When Jason Aldean performed at the Academy of Country Music Awards in Frisco, Texas, on May 16, 2024, his acoustic version of “Should’ve Been a Cowboy” paid homage to the late Toby Keith.
But while he was there, Aldean got an additional opportunity to celebrate another country legend. He received a fresh demo of a new song written by two band members, bassist Tully Kennedy and guitarist Kurt Allison, and he quickly recognized the sound that Allison had created with a Fender Rhodes electric piano.
“It was a tip of the hat to Ronnie Milsap,” Aldean remembers. “I knew immediately – one listen – that we were going to cut it, and it was going to make the record.”
“Anytime Soon,” released by Broken Bow to country radio on Aug. 2 via PlayMPE, uses a keyboard tone akin to Milsap’s “Stranger in My House,” blended with classic rock sounds that embody Tom Petty and Journey. It was created with Aldean’s musical tastes in mind, as well as his penchant for stories about guys trying to pick themselves up.
“There are two things that never go out of style, man: falling in love and relationships falling apart,” Aldean says. “For whatever reason, I’ve always leaned into the latter.”
Kennedy and Allison were writing with John Edwards (“How Far Does a Goodbye Go,” “Whiskey Drink”) a few weeks before the ACMs at BMG Music on Nashville’s Music Row when they found the musical thread that became “Anytime Soon.” They’d already written another song and thought they were done for the day, but Kennedy and Edwards started a rough-edged chord progression in a minor key. It felt substantial, so Allison, who was already packing up to leave, began unpacking. They didn’t quite know where the song was headed.
“We didn’t have a hook,” Kennedy recalls. “With each line we wrote of the chorus, I was getting more nervous. I’m like, ‘I don’t know what we’re writing to,’ which never happens. You just don’t do that because you don’t know where to land. “
The song developed a drinking theme fairly quickly, with the protagonist downing a couple shots at a time, hoping to erase a woman from his memory. In the last half of the chorus – with the writers still uncertain what lie ahead – the guy’s internal war became clearer, as he tries to “fight off” “a battle that I’m bound to lose.”
“That’s Aldean 101,” Allison says. “He’s never like, ‘Hey, I’m a super-awesome guy.’ It’s always like, ‘Hey, I got some faults, and I’ve got some struggles, but that’s on me.’”
The hook finally showed itself after that, as they recognized the guy’s enemy is well-supplied: “They ain’t runnin’ out of whiskey anytime soon.” It was then that they contemplated a title. “Running Out of Whiskey” sounds decent, but it’s the opposite of the song’s meaning. “That’s not cool,” Kennedy says.
Plus, they’d previously written “Whiskey Drink,” and Aldean had had a hit with “Drowns the Whiskey.” “Anytime Soon” seemed the better option. “That,” Kennedy says, “feels great.”
They wrapped after one verse and chorus, deciding to wait until they could finish it with John Morgan. So roughly a week later, all four writers assembled at BMG and brought up the work tape, wondering if it would still resonate. “You come back, and it’s better than you even remember,” Allison says. “We were excited to finish.”
One of the first things they addressed, at the start of the second verse, was a location. The existing lyrics suggested a bar but could still be interpreted as a guy drinking alone.“We try to be as vague as we can while still giving details about the storyline,” Morgan says. “There’s definitely drinking references in the first verse. [It] doesn’t really put you in a certain place.”
They launched verse two with the guy “hittin’ this hole in the wall” and staying “all the way to last call,” making the dive bar images stronger. But they still weren’t definitive. “We didn’t want to get overly specific with some of those words,” Allison says. “Like ‘hole in the wall.’ Does that mean ‘dive bar’? Does it mean, ‘Hey, I’m going through a struggle and I put my fist through the wall at the house’?”
They finished the song by repurposing a pre-chorus from the first verse as a bridge, then made a demo that approximated an Aldean recording. Given Kennedy and Allison’s musical history, that’s not particularly difficult. “They’ve been playing music with me for 25 years,” Aldean says. “They know what I will and won’t say, what I think is cool and what’s not cool.”
Aldean tends to sing the verses in his songs loosely, a bit like a conversation with a musical soundtrack behind it, and Morgan delivered the demo vocals with that in mind. “One of the references that we pulled from, phrasing-wise, was Don Henley and ‘Boys of Summer,’” Morgan recalls. “Some of those verses, he’s talking more than singing… It was [meeting] in the middle on doing the Henley thing, being in the measure, but kind of being lazy about it.”
The demo provided a terrific roadmap when the band recorded the master version of “Anytime Soon” with producer Michael Knox (Montgomery Gentry, Thomas Rhett) at Nashville’s Treasure Isle. They needed just three takes to record it; in fact, session pianist Tony Harrell and recording engineer Peter Coleman (Blondie, The Knack) may have devoted more time to developing the “Stranger in My House” keyboard tone than the band needed to play it.
“Luckily, Peter Coleman knew how to make that thing sound authentic,” Knox notes. “It wasn’t a plug-in. It was a true Wurlitzer sitting in the back of the studio that they pulled out and had to dust off and warm up [to] get it done right.”
Allison and Adam Shoenfeld traded guitar parts, though Allison took the primary solo. Drummer Rich Redman provided a steady backbeat, and acoustic guitarist Danny Rader’s almost-inaudible rhythms brighten the track just a hair. Steel player Mike Johnson added enough twang to keep the Milsap-meets-Petty sonics in a country lane.
Johnson, says Knox, “can make a rock song sound like a country song, and you don’t know why you think it’s a country song.”
Aldean knew “Anytime Soon” inside out before he cut the final vocal and gave Knox six takes. “This one,” Aldean says, “was pretty much in the wheelhouse.”
