El Bogotá Music Market, BOmm, llega a su decimoquinta edición con un cambio que marca una nueva etapa para la plataforma creada por la Cámara de Comercio de Bogotá: por primera vez, su programación artística incluirá proyectos internacionales. Después de quince años dedicados a conectar y proyectar la música colombiana, el mercado amplía su radio de acción y busca consolidar a Bogotá como un punto de encuentro cada vez más relevante para la industria musical de América Latina y el mundo.
La edición de 2026 se realizará del 8 al 11 de septiembre y desplegará su programación entre el Teatro Colón, la Cámara de Comercio de Bogotá en Salitre, Proyecto Kinder y Casa Spotify, además de más de 15 espacios para las tradicionales Noches BOmm en diferentes zonas de la ciudad. La propuesta volverá a reunir música en vivo, ruedas de negocios, conferencias, encuentros profesionales y showcases, en una programación que contempla más de 120 actividades.
Pero más allá de las cifras, el movimiento de esta edición está en su apertura. El BOmm ha funcionado durante años como una plataforma para preparar, conectar y acompañar a los artistas y profesionales colombianos antes de ponerlos frente a la industria. Ahora, esa conversación comienza a ser de doble vía: no solo se trata de llevar la música del país hacia otros territorios, sino de traer al mundo a Bogotá para que las conexiones ocurran desde aquí.
La Conferencia BOmm 2026 tendrá entre sus principales discusiones el negocio de los catálogos y los activos musicales, con conversaciones sobre valoración, compraventa, licenciamiento y sincronización de repertorios. También habrá un bloque dedicado al derecho de autor y las regalías, atravesado por la reciente Ley de la Música en Colombia y por debates alrededor de la relación entre las regalías fonográficas y autorales.
El streaming, los datos y la inteligencia artificial también ocuparán un lugar importante en la agenda. Spotify participará en actividades sobre la distribución de regalías y el desarrollo de artistas, mientras otros encuentros pondrán sobre la mesa el uso de herramientas de inteligencia artificial y la lectura de datos para entender mejor la relación entre una canción, su audiencia y las estrategias que hoy acompañan su circulación.
Uno de los ejes más internacionales de la programación estará relacionado con el booking, los festivales y los circuitos de música en vivo. Profesionales vinculados con Les Escales de Saint-Nazaire, Electric Castle, North Sea Jazz Festival, Way Out West, Primavera Sound, Copenhell y otros espacios de distintas partes del mundo participarán en conversaciones y encuentros con profesionales de la región. La pregunta de fondo será cada vez más relevante para los artistas latinoamericanos: qué están buscando los programadores internacionales y cómo se están transformando los caminos para circular entre territorios y escenas.
La agenda también abrirá espacio para conversaciones que conectan la música con otros lenguajes. Habrá actividades sobre marcas y construcción de experiencias en vivo, accesibilidad, diseño visual y videojuegos, incluyendo encuentros dedicados a la curaduría musical y al diseño sonoro para este último universo.
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La memoria musical colombiana tendrá, además, un lugar importante en esta edición. A propósito de los 30 años de Rock al Parque, BOmm reunirá a Nicolás y Los Fumadores, Diamante Eléctrico y 1280 Almas para hablar sobre el legado de una escena y su permanencia en el tiempo. La programación incluirá también conversaciones sobre la música de Cien años de soledad, el sonido del rap colombiano y sesiones de escucha alrededor de archivos, sellos independientes y proyectos que dialogan con distintas capas de la historia musical del país.
Entre los invitados internacionales destacados aparecen figuras como Eduardo Cabra, Liza Richardson, supervisora musical y Head of Music de Amazon MGM Studios; Jamar Chess, de Sunflower Entertainment; Kat Dahlia; Jennifer Cardini; Elena Barreras, de Primavera Sound, y Simon Harvey, cofundador de Reactional Music. Una selección que refleja la intención de una edición que quiere ampliar las conversaciones del mercado y poner en contacto a la industria local con distintas experiencias y modelos de trabajo.
A quince años de su creación, el BOmm parece estar planteándose una pregunta distinta sobre su propio lugar en el mapa. La música colombiana sigue siendo uno de sus principales motores, pero la edición de 2026 propone que Bogotá también pueda convertirse en el lugar al que llegan artistas, profesionales e ideas para encontrarse. Del 8 al 11 de septiembre, la ciudad volverá a ser escenario de esas conversaciones, ahora con una vocación más abierta y una mirada puesta en las conexiones que pueden construirse desde aquí.
La acreditación para el BOmm 2026 será gratuita y estará disponible para profesionales de la industria, público general y fans interesados en asistir a la conferencia, los showcases y las Noches BOmm. El registro general abrirá el 24 de agosto y los detalles de la programación y los invitados se anunciarán progresivamente a través de los canales oficiales del evento.
