La situación judicial de Sean “Diddy” Combs volvió a generar atención luego de conocerse un nuevo cambio en la fecha prevista para su salida de prisión. El productor y empresario estadounidense permanece recluido en la Institución Correccional Federal Fort Dix, en Nueva Jersey, donde cumple la condena impuesta tras el proceso judicial en su contra.
Según los registros de la Oficina Federal de Prisiones consultados el 3 de septiembre de 2026, la fecha proyectada para su liberación quedó establecida para el 5 de febrero de 2028.
La nueva fecha representa un adelanto frente al registro anterior, que ubicaba su salida el 20 de febrero de 2028. De esta manera, Combs recuperaría su libertad 15 días antes de lo que indicaba la fecha previamente registrada.
¿Por qué fue condenado Sean Combs?
El caso judicial contra Sean Combs comenzó en 2024, cuando fue detenido y acusado por las autoridades federales de varios delitos, entre ellos tráfico sexual, conspiración para cometer crimen organizado y transporte de personas con fines de prostitución.
El juicio terminó con un veredicto dividido. En julio de 2025, un jurado de Nueva York declaró a Combs culpable de dos cargos relacionados con el transporte de personas con fines de prostitución.
El mismo jurado lo absolvió de los cargos más graves que enfrentaba: tráfico sexual y conspiración para participar en crimen organizado.
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Posteriormente, en octubre de 2025, un juez le impuso una condena de 50 meses de prisión por los delitos por los que fue declarado culpable.
¿Dónde cumple su condena?
Actualmente, Combs permanece en la Institución Correccional Federal Fort Dix, una prisión federal ubicada en Nueva Jersey.
Su permanencia en ese centro penitenciario se da mientras cumple la pena establecida por el tribunal. La fecha de liberación que aparece en los registros corresponde a una proyección y puede ser modificada de acuerdo con los cálculos relacionados con el cumplimiento de la condena.
La fecha de salida volvió a cambiar
La modificación más reciente estableció el 5 de febrero de 2028 como la fecha proyectada de liberación de Combs. Antes de esta actualización, el registro indicaba el 20 de febrero del mismo año.
El cambio supone un adelanto de poco más de dos semanas respecto a la fecha anterior. Por ahora, esa es la fecha que figura en los registros de la Oficina Federal de Prisiones.
El proceso judicial que llevó a esta condena comenzó en septiembre de 2024, cuando Combs fue detenido y quedó bajo custodia mientras avanzaba el caso. Durante el juicio, enfrentó acusaciones por varios delitos, pero finalmente solo fue condenado por los dos cargos relacionados con el transporte de personas con fines de prostitución.
Mientras tanto, el productor continúa cumpliendo su sentencia en Nueva Jersey y, de acuerdo con el registro disponible, su fecha proyectada de liberación está fijada para febrero de 2028.
Una serie de versiones sobre la salud de Alci Acosta generó preocupación entre sus seguidores, luego de que en redes sociales y grupos de WhatsApp comenzara a circular información sobre un supuesto fallecimiento del reconocido cantante.
Ante esos mensajes, su hijo, Checo Acosta, se pronunció públicamente para aclarar la situación y entregar una actualización sobre el estado del artista.
En un video publicado este lunes, el cantante confirmó que su padre continúa bajo atención médica en la Clínica La Misericordia y que el reporte recibido por la familia es favorable.
Checo también cuestionó la difusión de información sin verificar y señaló cuáles son las fuentes autorizadas para informar sobre la salud de su padre.
“Me parece irrespetuoso que salgan noticias falsas sin verificar. La información oficial solamente la entrega la clínica y nuestro equipo de redes sociales”
La recuperación de Alci Acosta
Aunque Checo Acosta no entregó detalles médicos sobre la condición de su padre, aseguró que el proceso continúa avanzando de manera positiva.
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El cantante también mencionó que, si la evolución se mantiene favorable, Alci Acosta podría ser trasladado a una habitación en las próximas horas.
“Gracias a todos por sus mensajes, por sus oraciones y por estar pendientes de mi papá. Seguimos confiando en que todo va a salir bien”
La familia agradeció así las muestras de apoyo recibidas durante los últimos días y pidió prudencia frente a las publicaciones relacionadas con el estado de salud del artista.