Aldean slid it into his live set when his 2026 concert schedule launched Jan. 15 at Simmons Bank Arena in North Little Rock, Ark. The recorded version debuted on Billboard’s Country Airplay chart dated Aug. 22 at No. 55. Given that his last 25 radio-promoted solo releases have hit the top 10, with 18 going to No. 1, it’s a good bet that “Anytime Soon” is beginning a ride that won’t end … anytime soon.
“I remember when I was a young guy,” Aldean says. “Now I’m trying to hang in there with all the young guys. I’m just glad that we’re still putting out stuff that seems to be connecting with people out there. That’s what it’s all about.”
Singer-songwriter Belles and the late Dolly Parton’s “Son of Jolene” debuts at No. 51 on Billboard’s Country Airplay chart (dated Sept. 12). The song drew 1.3 million in airplay audience, up 68% week over week, Aug. 28-Sept. 3, according to Luminate.
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Belles, who earns her first entry on the chart, cowrote the song with Tyler Bank and Dan Harrison as a sequel to Parton’s 1974 Hot Country Songs No. 1 classic, “Jolene.” The new song made its way to Parton through longtime producer Kent Wells, and the legend liked the concept enough to add her vocals.
“Son of Jolene” stands as Parton’s last new recording released during her lifetime.
“I don’t even know how to say ‘thank you’,” Belles said in a video posted to Instagram after Parton died Aug. 25. “I was just a girl from Nebraska growing up idolizing Dolly and I never imagined moving to Nashville that I would get to meet her, much less have this song with her. She just took a chance on me. She really made me believe in myself a lot more. I’m just very grateful.”
Ex-cellent
As Luke Combs’ “Be by You” tops Country Airplay for a third week (32.8 million, up 1%), Lauren Alaina’s “All My Exes,” featuring Chase Matthew, rises a spot to No. 10 (17 million, up 3%). Alaina adds her fourth top 10 and Matthew, his third.
Notably, three of Alaina’s top 10s are collaborations — fitting on a chart where team-ups are scarce but tend to overperform once they catch on. “All My Exes” joins her three one-week No. 1s: HARDY’s “One Beer,” on which she and Devin Dawson are featured (December 2020); Kane Brown’s “What Ifs,” another feature (October 2017); and her own “Road Less Traveled” (April 2017).
Matthew previously visited the top 10 with “Darlin’,” a three-week No. 1 last November, and “Love You Again,” his chart debut that reached No. 9 in 2024.
Alaina cowrote “All My Exes” with Jimmie Gutch, Ben Johnson and Whitney Phillips, born of an argument with a former partner. “I was 22, 23, living in Nashville and dating other country music artists and dating other people in the business, and comedians,” she explained in Billboard’s Makin’ Tracks last September. “All the wrong people, basically.”
All Billboard charts dated Sept. 12 will update Wednesday, Sept. 9, on Billboard.com.
Someone has given NCT 127 notepads. The five bandmates are parked along one side of a wide conference room table, each with hotel stationery and a pen sitting in front of them. It immediately feels like a mistake. When not reflecting on what’s changed for the group in the decade since debut — or heckling each other for misspeaking like they’re still bratty kids living on top of each other in dorms — they’re hunched over, doodling.
Just over 10 years ago, the world was introduced to NCT’s first fixed subgroup (NCT DREAM, WayV and NCT WISH would soon follow) as teenagers getting aggro in science class. In real life, that rowdy energy has dispersed into a mellower campus crush vibe — if you squint, the drawing could almost be confused for diligent note-taking — but the septet’s seventh studio album, Blingy, is just as loud as ever. “I wanted to make a statement,” Chicago native Johnny says: “NCT 127 is back.”
K-pop’s noisiest mavericks have had a relatively quiet couple of years. In 2024, group leader Taeyong enlisted in the South Korean military for compulsory service; deep-voiced, dimpled Jaehyun was next to go. By the end of 2025, they were almost done, while two more — Doyoung and Jungwoo — cycled in, leaving five members (a head count rounded out by Johnny, Yuta and Haechan) to shoulder the weight of this comeback.
When they sit down with Billboard, the rollout is still in progress. Across the table, Taeyong is making scribbles that look plucked straight out of the mind of Bart Simpson: a disembodied robot head; messy stars; a stick-figure animal being beamed up by a UFO; a bird-man with abs and pecs — and, in a nod to Blingy’s raucous lead single, “Piñata,” live debuted at KCON LA the previous Friday (Aug. 14), a donkey with stubby little legs.
A few days later, the headlining set is still on their minds. There’s good reason for it to be: “It’s one of the hardest performances we’d ever had to get ready for,” Johnny says. To offset lineup changes, the guys ultimately had to redistribute lines for nearly every song on the setlist.
This is to say nothing of all the work that went into Blingy’s title track, which was only briefly teased at KCON. Taeyong, who co-created its choreo, recalls the first “full power” run-through: “I wasn’t even dripping sweat. I was just soaked,” he says. “Like some exercise…”
“CrossFit,” Johnny says, then spells out: “H-I-I-T.”
“A bit like CrossFit,” Taeyong laughs. “Maybe even harder.”
While the leader had proposed a few cuts, his teammates rejected them outright. “I felt it then,” Taeyong says. “The members really don’t change when it comes to ambition about performance and being uncompromising with what we show. We all have this desire.” He chuckles to himself: “I have it a bit less. But with everyone’s help, I was able to do it, too.”
Now in his thirties, Taeyong acts like his stamina has fallen off a cliff, but his post-military activities suggest otherwise: within six months of discharging, he released his debut solo studio album WYLD. Granted, it was “easier to make music in the military,” he admits. He had a hand in every track on his own project — but after returning to his group, Taeyong says he barely has time to listen to music, let alone produce it.
Jaehyun took a brief vacation before throwing himself into album preparations. He didn’t have much difficulty settling back in — that is, if his dry witticisms are to be believed. “Music is my life,” he says, completely straight-faced. “Always music. Today music, tomorrow music.”