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Después de dos años de silencio total, Royal Blood ha anunciado el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Dead Company. El dúo británico de rock se había mantenido alejado de los focos desde 2024 a excepción de unas breves apariciones en redes durante el 2025, pero ahora se prepara para una nueva era musical que inicia con el sencillo ‘Ten Over Ten’.
La canción está llena de vigor pues los músicos entraron al estudio con el objetivo de dar todo de sí mismos. “Mi mentalidad fue: si vas a hacer algo, hazlo muy bien sin pensar en un plan B; da todo lo que tengas”, dijo el bajista y vocalista Mike Kerr en entrevista con Kerrang!. El frontman también explicó que tomaron inspiración de la velocidad e intensidad de Motörhead.
De acuerdo con un comunicado de prensa, la agrupación regresó al estudio de grabación sin ponerse una fecha límite y apartándose de distracciones, dejando como resultado un LP totalmente autoproducido —o “anti-producido”— con “energía muy DIY”. “Nos reunimos en una habitación para componer música juntos y sentir las ondas de sonido. Así es como te emocionas de nuevo”, afirmó el baterista Ben Thatcher al medio británico.
Royal Blood presentó su último álbum en 2023 bajo el título de Back to the Water Below, un trabajo post pandémico que nació desde la necesidad de volver a conectar con otros seres humanos a través de la música. El disco le permitió a la agrupación regresar a sus inicios y explorar una faceta más honesta pues retomó la inocencia de su debut en 2014, pero sin olvidar la experiencia que ganó desde entonces.
Ahora, el sucesor promete ser un álbum “crudo” y “directo” que llevó a Thatcher y a Kerr a volver a lo esencial. Dead Company se publicará el próximo 13 de noviembre.
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Después de meses de controversia por el uso de IA en Spotify, la empresa ha decidido etiquetar a los ‘artistas’ y las piezas musicales creadas con inteligencia artificial. Esta medida excluirá dicho contenido de las recomendaciones que genera el algoritmo de la plataforma, como parte de una campaña para combatir los perfiles falsos y la música ilegítima, así como para mejorar el control de calidad.
La empresa ha creado una etiqueta denominada “IA personas” para identificar a todos los ‘artistas’ creados mediante inteligencia artificial. Esta nueva distinción aparecerá al inicio de sus perfiles y en cada una de sus listas de reproducción, desde canciones individuales hasta materiales de mayor duración, como los discos. La decisión responde a la inconformidad manifestada por los usuarios durante los últimos meses, quienes han expresado de manera reiterada su rechazo a la música generada mediante IA.
“La verdadera conexión entre artista y fan solo puede construirse sobre una base de confianza y autenticidad. En la música, esto significa que los oyentes deben poder confiar en que el artista detrás de la música es quien dice ser. Esto es más esencial que nunca en la era de la IA generativa”, comunicó la empresa.
En resultados recientes, Spotify informó que eliminó de su plataforma 75 millones de canciones consideradas no legítimas en el transcurso de un año. Esta cifra refleja, en parte, el crecimiento desmedido de contenido generado mediante inteligencia artificial dentro de la industria musical. Como referencia, se estima que el catálogo orgánico de la plataforma ronda los 100 millones de canciones.
Esta nueva etiqueta entrará en vigor en septiembre. Sin embargo, la empresa ya lleva a cabo un proceso exhaustivo de búsqueda y revisión para identificar los perfiles que utilizan inteligencia artificial en la creación de sus contenidos. Spotify permitirá que los creadores declaren si sus materiales fueron generados con esta tecnología, con el fin de asignarles la etiqueta “IA personas”. Además, la plataforma implementará procesos de verificación que combinarán la revisión humana con sistemas de inteligencia artificial para identificar este tipo de contenido.
“Los oyentes nos han dejado claro que no les gusta ver un perfil de artista que parezca humano, solo para descubrir después que la personalidad ha sido generada por inteligencia artificial. Esperamos que los artistas sean transparentes, por lo que les brindamos la oportunidad de revelarlo, pero no nos basaremos únicamente en su declaración”, agregó la empresa.
“Si bien, creemos que todos los artistas tienen libertad creativa, para determinar cómo se presentan, la programación de Spotify se centra en impulsar la música de artistas auténticos, que están construyendo sus carreras en la música”.
Existe una larga lista de casos detrás de esta controversia. En ocasiones anteriores, la plataforma llegó a publicar canciones generadas mediante inteligencia artificial en los perfiles de artistas fallecidos, sin la autorización de sus familiares ni de las compañías discográficas correspondientes. Uno de estos casos fue el de Blaze Foley, quien murió en 1989.
La preocupación también ha sido expresada por artistas en activo como Bad Bunny, Billie Eilish, Pearl Jam, Stevie Wonder y Elvis Costello, entre muchos otros, quienes han manifestado públicamente su rechazo al uso de inteligencia artificial en la música.
