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“Lo que me embola de los documentales, en general, es que les falta malicia”, dice Fito Páez. Eso es lo primero que escuchamos apenas comienza Fito Páez: el mundo cabe en una canción, el flamante documental dirigido por Matías Gueilburt, que ya está disponible en Netflix. Se justifica Fito: “El personaje retratado siempre es visto como una especie de adalid de la bondad y las buenas costumbres. Y eso me embola terriblemente”.
A modo de pedido, o de manifiesto, le dice Páez al director, con quien tiene una amistad de larga data, desde el cuarto de baño: “Necesito que pasen cosas más reales, que se vean cosas que no sean caretas, ¿entendés?”. Y mientras se escucha el ruido del chorrito, recalca, con una mano apoyada en la pared y una mirada cómplice a la cámara, el pedido inicial: “Malicia, ¿entendés?”.
Lo que sigue es un derrotero lleno de flashbacks, con la grabación de Novela, la ambiciosa ópera rock que Fito había empezado a escribir en 1988 inspirada en Quadrophenia (1973), el clásico de The Who. No se retrata el proceso creativo, sino la grabación en los míticos estudios londinenses Abbey Road. En el mismo espacio en el que Los Beatles grabaron algunas de sus obras maestras, allí está Fito concretando su viejo proyecto. Y entre viajes en Uber y escenas de alcoba, el relato se entrelaza con los recuerdos de infancia y las historias por detrás de las canciones. Por ejemplo, el conmovedor relato sobre “Parte del aire” (del indispensable La la la, 1986, en una gloriosa yunta con Luis Alberto Spinetta), en el que imagina el reencuentro de sus padres en el más allá.
El registro más íntimo y crudo es el que muestra la internación de Fito en una clínica madrileña después del accidente doméstico que sufrió luego del festejo por el décimo aniversario con su pareja, la actriz Eugenia Kolodziej. (Alerta spoiler: durante el rodaje del documental, anuncian su ruptura). Las escenas de dolor son desgarradoras, y Fito confiesa allí que, con once costillas fracturadas, había llegado al final de sus días.
La mirada de Gueilburt, a pesar de la amistad que comparten desde hace un cuarto de siglo, no es piadosa. Es un retrato completo, que incluye virtudes y defectos, obsesiones y temores, de un genio con mal genio. Se puede observar, en las pruebas antes del regreso a los escenarios luego del accidente, y antes del inicio de la gira 4030, el grado de rigor que maneja Páez en los ensayos. La rigurosidad y los tonos, nada amables, con los que se dirige a los músicos de su banda. En algunos casos, amigos cercanos.
También se develan sus espacios privados. Podemos observar la tapa de bookazine que le dedicamos en Rolling Stone enmarcada en formato XL. Y el muñequito de Charly García saltando desde el noveno piso, colgado de una lámpara de techo, entre muchos otros detalles a descubrir.
Como si fuera una gran sesión de terapia, Fito se muestra caprichoso y consentido. Padre demandante con su hija Margarita, le reprocha con humor sus abandonos (pos) adolescentes vía WhatsApp (versión real sin exagerar de esos sketches que suele subir Sebastián Wainraich a su cuenta de Instagram). La complicidad con su hijo Martín, compañero y compinche, que lo cuida y, también, lo bardea. Y el dolor profundo por la pérdida precoz de su madre y de su padre, sumado al asesinato de sus tías —marcas indelebles en su personalidad y sus costumbres—, componen algunos de los mundos que caben en mucho más que una canción. Es un retrato de la absoluta humanidad de uno de los artistas más talentosos y ambiciosos que ha dado este pedazo de tierra que llamamos Argentina.
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No es un secreto para nadie que, en los últimos años, el pop ha tenido un resurgimiento de la mano de grandes exponentes como Sabrina Carpenter y Olivia Rodrigo, siguiendo el camino que Taylor Swift ya había pavimentado para las nuevas generaciones.