La familia pide consultar canales oficiales
Checo Acosta insistió en que cualquier información sobre la evolución de su padre debe ser consultada directamente en los canales autorizados, debido a las versiones falsas que han circulado.
Por ahora, el reporte público entregado por la familia señala que Alci Acosta continúa hospitalizado y presenta una evolución favorable.
Mientras permanece bajo atención médica, sus familiares continúan pendientes de su recuperación y de los próximos reportes sobre su estado de salud.
Watching Oasis: Don’t Look Back In Anger, Stephen Knight (Peaky Blinders)’s exhilarating portrait of Oasis’ long-awaited return, the Gallagher brothers remain perfectly-calibrated opposites: Liam, instinctive and gloriously unpredictable; Noel, dry, watchful and incapable of resisting a good put-down.
But one of the great pleasures of the reunion documentary, opening in cinemas this week (Sept. 9), is seeing how much affection now exists beneath all the familiar friction. Throughout, Noel is genuinely enthralled by Liam’s presence — at one point declaring that Liam putting a tambourine on his head during last year’s Live ‘25 Tour as “the coolest f—ing thing in the world” and describing him simply as “delightful” to be around. Liam, meanwhile, is relentless in trying to make his elder sibling laugh at any given moment.
It’s surreal viewing, to put it lightly. After 16 years apart, the brothers returned to the stage last summer for 41 shows, taking Oasis across the world and into stadiums filled with both lifelong devotees and a striking new generation of fans. Knight’s film follows the journey from the tense first rehearsals — including one dramatic scene in which Liam disappears from the room before the last chord of “Champagne Supernova” rolls out — through to the gigs themselves, capturing the band as they lead enormous crowds in singing their hearts out. Along the way, the film shows how the reunion took on a different character in each city, shaped by the fans’ reactions and rituals, while making clear that Oasis no longer belongs to just the generation that grew up with them in the 1990s.
The joy of seeing the band back together is also inseparable from the knowledge of how spectacularly things fell apart the first time in 2009. As the documentary reminds us, Oasis’ final show ended before it began, with the band pulling out of Paris’ Rock en Seine festival after a backstage altercation between Liam and Noel, who walked away from the band that night. Knight, alongside filmmakers Dylan Southern and Will Lovelace, who directed 2016’s Oasis: Supersonic, get unprecedented access to the brothers as they prepare to return to the stage, allowing their individual accounts of the split (“It was disgraceful,” Noel says at one point) — and their feelings about each other now — to gradually emerge.
What follows is a collection of moments that bring the reality of such a high-stakes reunion into focus: Liam explaining that he treated the songs with “respect” by giving up drinking and smoking before the shows; the striking evidence of just how good his voice sounds; and Noel, visibly overwhelmed on opening night in Cardiff, saying he nearly needed a “time out” to exhale and take in what is happening.
Here are five standout scenes from Oasis: Don’t Look Back In Anger.
Macklemore is facing backlash from a pro-Israel organization after making an onstage plea to “Free Palestine.”
The 43-year-old rapper made the public plea while opening for Ed Sheeran at New Jersey’s MetLife Stadium on Friday (Sept. 4) as part of the British superstar’s Loop Tour.
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“A big part of the reason why I wanted to do this tour in the first place is so I could stand up in stadiums like this and say two words that are very near and dear to my heart: Free Palestine,” Macklemore told the crowd. “I said, ‘Free Palestine!’ I want those words to be loud and clear, so that people all the way in Gaza to the occupied West Bank know that we have not forgotten about them.”
During his set, the Grammy-winning rapper also performed his protest song “Hind’s Hall.”
Macklemore said he believes “every single human being that walks this earth deserves” to “know safety and peace before they know the sound of violence, to know the sound of laughter on a playground before planes and bombs, for parents to be able to say bye to their kids in the morning and not have to wonder if this is going to be the last time they kiss their child goodbye.”
The “Thrift Shop” hitmaker concluded his remarks by reflecting on his own fears and his decision to speak out.
“And if I let that fear I felt on the plane yesterday stop me from speaking my heart in order to keep my own comfort and the audience’s comfort, that is the day I no longer continue to be on stage,” he said. “So, I say ‘Free Palestine!’ I say, free America, free Cuba to the Congo to Sudan to Iran, and all the people in America who have to live in fear because of this terrorist organization ICE.”
