Vía mail, David Lebón y Pedro Aznar respondieron algunas preguntas que no entraron en la extensa charla -cerca de noventa minutos- realizada en el mismo estudio elegido para la sesión de fotos. Las respuestas llegaron al cierre de la edición que tiene a dos Serú Girán en la tapa de Rolling Stone del mes de mayo. Pasado y presente de Lebón y Aznar se agitan en la antesala de la serie de shows que brindarán en el Movistar Arena con cuatro fechas agotadas y una nueva función pactada para el viernes 12 de septiembre que se suma a las presentaciones en Rosario, Córdoba y Mendoza.
Es imposible llegar directamente a los músicos, el contacto es a través de la agente de prensa de ambos, Jimena Arce maneja de un modo amable y sincero los puentes lejanos hacia David y Pedro. El primero en responder es la voz de “Seminare”. El nombre de Juanito Moro aparece en el cuestionario, el baterista participó en el concierto de Serú en el marco del Festival Quilmes Rock como traductor del ritmo contagioso de “Cuánto tiempo más llevará”.
“Juanito es familia, desde chiquito cuando dormía en el anvil de la batería de su padre. Tenemos una relación fluida, tanto en lo profesional como en lo personal. Lo amo con todo mi corazón. Veremos si nos da una sorpresa….”, dice Lebón.
“Juanito es un gran baterista, y un muchacho adorable. Recién había nacido cuando el grupo empezó en San Pablo, en junio del ‘78. El grupo y él salieron al mundo en el mismo momento. Y vivimos todos en la misma casa durante un mes, entre las voces y los juegos de Juanito bebé y los hijos de David. Eso, por supuesto, le da un valor afectivo enorme a tocar juntos. ¡Es parte de la familia desde siempre! Además, si bien él tiene su propio estilo, hay una esencia “morística” innegable en su toque. Va a estar como invitado en los shows de Buenos Aires, claro” (Aznar).
Durante el tiempo de espera de la larga sesión de fotos, los amigos jugaron al intercambio de bromas o percepciones que se activan cada vez que se juntan. Contraseñas que suman casi 50 años de complicidades, en su mayoría en un inglés fluido. Aunque hay diferencias del tiempo transcurrido, ambos vivieron en Estados Unidos en diferentes periodos de sus vidas. “Es algo que nació de una manera natural. Nos une una historia y un tiempo de estar juntos que genera este tipo de cosas”, dice Lebón y cierra su participación vía mail.
Aznar, en cambio, se tomó más tiempo para responder sobre algunos temas no tratados en la entrevista presencial.
-El regreso de Serú ‘92 dejó conciertos multitudinarios y un disco que plasmó ese momento de la banda. ¿A modo de resumen o descripción a más de 30 años cómo podés describir ese regreso?
-Jugamos una carta fuerte, en el ‘92, cuando decidimos hacer un disco nuevo que reflejara nuestro presente. Serú 92 contiene grandes canciones, que han quedado como clásicos en nuestros repertorios solistas y se han grabado en la memoria emotiva de la gente. Así que en cuanto a la música nueva, la prueba se superó con creces.
En lo que respecta al vivo, (nos) habían pasado muchas cosas en los diez años transcurridos desde la última vez que habíamos tocado, y era una gran responsabilidad volver a pararnos sobre un escenario. El hecho de que fuera en grandes estadios multiplicó ese desafío, y creo que, considerando todas las circunstancias, salimos bastante bien parados. En esta oportunidad hago la dirección artística. Con la participación y el visto bueno de David, por supuesto.
-En el show del Quilmes Rock participaron varios invitados (Trueno, Sandra Mihanovich y Dante Spinetta). ¿Cómo fue la elección y de qué modo tanto las nuevas generaciones como artistas ya clásicos pueden convivir o ser parte del repertorio de Serú en este nuevo presente?
–Creo que esa convivencia habla de la transversalidad de la música de Serú. Y para nosotros es un placer poder compartir con artistas tan brillantes y diversos. La elección se dio de una manera muy espontánea, ya que los admiramos, respetamos y queremos a los tres, y los reconocemos como usinas creativas surgidas de distintas generaciones, pero unidas a través de su aporte a la gran cultura musical que tiene nuestro país.
-¿Es posible pensar en un regreso discográfico de Serú? ¿En el caso de que fuese factible podría incluir a Charly?
–Hay una confianza muy grande entre nosotros tres. Podemos hablar a corazón abierto sobre cualquier cosa. Y si bien no hay planes concretos de grabar, si surgiera la oportunidad y estuviéramos todos de acuerdo, se podría hacer sin ningún inconveniente.
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Aunque el ascenso de Xavi se gestó a la velocidad de internet, y ‘En Privado’, llegó incluso a colarse entre las selecciones musicales de fin de año de Barack Obama en 2025, Dosis revela algo más profundo que la viralidad.
En su recién estrenado segundo álbum de estudio, el cantante originario de Phoenix expande el lenguaje de los corridos tumbados hacia territorios donde conviven la bachata, el pop latino y los matices urbanos, decidido a expandir los límites de su sonido y a definir, con mayor claridad, una identidad musical propia.
Con 19 canciones y una lista de colaboraciones que atraviesa distintos rincones de la música latina contemporánea, Dosis funciona como una declaración de crecimiento. “Tratamos de meterle un poquito de todo, para no dar lo mismo siempre y experimentar un poco de diferentes géneros”, explicó el artista.
Lejos de limitarse al molde tradicional del regional mexicano, el disco se mueve entre guitarras tumbadas, estructuras pop y ritmos tropicales sin que la transición se sienta forzada. Canciones como ‘En Privado’, junto a Manuel Turizo, se acercan a la bachata desde un lugar melancólico y sensual, mientras que ‘Find Us Again’, el primer tema completamente en inglés de Xavi, explora otra textura vocal más cercana al pop confesional estadounidense.