Latinoamérica tampoco es ajena a este revival, y artistas como Emilia Mernes, Tini o Aitana son algunas de las caras más visibles del género en español. Sin embargo, México también es una cantera importante y no se queda atrás frente a Argentina y España. Kenia OS y Danna son claros ejemplos del potencial del país, que cuenta con un gran número de talentos emergentes.
Dentro de los nombres que van sobresaliendo en esa escena, una de las voces más prometedoras es la de Majo Rivas.
Nacida en Ciudad Juárez, Chihuahua, María José Rivas Arteaga, conocida artísticamente como Majo Rivas, es una cantante, compositora y creadora de contenido mexicana que ha encontrado en el pop una forma de convertir sus experiencias y emociones en canciones. Aunque su carrera musical comenzó formalmente hace apenas unos años, su relación con el arte y la escritura se remonta a su infancia.
Desde pequeña, Majo encontró en las palabras una de sus principales formas de expresión. Escribía cuentos y poesía y, mucho antes de pensar en convertir esas inquietudes en una carrera, descubrió que podía decir a través de ellas cosas que de otra manera le resultaban más difíciles de compartir. Esa conexión con la escritura terminaría convirtiéndose en uno de los pilares de su propuesta, marcada por la honestidad y la necesidad de contar desde un lugar personal.
La música, por su parte, estuvo presente desde casa. Del lado paterno, creció en medio de reuniones familiares en las que los boleros eran protagonistas. Uno de sus tíos, Enrique Cáceres, fue durante años la primera voz del trío Los Panchos, un referente que la cantante recuerda como una figura muy admirada dentro de su familia. Así, las canciones románticas y el cuidado por las letras formaron parte de su imaginario desde pequeña, incluso antes de que encontrara en las grandes divas del pop de los 2000 —como Lady Gaga y Katy Perry— el universo musical y visual con el que posteriormente comenzaría a construir su propia identidad artística.
Entre todas esas referencias, Taylor Swift ocupa un lugar especial. Majo recuerda haberla conocido cuando era muy pequeña, a través del videoclip de ‘You Belong With Me’ en Cartoon Network. Lo que más le llamaba la atención no era solamente la canción, sino la historia que contaba el video, la forma en que Swift estaba vestida y maquillada y todo el mundo construido a su alrededor. Desde entonces, comenzó a entender el pop como algo que podía ir mucho más allá de la música y convertirse también en una forma de contar historias y construir una identidad.
Aunque la música siempre había estado presente, el primer paso de Majo Rivas dentro de la industria llegó después de que las redes sociales la convirtieran en creadora de contenido. En octubre de 2021 publicó su primer video en TikTok y, apenas dos meses después, ya rozaba el millón de seguidores. Su contenido, basado principalmente en storytimes, aspectos de su vida y conversaciones sobre temas sociales, le permitió construir rápidamente una comunidad, pero detrás de ese crecimiento había un objetivo que tenía claro desde el principio: utilizar esa plataforma como punto de partida para hacer música.
La decisión de dar el salto, sin embargo, también significó dejar atrás a parte de la audiencia que había construido. Cuando comenzó a mostrar su faceta como cantante, muchos de sus seguidores dejaron de acompañarla y Rivas tuvo que enfrentarse a una sensación que hasta entonces había sido difícil de cuestionar: la necesidad de buscar validación. “Cuando haces las cosas desde la validación, a veces cuando la gente te da cierto rechazo, piensas que estás haciendo algo malo”, recuerda. Aun así, la posibilidad de que su carrera como influencer funcionara mejor nunca fue suficiente para hacerla desistir. La música, dice, era lo que realmente la hacía feliz.
En 2022 entró por primera vez a un estudio profesional y comenzó a darle forma a ese proyecto que había imaginado desde sus primeros días como creadora. El proceso desembocó en marzo de 2023 con ‘Me da igual’, su primera canción y el punto de partida oficial de su carrera. Lo que comenzó con sonidos más cercanos al pop-rock pronto encontraría un lugar más definido en el pop, una transición que Majo describe como un proceso natural de descubrimiento junto a su productor, Champi.
