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2026 has been a big year for concerts, from Rosalía‘s Global Lux tour, to Ariana Grande‘s Eternal Sunshine tour to Olivia Dean‘s first-ever headlining North American arena tour. If you’re itching for great live music to experience in the new year, there may be no place hotter than Las Vegas.
Some of music’s biggest stars, including the Backstreet Boys, continue to extend their Sphere residency with new dates. BLACKPINK’S Lisa, Jennifer Lopez, No Doubt, Zac Brown Band and Zayn Malik are also heading to Sin City in 2026, and The Eagles are back for one last run.
Regardless of whether you’re a fan of country, pop, R&B, hip-hop, alternative or other genres, Vegas has enough live entertainment for all kinds of music lovers to enjoy. And what better excuse to travel to Vegas than to see your favorite musician?
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Because there are so many music tours, festivals and Las Vegas residencies on the roster for this year, keeping track of when and where to see your favorite artists live can be a bit overwhelming. To make your search easier, we’ve compiled a list of current Las Vegas residencies, where they’ll be taking place and, of course, where to buy tickets.
Keep scrolling to see a roundup of Las Vegas residencies to check out through the rest of 2026 and check back as we update this list with the latest concert and tour announcements.
July 2026:
- Feb 14 – 28: New Kids on the Block: The Right Stuff (Buy tickets here or here)
- July 10 – 17: Mary J. Blige: My Life, My Story (Buy tickets here or here)
- July 16 – 31: Backstreet Boys: Into the Millennium (Buy tickets here or here)
- July 17 – 31: Kelly Clarkson: Studio Sessions (Buy tickets here or here)
- July 24-31: Marc Anthony: Vegas… My Way (Buy tickets here or here)
August 2026:
September 2026:
October 2026:
November 2026:
You can’t talk about West Coast dance music history without talking about Doc Martin.
Born Martin Mendoza in San Francisco, the artist started his career spinning on vinyl, helping define the early ’90s rave scene in Los Angeles when he relocated to the city. Here, he was not only a scene stalwart alongside SoCal comrades like DJ Dan and Marques Wyatt, but a sort of archivist, putting the house, acid house, techno and other underground sounds he was hearing and playing onto wax, cassette and later CD and digital with the launch of his label, Sublevel.
30 years later, the imprint is still running strong, as is Martin himself. Talking to Billboard over Zoom from his place in Oceanside, Calif., Martin is on the verge of a summer run that included the Om Records Retreat, a campout celebrating three decades of the San Francisco label, this past weekend. He’ll play an all-vinyl set at Flash in Washington D.C. on July 11, dip back to SoCal for the Love Long Beach Festival 2026 the following weekend, then head north for British Columbia’s beloved Shambhala before crossing the Atlantic for the U.K.’s Houghton Festival.
He says promised himself long ago that if he ever lost his enthusiasm for this peripatetic lifestyle and the music he shares with it, he’d quit. Speaking to him now, there’s certainly no indication his enthusiasm is waning. Here, he talks about raving in the ’90s, opening for Deee-lite and his recently deceased friend, DJ Dan.
1. Where are you in the world right now, and what is the setting like?
I’m in Oceanside, California, and it’s 70 degrees year round, and by the beach — less than two miles away from the water.
2. What is the first album or piece of music you bought for yourself, and what was the medium?
Oh boy, that’s a tough one. It’d probably be a 7″ record. It would have been in the ’70s, so I would say maybe “Boogie Oogie Oogie” by A Taste Of Honey.
3. Where did your parents do for a living when you were a kid, and what do, or did, they think of what you do for a living now?
Good one. My mom was a hairdresser for Vidal Sassoon and Paul Mitchell, she taught at his school and also sang backups for a couple of local bands like Paul Revere & The Raiders in San Francisco. My dad was an upholsterer, unfortunately he’s passed, but my mom, up until five years ago, was still in that mode of “When are you going to get a real job?” Now she kind of sees the light, finally, after 35 years.
4. What is the first non-gear thing you bought for yourself when you started making money as an artist?
Probably a car. It was when the Lexus first came out, and I got a GS 300. Then after that I just went to Toyotas. I realized it wasn’t worth spending a lot of money on.
5. If you had to recommend one album for someone looking to get into electronic music, what album would you give them?
I would say the first Future Sound Of London record, [1992’s Accelerator.]
6. What’s the last song you listened to?
I think the last album was The English Beat’s Live at US Festival ’82 & ’83. I listen to tons of promos every day, but my friend Harry Romero did a remix of “House of God” by DHS, and that was probably the last thing I really got into. People like Harry Romero and Maceo Plex, they make these bootlegs, and they’re just for us to play. There’s like three or four people that have them, which kind of sucks for everybody else, but great for us.
7. What gigs on your summer schedule are you most looking forward to?
I’m going to England for all of August, and the Houghton Festival is one for sure that I’m looking forward to. It’s my fourth time, and always extremely great, and going to Berlin again for Heideglühen, which is a great club, and also doing Notting Hill Carnival in London and doing Shambhala in Canada. There’s been a lot of good things this year. I can’t really complain. San Francisco is always a treat as well.
8. There’s so much lore about the Los Angeles dance scene in the ’90s. What was it really like?
The underground was really renegade in a lot of ways. There were a lot of warehouse parties because of the vast warehouse district at that time, and I think a lot of warehouse owners really need to make some extra money, so there was a huge underground as far as locally grown spaces. A lot of acts from England would come. In early ’86 I was still in San Francisco and booking people like Inner City, Liz Torres, D Mob, and it was just a crazy time.
The clubs in L.A. were great as well, because you had what was known as the Brat Pack, and all these celebrities mixing with people. The first gig I ever did in Los Angeles, I turned around [and] Nicholas Cage, Charlie Sheen and James Spader were in the booth with me. And there were a vast majority of different people and styles, and that’s kind of what made L.A. really pop in the ’90s. You would have gothic people, people dressed like rockabilly next to punks, normal college kids. That made things really interesting.
9. Was it as fun and epic as everyone paints it out to be?
It was in a lot of ways, because it was done by people like us, using our own money. It wasn’t done by any corporate entities at all. When people would do theme parties, they would actually make the props themselves. There was a lot of love and effort put into it, and that made things really special. You would go out and it would be opening and closing night at the time time, so you didn’t want to miss anything.
10. When did you feel things start to change?
I would say in the mid-to-late ’90s. 1990 to ’94 was a really good run. I think people saw there was money to be made off this, and investors started coming in. We were doing shows at places like The Palladium, which is a big club [in Los Angeles] that holds like 2,500 people — which wasn’t a bad thing, but there were corporate entities getting involved. We did a party for 10,000 people in downtown L.A. for a movie called Strange Days, and Deee-Lite performed live, Aphex Twin DJ’d, I DJ’d, which was great, because I became Deee-Lite’s tour DJ after that show.
11. What was it like being Deee-Lite’s tour DJ?
It was amazing for me, because we got along extremely well and were on the same wavelength. I also got to see the whole United States from a tour bus, which was never going to happen any other way. It was just a really good growing experience for me as a DJ, coming out of the L.A. scene and being able to see the entire country and also Canada… That gig was kind of like a baptism by fire, because I was with a lot of heavyweights of that time and just got thrown into the middle of it, and in the middle of the lineup as well. I didn’t open, so it was just kind of like, “Okay, here we are.”
12. What did you learn from the experience?
What a great sound system can do for a crowd. I think that was the first time I played on a sound system with that level of prestige, and I was just a little kid in a candy store. I was so excited and happy. I wouldn’t have cared if there was two people dancing or the 1,500 that were there. It was incredible for me.
13. You’ve been doing this for a long time. To what do you attribute your longevity?
I told myself that if I ever lost the vigor or got complacent, I would just give up, because it really isn’t fair to the crowd that pays to see you. I’m still a music fanatic. I listen to music three hours every day. I’m surrounded by it, immersed in it. People are like, “What are your hobbies?” I’m like, “Well, this is it.”
