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Carín León sigue dejando en claro que la música mexicana no para de evolucionar. Con Muda, su nuevo álbum de estudio, la estrella nos presenta su material más ecléctico a la fecha.
Desde hace unos años, León se ha regido por un concepto que cautivó la atención del público: la boca. Y ahora, con este nuevo material, el cantante sigue apostando por ese símbolo como concepto rector, pero ampliando su exploración hacia un universo sonoro, conceptual y creativo mucho más innovador, con la voz, la palabra y la interpretación a grandes niveles.
Si bien el disco sigue el concepto que ha marcado en sus discos anteriores, también cierra una era para el cantautor, pues, además de que se trata del cierre simbólico de la boca, se presenta más seguro y poderoso como nunca antes. Plasma la experiencia de mudar de piel: reinvención y evolución artística en todo su esplendor. Muda va más allá de la música: marca una etapa de búsqueda y riesgo por encontrar nuevos caminos que lo saquen de su zona de confort, impulsado por el hambre de la curiosidad y su amor profundo por la música.
“En Muda buscamos otros sonidos y horizontes musicales, además de nuestro regional, para llevar el proyecto a otros países y a otros idiomas; ese fue el objetivo de este disco”, reveló Carín León. “El nombre del álbum hace referencia a Hermosillo, por la hache muda y, además, al concepto de la muda de piel. Además, todo esto tiene que ver con la boca, que todos mis discos venían hablando de esto — Colmillo de Leche, Bocha Chueca, Palabra de To’s —; todo tiene que ver con el concepto. Con Muda cerramos esta etapa”.
Como nunca antes, la portada del álbum nos deja ver la boca de Carín sin deformación alguna, a comparación de sus materiales anteriores. Abierta, frontal y desafiante, hace un guiño a su evolución como cantante; su transformación visual contundente. “La portada sigue la estética visual de mis discos anteriores, que eran pinturas al óleo”, comparte. “En Muda hicimos un óleo a partir de una foto real mía, lo que le da un efecto de deslave. Esta intervención le otorgó una crudeza visual que describe a la perfección lo que presento en el disco”.
Muda también nos deja escuchar su versatilidad musical en toda la extensión de la palabra. A través de 14 canciones, Carín León atraviesa géneros como el pop, big band, ska, blues, salsa, funk y música mexicana tradicional, ofreciendo uno de sus trabajos más arriesgados e interesantes hasta la fecha. Sin duda, sigue reafirmando su papel como una voz fundamental de la música mexicana contemporánea.
Para Muda, Carín trabajó junto a un equipo de compositores integrado por Edgar Barrera, Spread Lof, Casta y Daniel Rondón, y la producción de Edgar Barrera y Casta. Este trabajo está regido por un tema universal: el amor, pasando por diversas de sus etapas como la devoción amorosa, la picardía, el despecho, el orgullo, la venganza y el dolor que lleva a los excesos.
La dirección creativa de todo el concepto de la producción estuvo bajo el cargo de Adriel Favela, quien dijo: “Más que una dirección creativa como tal, me atrevería a decir que fui un instrumento de canalización y de energía. La amistad que tengo con Carín me permitió sumergirme en un espacio profundamente íntimo. Bastó con ser sensibles y vibrar en la misma sintonía para darle orden y forma a las ideas que él ya tenía”.
Y agregó: “Existe un juego de palabras muy poderoso alrededor de la frase: ‘¿Quién dijo que la H es muda?’.’ A partir de ahí nace ‘Muda de Piel’, un concepto que representa el cierre de un ciclo: dejar atrás lo que fuimos para mostrarnos con una nueva piel. La estética del proyecto invita por completo a conocer no solo a Carín León como artista, sino también al ser humano detrás de él. Es una invitación desde el alma a entrar a su casa, a su tierra, a su origen; a comprender de dónde viene y qué lo ha formado”.