Ese tránsito de un sonido más rebelde —influenciado principalmente por bandas de emo-punk que su hermano le ponía cuando era más joven— hacia un pop más definido terminó de tomar forma con REAL, su primer LP.
Rivas comenzó a trabajar en el disco en marzo de 2024 y, junto con el cambio sonoro, también empezó a construir una nueva identidad visual marcada por referencias al imaginario de los 2000 y la estética Y2K. El resultado es un universo en el que conviven los brillos, los colores llamativos y la “moda maximalista” con canciones que hablan desde un lugar mucho más íntimo.
La dualidad atraviesa buena parte del álbum. En sus 13 canciones aparecen la inseguridad, la tristeza, las comparaciones y las desilusiones amorosas, pero también la aceptación, el amor propio y la decisión de abrazar aquellas partes de sí misma que durante mucho tiempo intentó esconder. En ese sentido, no es un dato menor que el proyecto naciera en medio de un proceso personal de introspección y terapia.
Mientras comenzaba a hablar más abiertamente de sus sentimientos y a aceptar sus inseguridades, Majo encontró en REAL una forma de trasladar ese proceso a la música y convertirlo también en un registro de ese momento de su vida. “Realmente me permití ser muy humana en este álbum”, explica.
Esa intención de mostrarse sin filtros también llegó a la portada del disco. Rivas pidió que no utilizaran Photoshop ni filtros sobre su imagen, incluso en un momento en el que no se sentía completamente segura con su cuerpo. Para ella, la decisión era una forma de ser congruente con el mensaje del álbum y de mostrar aquello que normalmente queda fuera de las versiones más glamorosas que se comparten en redes. Hablar de sus inseguridades, de la comparación o incluso de la envidia podía resultar incómodo, pero también le permitió encontrar a otras personas que se reconocían en esas mismas emociones.
Y esa conexión terminó trasladándose de las canciones al escenario. REAL llevó a Majo por una nueva gira por México, más extensa que la que había realizado en 2025 y con un espectáculo más ambicioso que incorporó coreografías y un setlist más largo. La experiencia también le permitió enfrentarse a una realidad distinta a la de las plataformas digitales: ver, ciudad por ciudad, a las personas que habían hecho propias sus canciones. Desde escenarios frente a unas cuantas decenas de personas hasta un Lunario que estuvo cerca de llenarse, cada presentación se convirtió para ella en una forma de medir, más allá de las cifras, el alcance real de su música.
El cierre de esta etapa llegó con ‘Fue real?’, una canción que Rivas describe como un cuestionamiento nacido de una ruptura amorosa: después de compartir tanto con una persona y verla continuar como si nada hubiera pasado, ¿qué tan real fue lo que vivieron? Pero el tema también funciona como una conclusión para todo el disco. Al repasar canciones como ‘500 palabras’, ‘Copy Paste’ o ‘Paola’, Rivas encuentra en este último lanzamiento una pregunta que resume las inquietudes de toda la era. “Tiene todo el sentido que al final de concluir algo te preguntes: ¿fue real?”, comparte.
Pero más que quedarse en el cierre, Rivas ya piensa en lo que viene. Actualmente trabaja en nueva música y en un álbum que, según adelanta, estará marcado por la autonomía y la recuperación de su propio poder. Después de un disco construido desde la introspección y la vulnerabilidad, esta nueva etapa busca explorar una versión más libre y divertida de sí misma, con un sonido todavía más pop y ritmos pensados para bailar.
Así, mientras despide REAL, Majo Rivas parece tener claro hacia dónde quiere llevar su proyecto: conservar la honestidad que ha marcado sus primeros años, pero permitirse cambiar, experimentar y disfrutar más del camino. Entre letras que convierten sus experiencias en canciones, una estética que recupera el imaginario pop de los 2000 y una identidad que todavía continúa en construcción, Rivas empieza a dejar atrás su primera era para descubrir qué puede hacer con todo lo que viene.
