]]>
“El fútbol es el deporte más lindo y más sano del mundo. Yo me equivoqué y pagué, pero la pelota no se mancha”. Ovación. En su partido despedida en la Bombonera, en noviembre de 2001, Maradona miraba a los hinchas y hablaba, mientras se abrazaba a sí mismo en un gesto de compunción.
Veinticinco años después, la pelota volvería a ser el centro de una tormenta argentina. Pero esta vez, la protagonista no era una leyenda del fútbol buscando redención, sino una cantante catalana que llegaba a Buenos Aires bajo fuego: acusada de “insultar” al país en redes sociales.
El contexto
Rosalía, en su primera fecha del capítulo argentino del LUX Tour 2026, aparece en el escenario dentro de una caja blanca que se abre, cual cajita musical pero más fría, quirúrgica, como de una muñeca enviada por Amazon, vestida con un tutú blanco y zapatos de ballet, con los ojos rojos (los tiene así la mayor parte del show).
La tensión es visible, la pregunta que flota en el aire es cómo reaccionarán la artista y el público luego de más de una semana de locura en redes sociales, donde los usuarios argentinos la “cancelaron” luego de que reposteara en TikTok un video de Mia Khalifa que tildaba a los argentinos de “perlas” (término despectivo utilizado en España para nombrar a alguien en quien no se puede confiar, una persona tramposa, problemática).
Este video salía un día después de que Argentina perdiera el mundial de fútbol 2026 frente a España, en medio de una ola de acusaciones de que el equipo argentino estaba beneficiado por la FIFA y de forma más general, una acusación de que Argentina es un país “racista y sionista”: imposible de sintetizar con todos sus matices en esta crónica de un show.
Así las cosas, muchos usuarios en redes pedían la cabeza de Rosalía y que el público no fuera a sus conciertos en Buenos Aires. Algunos amagaron con pedir la devolución de las entradas. Ella pidió disculpas en TikTok: “no leí lo que compartí”. Periodistas de espectáculos, cuando la cantante catalana ya estaba en Argentina, insistieron, con malicia, en que nadie la esperaba en la puerta del hotel y que en realidad ella no quería salir porque “tenía miedo”. Horas después aparecieron videos y fotos de Rosalía caminando por la ciudad, yendo a cafecitos y restaurantes de moda.
De todos modos, había algo latente: la posibilidad de una expresión de repudio. Muchas personas en esa semana de la locura “en contra de Argentina” instaban a abuchear a la artista en el show ya que pedir la devolución de la compra de la entrada pasado cierto tiempo era imposible.
Los actos
Volvemos a la caja estilo Amazon. Reza en uno de los vértices “fragile”. Rosalía rompe las paredes que la encierran y se convierte en bailarina de ballet. Hay una luna por detrás y escaleras, la escenografía es minimalista. Abre el acto I con el comienzo del álbum Lux: “Sexo, violencia y llantas”. “Quién pudiera vivir entre los dos, primero amaré el mundo y luego amaré a Dios”. El delirio místico que esconde Lux se hace carne, suena oscura y movilizante la Heritage Orchestra, banda británica que la acompaña en esta gira, y que está ubicada en el centro del campo, a varios metros del escenario, formando una cruz cristiana vista de perspectiva cenital.
Sigue con la luminosa “Reliquia”, una enumeración de ciudades que la marcaron en la vida, con un verso dedicado a la ciudad que está visitando: “En PR nació el coraje, pero el cielo nació en Buenos Aires”. Como si hubieran contenido toda la angustia hasta ese momento, el público grita el verso, dejan los pulmones, casi como si dijera: “Te perdonamos porque escribiste esta barra para nosotros”. El miedo por los supuestos abucheos se disipa.