Aun así, el corazón del álbum permanece intacto: desamor, deseo, nostalgia y heridas emocionales convertidas en canciones. En temas como ‘Cartier’, junto a Gabito Ballesteros, o ‘Bellaka’, Xavi mantiene esa mezcla entre vulnerabilidad sentimental y estética de lujo que ha definido gran parte de su imaginario reciente.
El álbum también refleja el momento particular que vive la música mexicana contemporánea. En lugar de entender el regional como un género cerrado, Dosis lo utiliza como punto de partida para dialogar con otros sonidos globales. Así aparecen colaboraciones con Fuerza Regida en ‘SRT’, Grupo Frontera en ‘No Capea’, Carín León en ‘La Morrita’, además de participaciones de Kapo, Neton Vega y Omar Montes. Más que simples feats estratégicos, las colaboraciones funcionan como extensiones naturales de la amplitud sonora que persigue el disco.
La estética del proyecto también acompaña esa transición. La portada del disco, protagonizada por un corazón en llamas rodeado de destellos brillantes, apuesta por un romanticismo oscuro y maximalista que conecta directamente con la sensibilidad visual de una generación criada entre TikTok, heartbreak playlists y cultura digital.
El disco ya está disponible para el público en todas las plataformas como Spotify, Apple Music y YouTube.
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Ha pasado casi un año desde la muerte de Ozzy Osbourne, pero su familia asegura que su presencia regresará, de manera digital. Los Osbourne se han asociado con Hyperreal y Proto Hologram para crear una versión impulsada por inteligencia artificial del “Príncipe de las Tinieblas”. El Ozzy digital podrá volver a hablar con sus fans y estará disponible en unidades Proto Luma en el Reino Unido y Estados Unidos en unos meses.
Sharon Osbourne y Jack Osbourne anunciaron el proyecto el miércoles durante la Licensing Expo 2026 en Las Vegas. La creación contiene “el ADN digital de Ozzy Osbourne: su voz, imagen y movimientos”, dijo Jack durante el evento, según License Global.
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“Puedes preguntarle cualquier cosa al Ozzy digital y él te responderá con su propia voz; las respuestas serán exactamente lo que Ozzy habría dicho”, afirmó Sharon. “Vamos a llevarlo por todo el mundo. La gente podrá hablar con él y él les responderá”.
“Da un poco de miedo lo realmente preciso que es”, compartió Jack. “Él existirá digitalmente como sí mismo mientras existan las computadoras. La tecnología ha avanzado muchísimo, hasta el punto en que ahora es prácticamente de arrastrar y soltar. Puedes grabar una plantilla para un comercial… literalmente escribir lo que quieres que haga el Ozzy digital en ese anuncio y simplemente integrarlo. Así de simple es ahora”.
El CEO de Hyperreal, Remington Scott, le contó a ROLLING STONE que el avatar de Ozzy fue creado con tecnología patentada que le permite operar en tiempo real. La compañía utiliza una tecnología llamada “ADN Digital” para recopilar los datos necesarios para desarrollar los avatares. “Puede presentarse en vivo, responder a las audiencias y existir dentro de entornos interactivos”, explicó Scott. “Esto no es contenido prerenderizado reproduciéndose en bucle. Es una interpretación viva, construida exclusivamente a partir de material auténtico: seleccionado, autorizado y controlado por las personas más cercanas a Ozzy”.
David Nussbaum, fundador de Proto Hologram, reafirmó las declaraciones de Scott sobre el uso exclusivo de material aprobado para crear los avatares digitales, ya que tanto su empresa como Hyperreal siguen estrictos principios éticos respecto a la inteligencia artificial. “No tomamos a la ligera la responsabilidad de trabajar con artistas de esta magnitud”, afirmó.
Hyperreal ya había creado anteriormente un avatar digital del fallecido Stan Lee, el cual presentó durante la L.A. Comic Con 2025. Los videos del Lee digital lo muestran interactuando con asistentes de la convención, exaltando las virtudes de Spider-Man como su superhéroe favorito y explicando los orígenes de Sandman.
“Sharon llegó a esto con un contexto real: ya había visto de lo que esta tecnología es capaz”, explicó Nussbaum. “Visitó la sede de Proto Hologram en Van Nuys, donde pudo ver de primera mano varios proyectos, incluido el avatar de Stan Lee creado por Hyperreal, que mantuvo conversaciones en vivo con fans de Marvel durante la LA Comic-Con. Incluso ella misma se convirtió en un holograma. Así que no llegó sin saber nada. Entendía las capacidades de la tecnología antes de comprometerse, y eso es importante para nosotros, porque la confianza informada es la única que realmente vale”.
Sharon y Jack Osbourne hablaron sobre el Ozzy digital en un panel titulado “El legado perdurable de un ícono del rock y su familia: Ozzy Osbourne y los Osbourne”. License Global reportó que madre e hijo fueron bastante sinceros sobre el enfoque práctico que han tenido al construir su marca. “Tuvimos una gran discusión por los patitos de goma [de la marca]”, contó Jack, refiriéndose al merchandising relacionado con el programa The Osbournes. “Yo decía: ‘No voy a convertirme en un pato de goma’”. Pero al final, los patitos sí salieron a la venta.
“Elvis Presley murió hace 50 años y todo el mundo sabe quién es Elvis”, dijo Sharon durante el evento. “Yo solo quiero eso para Ozzy Osbourne”.
“Es un honor que confíen en nosotros para traer de vuelta al mundo a uno de los verdaderos dioses del rock y permitirle seguir conectando con sus fans. ¡Gracias, Sharon y Jack!”, afirmó Nussbaum. “No lo haríamos si no estuviéramos seguros de que las tecnologías de nuestras compañías pueden crear una experiencia que realmente extienda la presencia, el corazón y el alma de Ozzy hacia el futuro”.