14. What does music do for you, that you’ve devoted your life to it?
I just love the way it makes other people feel when you’re playing certain songs you believe in and are championing, and there’s that connection between you and the crowd. It’s like the most addictive drug.
15. What do you think the biggest problem currently facing dance music is?
There’s a lot of saturation right now, and a lot of people going the social media route, as opposed to maybe spending more time in the studio. Maybe not every record you make needs to come out in the current state it’s in. I will put stuff away for six months and come back to it and finish it. I just did a remix that took me almost a year and a half.
We’re on a very quick timeline. Things are in for one minute, out for the next. People are constantly looking for the next big thing. There’s very little cultivation of music or artist development at the labels. It’s really hard. A label will sign someone with a million followers instead of the person who’s super talented with a thousands followers. With our label, I tend to go the other way — because in the end it’s going to be about music that sticks, and the person with a million followers, in most cases their records probably won’t stick.
16. If you weren’t a DJ and producer, what would you do for work?
Before music I was training to be a chef and working in some very high-volume restaurants. I found it very stressful, to be honest. Especially the higher-end restaurants, four and five stars. Everything has to be perfect, and everyone has a complaint about every dish, and it was a lot of being yelled at by the head chef constantly and doing 200 dishes a shift. It was insane to me. When this [music career] happened, having always been obsessed with music — not so much DJing, but having record collections and buying everything from reggae to underground new wave to early hip-hop — it was just a natural fit. Thank God it worked out.
17. What’s the best business decision you’ve made in your career?
I have a label, Sublevel, and I have a night, and we have a clothing line as well. The best decision was probably to start doing my monthly parties in L.A., and at different venues every month, bringing in unsung heroes. We’ve had Craig Richards, we’ve had Josh Wink, we brought the Secretsundaze guys from England… I kind of took myself out of the international DJ circuit [for awhile] by doing that, but I helped cultivate a different kind of scene here in Los Angeles, which was great. I’d just moved back from England where I’d been a resident at Fabric, and the music I heard there wasn’t getting played over here, and I really thought that was a shame. There was so much great music coming out of Berlin, London, Japan, and it just wasn’t getting played.
I was like, “Let me do an experiment and try to put a night on that focuses on all this stuff, along with American music that wasn’t getting played in America.” It really caught on. I think when you go somewhere and you’re welcomed and they have food, candy, free water and coffee and people are like “Don’t drive home like that” — putting that kind of caring into events makes a difference in people feeling like they’re a part of something.
18. The West Coast scene lost a legend this year when DJ Dan died this past March. Did you know him?
I did, actually. The last year and a half we were really close in a lot of ways. We’d talk for hours on the phone, and as I was getting my stuff more in order with my label — my press and things like that — I was trying to help him as well, because I felt like he was in a spot where he didn’t want to be anymore. He wanted to elevate. I was like, “You have the reputation, and you have the following, you just need a few tweaks here and there.” We would talk for hours about this and exchange ideas. I’d go to his house and hang out. We were confidantes.
19. I’m very sorry that your friend died. Do you want to tell a great Dan story?
The last festival we did together was in Alaska, in the middle of nowhere, and we shared a house. It was probably one of the more fun weekends we’d both had in a very long time. We just sat on the couch most days and talked for hours and exchanged stories and memories of each other… It was a very special time for us, and that bonding needed to happen, because for years we didn’t see each other. We were on different tour schedules while I was really focused on Europe and New York and other places.
It was good to get back into each other’s, I would say, good graces, because we hadn’t seen each other. We hadn’t talked, we hadn’t been there. It was a good time to come together again, especially at that point in our careers.
20. What’s one piece of advice you’d give to your younger self?
Try to block out the noise a lot more, and just stay focused. Advice I give to other DJs is to always have your personality shine through your music. Don’t hide who you are for anybody.
President Donald Trump’s fandom of Nicki Minaj has seemingly grown by the day. Trump shouted out Minaj while speaking at the Rose Garden Club Lunch, which was attended by the Queens native on Monday afternoon (July 6).
“We also have a woman that is so respected and so hot and so great and a great friend of — I don’t say conservative — I say common sense,” he said.
Trump continued to rave about the rapper: “She’s a fantastic person and she’s a woman that’s respected by everybody. And she’s got real talent, Nicki Minaj. Nicki, stand up, please. Such a great person and respected by everybody.”
Minaj drew a round of applause from those attending the luncheon, as she basked in the president’s praise while wearing a pink dress.
Nicki Minaj posted a photo with Donald Trump from the Oval Office. “Whoa!!!! #WhiteHouseBarbie with her favorite President of all time,” she wrote.
The public love affair between Minaj and Trump has blossomed over the course of the last year since the Young Money rhymer made the MAGA pivot. She’s repeatedly gushed about Trump and the president’s administration on social media.
Minaj and Trump met in January, when she spoke at a Trump Accounts Summit and labeled herself as the “president’s No. 1 fan.”
“I am probably the president’s No. 1 fan,” Minaj said. “And that’s not going to change. What people have to say, it does not affect me at all. It actually motivates me to support him more. And it’s going to motivate all of us to support him more.”
She continued: “We’re not going to let them get away with bullying him. And you know, the smear campaigns. It’s not going to work. He has a lot of force behind him and God is protecting him.”
More recently, Minaj wished the president a happy birthday on X after Donald Trump turned 80 years old in June. “Happy 80th birthday Mr. President,” Minaj wrote alongside a series of AI-generated images.
Minaj has remained quiet on the music side in 2026. Throughout her decorated career, the rapper’s scored 149 entries on the Billboard Hot 100 and boasts three No. 1 albums atop the Billboard 200.
Watch the full speech below. Talk about Nicki Minaj takes place just shy of 27 minutes.
Travis Garland has already proven his vocal chops in the Dancing With the Stars‘ ballroom, and now, he’s taking the America’s Got Talent stage. While fans of the ballroom bash may recognize his voice if not his face, the singer is ready to change that, and Billboard has an exclusive clip of his audition set to air on NBC Tuesday (July 7).
In the clip, Garland powerfully belts out the chorus to Aerosmith’s 1970s classic “Dream On,” which peaked at No. 6 on the Billboard Hot 100 in April 1976, and was a chart staple for 29 weeks. As he lets the lyrics soar with his rich voice, judge Howie Mandel turns to look at the audience members behind him, who are clapping and banging their heads along to the hit rock song.
Just before Garland reaches for frontman Steven Tyler’s ultra high notes from the chorus followed by the iconic scream, judge Mel B smiles and praises “Niiiice!” before raising her arm to cheer and rock with the beat.
Though Garland has been sharing his vocal talents mostly behind the scenes as a live vocalist with Dancing With the Stars since 2015, the singer — who is from West Texas (Lubbock, Texas, to be exact) — has been singing for much of his life, he tells judges Mandel, Mel B, Sofia Vergara and Simon Cowell on the Tuesday episode that he’s now ready to reach for his ultimate goal and go solo.
He also opens up about the struggles of pursuing music as a career, even if he’s achieved highlights such as touring when he was only 17. But, he reveals, competing with his singing abilities on America’s Got Talent has been — fittingly for his song choice — a dream.
Watch Billboard‘s exclusive clip of Travis Garland’s AGT audition below:
America’s Got Talent airs Tuesdays at 8 p.m. on NBC, and streams on Peacock the next day.
Durante sus comienzos, The Beatles grabó diversos covers de algunos de sus artistas preferidos, por lo que ellos mismos sabían qué se requería para realizar una buena interpretación propia de una canción prestada. Es por eso que cuando George Harrison escuchó una reversión de una de sus creaciones y notó que no estaba a la […]
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Para Julio Reyes Copello, la música no empieza cuando se oprime el botón de grabar. Empieza mucho antes: en la memoria, en la emoción y en la capacidad de un artista para conectarse con aquello que quiere dejar en el mundo. Después de trabajar con algunas de las voces más importantes de la música latina, el productor colombiano sigue defendiendo una idea casi espiritual del oficio: una canción no es simplemente una pieza de entretenimiento, sino una prueba de vida.
