Nunca es muy tarde para alcanzar tus sueños: Anthony Hopkins, 88 años, firmó con Decca Classsics para publicar Life Is a Dream, un nuevo proyecto de grabación que comprende más de seis décadas de composiciones originales. Las pistas del álbum fueron conducidas por Gustavo Dudamel y tocadas por la Orquesta Philharmonia.
Hopkins toca el piano desde los cuatro años. De adolescente, empezó a componer música para obras de teatro locales. El primer sencillo del álbum, ‘Bracken Road’, pertenece a su obra 1947: Suite for Solo Piano and Orchestra. La pieza está “inspirada en recuerdos de su infancia en Margam, Gales del Sur”, y “es un retrato musical nostálgico de las calles, prados, tierras de cultivo y montañas que rodeaban la casa de su familia en la década de 1940” según el comunicado de prensa.
Otros temas del álbum incluyen ‘My Fatherland’, inspirada en melodías tradicionales galesas, y composiciones inspiradas en el cine, la esposa del actor y su sobrina.
“La música fue mi primer deseo, mi primera vocación”, declaró Hopkins. “He compuesto música toda mi vida. Algunas de estas piezas han vivido conmigo durante décadas y aún hoy me encuentro volviendo a ellas”.
Añadió: “Firmar con Decca es el honor de mi vida. Ha sido un verdadero privilegio colaborar con la distinguida Orquesta Philharmonia y los ‘virtuoso solists’, el violonchelista Gregorio Nieto y el pianista clásico Sergio Tiempo. Mi más profundo agradecimiento y respeto va dirigido al Maestro Gustavo Dudamel, cuyo arte es parte integral de este viaje musical. Con la delicada precisión de su batuta, transformó cada nota con un significado profundo e imborrable, creando un paisaje sonoro que invita al oyente a sentir e imaginar algo único y personal.”
Junto a Dudamel y la Philharmonia, el álbum cuenta con la participación del pianista Sergio Tiempo, el chelista Gregorio Nieto, el Bach Choir y los Niños Coristas de la Catedral de Winchester. Fue grabado en el Alexandra Palace de Londres en abril.
Dudamel comentó: “Sir Anthony Hopkins es uno de esos artistas excepcionales cuya voz creativa trasciende cualquier medio. La misma profundidad de imaginación, humanidad y verdad emocional que ha caracterizado su extraordinario trabajo en el teatro y el cine está presente en su música. Al escuchar su composición, me impresiona su belleza, su maestría artesanal y la inconfundible sensación de asombro que la anima.”
Continuó: “Anthony aborda la música con el corazón de un narrador y los instintos de un poeta, creando universos sonoros que son, ambos, profundamente personales y a la vez universalmente resonantes. Ha sido un privilegio colaborar con él en esta grabación junto a mis amigos Gregorio Nieto, Sergio Tiempo y la Orquesta Philharmonia; y ayudar a dar vida a la voz musical de un artista cuya creatividad no conoce límites.”
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«Tengo una regla: no empiezo nada que no pueda terminar», anuncia Jack White al comienzo de la incesante descarga de este álbum —una mezcla de blues marcial y contundente con una puesta en escena digna de un ejército de guitarras—, resumiendo su código moral entre el ritmo entrecortado y los arrebatos de distorsión aguda de «Derecho Demonico» (así, en español). Y hay más: «Lo que hago, cómo lo hago y por qué lo hago… nada de eso es asunto tuyo», advierte, disparando cada verso como si escupiera balas. Más vale no cruzarse en el camino de este tipo.
Frozen Charlotte es el octavo álbum en solitario de White —el cuarto en otros tantos años— y su fiesta de estudio más sostenida en clave de garage maximalista desde aquel arrollador éxito de los White Stripes: Elephant (2003). Había más espacio para tomar aliento entre la arrogancia y la densidad de Led Zeppelin II que en la vertiginosa sucesión de temas de White: desde la diablura de «Derecho Demonico» hasta el riff en avalancha y el órgano Hammond en llamas de «There’s Nobody There»; pasando por la lluvia intensa de percusión tribal y los cánticos a gritos de «Raising the Grain»; y el caos desenfrenado al estilo de la Motor City de 1968 de «You’ll Never Fix Me».
En esta última descarga, White y su actual y demoledora banda de gira —el bajista Dominic Davis (uno de los Buzzards originales del líder), el baterista Patrick Keeler (The Greenhornes, The Raconteurs) y el mago del órgano B-3 Bobby Emmett (exmiembro de los enérgicos The Sights, de Detroit)— tocan con la intensidad de un cartel de sábado por la noche en el Grande Ballroom junto a SRC y MC5, añadiendo además el toque final de una estela fantasmal de mellotrón cortesía de Emmett.