Macklemore’s politically charged speech drew the attention of the Israeli-American Council (IAC), which represents more than 150,000 Israeli Americans. The organization has since launched a petition calling for the rapper to be removed from Sheeran’s remaining tour dates.
Macklemore is currently scheduled to open eight U.S. stadium shows between mid-September and early November, according to Sheeran’s website.
“This was an Ed Sheeran concert – not a political rally, not a protest, and not an activist event,” the IAC’s petition reads. “The issue is not whether Macklemore has the right to hold political views. The question is where the line should be drawn when an opening act uses a global concert platform to advance a one-sided political agenda. This becomes even more troubling when the message relies on selective imagery, biased messaging, and disputed claims presented to a massive audience as fact, without context or complexity.”
The organization is also calling “on tour leadership to clarify whether Macklemore’s political speech, visual content, and performance of ‘Hind’s Hall’ were approved in advance, and to establish clear boundaries for the use of the tour stage to promote political messaging.”
Macklemore has been vocal in his support for Palestinians amid the Israel-Hamas war. In May 2024, he released “Hind’s Hall” in support of Gaza and pro-Palestinian student protests, criticizing U.S. support for Israel. He said all streaming proceeds from the song would go to United Nations Relief and Works Agency (UNRWA).
“Click,” JISOO’s latest solo single, tops this week’s new music poll.
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Listeners voted in a poll published Friday (Sept. 4) on Billboard, choosing the BLACKPINK star’s new song as their favorite new music — with the track narrowly taking the lead over a new solo release (“SaWaDiKa”) from another BLACKPINK star, LISA. Both songs were up against hot new releases from Miley, Adéla, Beyoncé feat. Pharrell and more, all of which arrived this week.
“Click,” bringing in more than 50% of the vote, ultimately rose to the top.
“Click” made its debut Friday (Sept. 4) alongside a cinematic, Joseph Kahn-directed music video starring a cyborg JISOO: She’s in an abandoned theme park, where she crosses paths with a suitor and a robotic teddy bear, the CLICK Bear — who helps the singer bring life to her deserted surroundings. The bear represents the presence of the JISOO’s fans, and her connection with them.
“Counting the reasons that we shouldn’t/ Mess up this thing, be more than friends/ But when you hold me like this/ And kiss away our differences/ There’s no explanation for it/ It’s just the way our bodies click/ Your lips, my lips, click/ We were made to fit/ Your hands, my hips, click/ We were made to fit,” JISOO sings on the pop track.
The release of “Click” follows JISOO’s 2025 debut mini album, AMORTAGE, and her most recent single, the Zayn collab “EYES CLOSED.”
Just behind “Click” on the poll is LISA’s solo song “SaWaDiKa,” with nearly 45% of the vote. Miley’s “Bass Persuades,” Adéla’s PRIMA and Beyoncé’s “CAN I WATCH YOU” feat. Pharrell were next on the ranking.
See the final results of this week’s poll below.
A second death has been reported at this year’s Burning Man festival in northern Nevada.
On Saturday afternoon (Sept. 5), Craigh Mann, 60, was found dead at his camp in Black Rock City, according to festival organizers.
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“Burning Man Project is saddened to share that a second Black Rock City participant, Craigh Mann, a 60 year-old man, was found deceased by campmates in his camp on Saturday, September 5, at approximately 3 PM,” organizers said in a statement. “Our thoughts and deepest condolences are with the participant’s family, friends, campmates, and all those affected by this loss.”
No cause of death was disclosed at press time.
Mann’s death marks the second reported fatality at this year’s festival, which is celebrating its 40th anniversary. The nine-day event began Aug. 30 and is scheduled to conclude Monday (Sept. 7).
The latest death comes days after another attendee in his mid-50s died following a “medical emergency” at the festival on Thursday (Sept. 3).
“It is with heavy hearts that Burning Man Project confirms a Black Rock City participant in his mid-50s experienced a medical emergency,” the festival said. “Our thoughts and deepest condolences are with the participant’s family, friends, and those affected by this loss.”
The man “immediately received lifesaving measures, and was transported to the onsite center for emergency care where he was pronounced deceased,” according to organizers.
His cause of death had not been disclosed at press time, and his identity was being withheld pending notification of his family.