And a lot was riding on that music. So, when it came time to pick the centerpiece for this era, there was a three-way split: management liked “Piñata” so much they tried to tip the scales in its favor; A&R championed the chest-beating “Legacy”; the members, however, threw their weight behind the impossible-to-ignore “Blingy.”
“It’s a song that gets your attention,” Johnny says. “I wanted people to stop and listen if they were walking by.”
Turning heads is far from a new goal for them. To this day, the title track from NCT 127’s best-selling album Sticker (and its cacophonous flute) is subject to hot debate: “It’s one of those songs where either you hate it, or you love it,” Johnny says. “We try to make people who hate it love it, but sometimes you don’t. We kinda just started to understand that.”
It’s this brash, unselfconscious style — which they call “Neo” — that’s so successful at bringing fans into the fold, he argues: “Because they are like, ‘What the heck is this?’” Jaehyun adds: “From the start, we had to be experimental.” And it’s grown into a calling card.
But it would be a mistake to chalk NCT 127’s music up to just noise. Despite the project’s on-the-nose title, Blingy contains multitudes: pinballing hip-hop banger “IKR” conducts its chaos with unexpected minimalism (they recorded early in the day for a morning rasp); the lightweight “Day After Day” has magical drum-n-bass swerves.
“It raises the question,” Johnny asks, holding this mixed bag up against the singularity of “Sticker,” “What is Neo?” For ultra-capable vocalist Haechan, deep cut “Mad Dog” is the pinnacle of that sound. It’s acidic and abrasive; crucially, the bridge hits like a melodic chaser to its squeaky dubstep drop, making the contrast all the more delicious.
Perhaps that’s why, despite the group’s sonic identity having been discussed to death — “I don’t really know what Neo is anymore,” Yuta huffs a laugh from beneath his black fringe — Taeyong sums it up rather easily: “There is no Neo song,” he says. “The members’ voices are Neo.”
With Doyoung and Jungwoo gone, Blingy tends to tread lighter on the crazy vocals. (Though not completely: “Piñata,” for one, flexes Yuta’s rock chops.) Yet as a happy surprise for fans — and their fellow members — the pair of enlisted singers show up on “127 Million Miles,” a heartfelt thank you to the many faces in the crowd and beyond. Taeyong explains of the song: “Even if we’re that far apart, we’re still able to be together.”
In July, “Did you miss us?” billboards went up across two major U.S. cities, leading fans to believe that North American dates would be added to NCT 127’s upcoming REDLINE tour. Johnny took it upon himself to personally dispel the rumors. “I didn’t want to get anyone’s hopes up,” he says with a small grimace. “I felt like that would make it worse.”
“There was a big picture,” he hand-waves. “But let’s not get into it.”
For the time being, the guys will “reach out as much as possible,” though Johnny adds that another tour is “definitely planned” for next year. “When all of the members are able to work together [in 2027], we’ll definitely try to make another album right away,” he says. What lies beyond is up in the air. “2028.. we’ll try, but we don’t know. Let’s just get through 2027.”
This year, meanwhile, finds them in flux. With the sprawling NCT clan turning a decade old, most of the members’ contracts were up for renewal; when April rolled around, SM Entertainment golden boy Mark Lee became the first to not move forward with the company — or the band.
Johnny emphasizes how long the whole process took in reality. Nothing was done in haste. “The decisions that everybody made weren’t made in a few months,” he says. “It really did take a lot of time and effort and conversation with each other to come upon the conclusion we came upon.”
They kicked off discussions over two years ago, before members began to enlist. “At the beginning, before I went to the military, we all got together and talked about it,” Taeyong says. “I guess each of us had a direction we were thinking about and we each wanted different things, so I think it was unavoidable that we took a longer time to think about it.”
“Ultimately, I can’t say that everyone is completely satisfied,” he concedes, while also effectively putting a lid on the conversation: “But I think we are able to work in a better environment than before.”
With this new seniority came greater creative control. Taeyong fiddles with his phone, looking for an unchosen demo version of an album track. It’s a move not without its objections. “Don’t play it,” Johnny cringes. “Ugh!” Yuta echoes: “What if she likes it too much?” This alternative melody — by the members’ own estimations — wasn’t up to par, so it didn’t go to press. “Hated [this] other version,” Johnny says. “Just gonna say that.”
Do they often find themselves having differences of opinion with their A&R team now? “Always,” Yuta nods.
Taeyong agrees: “I think we have more complaints after renegotiating.” The rest of the members crack up, but Yuta has an amendment to make. “Only him,” he says, poking a thumb at Taeyong. Was he not as forthcoming with his thoughts in the past? “Oh, I complained a lot before,” Taeyong smirks. “And now I’m just complaining even more.”
But they also recognize they’re in good hands for the most part. “We tell the company our opinion,” Haechan says, “[and] resolve it by talking it through. When it comes to songs, the A&R team comes to us with a certain vision, so we keep that in mind as we’re thinking about the album.”
Although Taeyong can be admittedly hard to budge, he’s not closed off to outside information, either. He doesn’t confuse ego for maturity. After SM Entertainment acquired music publisher KRM, “I came to learn some things,” he says. “At first, I had a lot of complaints about there being so many foreign producers in the credits [of our albums].”
But time has shifted his perspective on the matter. “Just because they’re foreign producers doesn’t mean they’re making songs from a place of ignorance,” he says. “These individuals have come over to Korea and are doing song camps. They’re learning about Korean culture and K-pop’s origins, and they know more than I expected. It’s within these song camps where their culture and our culture come together.”
His worries about the K-pop industry divesting itself from the “K” weren’t unfounded. But whereas some K-pop artists seem to chase after the U.S. pop airwaves, NCT 127 has always utilized creative partnerships between (often Black American) producers from the West — Dem Jointz, Patrick “J.Que” Smith, Harvey Mason Jr. — and SM’s genius home team to enhance their sound rather than strip it of complexity.