El show sigue con “Porcelana” y “Divinize”, y luego viene el momento en que Rosalía pide perdón. Casi 4 minutos de pedido de disculpas, explicando que compartió ese video sin intención de ofender y recordó que en 2019, a comienzos de su carrera, en el tour de ‘El mal querer’, quedó anonadada con el público por como cantó las canciones, el apoyo que recibió. “Nunca lo olvidaré… Cómo yo podría tener un sentimiento negativo o algo por el estilo hacia un lugar como este. En verdad, es el lugar que me ha erguido a donde estoy hoy. Así que obviamente, creo que ya lo sabéis los que estáis aquí, no tengo más que agradecimiento por este lugar y por este público, que es el mejor público que hay en la tierra”. Caso cerrado.
Paso siguiente, se despacha con la emocionante, operística, “Mio Cristo Piange Diamante” y en este momento del show, ella rodeada de una capa blanca que la convierte en una divinidad, como una virgen pop, muestra las cartas que está jugando. A diferencia de Motomami(2022), que se concentraba en desarmar al reggaetón en un ejercicio casi académico de encontrar otras facetas de la latinidad hasta enrarecer lo que naturalmente está hecho para la alegría y el baile, en Lux, se enfoca en el canto, en demostrar su destreza vocal, y ofrece letras dedicadas a la divinidad, a su encuentro con lo sagrado.
Algo duro vivió, se nota. Se compunge fácilmente, llora de a momentos, las canciones rememoran desamores y angustias existenciales. Pareciera que Dios la hace sentir diminuta, terrenal, frágil como la muñeca; pero se recompone. Puede pasar de llorarle a Dios, a cantar “Berghain”, con un corto vestido negro de satén y unos cuernos de cabra loca, con una versión remixada y que el Movistar Arena estalle en éxtasis, porque la gente también quería bailar. El acto 2 ha comenzado y se baila. Vuelve a Motomami, unas versiones ligeramente diferentes de “Saoko”, un guiño al público, “La fama”, “La combi Versace”, y cierra el segmento con “De madrugá”, canción que dio vueltas el universo de Rosalía durante años hasta que vio su edición en Lux.
El tercer acto arranca con una fuerte vuelta al pasado con “El Redentor”, flamenco dedicado a la Pasión de Cristo, porque nunca se alejó de Dios, siempre lo tuvo en sus canciones, desde el primer álbum Los Ángeles (2017). Continúa con un poquito de referencia pop, porque siempre se puede ser más pop, con unas estrofas de “Can’t Take My Eyes Off You” de Frankie Valli y viene el momento viral de ‘La Perla”. El juego de los bailarines, diseñado por el coreógrafo Dimitris Papaioannou, que también fue director de la puesta en escena de la gira y de ceremonia de los JJOO de Atenas en 2004, los muestra vestidos de negro rodeando a Rosalía, con guantes blancos que generan formas y movimientos inspirados en figuras como la Venus de Milo, Rita Hayworth en la película Gilda (1946), la virgen de Lourdes y la de Guadalupe.
Siguiendo con lo viral, el confesionario. Momento prescindible del show. Se entiende que puede funcionar como un respiro de tanta parsimonia, aunque el show no es solemne, Rosalía se ríe de sí misma en sus canciones, pero parece que se necesita un descanso de la música para mostrar a una celebrity y generar un engagement con el público (¿o las redes?). Algo que puede verse en otros shows masivos como La Casita en el show de Bad Bunny o el momento del arresto de Juno en el show de Sabrina Carpenter. En este caso, Ángela Torres confiesa que un ex no la hacía parte de su vida (no la invitaba a ver con ella a Cindy Cats, una pena) y Rosalía se indigna, lo llama pelotudo. Ningún pecado que redimir, ya lo decía Shakira: “siempre supe que es mejor cuando hay que hablar de dos empezar por uno mismo”.
Por suerte vuelve a la música, canta para una fan “Alfonsina y el mar”, canción popularizada por Mercedes Sosa, que ya había hecho en 2022 en el tour de Motomami en Buenos Aires. Y ahí viene lo mejor, “Sauvignon Blanc”, la balada que nombra marcas y una cierta esperanza en el futuro (al fin): “Ya no quiero perlas ni caviar/Tu amor será mi capital”. Cierra con “La yugular”, canción que va in crescendo, conmovedora, con muñecas rusas de versos: “Un país cabe en una astilla/ Una astilla ocupa la galaxia entera/La galaxia entera cabe en una gota de saliva/ Una gota de saliva ocupa la 5a avenida/ La 5a avenida cabe en un piercing”.