En este cierre y apertura de etapa, Carín León decidió aliarse con el legendario fotógrafo estadounidense Mike Miller, quien le dio su toque característico del streetstyle. “El simple hecho de tener la oportunidad de trabajar con un artista como Carín es una bendición. Carín y yo hicimos click desde un inicio, es todo un profesional. Agradezco mucho la confianza que me dio con mis propuestas. Espero tener más oportunidades de trabajar con Carín y su equipo”, compartió Mike Miller en exclusiva a ROLLING STONE en Español.
Muda incluye únicamente dos colaboraciones que tienden un puente entre Carín y Sudamérica, rindiendo homenaje a la riqueza tropical y al folclor de Colombia y Venezuela junto a dos de sus máximos exponentes: Juanes, ícono del pop y rock latino, y Rawayana, una de las agrupaciones más destacadas actualmente.
Por ahora, ya puedes escuchar Muda en todas las plataformas de streaming musical.
Tracklist Muda:
1. Desde Que Te Tengo
2. En La Misma Cama
3. Ruca
4. Carranga ft. Juanes
5. Huyo
6. Doliendo Bastante
7. Bingo ft. Rawayana
8. Tokio
9. La Buena
10. El Mejor
11. Vuelve o Vete
12. Sustancias y Bebidas
13. Olvídate
14. Ay Lupita
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El multiverso de la música urbana acaba de colonizar el tanque más icónico de Pixar. Bizarrap, el productor que pateó el tablero de la industria global desde su búnker de Ramos Mejía, suma un nuevo hito a su currículum de exportación: pondrá su voz en la versión en español de Toy Story 5 para Latinoamérica y España.
El argentino —que ya junta cuatro Latin Grammys, cuatro récords Guinness y mil millones de reproducciones en el bolsillo— dejará por un rato la música para convertirse en Santa de Jardín. ¿De qué va su personaje? Un juguete ecléctico, místico y ferozmente protector que lidera una trinchera de muñecos olvidados en el barro de un patio trasero. Una especie de forajido de plástico con el pulso de la calle.
El productor de gafas oscuras y su gorra característico no sólo suma su nombre a los créditos de Disney. Además protagonizará un encuentro cumbre para la cultura popular de esta década: Biza compartirá una escena clave con Benito Antonio Martínez Ocasio.
Sí, Bad Bunny —que ya había sido anunciado en el reparto— le prestará su flow a Pizza con Anteojos, un nuevo y delirante personaje. Ver a los dos reyes de la escena hispana cruzar diálogos en un living de animación promete ser uno de esos momentos más icónicos del año.
Toy Story 5 se estrena en los cines el jueves 17 de junio. Allí, los juguetes que marcaron la infancia de varias generaciones mostrarán un nuevo groove.
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Mientras la cuenta regresiva global empieza a mirar de reojo el próximo Mundial, Lollapalooza Argentina confirmó las fechas para su edición 2027 y activó el cronograma para una de las maratones musicales más esperadas del calendario.
La cita ya tiene fechas: 12, 13 y 14 de marzo de 2027. El Hipódromo de San Isidro volverá a transformarse en esa ciudad armada a base de cinco escenarios, muestras de arte, gastronomía y el cruce generacional que define el pulso del evento. DF Entertainment, C3 Presents y Perry Farrell ya pusieron las cartas sobre la mesa para iniciar la venta de abonos de un festival que en su última edición albergó los shows de Sabrina Carpenter, Tyler, The Creator, Chappell Roan, Deftones, Skrillex, Lorde y el regreso local de Paulo Londra.
La gran novedad de esta edición es LollaFAM, una instancia pensada específicamente para la hinchada más leal del festival. El miércoles 3 de junio a las 10 AM se abrirá un abono exclusivo para aquellos que ya tengan asistencia perfecta (o casi): el requisito es haber estado en al menos cinco ediciones de #LollaAR. Los beneficiados recibirán un código personal por mail entre el 1° y el 2 de junio, que les permitirá adquirir hasta dos abonos a valor Early Bird ($205.000 + service charge cada uno) a través de la Web de AllAccess.