Desde Art House Academy, en Miami, Reyes ha creado un ecosistema para formar a una nueva generación de músicos, productores y creadores bajo una filosofía que parece ir en contravía de la velocidad actual de la industria: menos números, menos algoritmos y más búsqueda interior.
En conversación con Rolling Stone en Español, el productor habla sobre los rituales detrás de una gran interpretación, la inteligencia artificial, la importancia del dolor dentro del proceso creativo y la responsabilidad de los artistas en una época donde la música se ha convertido en refugio para millones.
Has trabajado con artistas muy distintos. Desde tu experiencia, ¿cómo entiendes ese momento vulnerable en el que un cantante entra al estudio y entrega una interpretación?
Ese es un momento de mayor sensibilidad, de mayor celebración de la vida. Lo que uno intenta capturar ahí es ese instante súper vulnerable en el que el artista está celebrando profundamente estar vivo.
Un personaje que me enseñó muchísimo es Marc Anthony. Su ritual es muy interesante. Él siempre llega e invita a la gente que quiere, a su gente cercana. Empieza hablando, echando chistes —es un tipo simpatiquísimo— y únicamente cuando siente el amor y la gratificación de quienes estamos alrededor decide pasar al estudio.
Es casi como si estuviera poniendo a prueba su gran responsabilidad de ser un entertainer. Por eso le gusta tener público, aunque sean sus amigos. Quiere replicar lo que después va a sentir la gente en su casa cuando escuche esa música.
La emoción queda capturada en el ADN de la canción. De alguna manera tiene un efecto distinto cuando alguien la oye. Él mismo accede a otros lugares desde la voz. Cuando alguien está triste, la voz cambia; cuando alguien está feliz también. Él se prepara emocionalmente antes de entrar y cuando entra hace dos o tres tomas máximo, porque ya quedó lo que tenía que quedar.
Para mí el papel del productor y esa posición de liderazgo consiste en crear un ambiente absolutamente cómplice donde pueda sacar la mejor versión del artista.
Has trabajado todos los géneros posibles y con artistas de generaciones diferentes. ¿Qué permanece intacto en una gran canción sin importar la época? ¿Qué hace que una canción sea realmente grande?
Buenísima pregunta, Martín. Creo que las grandes canciones están respaldadas por historias que resuenan con la colección de memorias personales que cada uno tiene. Ahí hay magia.
Los compositores que más respeto y los intérpretes que más me conmueven son quienes tienen la capacidad de conectar cada cosa que están diciendo con una memoria personal.
Si estás cantando algo profundamente triste y mentalmente lo asocias con tu propia versión de esa emoción, con todas esas memorias que llevas acumuladas, la interpretación cambia. No sé explicar exactamente por qué, pero ocurre.
Eso pasa independientemente del género. Incluso lo he sentido tocando Chopin. Yo tuve mi intención de ser pianista y de ahí viene mucho de lo que hago: primero intento capturar esa audición interna, eso que estoy oyendo en mi imaginación, porque ahí habita la mejor versión de todo.
Luego conecto eso con mi colección de memorias y hago que mi versión de esa emoción pueda conmover a alguien. Lo más importante detrás de una canción y detrás de un compositor es tener vida, tener experiencias, porque eso queda plasmado en la creación musical.
Hoy muchos artistas pueden producir desde su casa y construir su propio universo sonoro. ¿Cómo defines el papel de un productor en una industria donde tantos artistas se autoproducen?
Creo que uno tiene que ser muy camaleónico y adaptarse al mindset de los artistas. Mi constante sigue siendo encontrar el camino para sacar lo mejor de ellos, incluso entendiendo cuándo uno tiene que quedarse a un lado.
Siempre me ha apasionado la educación musical. Toda esta iniciativa que empecé con Abbey Road y Art House Academy nació porque siempre he pensado que la diferencia entre el negocio de la educación y la educación real es la mentoría.
Me hace un poco de ruido que algunas universidades gradúen 150 o 200 productores. Me parece casi irresponsable porque no es una industria que dé para tanto. Esto debería parecerse más al deporte.
A nadie se le puede negar la educación musical, pero esa educación masiva debería suceder desde la infancia y la adolescencia. Cuando alguien decide dedicarse profesionalmente a esto, debería existir un acompañamiento mucho más personalizado para quienes tienen un talento excepcional.
Yo siempre he querido reducir esa brecha enorme entre la academia tradicional y la realidad. Por mi estudio pasaban artistas muy distintos y pensaba: “Qué increíble sería que un estudiante pudiera ver esto y aprender no con la cabeza, sino con el espíritu”.
Cuando compartes un espacio con un Marc Anthony, un Will Smith o una Laura Pausini, basta un minuto. Esa persona te activa el conocimiento.
Sigo con el siguiente bloque, Martín:
Hablabas de que un estudiante puede aprender más compartiendo un espacio con un artista que solamente acumulando información. ¿Qué buscas transmitir desde Art House Academy?
La información ya está afuera. Hoy puedes aprender prácticamente cualquier cosa en YouTube o en internet. Pero lo que no te enseñan es un mindset: cómo ver las cosas, qué buscar.
Eso es lo que he intentado compartir con la gente que pasa por acá. He sido mentor informal durante mucho tiempo de productores y cantantes, pero lo que realmente quiero transmitir es mi visión de la música para que no entren solamente por el lado del negocio, que es el lado más oscuro.
Yo siempre he visto la música como algo sagrado. En serio. Para mí todos los artistas somos predicadores de nuestra versión de la belleza.
Mi versión de la belleza es rarísima. Está hecha de Bach, Ravel, Queen, Peter Gabriel, Nine Inch Nails… Todas esas cosas hermosas que consumí se quedaron en mi imaginación y formaron mi propia versión de la belleza.
Como creativo, lo único que tengo que hacer todos los días es capturar esa versión de la belleza y traerla a esta realidad en su estado más puro, libre de las expectativas de la industria, de la familia o de los amigos.
Cuando uno logra hacer eso, es feliz. Y eso también te lleva a redefinir el concepto de felicidad, porque claramente no está asociado únicamente con el dinero. He conocido billonarios absolutamente infelices y vacíos.
Obviamente tenemos que sobrevivir y encontrar nuestra manera de vivir de esto, pero no podemos depositar toda nuestra felicidad en esas expectativas.
No sé cómo he hecho, Martín, pero he logrado mantener el negocio afuera. A mi estudio solamente entra la parte creativa. Siguen estando las mismas cosquillas y las mismas mariposas en el estómago que sentía a los cinco años cuando veía un piano. He protegido eso de la industria.
En una época donde muchos entran a la música buscando números o resultados inmediatos, ¿cómo se protege esa relación con el arte?
Es celebrar la vida todos los días. ¿Qué es si no capturar tu versión de la belleza y traerla?
¿Para qué se educa uno? Para entrenarse y poder capturar esas visiones que son fugitivas. Llegan a tu cabeza y si no tienes las herramientas se van.
Puedes pensar: “Esto que estoy escuchando es un re menor, pero el ritmo es este, ¿cómo lo puedo orquestar?”. Uno estudia para traer esa visión a la realidad de la manera más pura posible.
Cuando estoy en crisis pienso: “Yo vine a este mundo para esto”. Eso me ha mantenido feliz. Además, nadie sabe cuándo se va a morir. Uno puede salir del estudio y nada está garantizado.
Si uno vive entendiendo que la muerte es una constante, también tiene que vivir en un estado de agradecimiento.
Para mí esa es la definición de inspiración: un acto de agradecimiento profundo por estar vivo.