This year’s event has also been affected by severe weather. Heavy rain on Friday (Sept. 4) temporarily closed the main entrance and exit gate, prompting organizers to ask attendees to delay travel and those already at the festival to avoid driving, according to TMZ.
North West took the stage in Chicago for her first solo show with her parents in the crowd showing their support.
On Saturday (Sept. 5), the 13-year-old rapper headlined at The Vic Theatre in Chicago’s Lakeview neighborhood, with Ye and Kim Kardashian watching proudly from opposite sides of the audience.
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North West’s Debut Headlining Tour With Molly Santana Canceled Just Days Before Scheduled Kick-Off: ‘Sadly, It’s Not Happening Anymore’
The performance came about a month after North’s debut headlining tour with rapper Molly Santana was canceled. The 14-date North American Molly x North Kimokawaii tour was originally scheduled to launch Aug. 5.
In fan-captured footage from the Chicago concert, Kardashian and Ye (formerly Kanye West) were seen arriving separately. The SKIMS founder took a seat in the VIP section, while the superstar rapper filmed his daughter’s performance from a balcony section.
West, a Chicago native, nodded along to the music while the Kardashians star cheered on their daughter. Both shared footage from the theater on their respective Instagram Stories. “SO PROUD,” Ye captioned a video from the performance.
North also shared a variety of clips from the concert and thanked her fans for their support.
“My first solo headlining show ily guys so much for showing love seriously means the word to me,” she wrote on her Instagram Stories. “This is what I’m meant to do.”
North’s debut headlining show was in support of her debut EP, N0rth4evr, which dropped in early May. She previously tested the waters in music, making waves with appearances on Ye and Ty Dolla $ign’s Vultures and FKA twigs’ EUSEXUA album. The young rapper-producer released her “Piercing on My Hand” single in February and also made an appearance at Ye’s SoFi Stadium shows in Los Angeles in April.
Earlier in the week, Ye was in Chicago for a two-night homecoming at Soldier Field on Sept. 3-4. During the shows, he brought out numerous guests and touched on every era of his career, from The College Dropout through 2026’s Bully.
¿Qué puede decir un libro sobre música que no esté ya en una canción? La crítica cultural, los diarios personales, la historia de una escena o la reconstrucción de un disco pueden revelar aquello que queda fuera de la escucha: las ciudades, las comunidades, las tecnologías y las condiciones que hacen posible una determinada forma […]
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La primera reunión prolongada de Liam y Noel Gallagher después de quince años separados no comienza con un abrazo, una disculpa ni una conversación sobre las heridas del pasado. Comienza trabajando. Liam entra al ensayo, pregunta si van a hacerlo y Oasis ataca con ira desatada las canciones que convirtieron a dos hermanos de Manchester en las criaturas más arrogantes, queridas y volcánicas del britpop.
Dylan Southern y Will Lovelace, responsables de Shut Up and Play the Hits (el documental que sigue por 48 horas a James Murphy, el líder de LCD Soundsystem) y Meet Me in the Bathroom (sobre la escena del Indie Rock en Nueva York de comienzos de milenio), comprendieron que invadir ese momento con un equipo de cámaras podía destruirlo. Instalaron los dispositivos con anticipación y observaron desde otra habitación. La decisión permite registrar la tensión de los primeros ensayos sin convertirlos en una ceremonia preparada para el público. Más que reconciliarse, los Gallagher parecen comprobar si todavía pueden tocar juntos sin matarse. En su lenguaje emocional, eso ya cuenta como una declaración de amor.
Oasis: Don’t Look Back in Anger puede entenderse como la pieza de compañía de Supersonic, el documental de Mat Whitecross y producido por Asif Kapadia (Amy) de 2016 que narraba el vertiginoso ascenso del grupo. Aquel terminaba cerca de la cima; este comienza después de la caída, cuando la rivalidad, los insultos y quince años de silencio han transformado una banda disuelta en una oportunidad comercial irresistible. Ambos trabajos poseen ritmo, música y suficiente carisma como para no aburrir. También comparten una limitación: se acercan a los Gallagher sin llegar a entrar en ellos.