El cuarto acto ocurre en el centro del campo, en medio del público, cerca de la orquesta. Tocan “Dios es un stalker”, “La Rumba del Perdón’ y vuelve a ‘Motomami” con la rara “CUUUUuuuuuute” en la que también resuena el tema divino, (“Aquí el mejor artista es Dios”). Cierra el momento una canción inédita, “El atardecer”, estrenada recién en los shows de julio, un pop electrónico más liviano que las últimas canciones de la artista.
En las últimas horas en redes apareció un video de Rosalía cantando en Chile “DESPECHÁ” en donde parecía que le faltaba un poco el aire. En el quinto acto en Buenos Aires hace esta canción y, claro, está bailando y cantando en un registro alto que, además, no tiene un respiro, pero no desafina nunca. Tampoco parece quedarse sin aire esta vez. Queda pensar en la exigencia para los artistas pop, ya que Rosalía demuestra que puede cantar ópera y bailar coreos sin romperse; qué más se les puede pedir.
Así como en el Motomami Tour Rosalía revolucionó el mundo de las presentaciones en vivo, inspirando a muchos artistas pop que utilizaron las técnicas de dirección de video (la perseguían iPhones mientras estaba sola o con los bailarines en un escenario sin nada más), con ese aire minimalista en consonancia con el disco que era un despojo de sonidos, la propuesta de LUX es salir de la intimidad para encontrarse con algo superior a todos, una apuesta teatral en donde la voz entrega todo de sí, con sonidos estridentes y menos pose.
Continúa el show con los hits “BIZCOCHITO” y “DESPECHÁ”, vuelve la fiesta al escenario. Luego la hermosa “Focu ‘ranni” de LUX, una oda a la autonomía: “No seré tu mitad/ Nunca de tu propiedad/ Seré mía/ Y de mi libertad”. Y el cierre con “Magnolias” tiene al público levantando carteles con una de las frases más potentes que dan cuenta del espíritu del disco: “Promete que me protegerás/ A mí y a mi nombre en mi ausencia/ Yo que vengo de las estrellas/ Hoy me convierto en polvo/ Pa’ volver con ellas”. Rosalía salta al vacío y desaparece.
The post El show de Rosalía en Buenos Aires: divinidad y redención después de la tormenta appeared first on Rolling Stone en Español.
]]>
]]>
La colaboración entre Fred Again.. y Latin Mafia lleva mucho tiempo construyéndose. Durante este tiempo, los artistas han compartido sesiones, escenarios e ideas, desarrollando una relación creativa que también terminó convirtiéndose en una amistad que se siente genuina en todo lo que les hemos visto compartir.
Latin Mafia está integrado por los hermanos Milton, Emilio y Mike de la Rosa, mientras que Fred trabaja de cerca con su hermano Benjy. Ambos proyectos entienden la creación desde un espacio familiar y colectivo. En el estudio se escuchan, se complementan y parecen disfrutar genuinamente de trabajar juntos.
Cada encuentro aumentó la expectativa alrededor de una colaboración que finalmente comenzó a tomar forma esta semana. Después de publicar la sesión Under The Fabric, Latin Mafia y Fred anunciaron que se instalarían en LagoAlgo, en Ciudad de México, para terminar de grabar un mixtape. La promesa era que no saldrían hasta acabarlo y publicarlo.
Todo el proceso fue transmitido en vivo. Durante días, el público pudo observarlos producir, grabar voces, probar ideas, platicar, reír, comer, descansar y convivir. El stream acumuló casi ocho millones de vistas e incluso algunos seguidores se subieron a los botes del lago de Chapultepec para acercarse al lugar desde donde estaban trabajando.