“Cada grabación, cada video y cada fotografía captura un momento”, explicó Scott. “Lo que Hyperreal y Proto están construyendo captura algo más: la presencia. La razón por la que la gente ama a Ozzy Osbourne no es solo por su música; es porque se entregó a sus fans de una manera en la que ellos realmente sentían que lo conocían. Eso es raro. Y vale la pena preservarlo. La idea es que un niño que descubra a Ozzy dentro de diez años pueda experimentar esa misma conexión; no una pieza de museo, sino a Ozzy siendo Ozzy”.
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Paul McCartney quiere contarte una historia. Tomá asiento y escuchá mientras pinta la escena con palabras pausadas: “Solía pasar por delante de tu casa”, comienza, con una voz un poco más ronca en estos días, pero no por ello menos tierna. “Cada noche miraba hacia tu ventana. La luz estaba encendida. Veía tu silueta en la persiana…”. Es un recuerdo agridulce de hace mucho tiempo, algo parecido a “No Reply” de Los Beatles, pero con todo el resentimiento reemplazado por sentimientos más amables. “¿Se te cruza mi nombre por la cabeza mientras descansas allí?”, le pregunta a aquel viejo amor platónico. Entonces entra la banda —en realidad, es casi todo el propio Sir Paul, tocando al menos nueve instrumentos— y ahí está: tantos años después, todavía quedan pocos placeres más grandes en la música pop que escuchar a este tipo rockearla.
“As You Lie There” es la primera canción de The Boys of Dungeon Lane, el primer álbum de estudio de McCartney en seis años, y marca el tono de esta obra maestra de vejez, cálida y nostálgica. Hay varias canciones sobre sus primeros años en Liverpool, incluido un dúo sobre “los buenos viejos tiempos” con su amigo Ringo Starr; el título del álbum hace referencia a una calle del barrio donde crecieron tanto él como George Harrison. En general, se percibe la sensación de una leyenda que repasa una vida bien aprovechada. Este no es necesariamente un tema nuevo para McCartney, que lleva años cantando sobre lo que una vez llamó su pasado siempre presente. Pero la vibración otoñal es más pronunciada que nunca, y hay una emotividad inusual en canciones como “Days We Left Behind”, donde revuelve algunas fotos viejas en blanco y negro y solo encuentra “bares llenos de humo y guitarras baratas / pero nada construido para durar”. Es una de las baladas acústicas más conmovedoras de un canon al que no le faltan precisamente ejemplos; un “Yesterday” con seis décadas más de experiencia detrás de la silenciosa tristeza.
Eso no quiere decir que este álbum sea deprimente, en absoluto. La fuerza vital de McCartney se mantiene intacta a lo largo de estos 14 temas, y la alegría que encuentra al hacer música se transmite en cada cambio de acorde. En “Mountain Top”, el eternamente joven músico de 83 años recuerda una agradable caminata entre hongos alucinógenos y mariposas, con un clavecín, bongós y loops de cinta que se suman a la atmósfera psicodélica. “Come Inside” es un rock de palmas ágil y libre que recuerda a Off the Ground de 1993. “Never Know” tiene un groove y un swing que remiten a Wings en la época de Back to the Egg (1979). “Life Can Be Hard” y “Ripples in a Pond” son homenajes románticos a la mujer de su vida, recordatorios de que el amor no tiene nada de tonto.
Todas estas canciones se benefician de arreglos sencillos y elegantes en los que McCartney toca casi todo por sí mismo, su segundo álbum consecutivo con este estilo tras el triunfo como “hombre orquesta” de McCartney III en 2020. El coproductor Andrew Watt —convertido en el principal “encantador” del rock clásico de esta década gracias a su trabajo con los Stones y Ozzy Osbourne— añade sintetizadores y guitarras aquí y allá. Sin embargo, en general es lo bastante inteligente como para no estorbar y dejar que uno de los músicos con más talento natural de la historia haga lo suyo. Es un contraste refrescante con los esfuerzos de la década de 2010 como New y Egypt Station, donde McCartney incorporó a múltiples colaboradores de corte pop con resultados dispares. Parece haber aprendido que lo que realmente queremos de un nuevo álbum solista a estas alturas de su carrera es más McCartney.
The Boys of Dungeon Lane cierra con un par de canciones vinculadas temáticamente sobre la paternidad en circunstancias difíciles. “Salesman Saint” evoca a sus verdaderos padres, Jim y Mary, y su decisión de formar una familia en la Inglaterra de la guerra: “No podían más, pero tenían que seguir adelante”, canta. “Así que aprendieron a seguir adelante, con risas y una canción”. Aún más impresionante es “Momma Gets By”, donde imagina a una pareja cuya vida podría parecer una miseria para alguien de afuera, pero que se aman de todos modos. Ella es una madre trabajadora, tal vez una conocida de las mujeres sobre las que escribió en “Lady Madonna” y “Another Day”; su marido está demasiado ocupado drogándose como para echar una mano. “Aunque él es complicado, ella lo lleva con naturalidad”, canta McCartney. “¿Qué son sus tontos defectos comparados con lo que ella siente por dentro?”. Su voz se esfuerza un poco por alcanzar la nota alta. Entonces entra una sección de vientos de madera, ligera y aérea, y con ella, una abrumadora sensación de gracia.
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La cuenta regresiva terminó: esta noche se celebrará una nueva edición de los Premios Gardel, la ceremonia que cada año reúne a las principales figuras de la escena local entre shows en vivo, homenajes y, claro, estatuillas.
En esta oportunidad, la entrega se llevará a cabo en el Teatro Coliseo, con transmisión en vivo de TNT y HBO Max desde las 21 hs y una previa desde las 20:15 con alfombra roja incluida.
Cazzu, Milo J, Lali, Babasónicos y Marilina Bertoldi son los principales candidatos a quedarse con el premio a Álbum del Año. También habrá actuaciones en vivo, reconocimientos especiales y un homenaje a Los Nocheros por sus 40 años de trayectoria.