El esfuerzo que hacen los compositores por capturar un momento y volverlo eterno es una forma de demostrar que sí valió la pena vivir.
La música es una fotografía emocional de ese estado de agradecimiento. Incluso cuando estás atravesando un despecho terrible, la música acelera el duelo. Te acompaña. Te ayuda a sanar.
Por eso estos conceptos son atemporales. Es lo que intento regalarles a los chicos que pasan por acá: una manera de entender lo que hacen cuando la presión de la industria aparece.
Después de trabajar con tantos artistas, ¿has encontrado algún patrón entre quienes logran trascender? ¿Qué necesita tener el artista del futuro?
Sí hay patrones. Uno como productor y mentor tiene que aprender a convivir con procesos que a veces incluso son dolorosos.
Muchas veces uno tiene que retirarse de la carrera de ciertos artistas porque eso también hace parte de su búsqueda.
El artista está intentando seducir al mundo, y eso requiere un acto enorme de amor propio.
Cuando entran al booth les digo: “Aquí tienes que conectarte con tu mejor versión. Tienes que amarte, porque eso mismo va a recibir la gente”.
Los artistas están en el negocio de la seducción masiva. Hoy, además, vivimos en una sociedad tan disfuncional que los proyectos que realmente conectan no dependen solamente del talento.
Mira el fenómeno de Karol G. Ella se convirtió en una voz para muchas mujeres dentro de una sociedad machista. Lo logró con su espontaneidad y sinceridad. Las canciones fueron el vehículo, pero lo más poderoso es lo que ella representa.
Bad Bunny representa el orgullo latinoamericano frente a mucha discriminación que hemos vivido. Construyó un lugar donde la gente puede decir: “Me siento orgulloso de ser latino, con todas mis imperfecciones”.
Por eso cuando trabajo con artistas jóvenes les pregunto: “¿De qué está hecho tu templo? ¿Dónde tienes autoridad emocional para hablar?”. En el programa de artistas puedo pasar un año entero trabajando esa parte y a veces no alcanza.
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La posibilidad de que Viviane Morales sea designada oficialmente como ministra de Educación ha desatado un intenso debate político. Aunque el nombramiento aún no ha sido confirmado, Morales encabeza el equipo de empalme de esa cartera y, desde hace varios días, distintos sectores la dan como la principal opción para asumir el cargo.
La eventual designación ha provocado rechazo en diversos sectores debido a la trayectoria política de Viviane Morales, la cual ha estado marcada por una activa militancia sustentada en sus convicciones religiosas evangélicas, la promoción de iniciativas contrarias al pleno ejercicio de los derechos de la población LGBTIQ+ y la ausencia de experiencia en el sector educativo.
Una trayectoria entre la fe y el derecho
La abogada Viviane Morales ha llegado a algunos de los cargos más importantes del Estado. Fue congresista, fiscal general de la Nación, embajadora de Colombia en Francia y aspiró a integrar la Corte Suprema de Justicia. A lo largo de su carrera, además de su trayectoria jurídica, su actividad política ha estado estrechamente ligada a la fe evangélica que profesa desde su juventud.
La principal preocupación expresada por analistas, políticos y sectores de opinión gira en torno a la falta de experiencia en una cartera con enormes retos en un país como Colombia, así como el futuro del Estado laico en caso de que asuma este Ministerio.
Morales ha cuestionado de manera reiterada la separación entre las convicciones religiosas y las decisiones públicas, especialmente en instituciones educativas. Bajo la defensa de la libertad religiosa, la excongresista ha promovido una visión única de familia, de carácter tradicional en términos cristianos y se ha opuesto de forma consistente a la educación integral en sexualidad y a la igualdad de derechos para personas con orientaciones sexuales diversas.
Uno de los episodios más recordados de esa postura ocurrió en 2016. Como senadora del Partido Liberal, Morales rechazó abiertamente la iniciativa del Ministerio de Educación que buscaba orientar a las instituciones educativas en la prevención y atención de las violencias y discriminaciones contra estudiantes con orientaciones sexuales e identidades de género diversas. Las cartillas elaboradas por el Ministerio pretendían ofrecer herramientas para que los colegios revisaran sus protocolos y garantizaran que niños, niñas y adolescentes pudieran vivir libres de discriminación y violencia. Morales fue una de las principales voces políticas que calificó la iniciativa como un intento de imponer la llamada “ideología de género” en los colegios.
Ese debate estuvo profundamente atravesado por el caso de Sergio Urrego, el adolescente que se suicidó tras sufrir acoso y discriminación sistemática en su colegio debido a su orientación sexual. En la sentencia T-478 de 2015, la Corte Constitucional concluyó que el plantel había vulnerado sus derechos al discriminarlo por ese motivo. El caso marcó un precedente para ampliar la discusión pública sobre la necesidad de fortalecer las respuestas institucionales frente a la discriminación por orientación sexual e identidad de género en los entornos escolares.
Las posturas de Morales se han inscrito en una tendencia que tomó fuerza en distintos países de América Latina y Europa, donde sectores cristianos fundamentalistas impulsaron campañas contra lo que denominaron “ideología de género”. En Colombia, ese discurso alcanzó uno de sus momentos de mayor visibilidad en 2016, en medio de las negociaciones e implementación del Acuerdo de Paz, pero que no han dejado de estar presentes entre sectores ultraconservadores.
En 2018, la entonces congresista renunció al Partido Liberal después de negarse a firmar un manifiesto mediante el cual la colectividad exigía a sus integrantes reconocer que las convicciones religiosas no debían interferir en las decisiones políticas, respaldar la implementación del Acuerdo y defender los derechos de la población LGBTIQ+.
Educación, Estado laico y la “ideología de género”
Aunque Morales no cuenta con experiencia relevante en el sector educativo, su eventual llegada al Ministerio se vincula más con la posible agenda fundamentalista religiosa que se movió en la campaña presidencial. El propio presidente electo Abelardo de la Espriella habló de una “contrarrevolución” pedagógica, especialmente en contra de asuntos relacionados con la educación integral en sexualidad y la “ideología de género”.
A lo largo de su trayectoria política, Morales ha sido una de las principales figuras que han cuestionado esta supuesta “ideología de género”, como lo mencionó en un video difundido cuando le dio su apoyo a De la Espriella. El uso de esa expresión no es un asunto menor, especialmente cuando proviene de quienes podrían dirigir las políticas públicas de un país que mantiene profundas brechas de desigualdad de género y violencias por prejuicio contra la población LGBTIQ+.
La “ideología de género”, como se ha documentado, no constituye una categoría reconocida por la academia, ni por organismos que promueven los derechos humanos. Diversas organizaciones nacionales e internacionales han advertido que se trata de un término utilizado para desinformar y estigmatizar a poblaciones históricamente discriminadas. Más que un concepto analítico, funciona como un recurso discursivo para deslegitimar debates sobre igualdad y derechos. Su origen se encuentra en las reacciones de sectores ultraconservadores y religiosos frente a los avances en los derechos de las mujeres y de las personas con orientaciones sexuales e identidades de género diversas.
En distintos países, el término de “ideología de género” ha contribuido a simplificar y distorsionar discusiones complejas sobre igualdad, además de convertirse en una herramienta de movilización política basada en el miedo, el pánico moral y la desinformación.
¿Un nombramiento para la “contrarrevolución”?
De confirmarse su llegada al gabinete, Colombia podría enfrentar un nuevo episodio de retrocesos en derechos y polarización, profundizando la desconfianza entre quienes defienden una educación pública, laica e inclusiva y quienes promueven una visión educativa sustentada en principios religiosos fundamentalistas.
Conviene recordar que Colombia como Estado laico exige separar las creencias religiosas de un determinado Gobierno de la orientación que pueda ejercer sobre la ciudadanía. En ese contexto, si el gobierno de Abelardo de la Espriella y su equipo (incluido su vicepresidente que se ha declarado públicamente como un hombre profundamente religioso), avanzan hacia una agenda alineada con sus convicciones, la promoción y protección de la igualdad de derechos de todo tipo de personas y familias se puede ver gravemente afectada.