Johnny offers up a metaphor. “Do you know what an MBTI is?” he asks. “It’s an easy way to explain who you are. But does that define you? I would say no.” The eldest isn’t too hung up on the particulars: “You can label us however you want,” he says. “But, in the end, we kind of made a genre.”
And that’s something they can call all their own.
Additional translation provided by Gene Kim.
Se aproxima una nueva era. Ela Taubert sorprende con ‘No Tengo Remedio’, un sencillo que trae de vuelta insignias de su carrera como los sintetizadores e instrumentales pop que se complementan con sus letras románticas, irónicas y, sobre todo, pegadizas.
Este tema muestra a la bogotana perseverando por encima del rechazo amoroso con honestidad, cercanía y ese humor característico que enamoró a Latinoamérica. La canción captura esa contradicción entre entender que quizá es momento de pasar página y seguir creyendo, contra toda lógica, que aún existe una posibilidad. Expresa este punto con letras como, “Tú y yo somos novios, solo que tú no lo sabes, pero para mí es obvio/Quizás es tonto vernos de nuevo, quizás no soy tu tipo, lo entiendo/Pero por qué no hacer una excepción /Yo sé que no tengo remedio, pero nadie va a quererte como te quiero yo/Yo sé que no me echas de menos, pero déjame intentar, empecemos de cero”. El video musical saldrá el 11 de septiembre en su canal de Youtube.
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Además de haber revelado una nueva pieza del universo que creó con ‘La gente cambia’ y ‘Hasta el fin del mundo’, este año, ha recibido reconocimientos internacionales como menciones en las listas de Forbes y Vogue LATAM de “30 under 30”, las listas que reconocen a los jóvenes más exitosos por debajo de los 30 años. Incluso ayudó a recaudar 11 millones de pesos para los esfuerzos de reconstrucción por el terremoto en el concierto benéfico, Colombia: Voces por la Vida.
Por el momento, se puede escuchar ‘No tengo remedio’ en todas las plataformas de streaming musical.
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Por mandato presidencial, Brasil busca ponerle un tatequieto al lucrativo negocio de los conciertos al regular las condiciones en las que se llevarán a cabo estos eventos masivos. Luiz Inácio Lula da Silva, presidente de Brasil, emitió dos nuevos decretos que rápidamente se hicieron virales por el nombre con el que han sido popularmente conocidos: la Ley Taylor Swift.
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Estas normativas establecen que los eventos con un aforo superior a 100 espectadores deberán ofrecer agua potable de forma gratuita y obligatoria. Además, deberán garantizar que los asistentes puedan ingresar con sus propios recipientes para consumirla.
Otra de las prácticas que busca combatir Lula da Silva con estas regulaciones es la creciente reventa de boletos, un fenómeno que ha cobrado fuerza alrededor del mundo. La nueva legislación enfrenta directamente esta problemática y exige mayor transparencia en las tarifas de los eventos masivos, además de prohibir los cobros adicionales por la transferencia oficial de boletos.
En la normativa, el presidente señaló que la reventa digital consiste en acaparar entradas en cuestión de segundos para después ofrecerlas a precios mucho más elevados. Por ello, la nueva medida también refuerza las garantías para que las personas que tienen derecho a boletos con descuento puedan acceder efectivamente a ellos.
“La cultura es un derecho de todos. Quienes apoyan a sus artistas favoritos —y se esfuerzan por asistir a conciertos y espectáculos— merecen ser tratados con dignidad. Lo que hemos hecho hoy es un ejercicio de democracia”, declaró Lula da Silva.
Estas normativas —y el nombre con el que se les conoce— surgen casi tres años después de la muerte de Ana Clara Benevides Machado, una joven de 23 años y fan de Taylor Swift que falleció durante el concierto de la cantante en Brasil, en medio de una ola de calor extremo que marcó uno de los episodios más trágicos del Eras Tour.
Durante el anuncio de las nuevas legislaciones, Lula da Silva estuvo acompañado por fanáticos de grandes artistas internacionales, entre ellos Taylor Swift, BTS, BLACKPINK, Ariana Grande, Lady Gaga, Harry Styles, Justin Bieber, Katy Perry y Olivia Rodrigo. La presencia de estos seguidores evidenció el respaldo de distintos fandoms a las medidas impulsadas por el mandatario.
“La cultura es un derecho de todos. Y quienes aman la música, el arte y a sus artistas favoritos merecen respeto. Ayer firmé dos decretos para garantizar más derechos a quienes asisten a conciertos y espectáculos. Vamos a combatir a los ‘revendedores digitales’ y a garantizar un mayor acceso a las entradas con descuento. También reforzamos la oferta gratuita de agua potable en grandes eventos y el derecho a ingresar con tu propia botella en eventos abiertos. Más acceso, más respeto y más democracia para quienes viven la cultura”, compartió el presidente en redes sociales.
Um grande prazer receber representantes de fandoms de todo o Brasil para este dia especial. Juntos, vamos combater o cambismo digital e dar mais segurança e oportunidades para quem quer se divertir e ver seu artista preferido
@ricardostuckert pic.twitter.com/BT28qavviK
— Lula (@LulaOficial) August 31, 2026
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Omakase es, sin duda, uno de los lanzamientos del año. Destacado por ROLLING STONE en Español como uno de los mejores proyectos hispanos de la primera mitad de 2026, Álvaro Díaz sorprendió con un álbum disruptivo y lleno de matices en el que se tomó la libertad de hacer lo que le diera la gana. El público respondió de gran manera. Ahora, la tarea del puertorriqueño era llevar esa experiencia a los escenarios y vivir junto a sus fans no solo este último disco, sino también celebrar toda su trayectoria, lo que, al menos en Bogotá, logró con creces en su primera fecha del Omakase Tour.
