo pertenece naturalmente a la misma película.
Porque esta película es muchísimas cosas. Tiene todo eso que mencionas, pero además hay momentos sorprendentemente emotivos que no esperaba que me afectaran tanto. Poseen una enorme resonancia emocional, pero se sienten merecidos y están muy bien arraigados dentro de la historia.
Cuando veo la película pienso: “Ni siquiera sé exactamente cómo describirla”. Evidentemente es un híbrido entre animación y acción real, pero no es solamente una comedia. Hay muchísimas cosas ocurriendo dentro de ella y están integradas de tal manera que resulta difícil decidir exactamente cómo llamarla.
Supongo que tendremos que llamarla comedia porque definitivamente lo es: es divertida y muy graciosa. Pero entras pensando que vas a ver una comedia y sales diciendo: “Vaya, también vi un drama judicial, un thriller de suspenso y una película emotiva sobre la amistad y sobre las complejidades de diferentes relaciones”. Recibes un poco de todo dentro de esta especie de montaña rusa que está viva en cada fotograma.
Además, es realmente una película para todas las edades. Cuando comenzamos, yo pensaba: “Es un drama judicial sobre personajes animados; quizá sea demasiado adulto para los niños y no suficientemente maduro para los adultos”. Y terminó sucediendo exactamente lo contrario: es para todo el mundo.
Todos pueden disfrutarla. Incluso las personas que no conocen a los Looney Tunes. No necesitas saber absolutamente nada sobre su historia para entender lo que está ocurriendo y disfrutar realmente de estos personajes.
Siguiendo precisamente esa idea, la película reimagina un universo animado muy conocido desde una sensibilidad contemporánea. ¿Qué fue lo que más te sorprendió al descubrir toda esa profundidad emocional de la que habla Will debajo de la mitología de los Looney Tunes?
LANA CONDOR: Es una gran pregunta. Tengo que admitir que la mitología de los Looney Tunes no es precisamente mi especialidad. No conozco demasiado bien toda esa historia, así que temo no poder responder exactamente esa parte de tu pregunta.
Pero sí puedo decirte algo, siguiendo lo que decía Will: me sorprendió muchísimo la cantidad de corazón que tiene esta película y, especialmente, lo que me dejó después de verla. Si pienso en mí misma simplemente como espectadora, lo que me llevé de ella fue tremendamente conmovedor. Me emocionó de una manera que realmente no esperaba. Salí de la proyección sintiéndome muy esperanzada, muy optimista y, sobre todo, con ganas de intentarlo.
Y adoro a Wile E. Adoro esa idea que representa: puedes continuar fracasando todos los días, pero si vuelves a levantarte y simplemente lo intentas… inténtalo. Ni siquiera tienes que triunfar. Puedes fracasar, pero inténtalo. Eso es lo más difícil. Porque si simplemente lo intentas, entonces quizá —solo quizá— mañana puedas conseguirlo.
Esa fue la idea fundamental que me llevé de la película. Supongo que ese tema ha estado presente durante toda la historia de los Looney Tunes y, si no ha sido así, bueno… de nada, Looney Tunes, por haberlo incorporado.
También estoy muy orgullosa de participar en una película como esta porque, últimamente, algunas de las películas hacia las que más me siento atraída son aquellas de las que el público sale llevándose un poquito más de esperanza y un poquito más de esa puta capacidad de maravillarse. Creo que necesitamos eso en la sociedad actual. Y este es el momento perfecto para esta película.
Esa respuesta fue incluso mejor de lo que esperaba. Muchas gracias a los tres, gracias por la película y felicitaciones por conseguir finalmente llevarla a las pantallas.
DAVE GREEN: Muchas gracias.
LANA CONDOR: Muchísimas gracias.
WILL FORTE: Gracias.
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Los CD están en boga de nuevo. De acuerdo con un reporte de la industria realizado por Luminate, en la primera mitad del 2026 las ventas de discos compactos se incrementaron en un 16%. Sorprendentemente, la generación Z y los millennials son los que más compran esos discos aluminizados de los noventa; se reportan 16.3 millones de unidades vendidas en los Estados Unidos. Dicho formato crece más que los vinilos, cuyo negocio creció tan solo 2.4%. Es oficial: Los fanáticos de la música de hoy están enfermos con la fiebre del Discman.