Un escenario de ese tipo acercaría la política educativa a una tendencia promovida por movimientos que han protagonizado procesos de fuerte radicalización basada en convicciones religiosas en distintos países de América Latina y que, según sus críticos, pueden representar un retroceso en los avances alcanzados para prevenir, atender y reparar las violencias basadas en género y la discriminación contra las personas con orientaciones sexuales e identidades de género diversas en los entornos escolares.
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- ¿Meter a Dios en la educación? Viviane Morales y la contrarrevolución fundamentalista en el nuevo Gobierno
- “El debate ya no es solo quién ocupará el Ministerio de Educación, sino qué proyecto educativo podría llegar con Morales como ministra de esta cartera”.
- “La principal preocupación no es únicamente la falta de experiencia sólida en un tema clave para el desarrollo del país, sino el futuro del Estado laico en Colombia”.
- “Viviane Morales ha sido una de las principales voces políticas contra la educación integral en sexualidad y la garantía de igualdad en derechos para la población LGBTIQ+”.
- “Diversas organizaciones advierten que el discurso de la ‘ideología de género’, el cual sectores religiosos ultraconservadores como el que representa Morales han posicionado, ha servido para desinformar y estigmatizar a poblaciones históricamente discriminadas”.
- “Cabe aclarar que la llamada ‘ideología de género’ no es una categoría reconocida por la academia ni por organismos de derechos humanos”.
- La llegada de Viviane Morales al Ministerio de Educación podría convertirse en la primera gran expresión de la ‘contrarrevolución’ pedagógica y cristiana anunciada por Abelardo de la Espriella en campaña.
- La discusión de fondo no es sobre una persona, sino sobre qué tipo de educación y de Estado quiere construir este nuevo Gobierno, y cómo garantizará la pluralidad propia de un Estado laico como Colombia.
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En el primer aniversario de su reunión, Oasis ha compartido el primer adelanto de Don’t Look Back in Anger, el documental casi archivado que retrata el improbable regreso de los hermanos Gallagher.
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El clip de 45 segundos retrata el frenesí del público en los shows de la agrupación y enseña material grabado durante los ensayos, donde Noel y Liam hablan sobre su regreso después de su infame separación. “No me veo compartiendo el escenario con Liam. Simplemente, no lo veo posible”, dice Noel al inicio. “La forma en que terminó fue inaceptable”, añade su hermano.
“La película relata el acontecimiento musical de 2025, capturando la experiencia y las emociones tanto de la banda como de sus seguidores en todo el mundo”, se lee en la sinopsis oficial. “Esta perspectiva única incluye acceso a los ensayos, al detrás de cámaras y a los escenarios, además de las primeras entrevistas conjuntas con Noel y Liam en más de 20 años. Coincidiendo con la gira mundial de entradas agotadas de la banda, el documental también explora el impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para públicos y generaciones de todo el mundo”.
Don’t Look Back in Anger, creado por Steven Knight (la mente detrás de Peaky Blinders) y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace, llegará en septiembre a cines seleccionados en distintos países antes de su llegada a plataformas de streaming.
“La gira mundial de Oasis unió a generaciones, culturas y países, y habló a un mundo fracturado sobre la reconciliación”, declaró Knight en un comunicado. “Don’t Look Back in Anger no es solo tu entrada al concierto: es un acceso al backstage y un asiento en primera fila cuando Liam y Noel se sientan juntos por primera vez en 15 años para contar las cosas tal y como son, y tal y como fueron”.
La gira de reunión de Oasis inició el 4 de julio de 2025 en Cardiff, Gales, y recorrió Europa, América del Norte, Asia, Australia y América del Sur antes de terminar en noviembre pasado en Sao Paulo, Brasil. La banda no ha revelado más planes para el futuro.
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Durante casi tres décadas, PlayStation construyó una parte fundamental de su historia alrededor de un objeto que parecía inseparable de la experiencia de jugar. Desde aquellos discos negros de la primera consola lanzada en los años noventa hasta las cajas azules de PlayStation 5, el formato físico fue mucho más que un simple método de almacenamiento: fue un símbolo de propiedad.
Comprar un videojuego significaba algo concreto. Había una caja, una portada, un disco. Había un objeto que pertenecía a alguien. Podía estar años acumulando polvo en una repisa, sobrevivir a varias generaciones de consolas, cambiar de dueño, ser prestado a un amigo o aparecer una década después para despertar recuerdos. Era una relación sencilla: pagabas por algo y ese algo era tuyo. Ahora esa idea comienza a desaparecer.
La decisión de Sony de finalizar la producción de discos físicos para nuevos juegos de PlayStation a partir de enero de 2028 no representa solamente un cambio de formato. Es el cierre simbólico de una era y una de las señales más claras de hacia dónde se dirige toda la industria del entretenimiento: un futuro donde poseemos cada vez menos y accedemos cada vez más.
La transformación no ocurrió de repente. Durante años nos hemos acostumbrado a intercambiar propiedad por comodidad. Dejamos atrás las colecciones de discos por bibliotecas musicales infinitas en nuestros teléfonos. Cambiamos estantes llenos de películas por catálogos que aparecen y desaparecen cada mes. Ahora los videojuegos, una de las industrias culturales más importantes del mundo, siguen el mismo camino. Y sería injusto decir que todo es negativo.
El formato digital resolvió muchos problemas. Permitió que millones de personas accedieran a videojuegos sin depender de inventarios físicos, abrió puertas a estudios independientes que antes no podían competir en distribución y creó nuevas maneras de descubrir obras. Para muchos jugadores, especialmente las nuevas generaciones, comprar un disco ya parece una práctica del pasado. La comodidad ganó porque la comodidad importa.
Pero cada revolución tecnológica tiene un costo. Y en este caso el precio podría ser mucho más grande que perder una caja de plástico. Estamos perdiendo la sensación de que algo realmente nos pertenece.
Ese es el punto central de esta discusión. Cuando un videojuego existe únicamente dentro de una plataforma digital, la relación entre comprador y producto cambia. Aunque usamos la palabra “comprar”, en muchos casos lo que obtenemos es una licencia de acceso vinculada a una cuenta, una tienda y unas condiciones establecidas por una compañía. Ya no tienes un objeto. Tienes permiso para acceder a algo. Y los permisos pueden cambiar.
Las plataformas digitales tienen la capacidad de modificar sus servicios, cambiar sus condiciones, retirar productos de sus tiendas o limitar el acceso a ciertos contenidos dependiendo de licencias, acuerdos comerciales o decisiones empresariales. El juego que hoy aparece dentro de una biblioteca digital depende de un ecosistema que el usuario no controla completamente. Ese es el verdadero cambio cultural: entramos en una época donde nada parece ser realmente nuestro.
La película favorita está disponible hasta que abandona un catálogo. La canción está ahí hasta que cambia un acuerdo de distribución. El videojuego permanece accesible mientras los servidores, la tienda y la infraestructura que lo sostiene continúen funcionando. Todo está al alcance de un clic, pero también puede desaparecer con uno.
La historia reciente de la industria demuestra que la preocupación no es imaginaria. Juegos eliminados de tiendas digitales, servidores cerrados para siempre, expansiones imposibles de conseguir y contenido perdido por problemas de derechos se han convertido en recordatorios constantes de la fragilidad del mundo digital. Ahora vivimos en una época con más acceso al entretenimiento que nunca, pero quizá con menos control sobre aquello que consumimos.
También existe un problema de preservación. Los videojuegos dejaron hace mucho tiempo de ser simples productos electrónicos. Son obras culturales, piezas de diseño, arte, música, narrativa y tecnología que representan momentos específicos de nuestra historia. Así como protegemos películas antiguas, libros o grabaciones musicales, preservar videojuegos debería ser una prioridad. Pero preservar se vuelve más difícil cuando una obra depende de servidores, verificaciones en línea y ecosistemas cerrados.