Según comentan algunos asistentes, las afueras del Movistar Arena de la capital colombiana comenzaron a recibir a los primeros fans de Álvaro desde antes de que el sol se asomara por el cielo de la ciudad. Con el pasar de las horas, a esas primeras personas en llegar se unieron muchas más, algunas dejando de lado sus trabajos y estudios para acudir a la cita con el cantante.
Camisetas, pañoletas y carteles referentes a todos los proyectos del puertoriqueño enriquecieron un panorama en el que miles de personas, desde colegiales y universitarios hasta padres acompañando a sus hijos, desbordaron las filas de entrada al venue. Las expectativas estaban por las nubes y la impaciencia por entrar crecía con cada minuto. La espera terminó a las 6 de la tarde, cuando las puertas se abrieron y los asistentes pudieron dirigirse a sus ubicaciones para esperar el comienzo de la presentación.
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Aproximadamente a las 8:30 de la noche, con el Movistar Arena casi lleno, el show comenzó con la presentación de la telonera: Melodie. La puertorriqueña, quien ha venido construyendo una propuesta que combina el pop alternativo con sonidos urbanos y una marcada estética visual, fue la encargada de preparar al público para la llegada de Alvarito. Durante cerca de 30 minutos, la artista y su banda ofrecieron un sólido performance que logró conectar rápidamente con los asistentes. El set cerró con una canción inédita, próxima a estrenarse, que terminó de despertar la atención de un público que la recibió con entusiasmo y quedó listo para el acto principal de la noche.
Alrededor de las 9:00 p. m., los asistentes comenzaron a gritar “Sí, chef” en repetidas ocasiones, anticipando la entrada de Álvaro, quien, al igual que en su último álbum, dio inicio al show con ‘SICHEF.’, llevando al público al éxtasis desde el primer minuto.
Del mismo modo que en Omakase, el espectáculo estuvo dividido en cuatro etapas separadas por videos protagonizados por un chef oriental que hablaba en japonés, con doblaje del propio Álvaro. En cada interludio —acompañado por un cambio de vestuario—, el cocinero explicaba la preparación de un plato: comenzaba con la selección de la materia prima, continuaba con el fuego y el sazonado y terminaba con el emplatado. Así, la cocina se convirtió en el hilo conductor de un espectáculo que, más que presentar las canciones del álbum, buscaba trasladar su concepto al escenario.
Aunque el concierto estuvo lleno de grandes momentos, con los que el público pasó de la euforia a la tristeza casi sin darse cuenta —como la aparición de Papi Sousa para cantar ‘1% Remix’ o la interpretación visceral de ‘NO PODEMOS SER AMIGOS.’—, hubo instantes que quedarán por siempre en la memoria de los fanáticos de Álvaro.
El primero de esos momentos llegó al principio del show, con un homenaje a Milkman, íntimo amigo y colaborador creativo de Álvaro Díaz, quien falleció en febrero de este año. Fue durante ‘PIENSO EN TI.’, una canción que nació a partir de una de las pistas del productor. Mientras la canción llegaba a su final, las imágenes de Milkman comenzaron a llenar la pantalla a espaldas de Álvaro. Por unos segundos, el tiempo pareció detenerse: el cantante contempló el rostro de su amigo, levantó su botella de aguardiente y le dedicó un trago. Un pequeño gesto para alguien cuya ausencia, aunque dolorosa, sigue encontrando una forma de permanecer sobre el escenario.
El segundo gran momento llegó a la mitad del show, cuando Álvaro invitó a una fanática al escenario y le entregó, por unos instantes, las riendas de la noche. Frente a ella se abrieron tres caminos posibles para continuar el concierto. El primero llevaba de regreso a los primeros días de su carrera, con la posibilidad de rescatar uno de los temas que alguna vez subió a SoundCloud o alguno de los clásicos de sus primeros álbumes. El segundo viajaba hasta Felicilandia. El tercero apuntaba hacia una canción que, por distintas razones, había quedado afuera.
La decisión, sin embargo, no fue completamente suya. Desde la tarima, la fanática buscó la respuesta entre los gritos del público, que terminó inclinando la balanza hacia Felicilandia. Entonces sonaron los primeros acordes de ‘Chinita linda’ y el Movistar Arena se transformó. Miles de voces acompañaron la canción entre gritos, saltos y lágrimas, como si por unos minutos Álvaro no hubiera escogido una canción de su pasado, sino abierto una puerta hacia un recuerdo que el público todavía llevaba consigo.
Si hasta ese momento el público estaba completamente emocionado, el segundo invitado de la noche hizo explotar el venue: Feid.
Algo parecía decirle al público que el paisa estaría allí. Poco a poco, los gritos comenzaron a crecer y su nombre empezó a apoderarse de la Arena, hasta que finalmente apareció sobre el escenario. Junto a Álvaro, interpretó ‘Llori Pari’, ‘GATITAS SANDUNGUERAS – VOL.1’ y ‘A mí también’, canciones que los asistentes cantaron de principio a fin con la misma emoción con la que habían recibido los primeros temas de la noche.
Para cerrar, no podía faltar el recordatorio de BABYXITA MOR, el EP colaborativo entre ambos artistas que llegará en octubre y que se ha convertido en uno de los proyectos conjuntos más esperados de los últimos años dentro de la escena urbana.
El show llegó a su fin con ‘INAROW62’, uno de los temas mejor recibidos de Omakase y de esas canciones que parecen perfectas para cerrar todo el viaje que representó la presentación. Tras toda la euforia del show, bajar las revoluciones con este tema romántico, acompañado por una instrumental acústica y drums profundos, hizo que el público pudiera despedirse de Álvaro desde un lugar mucho más íntimo. Después de saltar, gritar, llorar y recorrer junto a él distintas etapas de su carrera, el concierto terminó casi como comenzó: con la música tomando el control y dejando a miles de personas cantando juntas, pero esta vez con la calma de quien acaba de llegar al final de un largo viaje.