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¿Se puede escuchar lo que canta “La Roca”? Dwayne Johnson soñaba con convertirse en una estrella de la música country cuando era adolescente, pero su carrera musical profesional se remonta técnicamente a ‘It Doesn’t Matter’, la canción de Wyclef Jean del año 2000 en la que Johnson aportó algunas frases gritadas. A lo largo de los años, el actor mostró su voz y sus habilidades con la guitarra ocasionalmente en programas de televisión, pero su verdadero salto musical llegó en 2016 con la película Moana. Allí, interpretando al semidiós Maui, cantó ‘You’re Welcome’, compuesta por Lin-Manuel Miranda, que acumula 1.800 millones de reproducciones solo en YouTube.
Pero Johnson está especialmente orgulloso de su más reciente incursión musical: ‘Your Dad’, una emotiva canción que coescribió junto a Iam Tongi, el cantante hawaiano que ganó American Idol en 2023. (Aquí presentamos en exclusiva el videoclip de la canción). El tema es uno de los destacados de Moana: Voices Across the Ocean, un álbum complementario a la reciente versión Live Action del exitoso filme animado de Disney. Johnson fue productor ejecutivo del álbum junto a su esposa, Lauren Hashian, además de Tiana Nonosina Liufau y Kayla Fa’amaligi, quienes también coreografiaron la película y contribuyeron a preservar la precisión cultural de la cinta.
Johnson conversó con ROLLING STONE a través de Zoom para hablar sobre la nueva canción, la paternidad, sus aventuras adolescentes en Nashville y las razones por las que ahora se está tomando en serio la posibilidad de dedicarse a la música.
Cualquiera que realmente te conozca sabe que puedes cantar.
Bueno, gracias por decirlo. Es un cumplido muy bonito, te lo agradezco. Siempre me gusta decir que canto desde el corazón, y que canto en tonalidades que no existen [Risas]. Así que es una buena combinación. Al crecer, en mi familia y, en general, en las familias polinesias, había mucho canto, muchos bailes ceremoniales y cosas por el estilo. Así que era algo que estuvo presente de alguna manera mientras crecía.
Desde muy pequeño, mis grandes influencias fueron Sam Cooke, Elvis [Presley], George Jones, Merle Haggard e incluso Johnny Paycheck. Artistas que estaban en la cima de sus respectivos géneros. También Willie Nelson, quien, de hecho, me regaló mi primera guitarra. ¿Conoces la guitarra Trigger que tiene? ¿La histórica? Creo que Martin solo fabricó 100 de esas y, como yo era un fanático suyo, me regaló una por mi cumpleaños. Quiero decir, comparado con él, toco como el culo, pero sigue siendo un regalo genial. En fin, ese fue mi comienzo en la música.
¿Cuánto habías compuesto a lo largo de tu vida antes de esta canción?
No mucho. Escribí un poco con Tech N9ne para esa canción que hicimos, ‘Face Off’, en 2020. Él me ayudó a darle estructura, porque me encanta el hip-hop, el country y el blues. Me decía: “Pon esto aquí, di esto así, repítelo tres veces de esta manera”. Fue como una clase magistral, porque él es uno de los grandes. Y, siendo honesto, fuera de eso, no había compuesto mucho.
Así que, si puedo contarte un poco sobre el origen de esta canción, para este álbum, mi esposa Lauren y yo fuimos productores junto a nuestras otras dos productoras, Tiana y Kayla. La idea era: “Oye, nos encantaría que estuvieras en este álbum. ¿Podrías contribuir y cantar una canción?”. Lo pensé y después dije: “Dios, no sé qué podría cantar aquí”. Entonces pensé: “Me gustaría trabajar con alguien que pueda ayudarme a escribir y armar algo”. Así que llamé a Iam Tongi y le dije: “Hermano, ¿tienes algo en mente, algo que ya tengas en la cabeza, en el corazón, que podamos convertir en algo mío?”. Y él me respondió: “Sí, creo que sí”.
¿Qué te envió?
Me llamó dos días después. Me envió una canción. Se llamaba ‘My Dad’. La escuché y me emocioné muchísimo; terminé llorando, porque es una canción que escribió pensando en los hijos que todavía no tiene —se va a casar en un par de meses— y sobre su papá, que falleció. En ella les habla a sus futuros hijos y les dice: “Ah, su abuelo fue increíble”. Luego hay otra parte de la canción en la que le canta a su papá, que está en el cielo. Le dice: “Oye, voy a contarles que moviste montañas y que luchaste contra gigantes”. Se me pone la piel de gallina.
Escuché la canción, lo llamé y le dije: “Te quiero por haberme enviado esto, pero no estoy listo para cantarle esta canción a mi papá. Simplemente no puedo”. Tengo una relación complicada con mi papá. Él también falleció hace unos años. A veces las cosas son complicadas, ¿no?