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El regreso a los escenarios de El Último de la Fila, además de quedar grabado en la memoria de los fanáticos de la agrupación, será inmortalizado en un álbum en vivo que recopilará los mejores momentos del reencuentro entre Manolo García y Quimi Portet. El disco recibirá el nombre de Directo 2026 y estará disponible en distintos formatos a partir del 20 de noviembre.
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La reunión ha sido uno de los más grandes acontecimientos de la música del país en los últimos años, pues alrededor de 400,000 personas pudieron presenciar la vuelta a los escenarios de los íconos españoles del pop rock tras casi 30 años de ausencia. Fueron 12 fechas en total —absolutamente agotadas— en las que García y Portet ofrecieron un set nostálgico al lado de algunos de los músicos que los acompañaron en giras pasadas: Josep Lluís Pérez, Antonio Fidel, Juan Carlos García, Ángel Celada y Pedro Javier González. Irene Miller, Eva Reina y Sara García también hicieron parte de los shows.
El grupo catalán anunció que tiene preparada una sorpresa para sus fanáticos más fieles que adquieran el álbum en preventa. Todas las personas que compren Directo 2026 recibirán un mini documental exclusivo con imágenes de las pruebas de sonido del tour, permitiéndoles tener una mirada más cercana al proceso que hubo antes de encender los reflectores.
Directo 2026 llegará tres años después de Desbarajuste piramidal, el álbum en el que Portet y García repasaron 24 de las canciones más importantes de la discografía de El Último de la Fila para darles una visión distinta. De acuerdo con los músicos, aquel trabajo fue la semilla de su gira de reencuentro.
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Jonathan Meléndez, teclista y compositor de Camilo Séptimo, falleció este martes 1 de septiembre tras ser víctima de homicidio en su lugar de residencia. En el hogar también fueron halladas sin vida su esposa embarazada, su hija de tres años, su trabajadora doméstica y su animal de compañía. El único sobreviviente fue un menor de seis años.
La Fiscalía General de Justicia del Estado de México informó este miércoles de la captura de los dos presuntos responsables del homicidio múltiple que se cometió en el municipio de Atizapán de Zaragoza, en el área metropolitana de Ciudad de México. Los dos hombres fueron identificados como Gerardo “N” y Diego Sebastián “N”, de acuerdo con las autoridades, este último era un “socio” del músico y ahora es el principal sospechoso de haber cometido los asesinatos.
Según el reporte inicial, el crimen se perpetró aproximadamente entre las 5:30 p.m. y las 7:40 p.m. Tras ingresar al inmueble, la policía municipal halló a cuatro personas sin vida: un hombre de 38 años, una mujer de 35 años en estado de gestación, una niña de tres años y una mujer de 21 años. Las víctimas fueron encontradas maniatadas y con impactos de bala en el cráneo a excepción de la trabajadora doméstica, quien fue herida con arma de fuego en la espalda. El perro de la familia también tenía sus patas amarradas. El único sobreviviente fue un niño de seis años que no presentaba signos de violencia.
Las primeras hipótesis apuntan a un intento de robo, sin embargo, la falta de signos de forcejeos en la entrada de la vivienda indicaría que los presuntos victimarios ingresaron aprovechándose de la confianza de las víctimas.
Noticia en desarrollo…
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Desde su invención en el siglo XV, el tarot ha sido mucho más que un juego de naipes. La última reinvención de su particular baraja es obra de Guido Barna, director de arte e ilustrador digital, que rediseñó los 22 arcanos mayores con algunas de las figuras más emblemáticas del rock y la música popular argentina. “La idea surge medio de casualidad”, le confiesa a Rolling Stone. “Yo venía haciendo algunas cosas con el tarot, pero antes me dedicaba más que nada a la ilustración tipo cómic retro. Había estado trabajando en una serie de tarot en esa tesitura. Un cliente, con el que ya había hecho un par de cosas, me pidió un dibujo de Pity Álvarez y me comentó que le gustaba lo que yo venía haciendo con el tarot”.