El disco físico tampoco era perfecto. Los videojuegos modernos ya dependen de actualizaciones, parches y contenido adicional que muchas veces no existe dentro del propio disco. Tener una copia física no siempre garantiza conservar la experiencia completa. La industria ya llevaba años moviéndose hacia un modelo híbrido donde el objeto era solo una parte del producto. Aun así, ese objeto representaba algo importante: una última capa de independencia.
El formato físico permitía prestar, revender, intercambiar y coleccionar. Creaba una economía secundaria donde los jugadores tenían alternativas. Un juego usado podía encontrar una nueva vida años después. Un título olvidado podía convertirse en una pieza buscada por coleccionistas. Cuando todo pasa por una tienda digital, esas posibilidades empiezan a desaparecer.
Las compañías ganan eficiencia, reducen costos y obtienen un control más directo sobre sus ecosistemas. Desde una perspectiva empresarial, el movimiento tiene sentido. Pero desde la perspectiva del consumidor, también obliga a hacerse preguntas incómodas sobre el equilibrio de poder. Porque la discusión nunca fue realmente sobre discos contra descargas sino fue sobre propiedad contra acceso.
Tal vez el formato físico estaba destinado a convertirse en un recuerdo, como tantas tecnologías antes. Pero hay una diferencia importante: cuando dejamos atrás un formato normalmente conservamos la propiedad del contenido. El vinilo no murió porque llegó el streaming. Los libros impresos no desaparecieron porque existen lectores digitales. Distintos formatos aprendieron a convivir.
La desaparición del disco en los videojuegos plantea un escenario diferente: uno donde la alternativa podría dejar de existir. El futuro digital traerá avances increíbles. Nuevas formas de jugar, mundos más grandes y experiencias imposibles de imaginar hace unos años. La tecnología siempre seguirá avanzando.
Pero avanzar no debería significar entregar por completo el control. Quizás dentro de algunos años las cajas de PlayStation sean piezas de colección y las nuevas generaciones vean los discos como objetos extraños de otra época. Quizás la comodidad termine ganando definitivamente. Pero cuando guardemos esas últimas cajas en una repisa, no estaremos despidiendo solamente un pedazo de plástico.
Estaremos despidiendo una idea que acompañó a los videojuegos desde su nacimiento: la idea de que cuando comprábamos algo, realmente era nuestro.
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Atreverse a expresar lo que sentimos, incluso en los momentos más oscuros, nunca es sencillo. Hay quienes encuentran en las palabras un refugio; otros, en cambio, levantan una fachada por miedo a que su verdadero yo salga a la luz. Ninguna de las dos posturas es correcta o incorrecta: forman parte de la experiencia humana. Al final, todos somos una obra en proceso.
Pero ningún proceso de transformación ocurre completamente en soledad. Hace falta rodearse de personas capaces de sostenernos cuando las dudas aparecen, de impulsarnos cuando el camino se vuelve incierto y de recordarnos quiénes somos cuando nosotros mismos lo olvidamos. En ese recorrido inevitablemente surgen cuestionamientos, descubrimientos, verdades incómodas y momentos en los que necesitamos apoyarnos en los demás para seguir adelante.
Cuando ese proceso encuentra un lugar donde existir, termina convirtiéndose en una especie de diario: una bitácora que registra las emociones, las heridas, los aprendizajes y todo aquello que quienes la construyeron decidieron dejar en ella. Algo así ocurrió con Marlon.
Con Hipersensible, Jorge, Adrián y Juan emprendieron un viaje de regreso hacia sí mismos. Entre retiros en Francia y Madrid, y la necesidad de detener el ruido para escucharse con mayor claridad, el trío asturiano construyó un álbum que reflexiona sobre lo que significa sentirse vulnerable en un mundo que parece exigir cada vez más máscaras. También habla del vértigo de comenzar de nuevo, de la importancia de aceptar nuestras propias contradicciones y de la valentía que implica mostrarse tal como uno es.
En conversación con ROLLING STONE en Español, Marlon reflexiona sobre el origen de Hipersensible, el ruido de las redes sociales y ese momento en el que, como ellos mismos descubrieron, solo es posible verse con claridad cuando uno se detiene.
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Escuchando Hipersensible tuve la sensación de estar leyendo una especie de diario de viaje. No solo el de una banda, sino el de personas que intentan reencontrarse con partes de sí mismas que a veces se pierden por el camino. Cuando miran el álbum completo, ¿sienten que documenta ese reencuentro?
Jorge: Totalmente. Fue la primera vez que tuvimos la suerte de parar, tomar distancia y frenar un poco el ritmo tan vertiginoso que llevábamos. Eso nos permitió pensar mejor las cosas, trabajar las canciones con calma, crear un concepto y darle a todo el proyecto el cariño que sentíamos que merecía.
Desde que empezamos a trabajar en estas nuevas canciones nos dimos cuenta de que estábamos muy conectados entre nosotros y atravesando un momento vital bastante parecido. Al final, el disco nos sirvió casi como una terapia para descubrir qué era lo que realmente nos preocupaba, para desnudarnos más que nunca y hablar de todas esas cosas que sabes que están ahí, pero que muchas veces no eres capaz de ver con claridad porque estás demasiado metido en la rueda. Creo que ese viaje fue exactamente eso: alejarnos de la velocidad y del ruido para volver a conectar con nosotros mismos, con la música y con las canciones. Queríamos mostrarnos más auténticos que nunca, sin filtros ni corazas.
También se fueron a Francia. Leí que se encerraron en una casa para escribir y que fue una experiencia muy importante para ustedes, ¿cómo fue convivir de esa manera? ¿Qué les dejó esa experiencia?
Juan: Nosotros llevamos bastante más de tres meses acumulados viviendo juntos. De hecho, creo que nos conocemos casi mejor que a nosotros mismos. Todo este disco nació buscando precisamente esos espacios en los que pudiéramos estar solos, conectados entre nosotros y alejados del exceso de estímulos. Hicimos varias escapadas aquí en España, nos fuimos a casas en la montaña y allí compusimos gran parte del álbum. Cuando terminamos las canciones, nos apetecía grabarlas de la misma manera, en una inmersión total. Entonces surgió la oportunidad de ir a un estudio increíble en Francia, al sur de Toulouse. Para nosotros, que amamos la música, los instrumentos y todo ese universo, fue un auténtico lujo. Estuvimos casi quince días encerrados allí, completamente enfocados en el disco. Nos funciona muy bien esa forma de trabajar y la disfrutamos muchísimo.
Se nota en el álbum… Hay una frase de ‘Háblales’ que me hizo pensar en todas esas batallas internas que muchas veces nadie ve. Iniciar algo nuevo, arriesgarse o simplemente seguir adelante suele venir acompañado de miedo, dudas y vértigo. ¿Sintieron algo parecido durante la creación de este álbum?
Adrián: Sí, totalmente. Como decía Jorge, creo que hay un antes y un después con este álbum. Veníamos haciendo canciones quizá en piloto automático. Aquí hubo un parón, una reflexión mucho más profunda sobre lo que queríamos hacer, y creo que eso se nota cuando escuchas las canciones. Están escritas desde un lugar distinto. Todo está mucho más cuidado, más trabajado y más mimado.
Además, este disco llegó en un momento en el que lo necesitábamos. Fue una especie de salvavidas, un flotador al que nos agarramos los tres. Veníamos cansados y de repente este proyecto nos volvió a conectar. Eso era exactamente lo que buscábamos: hacer un trabajo conjunto, fortalecernos como banda y salir renovados con estas canciones.