Tiene sentido que a los oyentes jóvenes les atraigan los medios físicos, tangibles. Desean desconectarse y dejar de pedirle permiso a una pantalla para escuchar. Puede que no sean tan vistosos, románticos o glamurosos que los vinilos o casetes, pero son el mejor formato para acercarse a tu música favorita.
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
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Una razón clave para la resurrección del disco físico es el pop coreano, el cual contribuyó con millones de ventas, por ejemplo, Arirang de BTS fue uno de los más comprados. Existen factores culturales que impactan las cifras, sobre todo, el hecho de que el 60% de los fans de la generación Z afirma escuchar, principalmente, música de los años noventa o épocas anteriores. Hace cinco años, esa estadística era de tan solo el 18 por ciento.
Este formato sigue siendo el mejor invento para la escucha profunda, es decir, cuando te apetece dedicarle una hora a un álbum. No tienes que conectarte a ningún sitio. Nadie te rastrea ni recopila tus datos. Las contraseñas y actualizaciones de software no existen. Alanis Morissette jamás interrumpirá la reproducción de Jagged Little Pill para enviarte un código de verificación de seis dígitos al celular. El momento le pertenece a ti y a ella.
Además, la calidad del sonido es más rica al compararlo con los bit rates de streaming. Algunas veces, la calidad sonora importa. O sea, dices que eres un fan de Steely Dan, ¿Pero estás oyendo Aja en tu teléfono?, como dice la agrupación en ‘Black Cow’, “tómate tu cerveza/y lárgate de aquí”.
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Los vinilos toman tiempo en producirse, lo que significa que, en algunas ocasiones, no se mantienen actualizados. Si compraste el último LP de Olivia Rodrigo, lo más probable es que hayas pagado USD$40 por una experiencia incompleta porque se cortaron partes de las pistas para hacerlas caber sobre el poliuterano. Esta edición te ofrece ‘U + Me = <3’ sin el puente de “all my favorite Cadbury” [“todos mis Cadbury favoritos”], quedó como una muñeca mutilada. El CD te brinda el álbum completo, tal como Dios y Olivia lo concibieron.
Streaming te da la conveniencia y velocidad, pero trae distracciones constantes. Seamos honestos, tu móvil es un chicle codependiente, pegadizo y pasivoagresivo, un roomie dulce, pero que se comporta como un verdadero fastidio. Te cansas de intentar divertirte mientras no para de interrumpirte preguntando: “¿Qué haces?”, “¿Has revisado tus correos?”. A veces quieres dejarlo atrás. Es difícil sumergirse en la música cuando tu única fuente de información es el mismo dispositivo que usas para mensajes, noticias y vídeos de gatos saltando sobre pasteles de cumpleaños.
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
Esa es la razón por la que el libro en físico ha crecido tanto, incluso mucho después que los expertos predijeron que se reemplazarían por las opciones electrónicas. Resulta que aquellos que leen encuentran todo lo que necesitan en las hojas de papel. ¿Quién hubiera dicho?, ¿De verdad sorprende que el caso sea el mismo con la música?
Los CD siempre han sido el formato más dedicado y curiosos para los aficionados musicales quienes dominan la escena actual. Luminate señala al k-pop y al indie rock como los dos géneros con los fanáticos más obsesionados con los formatos físicos; un público que el servicio de datos clasifica como “superfans basados en compra”. Ahora mismo, desean consumir esos discos que vienen en carátulas transparentes. ¡Que el Discman siga girando para siempre!
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Roger Waters, legendario bajista y cofundador de Pink Floyd, se ha unido como productor ejecutivo a Freedom Theatre, documental del director Rishi Pelham que sigue a Ahmed Tobasi, un combatiente de la resistencia convertido en artista, en su lucha por mantener abierto un teatro en medio del campo de refugiados de Jenin, Palestina, según informó Variety.
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“No tenía la intención de hacer esta película”, dijo Pelham sobre el filme, descrito por el medio estadounidense como “un estudio inmersivo y sensorial” de Tobasi y su cruzada por mantener la esperanza en medio de un campo de batalla. “Seguía volviendo a Jenin, al teatro, al campo, y con el tiempo la historia exigía ser contada. Lo que me atrajo fue la tensión entre dos mundos: la sala de ensayos, cerrada y controlable, y el campo exterior, vivo, volátil e imposible de contener. Poco a poco, estos espacios comenzaron a fusionarse”.