La transmisión permitió ver de cerca por qué la colaboración funciona. Fred Again.. confirmó su capacidad como productor, creando y modificando canciones con una rapidez impresionante, mientras que los hermanos de Latin Mafia lo complementaban con melodías, voces e ideas. El ambiente se sentía divertido, relajado y completamente enfocado en la creación.
Los artistas invitaron a su público (que ya era muy entregado para empezar) a formar parte del proceso. Los seguidores pudieron ver cómo se construía el proyecto prácticamente en tiempo real y mantenerse conectados con cada etapa del mixtape.
En medio de la transmisión llegó el esperado anuncio que ya circulaba en redes como un rumor. Cuando terminaran el proyecto, lo presentarían ese mismo jueves en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. El recinto ya es conocido por Latin Mafia, que anteriormente consiguió hacerlo sentir como su propia casaen múltiples fechas sold out. Esta vez, el trío regresó acompañado por uno de los productores más importantes de la música electrónica actual.
El inicio del concierto, sin embargo, fue extraño. Durante la primera parte no se apagaron las luces del Palacio y no quedaba del todo claro si se trataba de una decisión creativa o de un problema de producción. Por momentos, parecía que ellos mismos estaban abriendo su propio concierto, como una especie de calentamiento antes del verdadero inicio del espectáculo.
La dinámica cambió cuando las luces finalmente se apagaron, justo en uno de los momentos más eufóricos de las nuevas canciones. A partir de ahí, el público se soltó por completo y el concierto encontró la intensidad que había estado buscando desde el principio.
Latin Mafia y Fred Again.. consiguieron convertir el Palacio de los Deportes en una fiesta que se sentía como un pequeño club de electrónica, aunque frente a cerca de 20 mil personas. El set fue diverso, emocionante, enérgico, impredecible y divertido. Hubo momentos más íntimos y emocionales, pero también largos periodos de baile y euforia. Fred agradeció al público mexicano por su entrega, mientras los hermanos de Latin Mafia se movían con comodidad dentro del universo electrónico del británico.
En el escenario funcionaron como un solo proyecto, sin que ninguno tuviera que perder su identidad para adaptarse al otro. La sensibilidad de Latin Mafia y la producción de Fred convivieron de manera natural. Los hermanos se mostraron tan sueltos como siempre: Milton hizo crowdsurfing, mientras Emilio apareció entre el público, en las gradas, para cantar rodeado de sus seguidores. En el set también aparecieron canciones que el público del trío mexicano ya esperaba, como esa cumbia todavía sin nombre con la que encendieron el show. Lo que nadie imaginaba era terminar coreando “There Is a Light That Never Goes Out” de The Smiths en un concierto de Fred Again.. y Latin Mafia, pero ese giro inesperado terminó regalando uno de los grandes momentos de la noche.
El repertorio recorrió varias etapas de ambos proyectos: sonaron canciones de Todos los días todo el día, algunos de los temas más reconocibles de Fred Again.. y hasta música de The Smiths y Gorillaz. Sin embargo, una de las más celebradas fue su esperada cumbia, todavía sin título, cuyo coro el público ya conoce de memoria. El Palacio entero cantó “Te estoy correteando Ya sal de mi mente que te quiero ver Ya van varios días enfermo de ti Dale, ven, cúrame Cuéntame, que ha sido de ti Extráñame, te extraño a ti”.
Lo que lograron durante esta semana tiene pocos precedentes. Los artistas no solamente anunciaron un nuevo proyecto: permitieron que su público presenciara su creación, conociera sus dudas y entendiera cómo se tomaban las decisiones detrás de cada canción. Después, apenas unos días más tarde, llevaron ese material a uno de los recintos más importantes del país.
Esa apertura generó una conexión especial. Quienes llegaron al Palacio no solamente escucharon canciones nuevas. También conocían parte de su historia, habían visto cómo nacieron y entendían el ambiente en el que fueron creadas. El concierto fue la conclusión de un proceso compartido y no únicamente la presentación tradicional de un lanzamiento.