Entonces, ¿cómo se convirtió en tu canción?
Le dije: “Pero, Iam, me encanta la idea de esta canción y, si puedes acompañarme en este camino, ¿podemos reescribirla para que yo pueda cantársela a mis hijas? Como su papá”. Había una frase muy bonita en el segundo verso que decía: “Un amor más profundo del que jamás conocí. Tomaste mi corazón y me ayudaste a salir adelante”.
Todo encaja cuando tiene que hacerlo, a nivel celular. Y, como sabes, Iam no solo es increíblemente talentoso y ya tiene una trayectoria impresionante gracias a American Idol, sino que además canta desde el alma y escribe desde el alma, y es muy joven. Es una locura. La versión original se llamaba ‘My Dad’. Yo dije: “¿Y si fuera ‘Your Dad’?”.
Esa frase sobre “ayudarme a salir adelante” (Pulling me through), cuando eres papá, las cosas de la carrera que antes podían afectarte se perciben de otra manera, ¿no? Tienes algo más en lo que concentrarte. Cambia la forma en que afrontas todo.
Oh, sí. Es como un gran reajuste emocional para nosotros, los papás, ¿no? Cuando estamos con nuestras hijas, nos damos cuenta: “Ah, esto es lo que realmente importa. Las otras cosas son importantes, pero no lo suficiente como para dejar que nos consuman por dentro”.
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Has sido parte de éxitos musicales antes —el soundtrack de Moana y, si nos remontamos al 2000, tu colaboración con Wyclef—, pero una de tus primeras aspiraciones era ser cantante. ¿Es momento de adentrarte en la música?
Lo estoy explorando ahora, y agradezco que me lo preguntes. A medida que avanzas en la vida, he tenido la enorme fortuna de formar parte de proyectos realmente increíbles, y me encanta. Pero la música siempre ha sido un pilar para mí, y, específicamente, géneros que me apasionan, como el country, especialmente el country tradicional. Y eso es algo que estamos explorando ahora.
He llegado a un punto de mi vida y de mi carrera en el que, honestamente, Brian, cuando me despierto por la mañana, saco las piernas de la cama y, sea cual sea la cosa que vaya a hacer, quiero sentir que simplemente estoy corriendo hacia ella. Y las cosas más gratificantes que hacemos son aquellas que hacemos por nosotros mismos, porque tenemos suficiente presión al momento de responder ante tantas otras personas y entidades.
Las cosas que hacemos debemos hacerlas por nosotros mismos y, después, debemos sentirlas aquí, detrás de las costillas. Pero también es cierto que siempre están vinculadas de alguna manera con lo comercial. Cuando haces películas, especialmente esas grandes producciones pensadas para atraer a todo tipo de público, quieres que les vaya bien. Pero esta canción, para mí, es simplemente una canción para mis hijas. No hay presión ni expectativa de tener que entregar algo y preguntarnos: “Bueno, ¿cómo van las ventas?, ¿cómo le está yendo en taquilla?, ¿cuántas reproducciones tiene?”. Es simplemente algo que va de mí hacia ellas.
¿Fue idea de tu esposa hacer este álbum?
Sí, así fue, y ha sido muy gratificante. Nunca habíamos hecho algo así, trabajar en un proyecto en el que ambos tenemos la misma brújula. Ella tiene muchísimo talento. Pude conocer esta faceta suya como productora, productora ejecutiva y compositora. Además, tiene una pluma increíble. Su papá era el baterista de Boston. ¿Recuerdas a ese grupo de rock en Boston? Se llamaba Sib Hashian. Así que ella creció con una profunda admiración y respeto por la música, ¿sabes?
Cuando salió la primera Moana y la música se convirtió en un fenómeno, ella dijo: “Oye, me pregunto si deberíamos hacer algún tipo de álbum inspirado en la película”. Luego llegó Moana 2, hace unos años, y me dijo: “¿Recuerdas esa idea?”. Yo le respondí: “Es una gran idea. Deberíamos hacerlo”. Después empezamos a hablar de la versión en live action y ella dijo: “Creo que este es el momento perfecto, porque ya hemos tenido a Beyoncé con The Lion King y a Kendrick [Lamar] con Black Panther”. Luego cené con algunos ejecutivos de Disney y la respuesta fue un sí inmediato.
Te das cuenta de que este es un momento muy especial para la cultura polinesia y para los artistas polinesios. Los artistas polinesios que tenemos son muy reconocidos dentro del género, pero no tanto a nivel global. Sus voces son hermosas. En nuestro álbum hay una canción llamada ‘Family Tree’, de un artista llamado Stan Walker, quien ganó Australian Idol. Esa fue la primera canción que Lauren y yo, junto a nuestros productores, Tiana y Kayla, recibimos. Él canta desde las entrañas. Así que todos entendieron lo que había que hacer: “Esto no se trata de un baile para TikTok ni de un estribillo pegadizo. Esto es nuestra cultura”.