En el video de ‘Háblales’ hay una imagen que llama mucho la atención: la de caminar por las calles. Es una canción que conecta especialmente con quienes viven lejos de casa, con esa sensación de estar construyendo algo mientras se carga con la nostalgia y las dudas propias. Muchas veces, desde afuera, se ven los logros, pero uno sigue enfocándose en lo que falta o en lo que podría haber hecho mejor. ¿Por qué creen que cuesta tanto reconocer nuestros propios logros y darnos crédito por las cosas que hemos hecho bien?
Juan: Porque hoy en día todo te empuja a compararte constantemente. Los estándares de lo que significa “hacer las cosas bien” suelen estar asociados a una perfección que probablemente ni siquiera exista. Entonces siempre sientes que estás lejos de alcanzarla. Cuesta darte esa medalla a ti mismo. Y la parte complicada es que muchas veces asociamos el éxito o el fracaso a la validación externa, a la opinión pública y a lo que los demás piensan de lo que haces. Pero creo que la única manera de crear algo puro y genuino es estar bien contigo mismo. También hay que aprender a darse una palmada en la espalda de vez en cuando y reconocer que has hecho las cosas bien. Al final, el tiempo termina poniendo todo en su lugar.
Me parece fascinante la idea de ‘De mudanza’ porque mudarse no siempre implica cambiar de lugar; a veces significa cambiar la forma en que nos vemos a nosotros mismos. La frase: “volvamos a arriesgarnos”, es hazlo incluso cuando no existe ninguna garantía. ¿Qué estaban dejando atrás y qué esperaban encontrar cuando escribieron esta canción?
Adrián: Creo que estábamos dejando atrás muchas cosas que, en realidad, no éramos nosotros. Queríamos mudarnos de piel y enseñar nuestra verdadera personalidad. A veces este mundo no te permite ser tú al cien por ciento. No sabría decir exactamente por qué, pero ocurre. También buscas el éxito, sería mentira decir que no. No hacemos música únicamente para nosotros; también la hacemos para vivir de ella y poder seguir haciéndola. Lo que queríamos cambiar era esa piel que teníamos antes. Siempre hemos sido nosotros mismos, pero quizá no nos mostrábamos tan auténticamente como queríamos. No sé si era por miedo o porque hay algo que, sin darte cuenta, te frena.
Con este disco quisimos hacer lo que realmente nos salía de forma natural. Incluso creo que es un álbum que podríamos haber intentado hacer hace años, pero probablemente no habríamos estado preparados para permitirnos hacerlo. Antes teníamos que recorrer un camino para poder llegar a esta mudanza y empezar a mostrarnos como somos de verdad. Y también está lo que decía Juan: aprender a darte una palmada en la espalda de vez en cuando. Entender que, más allá de los miedos y de la validación externa, hay cosas que hacemos bien.
Parece que las cosas solo valen cuando las respalda una gran masa de gente, pero creo que nuestro caso es diferente. Quizá nunca seamos una banda de multitudes gigantescas, pero sí una banda capaz de seguir haciendo música durante muchos años, haciendo cosas que nos llenen y que sean honestas.
La autoaceptación no suele ser un destino al que llegamos una vez y ya está; es una conversación que mantenemos con nosotros mismos durante toda la vida. En ‘Hachiko’ hay algo de eso. ¿En qué momento sintieron que querían hablar de esas inseguridades?
Juan: Surgió de manera bastante natural y también por necesidad. Antes, Adrián hablaba del disco como un salvavidas, y creo que tiene mucho que ver con eso. Durante los últimos años trabajamos con una fórmula que, a nivel personal, ya no terminaba de satisfacernos. Sentíamos que no estábamos llevando el barco exactamente hacia donde queríamos, entonces hubo un ejercicio de toma de conciencia. Decidimos conducirlo nosotros al cien por ciento, con todos los riesgos que eso implica. Pero al final es la única manera de sentirte realmente alineado con las canciones que haces. Si no, se pierde algo por el camino.
Jorge: Ese mensaje se refuerza mucho cuando observas el álbum como un todo. Todas las canciones están relacionadas entre sí. Son distintos momentos de un mismo viaje, distintas etapas de esa terapia o de ese proceso de autodescubrimiento. ‘Hachiko’ refleja precisamente ese momento en el que te das cuenta de que las transformaciones importantes no terminan cuando eres joven. Nosotros empezamos siendo unos chavales y, desde entonces, hemos cambiado muchísimo. Hemos crecido juntos, han cambiado nuestras percepciones sobre muchas cosas y hemos evolucionado como personas. Por eso creo que es tan importante reevaluarte, redescubrirte y aceptarte. Entender en qué punto estás, sentirte cómodo contigo mismo, quererte y seguir estando presente para poder seguir avanzando. La canción habla un poco de eso: de decir “yo soy así, me quiero y quiero mostrarme al mundo tal como soy”, sin ataduras ni máscaras.
Adrián: A medida que te haces mayor también te conoces más. Cuando eres joven piensas que ya sabes quién eres, pero creo que te pasas la vida entera descubriéndote. Cada año aprendes algo nuevo sobre ti mismo, entiendes mejor lo que quieres y cómo eres. Además, cuando empiezas en algo como esto, muchas veces te construyes una especie de disfraz. Una máscara para protegerte. Un escudo. Y es muy difícil mostrarse completamente natural todo el tiempo. Pero los años te van quitando inseguridades y te dan una confianza distinta. Empiezas a pensar: “Yo soy así”. Cosas que antes te daba vergüenza enseñar dejan de dártela. Creo que es un proceso por el que pasamos todos. Forma parte de crecer, de atravesar etapas y de conocernos mejor. Y sí, de eso habla mucho este disco. Podría llamarse Hipersensible, pero también podría llamarse “autoterapia”.
Vi una frase en sus redes que decía: “Todos hemos sido Hachiko alguna vez”. Si quieren compartirlo, ¿cuál ha sido su momento ‘Hachiko’?
Adrián: Creo que tiene más que ver con una sensación que con un momento concreto. Nosotros llevamos la idea de ‘Hachiko’ hacia ese proceso de conocernos mejor y atrevernos a mostrarnos. De ir quitándonos capas, como una cebolla, y enseñar cada vez más quiénes somos realmente. Para mí ese es el verdadero momento ‘Hachiko’. No recuerdo uno específico. Es más bien un proceso constante de descubrirte, perder el miedo y salir ahí fuera dejando que la gente te vea tal y como eres.
Es interesante porque muchas veces esperamos que nuestra parte más auténtica aparezca de repente y nos diga: “Aquí estoy, hazme caso”.
Adrián: Claro. O incluso lo que los demás esperan de ti. Al final estás detrás de una pantalla, haces canciones o te subes a un escenario, y la gente construye una idea sobre quién eres. Piensan: “Vale, este es el artista, pero ¿cómo será cuando se baje del escenario? ¿Cómo será cuando me lo cruce por la calle?” Y eso genera una sensación extraña. Porque no sabes exactamente qué esperan de ti ni en qué lugar te han colocado.
A veces te preguntas: “Si me cruzo con alguien por la calle, ¿tengo que ser el Adri que está sobre el escenario o el Adri que está fuera de él? ¿Deberían ser la misma persona?” Y entonces aparecen las dudas “¿le va a gustar lo que hay debajo de todo esto o solo le va a gustar lo que ve arriba? ¿Le va a decepcionar quien soy cuando no estoy cantando?”. Esa es una parte difícil de vivir en este oficio.
Hay algo muy valiente en la honestidad, porque una vez decides decir la verdad ya no hay forma de volver atrás. Mientras construían este álbum, ¿hubo algún momento en el que sintieron que estaban entrando en un terreno de honestidad brutal?