Al final, la sensación entre los asistentes era la de haber vivido algo más que un concierto. Álvaro Díaz consiguió convertir el universo de su más reciente LP en una experiencia que recorrió distintas etapas de su carrera y, al mismo tiempo, encontró espacio para crear nuevos recuerdos junto a quienes han seguido su música durante años.
La respuesta del público a lo largo de la noche dejó poco espacio para las dudas: entre canciones coreadas de principio a fin, invitados inesperados, lágrimas, saltos y una energía que se mantuvo hasta el último acorde, la mayoría salió del Movistar Arena con una sonrisa. Las expectativas eran altas desde antes de que se abrieran las puertas, pero Álvaro demostró que estaba a la altura del reto.
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La Academia de Cine ya ha seleccionado sus películas favoritas para representar a España en los Óscar 2027. Miriam Garlo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por su papel en Sorda, fue la encargada de anunciar las cintas que competirán por ser la elegida para representar al país en la categoría de Mejor Película Internacional en una de las premiaciones más importantes del séptimo arte.
La primera cinta preseleccionada fue La bola negra, de Los Javis, Javier Calvo y Javier Ambrossi. La producción se perfila como una de las grandes favoritas tanto del público como de los académicos y, además, figura entre las posibles candidatas en otras categorías, como Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Guion Original. La historia presenta un drama que explora la identidad, la búsqueda, el deseo, la memoria y la experiencia de ser homosexual en España a través de distintas generaciones, todo ello enmarcado en una historia de fantasía ambientada alrededor de la Guerra Civil. El filme encuentra su génesis e inspiración en la novela inacabada y homónima de Federico García Lorca, de la que el escritor granadino solo llegó a completar cuatro páginas antes de ser asesinado en 1936.
El siguiente largometraje seleccionado por la Academia es El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo. La producción llegó a los cines españoles la semana pasada y se adentra en la compleja relación entre Esteban y Emilia, un padre y una hija marcados por problemas sin resolver. La historia explora los resentimientos, las expectativas, la ausencia afectiva y las heridas familiares que han marcado su vínculo, todo a partir del deseo de Esteban de ayudar a su hija a impulsar su carrera como actriz.
Por último, está Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. El largometraje es un drama familiar que gira en torno a Ainara, una joven de 17 años interpretada por Blanca Soroa. Brillante y con un futuro prometedor por delante, su familia espera que curse una carrera universitaria y construya una vida profesional convencional. Sin embargo, Ainara sorprende a todos cuando anuncia que quiere convertirse en monja de clausura, convencida de que siente una profunda vocación religiosa. La película fue reconocida con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y posteriormente obtuvo cinco premios Goya, incluido el de Mejor Película.
Uno de los grandes temas y cuestionamientos que surgieron en torno a la decisión de la Academia de Cine fue inevitable: ¿y Almodóvar? Sin embargo, el cineasta quedó fuera de la carrera en los prestigiosos galardones junto con su película Amarga Navidad.
La película que representará a España en la carrera por el premio a Mejor Película Internacional se dará a conocer el próximo 16 de septiembre. La 99.ª edición de los Premios Óscar se celebrará el 14 de marzo de 2027 en el Dolby Theatre de Los Ángeles.
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Jason Isbell y otros músicos llevaron nuevamente a los tribunales el debate sobre el uso de inteligencia artificial en la industria musical. El cantante y compositor estadounidense presentó, junto a otros tres artistas, una demanda colectiva contra Suno, una plataforma de generación musical basada en IA, a la que acusan de utilizar sus identidades sin autorización para crear canciones que imitan sus estilos.
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La demanda fue presentada el lunes 31 de agosto ante un tribunal federal de Massachusetts y, a diferencia de otros procesos que actualmente enfrentan las compañías de inteligencia artificial en la industria musical, no se concentra exclusivamente en el uso de grabaciones, composiciones o letras protegidas por derechos de autor. En este caso, los músicos sostienen que Suno está explotando comercialmente elementos relacionados con su nombre, imagen, semejanza e identidad artística.
Además de Isbell, los demandantes son David Lowery, integrante de Cracker y Camper Van Beethoven; el músico de blues Guy Forsyth; y el saxofonista Eduardo Calle. De acuerdo con la demanda, Suno habría incorporado las características identificables de numerosos artistas a sus modelos de inteligencia artificial sin obtener su consentimiento, permitiendo posteriormente que los usuarios generen música que busca reproducir esas identidades.
Uno de los ejemplos incluidos en el documento involucra directamente a Isbell. Los músicos aseguran que, pese a que Suno afirma bloquear las instrucciones que contienen los nombres de artistas específicos, la plataforma puede responder a este tipo de solicitudes. Según la acción legal, al introducir el nombre de Isbell se obtuvo una canción titulada ‘Paper Bell’, descrita como una pieza de americana que imitaba características asociadas con su voz y su estilo country.
Los demandantes también señalan que el sistema habría sido capaz de producir resultados inspirados en otros artistas, entre ellos Carly Simon, Buddy Guy, Common y Chief Keef. Para los músicos, el problema no radica únicamente en que una inteligencia artificial pueda producir música parecida a determinado género, sino en que pueda utilizar la identidad reconocible de un intérprete como una herramienta comercial sin que este haya dado su autorización.
La diferencia es importante. Un artista puede haber cedido los derechos sobre determinadas grabaciones a una discográfica, pero eso no necesariamente significa que haya transferido el derecho a utilizar su propia identidad. Precisamente sobre ese punto se construye la demanda, que busca obtener una compensación económica y una orden judicial que impida a Suno continuar utilizando las semejanzas de los músicos de esta manera.