El documental anuncia una historia de reconciliación, pero nunca explica realmente qué debía reconciliarse. Sabemos que Liam y Noel dejaron de hablarse, que intercambiaron ataques públicos y que la banda se desintegró en 2009. Lo que falta es comprender la raíz emocional de esa guerra. ¿Dónde termina la disputa artística y comienza el resentimiento familiar? ¿Cuánto pertenecía al espectáculo y cuánto se convirtió en una forma de vida? ¿Qué se dijeron antes de aceptar el regreso? Southern y Lovelace preservan el misterio, aunque en ocasiones esa discreción parece menos una elección narrativa que una condición de acceso.
Southern lo resume con humor: son los Gallagher, no los protagonistas de Dawson’s Creek. Nadie debería esperar que se sienten frente a la cámara a llorar y nombrar sus sentimientos. Es cierto. La masculinidad de Oasis siempre se construyó alrededor de la fanfarronería, el desafío y una vulnerabilidad escondida dentro de canciones gigantescas. Pero un documental no necesita lágrimas para alcanzar la intimidad. Le basta con observar las contradicciones, sostener los silencios y formular las preguntas que sus protagonistas preferirían evitar.
La película encuentra señales pequeñas. Al principio existe cautela entre los hermanos con miradas rápidas, movimientos medidos y una tensión que hace pensar que cualquier comentario podría volver a incendiar el cuarto. Después aparece la disciplina. Los directores quedaron sorprendidos por la seriedad con que Liam y Noel revisaron Wonderwall, Live Forever, Champagne Supernova y el resto del repertorio. No llegaron, tocaron los éxitos y cobraron el cheque. Ensayaron para construir la mejor versión posible de Oasis, conscientes del peso de la expectativa.
Esa dedicación no resuelve la gran sospecha que acompaña el regreso. Una gira de estas dimensiones mueve demasiado dinero como para fingir que la economía no existe. La película quiere convencernos de que la reunión superó el cálculo financiero, pero evita examinar cuánto tuvo de perdón y cuánto de negocio. Tal vez ambas cosas puedan coexistir. Los hermanos podían necesitar el dinero, extrañar la música y descubrir en el escenario una forma de estar juntos que no exigiera hablar sobre el pasado. La reconciliación, al fin y al cabo, también puede ser un contrato con amplificadores.
El punto de transformación llega en Cardiff, cuando el nerviosismo del grupo se encuentra con la expectativa del público. Lovelace lo describe como una alquimia. La tensión comienza a disiparse al escuchar a miles de personas cantar canciones que Oasis había dejado abandonadas durante tres lustros. Desde entonces, el documental se vuelve más cálido. No porque Liam y Noel finalmente expliquen sus sentimientos, sino porque la multitud parece sentirlos en su lugar.
Allí la película alcanza sus mejores momentos. Southern y Lovelace pidieron a sus directores de fotografía Lol Crawley, James Laxton y Haris Zambarloukos que no registraran los conciertos como una transmisión convencional, sino como una experiencia. La cámara puede abandonar el escenario si encuentra algo más poderoso entre el público. No interesa tanto el movimiento de una guitarra como la historia que ocurre entre los hermanos y quienes los esperaron. Los espectadores lloran, se abrazan y cantan con una intensidad que convierte cada estadio en una gigantesca memoria compartida.
El resultado confirma que las canciones de Oasis han adquirido una vida independiente de sus autores. También recuerda sus limitaciones. La banda nunca ocultó la enorme deuda con The Beatles consistente en progresiones, melodías, actitudes y aspiraciones que atraviesan sus mayores éxitos como fantasmas familiares (incluso la primera parte de este documental nos recuerda a Let it Be). Su música puede carecer de la originalidad de otras agrupaciones británicas de los noventa, pero posee una capacidad extraordinaria para convertir emociones sencillas en himnos colectivos. Oasis no inventó todos sus materiales, pero sabía levantar con ellos una catedral donde cualquiera podía cantar.
Resulta peculiar que Steven Knight figure como guionista. El creador de Peaky Blinders, otra historia británica sobre ambición, orgullo, clase social y rivalidad entre hermanos, parecería especialmente adecuado para explorar el vínculo entre Liam y Noel. Sin embargo, su presencia se percibe más en la organización dramática que en la revelación psicológica. La película tiene un arco claro (tensión, ensayo, regreso y comunión), pero los protagonistas continúan protegidos detrás de sus personajes públicos.