Este disco —que toma su nombre de la escultura de White que aparece en la portada, una imagen de inocencia rota y amenaza inminente derivada, a su vez, de una canción folclórica tradicional sobre la vanidad fatal de una joven— encarna a la perfección la furia de nuestros tiempos: son 13 canciones de desorden perpetuo, vínculos puestos a prueba e idealismo bajo asedio. White no teme señalar casos concretos en internet; menciona nombres y denuncia hipocresías descaradas en sus publicaciones. Sin embargo, aquí la fuerza de su argumentación es a la vez más críptica y universal: una reacción en cadena frenética de juegos de palabras escurridizos, chistes internos y aforismos explosivos —como granadas de mano— que igualan la intensidad de los golpes sonoros, fuertes y retorcidos, de la música.
«Oye, estoy confundido y apuesto a que se nota», confiesa White en «Nobody Knows», intercalando una referencia a los denisovanos (una subespecie asiática de los neandertales; tuve que buscarlo) y citando a Isaac Newton, Albert Einstein y Pitágoras como si se tratara de una rueda de reconocimiento policial sacada de una canción de Bob Dylan de 1965. Más adelante, entre el estruendo de guitarra con efecto marmolado de «All Alone Again», White prescribe una medida extrema como si estuviera charlando contigo sobre la valla del jardín: «Para encontrar una aguja en un pajar / bueno, es facilísimo: / simplemente quemas el pajar / y entonces encontrarás lo que necesitas».
Bob Dylan tenía razón: todo está roto. También la tenía Iggy Pop en 1973: «El poder puro seguro vendrá corriendo hacia ti». En «G.O.D. and the Broken Ribs», White abre el álbum con su propia versión de esa contradicción empoderadora, probando sonido en un Jardín del Edén del fin de los tiempos («Prueba de micrófono: uno-dos, uno-dos») con una confianza creciente que se manifiesta en acordes secos y guturales, furiosos rellenos instrumentales y la agitación superpuesta de sus armonías de «ángel sucio» interpretadas por él mismo: «Parece que tenemos un / pequeño lugar para hacer / las cosas que necesitamos hacer ahora».
Nada resulta fácil, por supuesto. Abundan las pruebas y tribulaciones en las relaciones entre hombre y mujer en medio de toda esa estática temática: el «cementerio de poses de cocina» en «There’s Nobody There» o el alboroto suplicante de «Thick as Thieves». Y el inquietante y paranoico cierre de «Neighbor Blues» —un tema de combustión lenta al estilo de «Ball and Biscuit» de Elephant, pero blindado para la era de la vigilancia— culmina con White invocando su propio vudú («Sobre tu tumba, tres gallos montan guardia»).
Nada de esto ofrece una resolución inmediata. Tampoco hay rendición, aunque sí una gran vía de escape. La guitarra slide de White en «Dollar Bill» suena como una National Steel con esteroides hasta llegar al solo, momento en que se transforma en algo parecido a un theremín fuera de control. «I Can’t Believe What I’m Hearing» cuenta con un estribillo de gran factura pop, más cercano a los Pretty Things que a Son House. Y no hay que pasar por alto el comentario irónico de White sobre el antiguo mito fundacional de los White Stripes en la segunda estrofa de «G.O.D.», justo antes de abordar el verdadero asunto de la canción. «Bueno, ahora es el comienzo del mundo», declara al final del tema. «Hagámoslo todo de nuevo».
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“¿Psicópata es bueno?“. La pregunta se la hizo Tomás, el hijo mayor de Mario Pergolini, cuando era chico y se encontró con una de las históricas tapas de Rolling Stone Argentina protagonizadas por su padre. La anécdota la contó el propio Mario en una charla con La Nación en la que el conductor repasó las cuatro portadas que hizo para la revista y reflexionó sobre las distintas etapas de su vida y su carrera.
El conductor del ciclo, José Del Río, le mostró al invitado las cuatro tapas juntas. La primera correspondía al número 2 de Rolling Stone Argentina, publicado en 1998, y lo devolvió a los años en los que comenzaba a consolidarse Cuatro Cabezas mientras atravesaba uno de sus mejores momentos en radio y televisión.
“Era una buena etapa de mi vida. Ya habíamos empezado Cuatro Cabezas con Diego y con Gebel. Me iba muy bien en radio y había dado el paso a la televisión con La TV Ataca y Hacelo por mí“, recordó.