Además de fungir como director, Rishi Pelham también participó como compositor de la banda sonora, que cuenta con la participación de destacados artistas palestinos como el DJ y productor de música techno Sama’ Abdulhadi.
De acuerdo con Variety, el rodaje de la película duró cinco años y el documental tiene previsto recorrer varios festivales de cine, llegando a Venecia este septiembre en busca de posibles distribuidores. Actualmente, el largometraje se encuentra en las etapas finales de posproducción.
En ese contexto, el interés de Waters por formar parte del proyecto no es casual. El músico ha sido un ferviente activista por los derechos del pueblo palestino, participando activamente en campañas en apoyo a los afectados por la guerra en Gaza. El pasado julio expresó su apoyo a Palestine Action después de que la organización fuera declarada grupo terrorista en virtud de la Ley Antiterrorista del 2000. Recientemente, el británico firmó una carta abierta —junto a cientos de artistas más— instando al Festival de Cine de Venecia a tomar acciones concretas en apoyo a la causa.
De ese modo, el intérprete completa un equipo en el que también participa Suzanne Harb, que está produciendo el documental en colaboración con Pelham para Bathtub Films, productora con sede en Londres responsable del premiado drama de 2019 del director, Hilda, que fue producido ejecutivamente por Tim Roth.
También forman parte de Freedom Theatre los socios ejecutivos Khaled Habayeb y Alaa Alasad, de Tabi360, con sede en Amán , cuyos créditos incluyen el aclamado drama familiar Sink de Zain Duraie, que se estrenó el año pasado en Toronto, y Yunan, la obra de Ameer Fakher Eldin que compitió en el Festival de Berlín de 2025.
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La Asamblea General de la ONU aprobó una resolución que busca que organismos internacionales, gobiernos e instituciones educativas utilicen un mapamundi que represente de forma más precisa el tamaño de los continentes. La propuesta contó con el voto positivo de 164 países y únicamente con el voto negativo de Estados Unidos. Estonia, Georgia, Lituania, Moldavia, Serbia y Ucrania se abstuvieron de votar.
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La iniciativa “Correct the Map” [Corregir el mapa] fue impulsada por las organizaciones Speak Up Africa y Africa No Filter, y luego respaldada por la Unión Africana que en 2025 le pidió a Togo que la llevara ante la ONU. La propuesta, aprobada el pasado viernes 7 de septiembre, tenía como objetivo que la proyección de Mercator dejase de ser tomada como referencia cartográfica pues sus dimensiones reducen el tamaño de América del Sur y hacen ver a África casi del mismo tamaño que Groenlandia, cuando en realidad es 14 veces más grande.
“Esta no es una discusión política, sino científica, ya que existe evidencia y debemos aceptar la realidad”, declaró Robert Dussey, ministro de Asuntos Exteriores de Togo, antes de ser aprobada la resolución. “Durante siglos, ciertas proyecciones cartográficas que son empleadas en textos educativos, medios de comunicación, plataformas digitales y muchos documentos oficiales no reflejan la verdadera extensión de nuestros continentes”.
Dussey, al igual que otros defensores del cambio del mapamundi de referencia, señaló que el uso de Mercator ha alterado simbólicamente la percepción general que se tiene sobre las regiones del mundo, minimizando o maximizando su importancia dependiendo del caso. Por ejemplo, hay expertos que sostienen que el hecho de representar al sur global más pequeño que el norte le ha restado relevancia históricamente. “Los mapas forman nuestra forma de entender el mundo. Guían la educación, alimentan la imaginación e influencian las percepciones colectivas”, añadió el ministro togolés.
Correct The Map impulsa la utilización de la proyección Equal Earth, desarrollada en 2018 por los cartógrafos Bojan Šavrič, Tom Patterson y Bernhard Jenny, quienes se basaron en la proyección Gall-Peters para representar tanto a los países en desarrollo como a los desarrollados con sus tamaños correctos. Desde su creación, este mapamundi ha sido aceptado y utilizado por organizaciones e instituciones que promueven una visión menos colonizada del planeta.
Esto no quiere decir que el tradicional esté mal, pues Gerardus Mercator lo creó en el siglo XVI para que sirviera de guía de navegación marítima. El cartógrafo flamenco utilizó líneas rectas para que coincidieran con las direcciones de las brújulas y así facilitarle a los marineros la planeación de sus rutas, sin embargo, para que funcionara, tuvo que sacrificar las dimensiones continentales reales. Es así como las masas terrestres se achican entre más cerca estén del ecuador y se hacen más grandes si se alejan de este.