Dónde ver los Premios Gardel 2026
La entrega podrá seguirse en vivo a través de TNT y por streaming en HBO Max. La gala principal será conducida por Diego Leuco, mientras que la cobertura de la alfombra roja estará a cargo de Eleonora Pérez Caressi.
Los artistas que van a tocar en vivo
- Trueno
- Milo J
- Yami Safdie
- Marilina Bertoldi
- Coti
- Angela Leiva
- La K’onga
- Agustín Bernasconi
- K4OS
- Roze
- Valen Vargas
En la previa también habrá actuaciones de Joaco Burgos y Cucuza Castiello.
PREMIOS GARDEL 2026 – NOMINACIONES
Álbum del año
- Latinaje — Cazzu
- No vayas a atender cuando el demonio llama — Lali
- La Vida Era Más Corta — Milo J
- Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
- Para quién trabajas vol. I — Marilina Bertoldi
Canción del año
Advertencia
INTÉRPRETE: Babasónicos
AUTOR: Adrián Rodríguez
COMPOSITOR: Adrián Rodríguez
Niño
INTÉRPRETE: Milo J
AUTORES: Camilo Joaquín Villarruel, Gregorio Armando Reinaldo Nelli, Mario Del Tránsito Cocomarola
COMPOSITORES: Camilo Joaquín Villarruel, Santiago Alvarado, Santiago Ruiz “Tatool”, Gregorio Armando Reinaldo Nelli, Mario Del Tránsito Cocomarola
Mejor que vos
INTÉRPRETES: Lali & Miranda!
AUTORES: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso, Martin D’Agosto, Alejandro Sergi
COMPOSITORES: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso, Martin D’Agosto, Alejandro Sergi
Con Otra
INTÉRPRETE: Cazzu
AUTORA: Julieta Emilia Cazzuchelli
COMPOSITOR: Nicolás Cotton
Favorita
INTÉRPRETE: Angela Torres
AUTORES: Ángela Caccia Torres, Isabela Terán Lieban, Fermín Ugarte, Mauro De Tommaso
COMPOSITORES: Ángela Caccia Torres, Isabela Terán Lieban, Fermín Ugarte, Mauro De Tommaso
El gordo
INTÉRPRETE: Marilina Bertoldi
AUTORA: Marilina Bertoldi
COMPOSITORA: Marilina Bertoldi
Querida Yo
INTÉRPRETES: Yami Safdie, Camilo
AUTORES: Yami Safdie, Camilo
COMPOSITORES: Yami Safdie, Camilo
Fresh
INTÉRPRETE: Trueno
AUTOR: Mateo Palacios Corazzina “Trueno”
COMPOSITORES: Mateo Palacios Corazzina “Trueno”, Santiago Gabriel Ruiz “Tatool”, Lukas Benjamin Leth Kroll
#Tetas
INTÉRPRETES: Ca7riel & Paco Amoroso
AUTORES: Catriel Guerreiro, Ulises Guerriero, Rafa Arcaute, Federico Vindver, Vicente Jiménez “Vibarco”, Gino Borri, Carolina Isabel Colón Juarbe “GALE”
COMPOSITORES: Catriel Guerreiro, Ulises Guerriero, Rafa Arcaute, Federico Vindver, Vicente Jiménez “Vibarco”, Gino Borri, Carolina Isabel Colón Juarbe “GALE”
Grabación del Año
- In the City — Charly García & Sting
- Niño — Milo J
- Mejor que vos — Lali & Miranda!
Ingeniería de Grabación
- Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
- A tres días de la tierra — Eruca Sativa
- La Vida Era Más Corta — Milo J
Mejor Álbum Artista de Folklore
- Mirarse en otros ojos — La Ferni
- Décimas — Maggie Cullen
- Fuera de lugar — Liliana Herrero
Mejor Álbum Artista de Rock
- Para quién trabajas vol. I — Marilina Bertoldi
- El retorno — Santiago Motorizado
- El (in) Correcto Uso de la Metáfora — Richard Coleman
- Continhuará — Fernando Ruiz Díaz
- Novela — Fito Paez
Mejor Álbum Artista de Tango
- Canciones de dos puertos — Alfredo Piro Rinaldi
- Pratanguero: 4º Esquina Final — Ariel Prat
- Actos de gentileza — Florian
Mejor Álbum Artista Pop
- Cuerpo — Olivia Wald
- Detalles — Zoe Gotusso
- Mi Norte & Mi Sur — Diego Torres
- No vayas a atender cuando el demonio llama — Lali
- No me olvides — Angela Torres
- El Verdadero — Juan Ingaramo
- Perfectas — Emilia
Mejor Álbum Artista Tropical / Cumbia
- Homenaje al chino de la Nueva Luna — Daniel Cardozo
- Malportada — Nathy Peluso
- La Casa De La Cumbia vol.1 — The La Planta
- Vol. 1 — El Negro Tecla
Mejor Álbum Banda de Sonido
- The Last of Us: Season 2 — Gustavo Santaolalla & David Fleming
- La mujer de la fila — Daniel Godfrid y Sebastián Espósito
- Los Mufas: Suerte para la desgracia — Juan Blas Caballero
Mejor Álbum Canción de Autor
- Gamurgatrónica — Ruben Rada
- Querida Yo — Yami Safdie
- Vivir Así — Barbarita Palacios
- Serenata en Mi Mayor para un amor y un atardecer — Coti
- Amor de mi herida — Camilú
Mejor Álbum Conceptual
- Tucumano Soy — Juan Falú
- La Vida Era Más Corta — Milo J
- Sandro así — Ariel Ardit
Mejor Álbum de Cuarteto
- Rompecabezas — Ulises Bueno
- Mejores Amigos de La Muela — Eugenia Quevedo
- Que sed — Luck Ra
- En Vivo Buenos Aires — La K’onga
Mejor Álbum de Hip Hop / Rap
- Okupas — Little Boogie & Stereo
- Bhavilonia — Bhavi
- Culto III — Neo Pistea
- Gauchos — Veeyam
- EUB Deluxe — Trueno