Así se puso a buscar referencias y encontró una imagen bastante conocida en Pinterest de David Bowie como la estrella. “Ahí pensé: ‘Acá hay algo’. Me puse a investigar si había un tarot de Argentina y no encontré nada. Entonces decidí probar: le hice un boceto a lápiz y se lo mandé. Me dijo que estaba buenísimo, pero que no era lo que buscaba. Como a mí me gustó y le vi potencial, lo subí a mi cuenta de Instagram y le fue súper bien para lo que era mi perfil en ese entonces. Ahí me animé a seguir”.
El origen de esta historia está en Instagram, y sus repercusiones se miden en likes. “Hace un año, cuando subí la carta del Pity, me seguían dos mil personas. Al tiempo, cuando publiqué la de Ricardo Iorio, que para mí es la figura más importante del rock nacional, explotó. Se hizo viral, me estallaba el teléfono, pasé de dos mil a más de diez mil seguidores. Esa fue la señal de que tenía que seguir adelante”, explica el artista y melómano de 39 años, que en la adolescencia coqueteó con la idea de ser músico.
Entre los Arcanos Mayores que Guido adaptó para su baraja figuran Charly García (“El Loco”), Skay Beilinson (“La Templanza”), Vicentico (“La Fuerza”), La Renga (“La Muerte”), Pappo (“El Carro”), Luis Alberto Spinetta (“El Sumo Pontífice”), Gustavo Cerati (“El Sol”), Luca Prodan (“El Colgado”), María Gabriela Epumer (“La Emperatriz”) y Ricky Espinoza (“El Diablo”), entre otros.
Pero en esa iconografía se destaca una figura que formó parte del movimiento rockero de manera más bien tangencial: Mercedes Sosa es “La Sacerdotisa”. Dice Guido: “La sacerdotisa, en el tarot, representa a quien no pertenece del todo al mundo pero es quien mejor lo entiende. Un seguidor me hizo esa observación después de que yo ya había hecho a Mercedes Sosa. Si bien ella no es rock, en los libros es la más rockera de la historia: tocó con todos, y su estilo de vida era súper rockero y rebelde. Me parecía que estaba buenísimo hacerle un lugar en este conjunto”.
Sus obras están disponibles en su tienda en formato de stickers, láminas, serigrafías y remeras, y próximamente proyecta ofrecerlas también en buzos y otras prendas de indumentaria. También está disponible en los locales de Canillita de Barrancas de Belgrano y la Facultad de Derecho.
El vínculo de Guido con el tarot no nació a través de los naipes tradicionales, sino del videojuego The Binding of Isaac (2011). “Entre los ítems que podés agarrar hay cartitas de tarot y cada una te da un efecto vinculado a la carta; por ejemplo, agarrás los enamorados y te dan corazoncitos para curarte. Con el jueguito empezó el vínculo con las figuras y la iconografía, empecé a investigar más y a comprar libros. Cada tanto agarro las cartas y juego un poco; no se me da tan bien interpretarlas a nivel adivinatorio, pero sí sé interpretar los arquetipos y bajarlos a la personalidad de los músicos”.
Guido ya tenía diseñados los 22 arcanos mayores y se estaba embarcando en otros proyectos —como el de figuras del rock internacional— cuando se viralizó aquella emblemática foto del Indio Solari en el jardín de su casa en Parque Leloir. Un seguidor le sugirió que hiciera la carta de “El Ermitaño”. Explica Barna: “Me da cosa atribuirme la idea porque no siento que la haya craneado, ni tampoco había sacado yo la foto. Cuando subí la publicación le di el crédito a todas las personas correspondientes, porque de eso se trata también: de crear una comunidad copada donde la gente esté atenta y te pase buena data”.
El estilo de Guido es ecléctico, y buena parte de su obra anterior estaba relacionada con los cómics de los años 60 y 70, especialmente con el estilo de Marvel. “Dibujar de manera recreativa es algo que hago desde toda la vida, aunque hubo años en los que no le metí tanto. Soy director de arte publicitario; trabajé unos diez años en publicidad, me fui a México y al volver entendí que no me sentía cómodo con esa industria, así que empecé a trabajar freelance en diseño gráfico y, de a poquito, a explotar más lo artístico. Empecé a dibujar más constantemente y a practicar porque tenía la intención de ser tatuador. Practiqué bastante sobre piel sintética y alguna piel prestada, pero no me sentía totalmente cómodo con ese medio. No descarto volver en algún momento, pero el arte digital se apega mejor a mis habilidades”.