Juan: Sí, totalmente. Hubo varios momentos así. Recuerdo especialmente cuando trabajábamos en ‘Hipersensible’, la canción que da nombre al disco. Estábamos en una de las casas donde empezamos a maquetar las canciones y ya teníamos más o menos clara la estructura. De repente sentimos que habíamos encontrado algo. Fue uno de esos momentos en los que pensamos: “Creo que estamos entrando en el terreno que queríamos explorar. Este es el lugar en el que nos sentimos cómodos y por aquí tenemos que seguir excavando para terminar el disco”.
‘Princesas y principitos’ me llamó mucho la atención por cómo cuestiona ciertas ideas que nos venden sobre el amor, el éxito o incluso la felicidad. ¿La canción nace de preguntarse si realmente estamos viviendo nuestras propias vidas o simplemente intentando encajar en historias que otros escribieron para nosotros?
Adrián: Bueno, lo has descrito bastante bien.
Juan: Yo creo que tiene mucho que ver con las expectativas y con esa necesidad que muchas veces nos montamos en la cabeza de que las cosas deberían ser de una determinada manera. Existe una especie de idea normativa sobre cómo debería ser la vida, qué deberías conseguir y qué deberías hacer. Y eso hace mucho daño. A lo largo de nuestra carrera hemos vivido cosas increíbles y, aun así, por culpa de las expectativas, muchas veces cuando consigues algo ya estás pensando en el siguiente peldaño. En lugar de detenerte y valorar todo el camino que has recorrido para llegar a un lugar que, en realidad, es increíble, ya estás mirando lo que viene después. Y eso es complicado.
Sí, totalmente. Justo veía hace poco a un chico en un video decir que somos personas complejas, que nos gustan muchas cosas distintas y que, sin embargo, intentamos proyectarnos en redes sociales de una forma completamente lineal. Cuando en realidad no somos así. A veces parece que olvidamos lo importante que es salir al mundo y permitir que la gente nos conozca de verdad…
Adrián: Sí. Creo que estamos viviendo un momento de muy poca transparencia. Hay mucho filtro, mucha apariencia y una necesidad constante de parecer mejor de lo que uno es. Da la sensación de que la gente viaja a lugares únicamente para hacerse una foto allí y demostrar que estuvo, no necesariamente para disfrutar la experiencia. Parece que muchas veces hacemos las cosas para que los demás nos pongan una nota o validen nuestra vida. Y entonces todo el mundo parece feliz. Todo el mundo parece tener dinero. Todo el mundo parece estar disfrutando constantemente. Todo el mundo parece vivir sin problemas. Pero la realidad es otra. Todos cargamos con algo por dentro. Es muy difícil encontrar a alguien que no tenga problemas o preocupaciones.
Creo que hemos construido un mundo muy artificial, muy virtual y lleno de apariencias. Y es difícil vivir dentro de eso. A veces parece un lugar vacío, de plástico. Un espacio donde cuesta encontrar algo auténtico. Por eso, cuando encuentras a alguien que te parece de verdad, alguien que sientes genuino, te apetece aferrarte a esa persona y no soltarla. Supongo que esta canción nace un poco como un grito contra todo eso, contra las apariencias, contra la necesidad de vivir para los demás, y a favor de mirar la vida sin filtros, con todas sus contradicciones y con toda su verdad.
A nosotros nos cuesta bastante convivir con este momento tan dominado por las redes sociales. Quizá también porque pertenecemos a una generación diferente y nos cuesta identificarnos con ciertas dinámicas. A mí, por ejemplo, me cuesta mucho abrir Instagram. Es algo que me genera rechazo, me enfada, no me parece real… Siento que hay demasiada mentira y creo que precisamente por eso necesitábamos hacer canciones como estas.
‘Los domingos’ me llamó mucho la atención. Siento que, en nuestras culturas, el domingo es casi un día sagrado. Está lleno de tradiciones, de familia, de rutinas que rara vez se rompen. Es un día para volver a uno mismo. ¿Qué representa ese día para ustedes y qué historia hay detrás de esta canción?
Juan: Creo que ‘Los domingos’ también habla de esos domingos difíciles. Para nosotros, los domingos suelen significar volver a casa después de muchos días de conciertos, carretera, furgoneta y muchísimo estímulo. Son esos momentos en los que, de repente, te encuentras solo, sin tanto ruido alrededor. Y ahí la cabeza empieza a funcionar de otra manera. Empiezas a pensar más, a hacerte preguntas, a reflexionar. Son días que tienen una intensidad especial. En nuestro caso, por el tipo de vida que llevamos, todavía más.
Claro. Incluso desde pequeños el domingo tenía algo de nostalgia. Era el: “mañana vuelvo a la escuela…”
Juan: Sí, totalmente.
Adrián: Y si lo llevamos al terreno del amor, que creo que es donde vive esta canción, los domingos siempre han sido esos días para estar con tu pareja, para echarla de menos o incluso para llorarla. Es el día previo al lunes, antes de volver a la rutina, al trabajo y al ritmo de siempre. Los domingos son para recordar, para extrañar y para sentir. Si te ha dejado alguien, creo que el domingo puede convertirse en el peor día de la semana. Porque el lunes vuelves a activarte, te distraes y empiezas a pensar en otras cosas. Pero el domingo estás ahí, en casa, con tiempo para darte cuenta de todo lo que falta. Pienso en esa imagen de estar solo en el sofá y notar que ya no está esa persona que antes ocupaba ese espacio contigo. Por eso la canción tiene algo tan nostálgico. Y por eso la frase “los domingos hacen daño sin ti” tiene tanto sentido. Porque cuando compartías todos tus domingos con alguien, aprender a vivirlos sin esa persona es muy difícil.
Me parece muy significativo que el álbum cierre con ‘Duele’. Es una canción que habla de aceptar que, aunque algo pueda parecer perfecto desde fuera, por dentro la realidad puede ser muy distinta. ¿Cómo fue enfrentarse emocionalmente a esta canción? ¿Y por qué sintieron que debía cerrar Hipersensible?
Juan: Fue una decisión totalmente consciente. Si pensamos el disco como un viaje, ‘Duele’ representa el momento de mirar hacia atrás y hacer balance. Es la canción en la que entiendes que el camino a veces duele, que puede ser largo y complicado, pero también que vas a seguir recorriéndolo porque es lo que amas hacer. Al final habla de persistir, incluso cuando las cosas se ponen difíciles. Cuando solo tienes una carta en la vida, juegas esa carta hasta el final. Y nosotros sentimos que eso era exactamente lo que representaba esta canción.
Adrián: También creo que es un dolor bonito. Puede doler, sí, pero sigue siendo un buen dolor. Porque viene de hacer algo que quieres y en lo que crees.
Finalmente, si pudieran convertir Hipersensible en una fotografía o en un cuadro, ¿cómo se vería esa imagen?
Juan: Yo la imagino llena de aire. Cuando empezamos a trabajar en este disco hablábamos mucho de conceptos como el oxígeno, el espacio y la necesidad de respirar. Necesitábamos simplicidad. Sentíamos que todo estaba demasiado cargado y que hacía falta volver a lo esencial. Para mí, Hipersensible es un balón de oxígeno.
Adrián: Yo haría una radiografía de un ser humano. Una imagen en la que pudieras verlo todo por dentro. Sin esconder nada. Transparente. Como si pudieras observar cada parte de una persona, incluso aquellas que normalmente permanecen ocultas.
Jorge: Creo que, de alguna manera, la portada del disco ya contiene mucho de ese espíritu. Habla de la contradicción entre la velocidad a la que sucede todo y la necesidad de detenerse para entender quién eres. Nosotros descubrimos que solo puedes verte con claridad cuando paras. Cuando tomas distancia. Cuando observas las cosas desde fuera. Por eso me gusta mucho la imagen de alguien quieto mientras todo a su alrededor sigue moviéndose. Porque refleja exactamente el proceso que vivimos haciendo este disco: sentirte atrapado en una rueda que gira constantemente y descubrir que, cuando te detienes, quizás todo siga borroso alrededor, pero por fin eres capaz de verte a ti mismo con claridad.
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