“La resolución reconoce que las representaciones cartográficas desproporcionadas han tenido efectos cognitivos, educacionales, culturales, geopolíticos y socioeconómicos a largo plazo, contribuyendo a la reducción drástica del tamaño de África y otras regiones dentro del imaginario colectivo del mundo”, declaró Dussey luego de la aprobación.
Estados Unidos fue el único país miembro que votó en contra de la implementación de Equal Earth, argumentando que la iniciativa respondía a un “proyecto ideológico radical” y le restaba credibilidad a la ONU al debatir sobre cuestiones vetustas. La Casa Blanca emitió un comunicado en el que reiteró su posición: “En lugar de enfocarse en problemas genuinos relacionados con la paz, prosperidad o buenas relaciones internacionales, el organismo está debatiendo proyectos de mapas del siglo XVI (…). Resoluciones como esta y la agenda ideológica que promueven, son obstáculos para nuestro trabajo y la razón por la que la institución está perdiendo credibilidad”.
Ucrania se abstuvo de votar ya que, si bien afirmó estar de acuerdo con los principios de la resolución, mostró su desacuerdo con la manera en que allí se representan a sus territorios invadidos por Rusia.
La decisión de la ONU no es vinculante y reconoce que ninguna proyección cartográfica será completamente fidedigna a la realidad pues trasladar la forma esférica de la Tierra a un modelo 2D significa perder características en el proceso, no obstante, deja un precedente para cambiar la manera en que la sociedad ve y entiende el mundo.
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Las dos extrabajadoras de Julio Iglesias que lo denunciaron a inicios de este año por abuso sexual han presentado una querella contra el músico ante la Audiencia Nacional de España. Women’s Link Worldwide, organización sin ánimo de lucro que representa a las denunciantes, anunció que la acción fue presentada el 3 de septiembre con el fin de pedirle a la justicia española que investigue presuntos hechos de explotación laboral y violencia sexual.
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En su primera denuncia, Rebeca y Laura —seudónimos usados para proteger su identidad— acusaron al artista de someterlas a agresión y abuso sexual, así como de violar sus derechos como trabajadoras mientras laboraban en sus residencias de Bahamas y República Dominicana. Iglesias negó las denuncias y poco después la acción fue archivada por la Fiscalía de la Audiencia Nacional por falta de competencia, no obstante, el organismo no negó la posibilidad de que se pudiera presentar la denuncia ante otras jurisdicciones.
La querella incluye acusaciones de acoso y agresión sexual continua, así como condiciones laborales forzadas y degradantes. Según la nota de prensa compartida por la ONG feminista, los testimonios de las mujeres apuntan a que el cantante de 82 años habría aprovechado su posición de poder y la situación de vulnerabilidad de las entonces trabajadoras para cometer los presuntos delitos en 2021.
De acuerdo con la explicación de Women’s Link Worldwide, los hechos podrían “constituir delitos de trata de seres humanos con fines de imposición de trabajo forzado y servidumbre; delitos contra la libertad y la indemnidad sexual, lesiones, trato degradante y delitos contra los derechos de las trabajadoras por la imposición de condiciones laborales abusivas”. La organización también sostuvo que los tribunales españoles sí tienen jurisdicción y competencia para atender el caso ya que, entre otras razones, la justicia del país “permite investigar delitos cometidos fuera del territorio nacional cuando existen vínculos relevantes con España”. Asimismo, si una persona de nacionalidad española comete un delito fuera de su país, España puede juzgarlo siempre y cuando ese acto también sea catalogado como una violación a la ley del territorio en el que se cometió.
Fue en enero de este año que se reveló la denuncia de dos exempleadas de Iglesias que habrían sido víctimas de distintos tipos de agresiones sexuales, físicas y verbales por parte del músico. Parte de los hechos que habrían vulnerado sus integridades y derechos como trabajadoras incluyen presuntas revisiones ginecológicas, test de embarazo y pruebas de detección de infecciones de transmisión sexual.
En su momento, Iglesias negó las acusaciones a través de un breve comunicado en sus redes sociales e interpuso una demanda por injuria y calumnia contra la ministra de Trabajo y Economía Social, Yolanda Díaz, luego de que replicara el reportaje que detallaba los presuntos abusos.
El artista no se ha pronunciado respecto a la nueva querella.
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