Hoy, Guido está sorprendido por el vuelo inesperado que tomaron sus obras: “Yo quería ser tatuador, pero lo pospuse, y de repente descubro que llegué a esa meta de manera indirecta. Hay un montón de gente que se tatúa mis obras, porque les representan tanto que deciden llevarlas en la piel para toda su existencia. Me parece el ápice de lo que uno busca como ilustrador: acompañar a la gente en el resto de su vida con una obra tuya”, celebra.
Su filosofía no es comercial: “Apunto a que mi obra pueda llegar a la mayor cantidad de gente posible a través de los productos que ofrezco. Si te gusta determinado arcano, te podés comprar una lámina por un par de pesos o una remera a un precio razonable. No quiero ser elitista con el merchandising, porque iría en contra de la filosofía del rock y de figuras como Rocambole. Trato de ser cuidadoso para no zarparme y mantenerme cerca de la realidad de la gente, que es la que lo pone a uno en el lugar donde está”.
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Hace dos años, cientos de artistas del género urbano fueron demandados por presunta infracción de copyright. Entre los nombres mencionados en la demanda figuran grandes estrellas de la industria como J Balvin, Daddy Yankee y Bad Bunny, entre otros. Ahora, un juez federal falló a favor de Bad Bunny y desestimó gran parte de las acusaciones relacionadas con las producciones musicales incluidas en esta demanda masiva por derechos de autor.
El martes 1 de septiembre, el juez André Birotte Jr. determinó que el dúo de reggae Steely & Clevie, demandante en el caso, no logró demostrar que tuviera el control definitivo sobre los derechos de autor del ritmo conocido como “boom-ch-boom-chick”, una base rítmica fundamental del dembow que está presente en prácticamente todos los temas de reggaetón.
La demanda, presentada originalmente en 2021, llevó a varios artistas a defender su trabajo. Sus abogados argumentaron que los demandantes estarían “buscando monopolizar un estilo de música popular”, de acuerdo con un informe publicado previamente por Billboard. Por su parte, los demandantes sostuvieron que cerca de 2,000 canciones habrían utilizado presuntamente el ritmo en cuestión. El origen del caso se remonta al tema ‘Fish Market’, de Cleveland “Clevie” Browne y el fallecido Wycliffe “Steely” Johnson.
“Tras una revisión adicional de los registros, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra con derechos de autor contiene la selección y el arreglo supuestamente protegibles que buscan hacer valer”, escribió el juez.
Birotte encontró una falla clave en la demanda: el supuesto ritmo protegido por los derechos de autor de Steely & Clevie no aparece de manera íntegra en ninguna de las tres canciones que el dúo posee. “Debido a que los demandantes no han identificado una sola obra con derechos de autor que contenga la selección y el arreglo supuestamente protegibles, los demandantes no pueden, como cuestión de derecho, proceder sobre la teoría actualmente planteada”, escribió el juez en su resolución.
Este fallo a favor de Bad Bunny representa un paso importante, tanto para el artista como para los demás músicos involucrados en la demanda. Sin embargo, el caso aún no ha terminado: permanecen otras producciones que presuntamente habrían sampleado de manera directa composiciones de los artistas jamaiquinos, por lo que su situación podría ser objeto de nuevos litigios.
Kenneth D. Freundlich, abogado de Bad Bunny, celebró la decisión del juez André Birotte Jr. y destacó el alcance del fallo. “No se puede registrar un ritmo como derecho de autor reconstruyéndolo a partir de tres canciones diferentes una vez que ya estás en juicio”, afirmó Freundlich. “El derecho de autor protege lo que un artista realmente creó, no un collage ensamblado durante el litigio. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.
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