- Versus — Paulo Londra
Mejor Álbum de Jazz
- Apocalipsis — Pipi Piazzolla Trio
- Tomás Sainz — Tomás Sainz
- New York Sessions Vol. 1 — Leo Genovese – Mariano Otero
- Nomads — Valentino Jazz Bazar & Carrie Dianne Ward
- Todos los fuegos — Roxana Amed
Mejor Álbum de Música Clásica
- Compositores Argentinos — Grupo Vocal de Difusión & Mariano Moruja
- Sergio Parotti: Cuartetos de Cuerdas Vol. 1
- Murmullo en las aguas — Las Destrozzi
- El Teremín, la Serie y el Boxitracio — Martín Proscia y Pablo Borrás
Mejor Álbum de Música Global
- Huaucke Habibi — Los arcanos del desierto
- Latinaje — Cazzu
- Impulsa el Círculo — Brenda Martin
Mejor Álbum de Música Romántica Contemporánea
- Gracias a la Vida — Abel Pintos
- Alquimia — Patricia Sosa & Mijares
- Su Amigo Dyango, Vol. 1 — Dyango
Mejor Álbum de Pop Rock
- Polvo de estrellas — Turf
- El Regreso — Tan Bionica
- Los lobos — Estelares
- Ya No Estoy Aquí — Rayos Láser
- Alter ego — Silvestre y La Naranja
Mejor Álbum de Reggae/Ska
- Alfonsina y el mal — Señor Flavio
- La Respuesta — Leonchalon
- Raíces muy fuertes — Fidel Nadal
- A Tempo — Dread Mar I
Mejor Álbum en Vivo
- Juegue Kuelgue — El Kuelgue
- Hilda Canta Charly 2 — Hilda Lizarazu
- Hecho en Jamaica — Nonpalidece
- Conociendo Rusia vuelve a casa
- Trueno – Red Bull Symphonic
- Signos 25 años Vivo — Los Nocheros
- En vivo volumen I — Cindy Cats
- Esencia En Vivo — Cruzando El Charco
Mejor Álbum Folklore Alternativo
- Trinar(La flor) — Nadia Larcher
- 89 — Flor Paz
- Los días por venir — Lorena Astudillo & Ignacio Montoya Carlotto
Mejor Álbum Grupo de Folklore
- FAlklore Vol. 1 y 2 — Esto es ¡FA! & Mex Urtizberea
- Las canciones más lindas del mundo Vol. 2 — Dos Más Uno
- Hasta que aclare — Eva y Nadia
- Bipolar — Campedrinos
Mejor Álbum Grupo de Rock
- Divididos — Divididos
- Artificio — Indios
- A tres días de la tierra — Eruca Sativa
- El club de la pelea I — Airbag
- Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
- Sesión 20° Aniversario — El Mató a un Policía Motorizado
Mejor Álbum Grupo Pop
- Nuevo Hotel Miranda! — Miranda!
- Vandalos — Bandalos Chinos
- 4EVER — K4OS
Mejor Álbum Grupo Tropical / Cumbia
- El Desvelo — La Delio Valdez
- Uriel Lozano vol.2 / Zapada en vivo — Un Poco de Ruido
- Todo el mundo está kaliente! — Kchiporros
Mejor Álbum Infantil
- Mardearena — Magdalena Fleitas
- Luna con duendes — Mariana Baggio y otros
- Cantá con El Reino Infantil
- Al Agua — Pez Pequeño Pez
Mejor Álbum Instrumental
- Las cuatro estaciones — Noelia Sinkunas
- Solo — Pipi Piazzolla
- La Magia — Quique Sinesi & Astrid Motura
Mejor Álbum Música Electrónica
- Deseo — Mistol Team
- Peces Raros – Spotify Sessions
- X-Sex — Six Sex
Mejor Álbum Orquesta y/o Grupo de Tango
- EMPA Orquesta de Tango
- Tangomorphosis — Pablo Estigarribia
- Tango — José Colángelo
Mejor Álbum Pop Alternativo
- Mi año gótico — Emmanuel Horvilleur
- Hotcore — Taichu
- En el Ciber — Benito Cerati
- Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
- Tanya — Juana Rozas
Mejor Álbum Rock Alternativo
- Exultante — Carca
- Ceremonia — 1915
- Instantáneo — Viva Elastico
- Quiero que lo que yo te diga sea un arma — Winona Riders
Mejor Álbum Rock Pesado
- Vive — Claudio Marciello
- Legado — A.N.I.M.A.L
- Alto Viaje — Corvex
Mejor Álbum Urbano
- Gotti B — Tiago PZK
- Quimera — Maria Becerra
- 166 (Deluxe) retirada — Milo J
- Saturación pop — Ysy A
- Lamba — FMK
Mejor Arte
- Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
- Doga — Juana Molina
- Novela — Fito Paez
Mejor Canción de Autor
- Luciérnagas — Milo J, Silvio Rodríguez
- Hielo Fino — Silvina Moreno
- Querida Yo — Yami Safdie, Camilo
Mejor Canción de Cuarteto
- Julieta & Romeo — Ian Lucas & Q’ Lokura
- Carita Triste — Q’Lokura, Los Herrera
- Tu misterioso alguien — Luck Ra feat. Miranda!
- Hielo, vino y coca — Los Tabaleros & Los Caligaris
- No se ve / Chingón — Desakta2
- DIOS — Ulises Bueno
- Otra Poesía — L-Gante, La K´onga
Mejor Canción de Folklore
- Décimas — Maggie Cullen
- Puño y letra — Duratierra
- Niño — Milo J
- El amor es un viento que regresa — Los Nocheros
Mejor Canción de Hip Hop / Rap
- Cadenas — Acru
- Fresh — Trueno
- Gil — Milo J, Trueno
- Retirada — Milo J
- PVSL — Paulo Londra
Mejor Canción de Pop
- Perfecto Final — Conociendo Rusia, Nathy Peluso
- El día del amigo — Ca7riel & Paco Amoroso
- El Ritmo — Bandalos Chinos
- Favorita — Angela Torres
- Me Gusta — Miranda! & TINI
- Mejor que vos — Lali & Miranda!