Luego apareció una de las tapas más recordadas de la revista: la que llevaba el título “Anatomía de un psicópata”. Pergolini contó que esa misma imagen también fue utilizada para la tapa de un libro recopilatorio de Rolling Stone y recordó la reacción de su hijo cuando visitaron una muestra dedicada a la revista.
“Me acuerdo de que fuimos a ver la muestra, que había que entrar por mi boca. Tomás era chico y me preguntó: ‘¿Psicópata es bueno?’. Le dije: ‘Sí, es bueno’“, contó entre risas.
Las otras dos tapas funcionaron como disparadores para hablar de momentos decisivos de su trayectoria. Una de ellas remite a su apuesta temprana por Internet y el streaming, cuando todavía eran tecnologías incipientes.
“Le dije a la gente de Rock & Pop que había una nueva tecnología que podíamos usar para hacer contenido diferente. No creían mucho en eso, así que dije: ‘Bueno, me hago cargo yo’. Hicimos el primer programa que se hacía vía streaming a nivel mundial. Hasta desarrollamos tecnología para hacerlo“, aseguró.
La última portada, en cambio, representa uno de los momentos más difíciles de su carrera: su salida de Rock & Pop después de casi dos décadas. “Yo sentía que el juego de los medios estaba cambiando. Ellos no lo veían y también les doy la derecha porque era muy difícil imaginarlo en ese momento”, explicó.
Al ver las cuatro tapas reunidas, Pergolini encontró un hilo conductor entre todas ellas. “Nosotros fuimos un bardo organizado. Éramos los que no le iban a dar voz. Representamos muy bien esa generación del rock, esa cultura, porque éramos eso. Las tapas de Rolling Stone representan quién era. Ahora que las vi a las cuatro juntas se ve una evolución”, reflexionó.
Sobre el final de la charla, José Del Río bromeó con la posibilidad de una nueva portada. “Le podemos sumar la quinta ahora“, le dijo. “La quinta es yo en silla de ruedas“, remató Pergolini.
Mirá la entrevista completa:
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Nada es para siempre. “Celebrating Life Through Death” es la gira internacional con la que Sepultura celebra sus más de 40 años de trayectoria y marca su despedida definitiva de los escenarios. La banda brasileña hará escala en Buenos Aires el próximo 6 de octubre para ofrecer un concierto en el complejo C Art Media, en el barrio porteño de Chacarita.
Durante la presentación, la agrupación repasará las canciones de los discos más significativos de su carrera, como Beneath the Remains (1989), Arise (1991), Chaos A.D. (1993) y el icónico Roots (1996), producciones que posicionaron al metal brasileño en el ámbito internacional e influyeron en el desarrollo del género a nivel global.
El repertorio promete para recorrer toda su historia musical, incluyendo temas emblemáticos como “Refuse/Resist”, “Roots Bloody Roots”, “Territory” y “Ratamahatta”, en lo que será su último encuentro en vivo con el público argentino.
Mientras recorre el mundo con su gira de despedida “Celebrating Life Through Death”, Sepultura decidió inmortalizar su último capítulo creativo con The Cloud of Unknowing, un EP que marca la despedida discográfica de la banda. Grabado junto al baterista estadounidense Greyson Nekrutman, incorporado en 2024, el trabajo nació de manera espontánea durante diez días en los históricos Criteria Studios de Miami, donde el grupo dio forma a nuevas composiciones sin una planificación previa, guiado únicamente por la química surgida entre sus integrantes.
El resultado son cuatro canciones que reflejan tanto la intensidad como la diversidad que caracterizaron a Sepultura a lo largo de su carrera. Desde la potencia de “All Souls Rising” hasta la introspectiva “Beyond the Dream”, el EP combina la agresividad del metal con nuevas exploraciones sonoras y una fuerte carga emocional, abordando temas como la transformación personal, la unión frente a las divisiones sociales y la búsqueda de identidad.
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Bogotá vuelve a subir el volumen. El próximo sábado 25 de julio, la Plaza de Bolívar será el epicentro de una nueva edición de Monumentum: Bogotá Distrito Rave 2026, el encuentro de música electrónica con entrada libre más grande de Colombia. Desde la 1:00 p.m. hasta las 9:00 p.m., miles de asistentes podrán reunirse en uno de los lugares más emblemáticos de la capital para una jornada dedicada al sonido, la cultura rave y las nuevas expresiones creativas de la ciudad.