Para el resto, el ritual sigue el camino conocido. Los codiciados Early Bird generales y la preventa exclusiva para clientes Santander Visa largarán el jueves 4 de junio a las 10 de la mañana, con el beneficio de financiar las entradas en hasta 6 cuotas sin interés. Una vez agotado ese cupo, se abrirá automáticamente la venta general con todos los medios de pago. Además, los usuarios de la app Mi Personal contarán con un 15% de descuento hasta agotar stock.
La oferta de accesos vuelve a segmentarse para que cada asistente diseñe su propio fin de semana en San Isidro, sumando comodidades tecnológicas y de infraestructura:
3 Day Pass (General): El acceso clásico para las tres jornadas. Da derecho a recorrer todo el predio, los cinco escenarios, los sectores Espíritu Verde, Rock & Recycle, el patio gastronómico, el Beergarden (para mayores de 18) y el Kidzapalooza (los menores de 10 años entran gratis acompañados de un adulto con ticket).
3 Day Pass Plus: Un salto en comodidad. Suma el ingreso a un área de relax con sombra, red Wi-Fi dedicada, baños preferenciales, pantallas gigantes con la transmisión en vivo de los main stages, puestos exclusivos de hidratación y carga de cashless, además de lockers gratuitos.
3 Day Pass Lolla Lounge: La experiencia premium definitiva. Cuenta con una ubicación privilegiada con vista lateral a los escenarios principales, áreas de descanso, masajes, estaciones de glitter, atención personalizada y facilidades exclusivas para evitar cualquier tipo de fila.
Para esta edición, el festival profundiza la idea de resolver la experiencia de punta a punta. Por un lado, se mantendrán las opciones de estacionamiento (que se pueden adquirir en simultáneo con las entradas) y el Servicio de transporte oficial, un sistema de traslados pagos con rutas genéricas y puntos de encuentro diseñados para garantizar una vuelta segura y cómoda a casa cuando se apagan los amplificadores.
Por el otro, regresa Lolla Dine, el espacio que busca fusionar la música con la alta cocina dentro del predio. Se trata de un sector con vista panorámica, mesas reservadas y menú a la carta ideal para los que buscan un respiro gourmet en medio de la maratón de bandas (vale aclarar que el acceso a Lolla Dine requiere obligatoriamente tener la entrada al festival y es exclusivo para mayores de 18 años debido al expendio de bebidas alcohólicas).
En definitiva, se pone en marcha otra edición de un festival cuya identidad ya no depende únicamente de los nombres que figuren en el cartel.
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Slayer, el grupo supremo del thrash metal vuelve a reencontrase con el público argentino para una única e imperdible presentación en el Movistar Arena. La cita es el lunes 14 de diciembre de 2026, y el motivo es monumental: celebrar el 40° aniversario de Reign in Blood, su obra cumbre y pilar definitivo del género, interpretando el disco por completo.
Tras conmover al mundo en 2024 con su regreso a los escenarios, Tom Araya, Kerry King, Paul Bostaph y Gary Holt vuelven a desatar su brutalidad sónica en la Reina del Plata. La velada contará además con el crédito local Avernal, pioneros del metal extremo que con más de 30 años de trayectoria presentarán su noveno álbum, Ekpyrosis.Las entradas estarán disponibles en preventa el lunes 1 de junio a las 13 hs, y para clientes BBVA el martes 2 a las 13 hs. La venta general comienza el jueves 4 a las 13 hs acá, con un cupo limitado de experiencias VIP.
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Cuando una banda colombiana independiente logra producir y lanzar un álbum sinfónico, ya hay que reconocer un mérito muy grande. Sin embargo, cuando esa banda ha mantenido por varias décadas un lugar de privilegio en el inconsciente colectivo de un país, el mérito se duplica.
Estado Alterados acaba de presentar oficialmente en plataformas digitales su álbum en vivo Sinfónico, que hace ya algunas semanas venía circulando en formato de vinilo desde el 18 de abril, para el Record Store Day. Después de un largo y complejo proceso de postproducción, el álbum -grabado en 2021 junto a la Orquesta Filarmónica Metropolitana del Valle de Aburrá (La Metro)- ya se puede escuchar en cualquier parte.