Mejor Canción de Rock
- El gordo — Marilina Bertoldi
- In the City — Charly García & Sting
- Volarte — Eruca Sativa
- Pensando en Ella — Dante Spinetta
- Advertencia — Babasónicos
- Aliados en un viaje — Divididos
Mejor Canción de Tango
- La Marcha de la Bronca — Quinteto Negro La Boca y varios
- La Guitarra — Melingo & Fito Paez
- Nada — Ariel Ardit y Lidia Borda
Mejor Canción en Vivo
- Fanático — Lali
- Inocente — Nonpalidece Ft. La Delio Valdez
- Tiny Desk — Ca7riel & Paco Amoroso
- Sábado — Cindy Cats
- La Taleñita — Milo J & Campedrinos
Mejor Canción Pop Rock
- 33 — Lali & Dillom
- #Tetas — Ca7riel & Paco Amoroso
- Barry Lindo — El Kuelgue
- Tus Cosas — Tan Bionica
- Desastres Fabulosos — Conociendo Rusia, Jorge Drexler
Mejor Canción Tropical / Cumbia
- Me Contó Un Pajarito — Fede Vigevani, Luck Ra, Ian Lucas
- Con Otra — Cazzu
- Si No Es Muy Tarde — Luciano Pereyra y otros
- Amiga Traidora — Angela Leiva
- Echar de Menos — Ke Personajes
- Tu jardín con enanitos — Roze y otros
Mejor Canción Urbana
- Sin cadenas — Paulo Londra
- Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
- Olimpo — Milo J
- Cruz — Trueno & Feid
- Historia — Ramma
Mejor Colaboración
- Loco un poco — Turf & Lali
- Tu misterioso alguien — Luck Ra feat. Miranda!
- Campera de cuero — Los Tabaleros & Las Pastillas del Abuelo
- Jangadero — Milo J & Mercedes Sosa
- Mi Vida — Tan Bionica, Andrés Calamaro
- In the City — Charly García & Sting
- Mejor que vos — Lali & Miranda!
- Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
- Me Gusta — Miranda! & TINI
- Me Contó Un Pajarito — varios
Mejor Colaboración Urbana
- Hasta que me enamoro — Maria Becerra, Tini
- Gil — Milo J, Trueno
- Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
- Masna remix — FMK, Emilia, Nicki Nicole, Tiago PZK
- La verdadera — Ramma, Kidd Voodoo
- Flashbacks — Wisin, Paulo Londra, Big One
Mejor Colección de Catálogo
- Pelusón of Milk — Spinetta
- Suiza 1980 — Mercedes Sosa
- Adiós Sui Generis — Sui Generis
Mejor Nuevo Artista
- María Wolff
- Blair
- Little Boogie & Stereo
- Cindy Cats
- Tuli
- La Ferni
- Sofía de Ciervo
- Mia Folino
- Las Tussi
- Chechi de Marcos
- 143leti
Mejor Videoclip Corto
- El gordo — Marilina Bertoldi
- Bajo De La Piel — Milo J
- #Tetas — Ca7riel & Paco Amoroso
- In the City — Charly García & Sting
- Advertencia — Babasónicos
Mejor Videoclip Largo
- Todo Es Folklore — Los Tabaleros
- Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
- La Vida Era Más Corta — Milo J
- No vayas a atender… — Lali
- Sonidos, barro y piel — Divididos
Productor del año
- Nico Cotton
- Evlay
- Gustavo Santaolalla
- Cachorro López
- Marilina Bertoldi
- Tatool
- Mauro De Tommaso
- Milo J
- Santiago Alvarado
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Jack Osbourne se pronunció en defensa del avatar de inteligencia artificial de Ozzy Osbourne que fue anunciado la semana pasada. Los Osbourne se asociaron con Hyperreal y Proto Hologram para crear un “Príncipe de las Tinieblas” impulsado por IA, que podrá hablar con sus fanáticos y estará disponible en unidades Proto Luma en el Reino Unido y los Estados Unidos a finales de este verano.
Jack y su madre, Sharon Osbourne, anunciaron el proyecto en la Licensing Expo 2026 en Las Vegas, y Jack señaló que “da un poco de miedo lo increíblemente preciso que es”. A pesar del entusiasmo de la familia, hubo cierta reacción negativa por parte del público y de los fanáticos de Osbourne. Jack se refirió al malestar durante una sesión de preguntas y respuestas en una transmisión en vivo el sábado.
“El asunto es que lo que estamos haciendo va a ser de muy buen gusto. No va a ser una puta porquería”, dijo Jack. “Lo que estamos haciendo es realmente complejo. Esto no es simplemente como conectar una imagen de mi papá a ChatGPT. Esta es tecnología de alto nivel con la que vamos a trabajar, se va a sentir muy real y es una locura cómo se va a utilizar”.
Explicó que había discutido ideas similares con su padre antes de su fallecimiento el año pasado. “Está muy bueno y es algo en lo que creo que mi papá estaría interesado”, dijo Jack. “De hecho, hablamos de eso antes de que falleciera, de hacer algo como esto… Sé que a él le interesaría esto”.
En el anuncio, Sharon explicó: “Le puedes preguntar cualquier cosa al Ozzy [digital] y él te responderá con su propia voz, y las respuestas serán lo que Ozzy habría dicho. Lo vamos a llevar por todo el mundo. La gente podrá hablar con él y él les responderá”.
“Da un poco de miedo lo increíblemente preciso que es”, dijo Jack. “Existirá digitalmente como él mismo mientras tengamos computadoras. La tecnología ha avanzado tanto que es casi como arrastrar y soltar. Podrías filmar una plantilla para un comercial… literalmente darle las indicaciones de lo que quieres que haga el Ozzy Digital en ese comercial y simplemente lo insertas. Así de simple es ahora”.