Me da curiosidad saber qué se siente al estar frente a un micrófono y grabar una canción simplemente como Dwayne. No eres un extraño para los estudios de grabación, pero normalmente estás allí como actor. ¿Te da algo de miedo?
No me dio miedo, Brian. Fue liberador. Sueltas un gran suspiro y simplemente le agradeces al universo por este regalo. Me he divertido muchísimo interpretando a Maui o haciendo la canción con Wyclef. Pero en esos casos hay una caracterización. Hay una interpretación en todo eso. En cambio, poder entrar al estudio y despojarlo de cualquier gran producción —sin una gran banda en vivo, solo él y su guitarra— y yo, en silencio, en el estudio, con Lauren allí y mirando fotos de mis hijas. Fue maravilloso.
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Cuando dijiste que estás explorando la música, ¿qué forma podría tomar esa exploración?
Quizás algo dentro del soul de la vieja escuela, con un toque de country. Me encanta el soul de la vieja escuela. Sam Cooke. Y, de nuevo, desde Sam Cooke hasta Merle Haggard. Así fue como crecí. Y ellos fueron grandes influencias gracias a mi papá. Mi papá era luchador profesional y vivíamos viajando. Yo vivía en el asiento trasero del carro porque simplemente conducíamos. Cada noche estábamos en una ciudad diferente. Y eso era todo lo que él escuchaba. Así que pienso: “Dios, quiero escribir, cantar y explorar las cosas que amo”.
Pasaste un tiempo en Nashville cuando eras adolescente, ¿no?
Cuando estábamos en Hawái, yo tenía 15 años y en 1987 nos echaron de nuestro pequeño apartamento de una sola habitación. Pero no podíamos quedarnos en la isla porque no teníamos dinero ni un lugar donde vivir. Así que me enviaron a Nashville, porque mi papá estaba allí en ese momento. Se suponía que iba a vivir con él, pero esa situación no funcionó, porque simplemente no funcionó [Risas].
Así que terminé viviendo con un hombre que era un extraño, en un motel, y que con el tiempo se convirtió en uno de mis mejores amigos, y lo sigue siendo hasta hoy. Se llama Downtown Bruno. No teníamos dinero. Él estaba quebrado y yo también. Tuvo la amabilidad de dejarme vivir en su pequeña habitación de motel. No teníamos carro, pero íbamos a Lower Broad, en Nashville, y para mí era el paraíso porque siempre me había encantado la música country. Allí estaban Tootsie’s, el Ryman Auditorium y la tienda de discos Ernest Tubb. No teníamos dinero, pero si seguías bajando por Lower Broad, ahí era donde estaban todos los bares de mala muerte. Pasábamos el rato allí. Yo tenía 15 años.
¿Y cómo pasaste de ahí a intentar cantar?
Frente a ese motel había una tienda de comestibles llamada Piggly Wiggly. Todavía existe. Así que estaba dentro de Piggly Wiggly, robando cosas, como donas de Hostess. Yo pensaba: “De una forma u otra, vamos a comer”. Tenía 15 años, así que me metía cosas en los bolsillos y, mientras hacía eso como un idiota, simplemente estaba cantando. Estaba cantando ‘Old Habits’, una canción de Hank Jr. “Old habits… I kicked the habit of smoking back some time ago”. Cantando como un completo idiota.
Y entonces apareció una mujer, me miró y me tomó un poco por sorpresa. Pensé: “Dios, me atraparon. Estoy jodido”. Y ella me preguntó: “¿Estabas cantando?”. Yo le respondí: “Sí”. Y ella dijo: “Ah, es que tuve que venir a ver quién estaba cantando”. Luego me preguntó: “¿Eres cantante?”. Yo le dije: “No”. Hay que tener en cuenta que tenía 15 años. Medía 1,93 metros, pesaba 100 kilos y ya tenía un bigote como el de Tom Selleck. Parecía tener 58 años. Y ella me dijo: “Deberías considerar dedicarte al canto”. Yo le pregunté: “¿Sí?”. Y ella dijo: “¿Vives aquí?”. Le respondí: “Bueno, llegué a la ciudad hace un par de semanas”. Y me dijo: “Deberías ir a Broad Street. Ahí puedes conseguir algún trabajo”.
¿Fuiste?
Caminaba de un lado a otro por esos bares y entraba a los locales. Sin guitarra, sin nada. Ni siquiera sabía tocar. Y decía: “Hola, estoy buscando trabajo”. Me preguntaban: “Ah, ¿qué cantas?”. Y yo respondía: “Bueno, podría cantar…”, y simplemente empezaba. Les cantaba ‘Old Habits’. También cantaba una canción de Merle Haggard. ¿Cómo se llama? “Memories and drinks don’t mix too well…”.