Después de casi dos años de expectativa, la colaboración entre Latin Mafia y Fred Again.. finalmente llegó al Palacio de los Deportes y no decepcionó. El comienzo tuvo momentos confusos, pero una vez que el show tomó fuerza, quedó claro que la relación entre ambos proyectos va mucho más allá de una colaboración ocasional.
El mixtape que crearon durante el livestream, titulado 9 months and 50 hours, ya está disponible.
The post Fred Again.. y Latin Mafia culminan una épica colaboración con un memorable show en CDMX appeared first on Rolling Stone en Español.
La nueva era de Juan Duque ha comenzado. Con ‘Songo Sorongo’, el artista colombiano nos introduce al universo de Verraco Vibe, una producción que toma vida alrededor de la autenticidad, el empuje de salir adelante y el orgullo de ser latino.
‘Songo Sorongo’ es la viva expresión popular antioqueña que nos demuestra el significado de la complicidad, el humor y los códigos de toda una generación. El tema fusiona la esencia melódica de los comienzos del reggaetón con una producción que marca el tono de recocha, una expresión antioqueña de celebrar, bromear y disfrutar entre amigos.
“Es para los desatinados, los recocheros y para quien quiera pasar chimba entendiendo la vibra. Lo hice desde lo que soy, en un parche en Marinilla con mis primos, riéndonos, tomándonos algo y solo viviendo el momento”, aseguró Juan Duque sobre ‘Songo Sorongo’.
Y agregó: “Es una expresión que se usa mucho en Antioquia, de donde soy, así se le dice a algo que se hace disimulado, como quien no quiere la cosa, sin levantar mucha sospecha. Entonces la canción es para las personas que hacen cosas de novios sin serlo y sin que nadie se dé cuenta”.
Este 2026, Juan Duque nos ha regalado algunos otros sencillos y colaboraciones, entre ellos, ‘Botecito’ con Hamilton, ‘Regalito’ con Piso 21, ‘Amar y ya’ con Onikx y Andy Rivera, ‘No es oficial’ con Lorduy, ‘Sorry’ con Soley, y más.
Por ahora, ya puedes escuchar ‘Songo Sorongo’ en todas las plataformas de streaming musical.
The post Juan Duque se inspira de la viva esencia antioqueña en ‘Songo Sorongo’ appeared first on Rolling Stone en Español.
De las primeras canciones que Pignoise publicó en los 2000 quedan pocos rastros. Ese es el caso de Esto no es un disco de punk, álbum que la banda lanzó en 2005 pero del que por mucho tiempo no se encontraron copias físicas ni versiones digitales oficiales. Eso está a punto de cambiar pues la agrupación acaba de anunciar la reedición del LP para celebrar sus 20 años.
Te puede interesar: A un año de: Viva Suecia nos recuerda la importancia de la armonía con Hecho En Tiempos De Paz
El trío de Álvaro, Pablo y Héctor acompañó la buena nueva con el lanzamiento de un single doble que incluye ‘Como un loco por ti’ y ‘En mi habitación’. Ambas canciones cuentan con un visualizer en el que la portada del disco cobra vida y se encuentra con los músicos en una versión animada de Madrid.
“20 años después, queremos celebrar el aniversario de nuestro disco Esto no es un disco de punk con una reedición muy especial”, escribió el grupo en su Instagram, donde también explicó que estos serán los únicos adelantos que se conocerán hasta el día del lanzamiento del disco. “Los que estáis aquí desde el principio sabéis que es un álbum que no se puede encontrar en ninguna plataforma oficial”, añadió.
La reedición del LP de 2005 llega meses después de que Pignoise publicara su más reciente álbum de estudio, Las ganas, que a su vez se publicó cuatro años después de su regreso con Diversión (2021). El trabajo significó un regreso a sus orígenes, pero aplicando la experiencia que han ganado sus integrantes a lo largo de este tiempo. “Yo personalmente pienso que este es el mejor disco que hemos hecho. Son las mejores canciones que ha hecho Álvaro”, dijo Héctor a Mondo Sonoro.