Para un espectador ajeno a Oasis, las dos horas pueden resultar excesivas. El documental presupone un afecto por las canciones y rara vez confronta a la banda con sus zonas menos favorecedoras. Para los fanáticos, en cambio, funciona como una máquina de euforia. Devuelve la sensación de haber estado allí, rodeado de desconocidos que conocen exactamente las mismas palabras.
Los directores afirman que terminaron haciendo una película sobre el perdón y la aceptación. Lo consiguieron solo a medias. Don’t Look Back in Anger registra los efectos de la reconciliación, pero no su proceso; demuestra que Oasis volvió a tocar, no que Liam y Noel hayan resuelto aquello que los separó. La música cubre el abismo, aunque nunca sabemos si debajo se construyó un puente.
Quizá esa sea la verdad más honesta que deja la película. Los Gallagher no necesitan convertirse en mejores amigos para volver a ser Oasis. Les basta con ocupar el mismo escenario, mirar hacia el público mientras uno toma la mano del otro y permitir que miles de voces terminen la canción. La multitud obtiene su milagro. Los hermanos conservan su secreto. Y el documental, emocionante pero cauteloso, decide no mirar atrás con ira ni con demasiadas preguntas.
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Nostalgia City encuentra a Big Soto trabajando alrededor de la nostalgia que le provoca vivir lejos de Venezuela y de la relación que ha construido entre Caracas y Ciudad de México, donde ha desarrollado buena parte de su carrera. Largos periodos de tiempo sin ver a su familia terminaron convirtiéndose en una fuente constante de inspiración.
“Puede pasar una o dos veces a la semana que me pongo a pensar en mi mamá, mi papá, mi hermanito, mis amigos que están en Venezuela”, explica a ROLLING STONE en Español. “Pero cuando entro al estudio es creación. Todas esas cosas se vuelven musas”.
Ciudad de México tiene un peso importante dentro del álbum. Big Soto explica que la ciudad está ligada tanto a su crecimiento personal como a la distancia con su vida anterior. Esa relación también aparece en la portada, donde conviven referencias a Caracas y a la capital mexicana.
El disco también desarrolla dos facetas de su música. Sotipop representa su lado más romántico y melódico, mientras Sotorius está más relacionado con el trap y una energía más irreverente. “Ha existido una dualidad de un Big Soto que siempre ha cantado para las mujeres, para lo romántico, para lo bonito, y el otro Big Soto que es más trapero”, señala.
México también transformó su manera de trabajar. Fue aquí donde tuvo sus primeras sesiones formales de composición, participó en camps y comenzó a desarrollar canciones junto a productores, compositores y otros artistas. “México para mí, a nivel industria, cultura y música, ha sido una escuela gigantísima”, asegura.
En Nostalgia City, Big Soto reúne historias de amor, desamor y recuerdos de distintas etapas de su vida. “Esta es mi etapa más adulta y estoy haciendo la música de esta manera, estoy cantando de esta manera, le estoy cantando al amor de esta manera”, explica sobre el enfoque del álbum.
ROLLING STONE en Español presenta además en exclusiva el video de Big Soto x Suei, ‘TANTO.. (Remix) (Video Oficial)’. La colaboración surgió después de que los fans identificaran la participación de Suei como compositor principal de la versión original y comenzaran a pedir que apareciera en una nueva versión.
“Este es un remix súper especial porque nace principalmente de una idea de los fanáticos”, cuenta Soto. Cuando comenzaron a trabajar en Nostalgia City, decidió hacer una prueba con Suei. “Literalmente la rompió y nos obsesionamos con la canción. Fue de las primeras canciones que se terminaron para Nostalgia City”.
El video se grabó durante una visita de Suei a Ciudad de México. Recorrieron terrazas, estacionamientos y distintos puntos de la ciudad durante la noche, buscando una estética cercana al city pop, el lo-fi y las luces urbanas. “Usamos simplemente una cámara, una persona que estuviera ahí con nosotros pendiente, un Airbnb y la ciudad. El resto es historia”.
Big Soto también reconoce que este fue uno de los discos en los que sintió menos presión durante el proceso. Después de años pensando en números, hits y crecimiento, buscó recuperar una forma de trabajar más sencilla. “Recuperamos eso desde la nostalgia, hacer las cosas con cariño, meternos al estudio con amor, sin esperar algo a cambio. Simplemente vamos a hacer buena música”.
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