“Misery and Gin”, creo que esa es.
Sí, sí. ‘Misery and Gin’. Es buenísima. “Here I am again, mixing drinks”. Y me preguntaban: “¿Cuántos años tienes?”. Y yo decía: “15”. Entonces me respondían: “Ah, eres demasiado joven. Ni siquiera puedes estar aquí”. Después aprendí la lección y, un par de bares más adelante, decía: “Ah, tengo 22”. Y ellos: “Mmm, ¿podemos ver tu licencia?”. Yo respondía: “Bueno, no tengo licencia”. Entonces venía el: “Está bien, sal de aquí”.
Así que nunca conseguí un trabajo. Ese es mi punto, amigo. Voy a buscar un bar de mala muerte en Broad Street y ahí es donde voy a comenzar mi carrera como cantante.
Supongo que los micrófonos abiertos serían difíciles en este momento.
Iré disfrazado y con prótesis completas.
Cuenta conmigo para ese álbum de country con elementos de soul.
Suena bien, ¿no? Siento que podría haber algo ahí.
Podrías hacer un álbum entero de duetos si quisieras, y apuesto a que habría muchos artistas encantados de hacerlo contigo.
Oh, sería una idea genial. Siento una profunda admiración y respeto por toda la música, pero especialmente por la de Nashville. Por la manera en que crecí allí y porque pude ver a todos estos artistas comenzando sus carreras. Así que quiero abordar este proyecto, sea cual sea la forma que tome, con ese mismo nivel de respeto. Como dices, si fuera un álbum completamente de duetos, sería algo como: “Oigan, aquí están mi corazón y mi amor, y esto es lo profundas que son mis raíces en el country”. Sería como decir: “Oh, sería un honor cantar con ustedes”, ¿sabes?
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Presentando una nueva era musical y creativa, Paulo Londra lanza el primer sencillo de su próximo álbum de estudio, ‘me asfixia LA CIUDAD’. La canción marca el inicio de una nueva búsqueda sonora, fruto del trabajo junto a Lisan y Tiano, productores que acompañan al artista argentino en esta nueva etapa de su carrera.
‘me asfixia LA CIUDAD’ cuenta una historia en la que bajar el ritmo y dejar atrás el ruido se vuelve indispensable para ordenar los pensamientos y encontrar claridad en medio del caos. En este recorrido, el amor aparece como un refugio para el alma y la mente, una guía capaz de devolver la calma cuando todo parece ir demasiado rápido. A través de esta nueva etapa, Paulo Londra explora la necesidad de alejarse de la complejidad para encontrar en otra persona un espacio de paz, complicidad y la posibilidad de comenzar de nuevo. Estos conceptos y emociones construyen el hilo conductor de una canción en la que el artista argentino se muestra íntimo y vulnerable con su público, mientras se acompaña de una melodía pegadiza y una sonoridad envolvente que refuerzan la esencia de esta nueva propuesta musical.
Este sencillo se presenta como el primer adelanto de su próximo LP, un proyecto que promete mostrar una faceta creativa y sonora renovada de Paulo Londra. En este nuevo recorrido, el artista argentino estará acompañado por sus productores y amigos, Lisan y Tiano, quienes serán parte fundamental de esta nueva etapa musical. Además, ‘me asfixia LA CIUDAD’ marca su primer lanzamiento en solitario del año.
En 2026, Paulo ha compartido algunos otros materiales en colaboraciones, como ‘Sentimiento mágico’ junto a Zion, Sinaka y el chileno Benja Valencia. También se unió a sus compatriotas LIT killah, Ramma y Khea en ‘Si te vas 2.0’.
Por ahora, ya puedes escuchar ‘me asfixia LA CIUDAD’ en todas las plataformas de streaming musical.
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AKRIILA reveló la portada de Lucy miró al mundo y notó que está girando y confirmó que su próximo álbum será lanzado el 3 de septiembre. La fotografía fue tomada en Nueva York por Emilio de la Rosa, integrante de Latin Mafia, y está construida a partir de tres elementos principales: AKRIILA, un caracol y la luz. Desde el inicio, la artista tenía claro que la portada debía representar parte del concepto del disco. “Visualmente me imaginaba algo que debía tener mucha luz. Pensaba mucho en cómo podía representar la esperanza o un nuevo día”, dice. Entre sus referencias estaban Abbey Road de The Beatles, Stories from the City, Stories from the Sea de PJ Harvey y Isn’t Anything de My Bloody Valentine.