Esto no es un disco de punk se publicará en formato físico y digital el próximo 18 de septiembre.
The post Pignoise reeditará su álbum <i>Esto no es un disco de punk</i> appeared first on Rolling Stone en Español.
“Se imaginan un Llano aterciopelado” dice el grupo Cimarrón. En 1996 el dueto bogotano Aterciopelados lanzó La pipa de la paz, uno de los proyectos que seguramente más dificultad presentaba para Héctor y Andrea por el éxito alcanzado de su predecesor El dorado (uno de los mejores discos de música hecha por colombianos), ya que debían demostrar que ese disco no había sido un momento único de gran demostración artística. La pipa de la paz lo demostró.
Por los bellos azares de la vida en 1996, en Londres, se encontraron el sonido de las amplias sabanas llaneras y los estruendosos truenos del rock bogotano. Aterciopelados se encontraba grabando el disco con el afamado productor Phil Manzanera, mientras que el grupo Cimarrón asistió a un festival de música colombiana, y al encontrarse en la ciudad europea, fue que nació ‘La culpable’, una canción en la que la voz de Andrea Echeverri juguetea con el sonido característico de Cimarrón y del maestro Carlos “Cuco” Rojas.
30 años después, en marco de la celebración de La pipa de la paz, estas dos agrupaciones vuelven a coincidir para reeditar ‘La culpable’, y en está ocasión a dos voces: la de Andrea Echeverri junto a la de Ana Veydó, directora y cantante del grupo Cimarrón después del fallecimiento del maestro Rojas.
Dos voces recias y no solo en lo músical o lo técnico, dos voces recias porque han abierto caminos para muchos y muchas, dos voces recias por no van con la marea, van en contra de ella construyendo nuevos caminos y demostrando que la fuerza en el canto es algo mucho más profundo y trascendental. Dos voces recias, dos voces con fuerza.
The post ‘La culpable’ renace a dos voces recias de dos grupos indomables: Aterciopelados y Cimarrón appeared first on Rolling Stone en Español.
Abraham Mateo se prepara para iniciar una nueva era musical y esta vez ha invitado a María Becerra y al productor Big One para dar el pistoletazo de salida hacia su próximo trabajo discográfico. En ‘Así’, los artistas tienden puentes entre España y Argentina, recordando que la unión hace la fuerza.
Te puede interesar: 20 años después, Abraham Mateo sigue haciendo historia
La canción, coproducida por Mateo y el también DJ argentino, cuenta con una base afro, guitarras y palmas que entremezclan los estilos personales de cada músico. “Ya dejamos de ser lo que un día fuimos/pero me gusta lo que somos”, canta el español al inicio. “Intento controlar mis emociones y no jugar con ilusiones/Y pienso que me sobran las razones para escribirte canciones”, continúa Becerra en su verso.
El videoclip que acompaña al lanzamiento fue dirigido por Mario Arenas y en él se ve a los cantantes representando un acto en apariencia sencillo, pero más íntimo, como lo es compartir audífonos para escuchar la misma canción.
En su más reciente visita a España, “La nena de Argentina” invitó a Abraham Mateo a subir al escenario para debutar en vivo su nueva colaboración. “Te admiro mucho María, gracias por la invitación y a todo tu público maravilloso por recibirme”, declaró el gaditano en un post en el que compartía algunas fotografías de los ensayos y del show.
‘Así’ llega en un momento en el que Mateo celebra sus 20 años de carrera. A finales de 2025, en entrevista con ROLLING STONE en Español, el artista explicó sus deseos de adentrarse mucho más en sus raíces al tiempo que se expande por Latinoamérica: “Me gustaría adentrarme un poco más en el flamenco, ir introduciendo mi sonido con un toque más español, fusionado con el pop. Creo que sería una buena manera de probar cosas nuevas. Además, en Latinoamérica gusta mucho el flamenco, y me encantaría internacionalizarlo un poco más”.
The post España y Argentina se unen en ‘Así’, lo nuevo de Abraham Mateo y María Becerra appeared first on Rolling Stone en Español.
]]>