La materialización de este sueño ha traído, en palabras de la misma banda, un enorme crecimiento musical y personal, porque les llevó a trabajar con decenas de jóvenes que día a día se esfuerzan para abrirse camino en la música, y este encuentro permitió a Estados Alterados enfrentarse a una nueva perspectiva frente al país, con realidades desconocidas hasta entonces. Al hablar con la banda parece evidente que este disco ha dejado una huella que no esperaban. “Este es un proyecto que va mucho más allá de lo musical, porque van en pro de la construcción de un colectivo”, dice Ricky Restrepo (baterista). “Algo así hace creer a la gente, ‘¡Esto se puede, esto es posible!’”, añade.
La orquesta, conformada por alrededor de 60 intérpretes (prudentemente ataviados con tapabocas), estuvo dirigida por Alejandro Vásquez, con la orquestación de Álex Zuluaga, y se contó con la ingeniería de Luis Ángel, experto en este tipo de grabaciones. La producción estuvo a cargo de Felipe Carmona y Estados Alterados, la masterización corrió por cuenta de Mike Marsh (Björk, The Chemical Brothers, Depeche Mode, Massive Attack), y para el disco en vinilo estuvo en manos de Miles Showeell (The Beatles, Queen, Eric Clapton, The Who, The Rolling Stones) en los estudios de Abbey Road en Londres.
“Lo más poderoso de esto fueron los ensayos con La Metro”, asegura Ricky, y reconoce la disciplina de la orquesta, así como el compromiso de cada persona involucrada. “Ellos ya habían hecho unos arreglos, había canciones insignes de Estados Alterados que ellos ya tenían referenciadas”, y eso implicó la búsqueda de un consenso con la banda, que quería darle el tratamiento sinfónico al menos a una canción de cada álbum.
En un tiempo récord de muy pocas semanas, tras la propuesta de la organización de Medellín Music Week, tuvieron que hacerse nuevos arreglos y ensayos para presentar el primer show. Los obstáculos fueron múltiples y, según Ricky, la clave estuvo en mantener “un optimismo real, con los pies en la tierra”.
“Había que tener referentes, porque estábamos aprendiendo”, confiesa el baterista sobre el proceso creativo y de producción que implicó el álbum, y cuenta que entre esos referentes tuvieron las grabaciones de Depeche Mode con la orquesta de la BBC, el álbum Roseland NYC Live de Portishead, y 11 Episodios Sinfónicos de Gustavo Cerati.
En su propio proyecto, Estados Alterados, por razones obvias que dieron nuevos matices a las composiciones, se despojó en gran medida de su carácter electrónico para sonar muy orgánica, mostrando una fuerza rockera que escapa a la obviedad. Sin duda alguna, para toda una generación colombiana será un placer encontrarse con estas versiones de varios clásicos indiscutidos, como ‘Muévete’, ‘El velo’, ‘Seres de la noche’ o ‘La fiebre de marzo’. Tal vez esa misma generación encuentre acá la oportunidad de descubrir las composiciones de discos más recientes, como ‘Guayaquil’, ‘Mantra’, ‘Animal’ o ‘Miedo’.
De cualquier modo, el matiz electrónico no desaparece por completo, y está bien presente en ‘Opulencia’ (de 1991), que fácilmente se destaca como uno de los momentos cumbres del disco, porque los arreglos permiten un balance perfecto entre la banda y la orquesta. Inmediatamente después, y como cierre triunfal, orgánico y contundente, ‘El velo’ nos hace pensar que fue escrita con una filarmónica en la cabeza, y cada pieza cae perfectamente en su lugar, dando lugar a la sensación de que así fue como siempre debimos escuchar este clásico.
Sinfónico se siente como una celebración, como la amable revancha de una banda que logra finalmente materializar algo que no cabe en las palabras de una reseña. No es perfecto, pero es tan entrañable como emocionante, como un buen álbum de fotos familiares que hoy podemos ver ampliadas con justicia y con marcos de lujo. El mérito es enorme, y los aplausos van de pie.
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