La idea de trabajar con Emilio apareció cuando el disco ya estaba en sus últimas etapas. AKRIILA había visto las fotografías que él compartía y pensó que su trabajo podía funcionar para lo que estaba buscando. “Había visto el trabajo de Emi, lo que estaba subiendo, y de cierta forma empezó a hacerme sentido cuando lo pensé”, explica. Emilio ya había escuchado parte del álbum y también quería participar. “Me acuerdo que escuché una canción que me enseñó Akri y le dije: ‘Wey, la verdad, me gusta mucho. Quiero participar en el proyecto’”. Como la parte musical estaba prácticamente terminada, la fotografía se convirtió en otra forma de involucrarse. “Como ya estaban en las últimas etapas, no se podía hacer algo en particular, así que esta fue la manera en la que Akri encontró cómo incluirnos y hacer que participáramos en el proyecto de alguna forma”.
La portada continúa varias ideas que AKRIILA ya había explicado cuando presentó el título de Lucy miró al mundo y notó que está girando. El álbum parte de un momento más vacío y personal y avanza hacia una visión más esperanzadora. Por eso, la luz tenía que ser uno de los elementos principales de la imagen. Durante el proceso consideraron hacer la sesión de noche y utilizar flash, pero la idea no terminó de convencerla. “No podía ser algo como una mentira, algo falso. La luz que abarca tanto en la portada es, en verdad, como abrir las cortinas y dejar que entre la luz, que entre el sol”. Para ella también era importante que la imagen tuviera relación con el sonido del álbum. “Para mí la oscuridad es terrible, depresiva, y la luz es un signo de paz, de tranquilidad, de estar realmente de día, en la mañana. Si hubiese sido una foto de noche, sentiría que no cabe dentro del álbum, que no va con el sonido”.
Emilio también tomó esa idea como una guía para la sesión. “Me acuerdo mucho que hablaba con Akri justo de eso: de la sensación de buscar algo, de encontrarse, de estar perdido y después encontrarse”, explica. La sobreexposición de la fotografía, un recurso que utiliza con frecuencia, terminó funcionando para reforzar esa idea. “Cuando hay mucha luz también tienes que ajustarte un poco para poder ver. Tienes que adaptarte. Te puede cegar un poco y tienes que ajustarte para poder ver las cosas y dejar que esa luz te llegue”. Para él, ese proceso también tenía relación con el concepto del disco: “También habla de un proceso de adaptarse a eso y entenderlo”. La imagen quedó definida alrededor de tres puntos que ambos consideraban esenciales. “Akri es el punto central de la portada, pero creo que también son importantes el caracol y la luz, y Akri recibiendo esos dos elementos”.
El caracol ya era una figura importante para AKRIILA antes de hacer la portada. “Me estaba obsesionando mucho con los caracoles”, cuenta. “Cada vez que encuentro algo y vuelve a aparecer, lo veo como una señal, cien por ciento”. Durante un tiempo pensó que el animal asociado al proyecto sería un caballo, que apareció en el primer tráiler del álbum, pero después comenzó a cuestionar qué significaba realmente dentro del concepto. “Nunca más lo puse en ninguna otra parte porque decía: ‘¿Por qué puse el caballo? ¿Qué significa el caballo?’”. La decisión cambió una noche mientras hablaba con Emilio sobre la portada. “Emi dijo: ‘Weón, yo sí siento que es el caracol’”, recuerda AKRIILA. La idea encajaba mejor con elementos que ya existían dentro del álbum.
El caracol aparece directamente en una de las canciones del disco, “Lucy”. Incluso hubo otro tema que también hablaba de este animal, pero AKRIILA decidió quitarlo del tracklist. “Le quise llamar ‘Lucy’ porque la gente siempre pregunta: ‘¿Quién es Lucy? ¿Qué significa esto?’. Yo no quería que desde un principio se cerrara como una persona, sino que pudiera ser lo que tú quieras. Y a mí me parecía muy lindo que fuera justo un caracol”. Esa idea se relaciona también con el título del álbum, que AKRIILA había explicado anteriormente a ROLLING STONE en Español como una combinación de dos referencias a The Beatles: una frase de “While My Guitar Gently Weeps” y “Lucy in the Sky with Diamonds”, la primera canción que aprendió a tocar en piano.
La portada mantiene abierta la pregunta sobre quién o qué es Lucy. “Siento que lo que menos importa a veces es responder la pregunta de ‘¿quién es?’, ‘¿qué está girando?’ o ‘¿por qué?’. Prefiero dejarlo abierto, que se pueda confundir”, explica AKRIILA. Para ella, el propio caracol permite esa interpretación: “Puede ser el mundo porque literalmente es un círculo; puede ser lo que tú quieras”.
El animal también terminó conectando con otras letras del álbum. AKRIILA menciona “Thank You Music”, una canción en la que aparece la idea de tomar el mundo entre las manos y no dejarlo ir. Al ver la portada, encontró esa misma idea representada en la fotografía. “Literalmente la portada es eso: tenerlo en tus manos, con la luz”, explica. “Tener algo en tus manos es mucho más lindo que si fuera un caballo, una persona o tú mismo”.