Suno, por su parte, rechazó las acusaciones y aseguró que considera que los reclamos carecen de fundamento. La compañía sostiene que su plataforma está diseñada para ayudar a los usuarios a crear música original y no para aprovecharse del nombre de ningún artista. También afirma que cuenta con medidas de protección, entre ellas el bloqueo de instrucciones que mencionen determinados artistas o canciones protegidas por derechos de autor.
El proceso abre así un nuevo frente en la disputa entre los músicos y las empresas de inteligencia artificial. Mientras buena parte de las demandas anteriores se ha concentrado en determinar si las compañías pueden utilizar material protegido por copyright para entrenar sus modelos, el caso de Isbell y los demás artistas plantea una pregunta distinta: ¿hasta dónde puede llegar una herramienta de IA al reproducir la identidad artística de una persona sin su consentimiento?
La respuesta podría tener consecuencias importantes para una industria en la que las herramientas capaces de generar canciones a partir de simples instrucciones son cada vez más accesibles. Por ahora, el caso Isbell v. Suno Inc. apenas comienza, pero suma una nueva dimensión al complejo debate sobre quién controla la voz, la imagen y el estilo de un artista en la era de la inteligencia artificial.
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Low Clika llega a su primer álbum con una idea clara: no encasillarse. Después de conocerse en un reality y comenzar a trabajar como grupo, sus integrantes han pasado más de un año construyendo un proyecto que busca combinar el regional mexicano, la raíz desde la que parten, con otros sonidos y géneros que hacen parte de sus referencias.
El resultado es un álbum de 12 canciones en el que conviven el R&B, la cumbia, el trap, el reguetón y diferentes vertientes del regional mexicano. Más que seguir una fórmula, Low Clika quiso utilizar el proceso para descubrir qué podía sonar propio. Para hacerlo, trabajaron junto a productores como Wiker All Side, Julia Lewis, Tuncourt y Ribs, entre otros.
“Empezamos justo recién salimos del reality donde nos conocimos y empezamos a trabajar poco a poco en el álbum, en encontrar un sonido para Low Clika”, cuentan. Para ellos, trabajar desde el comienzo con productores de distintos perfiles fue también una manera de crecer como artistas y entender mejor qué querían hacer.
El trabajo en estudio tuvo una dinámica poco convencional. En lugar de llegar con todas las canciones terminadas, el grupo construyó buena parte del material durante un camp de composición y producción en el que varias ideas avanzaban al mismo tiempo. Mientras algunos integrantes componían, otros trabajaban en beats y otros grababan instrumentación.
“Realmente teníamos como que varios booths de trabajo. Estábamos de una estación a la otra y luego a la otra. Todos estábamos chambeando cosas diferentes, pero de las mismas rolas que se estaban haciendo ahí mismo”, explican.
El proceso se convirtió, de alguna manera, en una pequeña fábrica creativa. Una canción podía comenzar con un beat, pasar a la composición, regresar a la producción y terminar tomando forma con la grabación de los instrumentos. Al final de cada semana, el grupo se reunía para escuchar lo que había surgido.
La experiencia también les permitió descubrir que el detalle puede cambiar por completo la intención de una canción. Uno de sus integrantes, por ejemplo, habla de lo que aprendió trabajando el bajo quinto: un mismo adorno puede interpretarse de distintas maneras y producir sensaciones completamente diferentes.
“Importa mucho un adorno que hagas de una manera. Puedes hacer el mismo adorno de otra manera y te da completamente otra intención, y la gente sí lo percibe a la hora de que queda la canción”, explican.
Esa búsqueda también atraviesa las temáticas del álbum. Aunque las 12 canciones son diferentes entre sí, la intención era que todas conservaran una misma esencia. Antes de decidir el concepto definitivo, incluso contemplaron llamar al proyecto Disociado y Agüitado, una idea que resumía la convivencia entre dos estados y dos universos sonoros: una parte más ligada al beat y otra al regional mexicano y a la emoción.
Uno de los momentos más especiales del proceso fue ‘Julieta’. La canción nació en Guadalajara, fuera del camp de composición, durante una sesión mucho más espontánea con el equipo de Golden Ink. El grupo terminó reunido en una terraza, guitarreando y aportando ideas hasta que apareció la historia de ‘Julieta’ y ‘Romeo’.
“No pensamos cómo iba a acabar”, recuerdan. “Cada quien empezó a aportar y ahí fue saliendo la rolita”.
La canción terminó convirtiéndose en una pieza especialmente significativa para el grupo. No solo alcanzó el número 25 en Billboard, sino que tiene la particularidad de haber sido escrita por todos los integrantes de Low Clika, algo que no ocurre con el resto del álbum.
La distribución de tareas dentro del grupo también responde a esa búsqueda de identidad. Low Clika funciona como un equipo en el que cada integrante tiene diferentes responsabilidades: composición, producción, arreglos, ingeniería, contenido y el trabajo relacionado con los shows en vivo. Esa división les ha permitido ser cada vez más autosuficientes.
“Cada quien tiene como que sus roles internos”, explican. “Hay muchos expertos en producción, otros son más buenos en composición, otros son más buenos editando videos y así. Creo que es un equipo completo”.
La misma lógica se traslada a los escenarios. Uno de los integrantes se encarga principalmente de los shows en vivo y de elementos como las secuencias, mientras otros trabajan en la ingeniería y los arreglos. La idea es que las habilidades individuales terminen fortaleciendo el proyecto colectivo.
Para su primer álbum, además, quisieron mantener las colaboraciones en un mínimo. El disco cuenta con una sola invitada: Nani, una amiga del grupo de Monterrey. Su participación surgió casi de manera accidental. La canción había sido pensada inicialmente para Low Clika, pero sentían que algo faltaba.
Después de considerar diferentes voces femeninas, llegaron a Nani. Su participación terminó transformando la canción: incorporó diferentes voces de fondo y le dio una nueva dimensión al tema.