Organizado por la Alcaldía Mayor de Bogotá, a través de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) y la estrategia Bronx Distrito Creativo Presenta, Monumentum llega a su quinta edición como una plataforma que busca llevar la electrónica más allá de la pista de baile. El evento ha construido un puente entre artistas, clubes, emprendedores e instituciones, consolidando una escena que continúa creciendo y reclamando nuevos espacios dentro de la conversación cultural.
Para esta edición, la iniciativa contará con Páramo Presenta como aliado estratégico y la participación de algunos de los clubes que han marcado la identidad de la noche bogotana como Gate Club, Kaputt Club, Octava, Radio Berlín y VideoClub, además del apoyo de organizaciones como la Cámara de Comercio de Bogotá, el Clúster DJ de Asobares, DNA Music, Mad Skills Academy y Pelado B.
En sus cuatro versiones anteriores, Monumentum ha reunido cerca de 42.000 asistentes y más de 25 artistas, convirtiéndose en una de las apuestas más importantes para visibilizar el movimiento electrónico en Colombia. Su regreso en 2026 también llega acompañado de un nuevo capítulo institucional: la aprobación del proyecto de acuerdo que convierte a Monumentum: Bogotá Distrito Rave en una política pública enfocada en fortalecer la música electrónica, las industrias culturales, el turismo y los espacios de convivencia alrededor de la música.
Pero la experiencia irá más allá del escenario. La edición 2026 incluirá una zona de emprendimientos desarrollada junto a la Secretaría Distrital de Desarrollo Económico y su estrategia Hecho en Bogotá, con 20 propuestas locales seleccionadas que abarcarán gastronomía, bebidas, accesorios, moda y diseño. El objetivo será conectar la música con otros sectores creativos y abrir nuevos espacios de circulación para el talento de la ciudad.
El evento también mantendrá su componente de Fiesta Segura, una estrategia enfocada en el bienestar de los asistentes. La jornada contará con acompañamiento especializado para mujeres por parte de la Secretaría Distrital de la Mujer, zonas de recuperación, atención médica, orientación en reducción de riesgos, puntos de hidratación y espacios adecuados para personas con movilidad reducida.
El ingreso será gratuito hasta completar aforo y estará permitido únicamente para mayores de edad. La organización recomienda llegar temprano, utilizar transporte público, llevar ropa cómoda y seguir las indicaciones del equipo logístico.
Además de la celebración en la Plaza de Bolívar, Monumentum revelará próximamente los detalles de su programación académica, que buscará abrir conversaciones alrededor de la profesionalización de proyectos artísticos, la economía creativa, la construcción de audiencias, la tecnología y el futuro de la cultura electrónica.
Con una nueva edición, Bogotá reafirma su lugar dentro del circuito electrónico latinoamericano y convierte nuevamente uno de sus espacios históricos en una pista de baile colectiva.
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Luego de una campaña de expectativa que trascendió las redes sociales y llegó hasta los escenarios, Arde Bogotá ha compartido su nuevo single, ‘Bigger Splash’. La agrupación de Cartagena adoptó el título de la canción como pseudónimo para colarse en los carteles de tres festivales musicales de España con actuaciones sorpresa.
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Para el segundo adelanto de su tercer álbum de estudio, el cuarteto se ha apartado del ímpetu punk rock de ‘Instrucciones’ y ha optado por un mid-tempo al estilo de ‘La torre Picasso’, dejando un estallido de guitarras para el final. En cuanto a la temática, Antonio García canta sobre la dicotomía entre el no querer aceptar los cambios y el deseo de enfrentarlos. “Quisiera ser capaz de darle play a las montañas/Hacerlas caminar y que hagan una marcha colosal hasta tu casa/Que no es mi casa ya”, canta en el coro.
La canción, producida por Joe Chiccarelli y grabada en Los Ángeles, es también una referencia directa a la obra del mismo nombre del artista británico David Hockney.
Desde finales de abril, Arde Bogotá ha ido construyendo el universo narrativo que constituirá al sucesor de COWBOYS DE LA A3, su álbum de 2023. El concepto ha girado en torno a un invento fallido de la fábrica ficticia Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS), cuyo jefe buscaba crear algo que les evitara el sufrimiento a las personas.
Desde hace semanas, los festivales Mad Cool, Cruïlla y Bilbao BBK Live habían incluido en sus carteles la actuación de una banda desconocida llamada Bigger Splash, levantando curiosidad por su origen, más no sospecha de que pudiera tratarse de uno de los actos más relevantes de España del momento. Solo hasta la semana pasada los fans más curiosos se dieron cuenta de la relación, cuando los de Cartagena publicaron un clip en el que un hombre llamado Asensio Belmonte, extrabajador de MCGS, explicaba el experimento fallido de la fábrica que solo arrojaba el error “Bigger Splash”.