El director ejecutivo de Hyperreal, Remington Scott, le dijo a Rolling Stone que creó el avatar de Ozzy utilizando tecnología patentada que le permite operar en tiempo real. La empresa utiliza la tecnología patentada “Digital DNA” (ADN Digital) para recopilar los datos que necesita para crear los avatares.
“Puede actuar en vivo, responder al público y existir dentro de entornos interactivos”, dijo Scott. “Esto no es contenido renderizado previamente que se reproduce en bucle. Es una actuación viva, construida exclusivamente a partir de material original autenticado: curado, consentido y controlado por las personas más cercanas a Ozzy”.
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Ariana Grande jamás habría podido convertirse en la clase de estrella pop capaz de definir una era si hubiera sido tímida o excesivamente cuidadosa con sus emociones. Es la artista que cantó con absoluta honestidad “This situationship has to end” en Eternal Sunshine mientras abordaba la disolución de su matrimonio. La misma que lanzó casualmente la línea “Look at you, boy, I invented you” en Thank U, Next, grabado después de romper un compromiso con alguien cuyo nombre terminó convertido en el título de una canción dentro de Sweetener. La misma que publicó Positions.
Grande no habría podido hacer ninguno de esos discos sin crear primero Dangerous Woman. Diez años después de su lanzamiento, el tercer álbum de estudio de la cantante sigue siendo fundamental en su evolución como una de las voces más importantes del pop, tanto en sentido figurado como literal — “Greedy” probablemente sea la canción más estridente que ha grabado hasta ahora. Pero, más allá de eso, Dangerous Woman fue decisivo para establecer el tipo de historias que Grande podía contar con esa voz implacable y las emociones que podía transmitir a través de ella. Puso el futuro del pop directamente en sus manos.
“Young Ariana run pop”, rapeó Nicki Minaj en “Side to Side”, el sencillo mejor posicionado del álbum. Todavía faltaban dos años para que Grande consiguiera su primer número uno —con “Thank U, Next” en 2018— y aun así, la afirmación de Minaj tenía mucho de verdad. El pop atravesaba un momento de transición en 2016: Rihanna y Beyoncé consolidaban sus legados con Anti y Lemonade, respectivamente. Las listas estaban dominadas principalmente por Drake y Justin Bieber. Mientras tanto, The Chainsmokers y Meghan Trainor también acumulaban éxitos importantes. Pero no había nadie moviéndose exactamente en el mismo espacio que Ariana Grande. Una cosa es tener una voz poderosa; otra muy distinta es controlarla de la forma en que ella lo hace a lo largo de Dangerous Woman.
“Into You” es uno de los ejemplos más claros de lo que significa un clásico instantáneo dentro de la historia reciente del pop. “La primera frase, ese ‘I’m so into you / I can barely breathe’, es quizá lo más cercano a la perfección pop que he escuchado”, dijo Lorde pocos días después de que “Into You” fuera lanzada como el segundo sencillo de Dangerous Woman. Grande canta esa línea en un tono bajo, no exactamente un susurro, pero sí algo igual de frágil y entrecortado. Conforme se acerca al explosivo primer coro, su voz gana intensidad hasta consumir por completo la canción con una exigencia desafiante: “Baby, come light me up”. Y luego llega ese puente hipnótico que eleva el tema de extraordinario a magistral.
“Touch It” resulta igual de vertiginosa de principio a fin. Cada vez que parece haber alcanzado su punto máximo, Ariana Grande va todavía más lejos, avanzando con notas agudas implacables y runs vocales demoledores. La percusión contundente de “Thinking Bout You”, la canción que cierra el álbum, replica el ritmo acelerado de un corazón expectante. Apenas detrás del beat, armonías etéreas giran alrededor de Grande mientras intenta aferrarse a un abrazo fantasma y la canción escala hacia un puente explosivo. “I’ve been waiting patient, patiently/’Cause I don’t have you here with, here with, here with me”, canta. Entonces llega esa liberación eufórica y total: “But at least I have the memory”. El tema se siente como un precursor natural de “Imagine” de Thank U, Next o “Better Off” de Sweetener, canciones que necesitan escucharse con los ojos cerrados para realmente sentirlas.
Gran parte del álbum fue creada junto a Max Martin, Ilya Salmanzadeh y Savan Kotecha, además de Tommy Brown. Con créditos en 10 de las 15 canciones del disco, fue el proyecto en el que Grande estuvo más involucrada en el proceso de composición hasta ese momento de su carrera. Actualmente, la cantante trabaja como compositora y coproductora junto a Martin y Salmanzadeh, quienes se han convertido en sus colaboradores más cercanos. Su ya característica forma de producción vocal —superponiendo capas y capas de armonías etéreas en arreglos intrincados— comenzó a tomar forma precisamente en Dangerous Woman. Lo mismo ocurrió con su voz narrativa. Grande entiende con precisión cómo ha evolucionado el pop durante la última década, no solo como forma artística, sino también como una especie de archivo emocional de la vida de un artista.
Como título de álbum, Dangerous Woman es tan directo como otros discos pop que lo precedieron, como Good Girl Gone Bad de Rihanna o Stripped de Christina Aguilera. También es importante recordar que, hace una década, la conversación alrededor de prácticamente cualquier mujer dentro del pop estaba completamente ligada a la expectativa de representar una determinada idea de feminismo. Algo tan común como abrazar la propia sexualidad era presentado como un acto radical, en lugar de simplemente permitir que las mujeres existieran como son. Y aun así, Dangerous Woman casi nunca se siente como un álbum desesperado por convencer al público de ver a Ariana Grande bajo una nueva luz, incluso en los momentos que peor han envejecido. La declaración “We got that hood love/We got that good love/We got that hot love” en “Bad Decisions” se equilibra con una ironía consciente: “Ain’t you ever seen a princess be a bad bitch?”