“Le dio una vibra totalmente diferente. Metió muchas voces de fondos; con su voz llenó la rola de una manera que no esperábamos”, dicen.
Aunque el álbum apenas está por salir, Low Clika ya piensa en lo que viene después. Entre los artistas con los que les gustaría colaborar mencionan a Fuerza Regida y a George de Street Mob, mientras que también cuentan que están cerca de cerrar una colaboración con Frontera.
El siguiente paso será llevar el material a los escenarios. El grupo tiene varios shows programados, entre ellos una presentación en el Flow Fest de Ciudad de México. Allí planean combinar canciones del álbum con algunos covers reinterpretados desde su propio estilo y, posiblemente, presentar canciones que todavía no hayan sido lanzadas.
“Para esa fecha tal vez todavía no están fuera, pero va a ser un poco de lo que se viene después del disco, de nuestro concepto, nuestro sonido y todo eso”, adelantan.
Más allá de las canciones, el último año también ha servido para que Low Clika entienda mejor qué significa funcionar como grupo. La experiencia del estudio se ha complementado con actuaciones, grabación de contenido y diferentes experimentos audiovisuales. Incluso han salido a las calles a promocionar sus canciones y han aprendido a enfrentarse a una cámara desde un lugar distinto al que conocían por el reality.
“Actuar o estar en un set con tanta gente viéndote y todos en silencio es diferente”, cuentan. Esa experiencia, dicen, les ha ayudado a perder la vergüenza y ganar herramientas que ahora pueden trasladar a distintas áreas de su trabajo.
El aprendizaje, sin embargo, no ha venido únicamente de los aciertos. Para ellos, reconocer los errores ha sido igual de importante para entender hacia dónde quieren ir.
“Hay deficiencias y cosas malas que justamente se tienen que tener. Esa conciencia de lo que estás haciendo mal para en un futuro corregirlo. Ya eres mejor y dices: ya no soy la misma persona que antes, ya tengo un poco más de experiencia”.
Esa evolución es, quizá, una de las claves para entender el momento actual de Low Clika. El grupo todavía está construyendo su identidad, pero lo hace desde una dinámica colectiva en la que cada integrante aporta desde un lugar distinto. Después de más de un año de trabajo, el primer álbum representa tanto un punto de llegada como el comienzo de una etapa nueva.
Y mientras esperan que el disco finalmente vea la luz, también miran hacia los escenarios, las próximas colaboraciones y las canciones que ya están preparando. El objetivo parece ser el mismo que tenían cuando entraron por primera vez al estudio: seguir descubriendo qué puede ser Low Clika.
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Juanes volvió a los escenarios para comenzar una nueva etapa de su carrera. Este jueves 3 de septiembre, el músico colombiano inauguró en Orlando, Florida, su Juanes World Tour 2026, una gira de más de 29 fechas por Norteamérica con la que celebra 25 años de trayectoria como solista y presenta una renovada propuesta en vivo.
El concierto en el Hard Rock Live de Orlando marcó el punto de partida de un espectáculo diseñado alrededor del universo de JuanesTeban, su duodécimo álbum de estudio, pero que también recorre algunas de las canciones que han convertido al artista en una de las figuras fundamentales del rock latinoamericano.
La nueva puesta en escena busca diferenciarse de sus anteriores giras a través de una mayor energía, interacción con el público y una propuesta visual inspirada en las distintas emociones y contrastes que atraviesan JuanesTeban. El resultado es un espectáculo que conecta la etapa actual del músico con un repertorio construido durante más de dos décadas.
Durante el concierto, Juanes interpretó canciones de su más reciente álbum como ‘Una Noche Contigo’, ‘Hagamos Que’, ‘Muérdeme’ y ‘Timelapse de Sol’, que convivieron en el repertorio con clásicos como ‘Es Por Ti’, ‘Mala Gente’ y ‘Volverte A Ver’.
Uno de los momentos más cercanos de la noche llegó con ‘Para Tu Amor’. Juanes abandonó el escenario para interpretar la canción entre el público, convirtiendo uno de los temas más queridos de su catálogo en un momento íntimo y compartido directamente con sus seguidores.
El disco también representa una nueva conexión de Juanes con artistas de distintas generaciones y escenas. JuanesTeban incluye colaboraciones con Bomba Estéreo, Conociendo Rusia, Mon Laferte, Rawayana y Vivir Quintana, además de ‘Una Noche Contigo’ junto a La Arrolladora Banda El Limón, canción que le permitió conseguir su primer número uno en el listado Regional Mexicano.
Este momento adquiere una dimensión especial al coincidir con el aniversario número 25 del inicio de la carrera solista de Juanes. Desde entonces, el músico ha construido un catálogo que atraviesa el rock, el pop y distintos sonidos latinoamericanos, convirtiendo canciones como ‘Es Por Ti’, ‘A Dios le Pido’, ‘La Camisa Negra’ y ‘Volverte A Ver’ en parte del imaginario musical de varias generaciones.
Tras su primera fecha en Orlando, Juanes continúa este viernes 4 de septiembre en el Kaseya Center de Miami, donde tendrá como invitada a la cantautora venezolana Joaquina. El recorrido seguirá por Jacksonville, Atlanta, Charlotte, Nashville, Columbus, Cleveland, Indianapolis, Newark, Toronto, Montreal, Boston, Chicago, Houston, Los Ángeles y San Diego, entre otras ciudades.
A partir del 18 de septiembre, Andrea Bejar se incorporará como acto de apertura para las siguientes fechas. La gira norteamericana concluirá el 22 de octubre en San Diego, en Gallagher Square at Petco Park.
Con JuanesTeban como punto de partida y un repertorio que resume un cuarto de siglo de música, Juanes apuesta por un espectáculo que mira simultáneamente hacia adelante y hacia atrás: presenta una nueva etapa artística sin dejar de lado las canciones que construyeron su historia.
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