Emilio también encontró sentido en la forma y el movimiento del caracol mientras escuchaba “Lucy”. “Desde el principio, cuando estaba hablando con Akri, el caracol se me hacía una imagen súper bella para representar el disco: cómo el mundo puede ser algo tan pequeño, que está en tus manos y que se puede mover tan lento”, explica. También pensó en la forma del caparazón: “El caparazón de un caracol es una espiral y eso también tiene sentido con lo que dice Akri: la búsqueda de una luz, de una respuesta, de encontrarse en algo”.
La portada fue tomada aprovechando que AKRIILA tenía un show en Nueva York. La ciudad también ayudó a desarrollar algunas de las referencias que ya tenían. “La idea era que se viera mucho esa intención de las cebras de las calles, los cruces, la ciudad y mucha iluminación”, explica Emilio. La sobreexposición también venía de su propio trabajo como fotógrafo. “Yo casi siempre tomo muchas fotos con sobreexposición; me gusta mucho quemar las fotos. Me gustaba que Akri viera eso como una forma de encontrar algo, de recibir un poco de luz, como un descubrimiento”.
Conseguir el caracol para la sesión fue más complicado. “Ya en el avión estaba pensando: ‘Wey, sé que queremos usar un caracol, pero ¿cómo voy a conseguir uno?’”, recuerda Emilio. Después de investigar, descubrió que comprar ciertas especies en Nueva York era complicado y comenzó a buscar otras opciones en grupos de Facebook y Marketplace. “Resulta que hay una comunidad de gente que ama los caracoles y los tiene de mascotas en Nueva York. Encontré a un wey que me vendía un hábitat y unos caracoles”. En total consiguieron cinco y todos terminaron con el mismo nombre. “Todos los caracoles que Emi adoptó, que eran cinco, se llamaron Lucy”, cuenta AKRIILA. Después de la sesión los entregaron a otra persona porque no podían llevárselos con ellos.
AKRIILA también pensó el vestuario como parte de la nueva etapa. “La idea principal del proyecto era algo rock and chic”, explica. Para la sesión utilizó prendas de Ann Demeulemeester, además de un collar comprado en Nueva York y unas botas que había conseguido en México. “Ann Demeulemeester es una marca que me ha fascinado últimamente. Siento que es muy de caballero, como medio George Harrison”, cuenta. Después resume el resultado de manera más sencilla: “Me sentía como un príncipe con un caracol”.
La tipografía que aparece en la esquina superior izquierda también fue trabajada específicamente para la portada. La intención era que estuviera presente sin quitarle atención a la fotografía. “Yo quería que, si realmente le prestas atención a la foto, te dieras cuenta de que está ahí”, explica AKRIILA. “Cuesta un poco encontrarla a primera vista”. Para Emilio, incluir el título tenía sentido porque varias de las referencias visuales que AKRIILA había compartido también mostraban claramente el nombre del álbum. “Se trata de tener el título de lo que te estoy presentando, de lo que te estoy entregando; tenerlo físico, poder verlo ahí”.
AKRIILA considera que uno de los puntos más importantes fue que Emilio entendiera el disco antes de fotografiarla. “El disco es tan significativo que no podía tener una portada porque sí, una foto linda sólo porque sí”, explica. “Siento que Emi entendió muchísimo cómo sonaba el disco y cómo tenía que representarse. Fue perfecto cómo fue manejando distintas opciones de colores y formatos”. Esto también conecta con el cambio musical que la artista había adelantado previamente: después del enfoque electrónico de Epistolares, el nuevo álbum incorpora más instrumentos orgánicos y elementos de banda, incluyendo arpas, flautas e instrumentos reales combinados con distorsión y saturación.
Emilio trabajó la sesión con distintas cámaras y terminó entregando una selección amplia de fotografías. Según él, la imagen final quedó muy cerca de lo que habían imaginado desde sus primeras conversaciones. “Salió literalmente como lo pensamos en las primeras discusiones: Akri es importante, el caracol es importante y la luz es importante”. Aunque la fotografía elegida fue clara para AKRIILA cuando la vio, hubo muchas alternativas que podrían aparecer más adelante en otros formatos del álbum. “Cuando vi la portada me fascinó y tal vez no me costó tanto elegirla, pero había muchísimas que eran como primas hermanas de esa”, cuenta. “Había todo un mundo. Hasta el caracol solo; yo decía: ‘Esta weá es increíble, podría ser el caracol solo’”. Esas imágenes podrían terminar en el vinilo, el CD u otras piezas del proyecto cuando Lucy miró al mundo y notó que está girando llegue el 3 de septiembre.
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