Incluso con apenas 22 años, Grande ya construía una narrativa intrigante alrededor de su figura pop. En la segunda mitad de “Knew Better / Forever Boy”, una canción dividida en dos partes que rompe, supera y vuelve a enamorarse en menos de cinco minutos, canta: “Never been with a boy more than six months/I couldn’t do it, got too used to it”. No suena como una confesión, sino como un hecho. Ahí empieza el camino hacia canciones como “The Boy Is Mine” y “Twilight Zone” en Eternal Sunshine, donde canta: “Why do I still protect you?/Pretend these songs aren’t about you/Hope this might be the last one/’Cause I’m not fooling anyone”. Existe una intimidad muy particular en la forma en que Grande escribe sobre las relaciones: directa en su interpretación, pero plenamente consciente de la curiosidad de su audiencia. La primera línea que escuchamos en “Let Me Love You”, su colaboración con Lil Wayne, es: “I just broke up with my ex.”
El pop tampoco pareció entregarse completamente a Ariana Grande hasta que Sweetener y Thank U, Next la impulsaron hacia la cima absoluta del género. Fue entonces cuando resultó imposible separar la narrativa de su vida de su música. El atentado durante la fecha de Manchester del Dangerous Woman Tour en 2017 y la muerte de su expareja y colaborador Mac Miller en 2018 proyectaron una enorme sombra de duelo sobre su carrera. Con cada nuevo lanzamiento, parte del público comenzó a tratarla con una fragilidad exagerada que ignoraba la determinación que ya había demostrado en Dangerous Woman. La audacia presente en ese disco no surgía como respuesta al trauma o a la tragedia; recuperarse y seguir adelante siempre había sido parte de su forma de mantenerse en pie.
El blues contenido de “I Don’t Care” es uno de los momentos más subestimados de Dangerous Woman. La canción funciona como un antecedente evidente de “Shut Up” en Positions y “True Story” en Eternal Sunshine, no solo en sonido, sino también en contenido. “Now I laugh about the things that used to be important to me/Used to have a hold on me”, canta. “Like what do you think, and what he thinks, and what they think/But I love me.” En los años posteriores a Dangerous Woman, Grande necesitaría cada vez más ese tipo de reafirmaciones. Aprender a bloquear el ruido externo evitó que ese ruido terminara ahogando su voz. Esa claridad también le permitió perfeccionar sus habilidades como compositora y productora mientras la transformación artística que comenzó en Dangerous Woman terminaba de completarse.
Dangerous Woman llevó a Ariana Grande de ser una fabricante de hits a convertirse en una figura capaz de marcar el rumbo del pop. Durante un tiempo, parecía cómoda ocupando el primer lugar. De hecho, el álbum estuvo cerca de llamarse Moonlight, como la balada inspirada en el doo-wop que abre el disco. “Focus”, el sencillo cargado de metales lanzado en 2015, originalmente iba a ser el tema principal del proyecto. Pero ambas canciones retomaban terrenos que Grande ya había explorado antes. “Focus”, que finalmente quedó fuera del álbum, habría encajado mucho mejor en My Everything junto a canciones como “One Last Time”, “Problem” y “Break Free”. Por otro lado, “Moonlight” remitía directamente a Yours Truly, su debut de 2013. Dangerous Woman necesitaba ser distinto. El cambio de dirección permitió que la influencia R&B presente desde sus primeros lanzamientos pasara finalmente al frente, sin abandonar nunca su posición dentro del pop.
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Judeline continúa expandiendo el universo emocional de su música con ‘pequeñita!’, un sencillo atravesado por la vulnerabilidad y la introspección. La canción funciona como un diálogo entre Lara Fernández Castrelo y su niña interior, abordando temas como la memoria, el miedo, la identidad y la necesidad de reconciliación personal.
Con una producción minimalista desarrollada junto a Mateo Arias y Blanda, ‘pequeñita!’ apuesta por una instrumentación contenida donde los sintetizadores suaves y los espacios de silencio acompañan la fragilidad interpretativa de Judeline. Lejos de estructuras explosivas o momentos grandilocuentes, la canción construye una atmósfera íntima que sostiene el peso emocional de la letra.
Desde los primeros versos, la artista deja claro el tono confesional del tema: “Lara eres tan pequeñita, mira delante de ti”. A partir de ahí, la canción desarrolla una conversación entre dos versiones de la misma persona: la adulta que observa el pasado y la niña que carga con la soledad y las heridas emocionales de la infancia.
La línea “hoy te dejaron solita, no siempre va a ser así” resume uno de los ejes centrales de la canción: la necesidad de consuelo y protección frente a experiencias dolorosas que persisten en la memoria. Sin recurrir al dramatismo, Judeline construye un relato emocional sostenido desde la ternura y la contención.
Nacida en Jerez de la Frontera y criada en Los Caños de Meca, Lara Fernández Castrelo se ha consolidado como una de las voces más singulares de la nueva música española. Tras mudarse a Madrid a los diecisiete años, comenzó a desarrollar el proyecto artístico de Judeline, donde combina elementos de pop alternativo, electrónica y sensibilidad andaluza.
Uno de los momentos más significativos de ‘pequeñita!’ llega con el verso “Sé que hubo un momento dentro mía no hubo sitio para ti y cambié mi nombre”, donde la cantante conecta el crecimiento personal con la construcción de una nueva identidad. La referencia funciona tanto desde lo emocional como desde la creación del propio personaje artístico de Judeline.
La canción también incorpora imágenes espirituales y protectoras que refuerzan su dimensión emocional. Frases como “Hoy susurraste a una estrella pero te escuchaba Dios” o “Y si cuando duermas sientes miedo de lo que pueda venir, mataré a ese hombre” amplían el relato hacia una idea de cuidado y resguardo frente al miedo y la vulnerabilidad.
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