Pese a que ‘Instrucciones’ y ‘Bigger Splash’ son los dos singles oficiales de su próximo LP, el cuarteto ha interpretado en vivo otras canciones inéditas como ‘Antifiesta’, ‘Club de la gente sola’ y ‘Asidero’. El trabajo discográfico aún no tiene fecha de lanzamiento, pero llegará más adelante en 2026.
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Hay bandas históricas (pocas) que se mantienen siempre a la altura de su mito y hay otras (más) que se estrellan y se prenden fuego y terminan siendo un dibujo hecho de memoria de lo que alguna vez fueron. Y también hay algo entre medio, una especie de meseta bastante habitada en la que cada tanto sacan un disco nuevo que todo el mundo elogia cuando sale pero que incita a muy pocos a repetir el play un año más tarde. Aunque incomode decirlo, los Rolling Stones estaban un poco en esa: de Bridges to Babylon (1997) para adelante, la banda de rock más grande del mundo nos regaló un puñado de canciones buenas, escondidas entre otras que ni por asomo indignaban, pero tampoco hacían mucho más que cumplir.
No es que alguien les vaya a reclamar algo: con que saquen algo como “Angry” de tanto en tanto es más que suficiente para un grupo de semidioses de más de 80 que vienen haciendo feliz al mundo desde el Precámbrico. Pero a la vez, sabiendo quiénes son y lo que nos dieron, nunca se pierde la esperanza de obtener un poquitito más de satisfacción.
Y entonces llega Foreign Tongues y rompe la inercia: cuando uno ya los creía (merecidamente) en automático, se despachan con un disco fibroso, divertido, lleno de guiños a su propia juventud. Escuchando estas catorce canciones cobra más sentido el deep fake del video de “In the Stars”: es como si hubieran redescubierto detrás de los achaques y las arrugas a los pendejos barderos que supieron ser.
No es tan el caso del corte y del lado B “Rough and Twisted” (un blues tradicional que pierde ortodoxia en el estribillo pero la recupera enseguida), aunque sí, por ejemplo, el de “Jealous Lover”, una baladita soulera con falsete que podría tranquilamente ser un outtake de Some Girls (1978). O de “Divine Intervention”, con un riff que materializa Topper rojas y una melodía que es pura azúcar e invita al repeat inmediato. También de “Ringing Hollow”, el “Far Away Eyes” de este siglo, campirano y medio ebrio de whisky ilegal. Incluso de “You Know I’m No Good”, cover de Amy Winehouse, en la que uno hasta puede adivinar el proceso de Jagger copándose con la frase “te dije que soy un problema” y mostrándosela a Keith y Ron para meter risotada conjunta y proceder a zaparla hasta que salga.
Ahí está el punto: en que se los huele divertidos, jugando a la música con el plus de la experiencia, como si se hubieran sacado de encima la mochila de “la posteridad” que encierra grabar. El productor Andrew Watt, con total inteligencia, los deja ser: lleva el timón con la premisa de encauzarlos si se desbandan, pero no meter la cuchara si no hace falta. Así llegan a un álbum que no es lo que se conoce como una vuelta a las fuentes, pero sí un abrazo al amateurismo perdido, y a la vez una recorrida por todos los Stones que existieron: así como hay country, blues y rolinguismo, también está el lento trasnochado cantado por Richards que no puede faltar (“Some of Us”), un rockito medio disco (“Never Wanna Lose You”) y hasta un border punk (“Hit Me in The Head”) que grabaron con Charlie Watts antes de perderlo.
Como en Hackney Diamonds (2023), invitados grandes no faltan: Paul McCartney, Robert Smith de The Cure (que un día cayó de casualidad al estudio y terminó haciendo coros), Stevie Winwood y Chad Smith, el baterista de los Red Hot Chili Peppers. Al cierre de este texto no está claro qué hace cada uno, pero de vuelta: hay aire de juntada con los pibes, y ese espíritu lúdico, ese alineamiento absoluto con el tao, hace que nos llevemos la certeza de que, está bien, puede ser que “Mr. Charm” o “Covered in You” no se banquen tan bien el paso del tiempo, pero quién va a sacar “Divine Intervention” o “Jealous Lover” de nuestro Spotify Wrapped de este año.
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