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★★★★
Weezer siempre ha tenido una afinidad por los álbumes conceptuales, ya sea porque está imaginando cómo serían “unos Beach Boys más rudos” (Pacific Daydream, 2017), haciendo sus propias versiones de hits radiales (The Teal Album, 2019), reconectando con su lado más sensible (OK Human, 2021) o rindiendo tributo al metal ochentero (Van Weezer, 2021). Para su LP número 20, que técnicamente es autotitulado pero también es conocido como The Gold Album, el concepto es altamente irónico pero, al mismo tiempo, directo. Además, suena como uno de sus trabajos más clásicos. “Hay algo especial en tus primeras creaciones”, canta Rivers Cuomo —medio en broma y medio en serio— al inicio de ‘C.E.O.’, un himno cuyo sonido remonta directamente a su hit de 1994, ‘Undone (The Sweater Song)’. Esta idea es la base de un disco que imagina lo que hubiese sucedido si la banda hubiera publicado un álbum de transición en 1995, entre su debut en 1994 con The Blue Album y su obra maestra de 1996, Pinkerton. The Gold Album, como su nombre lo sugiere, es, de hecho, oro puro.
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La agrupación describió el proceso del disco como “menos charla, más rock”. En ‘Say Yes’, la canción que abre el LP y que comparte título con el clásico de 1997 de Elliott Smith, se puede escuchar cómo la actitud impasible que suele definir su música empieza a mermar. El vocalista comienza expresando en tono suspicaz su poca autoconfianza. “Todos me van a hacer sentir miedo/Así que solo pienso en que me van a pagar”, entona mientras el resto del grupo musicaliza estas dudas con una tonada enigmática. Sin embargo, la canción termina teniendo un coro tan pegadizo como ‘Buddy Holly’ o ‘The Good Life’, con letras que intentan transformar el ritual rutinario de hacer temas de rock alternativo en una afirmación positiva.
Hay una sensación de liberación a lo largo de The Gold Album. Con Kenny Beats (Rico Nasty, Vince Staples, Geese) en la producción, la banda adquiere un sonido más garage rock de lo que acostumbra, incluyendo guitarras que se inclinan más hacia el desert rock que al power pop. Es por eso que cuando cortes como ‘Don’t Make It Weird’ o ‘Shine Again’ pasan de riffs pesados a coros más luminosos, el mensaje cala más hondo que lo que hubiese podido lograr un disco normal de Weezer. En la sentimental ‘We Might as Well Be Strangers’, las guitarras parecen lamentarse al igual que Cuomo cuando rima cosas como “hablando de Nietzche” con “te necesito mucho”, versos que grita en compañía de Karly Hartzman de Wednesday, una de las múltiples bandas que tomaron inspiración del cuarteto californiano.
Cuomo pasa gran parte del disco rumiando en la crisis de la mediana edad que enfrentan sus fans, incorporando un toque crudo e introspectivo a su sonido cálido y familiar. ‘Hoops’ es toda una queja que comienza con, “Compré una tostadora simplemente para hacer tostadas/Pero antes tuve que escanear un código QR”. Amén, hermano. Y en ‘Nowhere’ hace su propia protesta al estilo NIMBY (“no en mi patio trasero”): “¿Por qué tuvieron que talar los árboles solo para construir un condominio de mierda?”. El frontman vocifera la consigna sobre un riff envolvente y efusivo que evoca dos de sus influencias más importantes de rock californiano: el espíritu anti-dispersión urbana de ‘Big Yellow Taxi’ de Joni Mitchell y la actitud audaz de Kyus.
Como es usual para una banda que ha hecho de su autoconsciencia impasible su lugar seguro, los momentos que más destacan del álbum ocurren cuando su estilo característico logra aludir a dudas que se tratan dentro del rock en sí mismo como, “¿Esto se sigue sintiendo real o estamos siguiendo la corriente? ¿Realmente importa saber la diferencia?”. ‘C.E.O.’ hace un contraste entre la visión inocente de un Cuomo adolescente que experimenta con su guitarra, y la cruel realidad de tener que seguir tocando los mismos sonidos noventeros para complacer a los empresarios. Allí, batalla entre contener sus impulsos de “científico loco” para poder seguir manteniendo “el cohete impulsado”, una metáfora que el fan del común puede interpretar como cualquier responsabilidad adulta que se tenga. Ciertamente no es el primero en hacer esta observación, pero el encanto y emocionalidad del grunge permite que la reflexión se entienda mejor.
El tema que cierra el disco, ‘The LA Sound’, es la estocada final de The Gold Album. Escrita por el guitarrista Brian Bell, es una fotografía de lo que es ser un grupo emergente que poco a poco va ganando fans a medida que toca en bares de mala muerte. “Venimos a explotar tu mente/Vamos a encender este lugar”, dice Weezer en el coro acompañado del tipo de rock alternativo que la hizo popular hace más de 30 años. Esta agrupación ha relatado su experiencia personal con los rituales del rock desde ‘In the Garage’, por allá en los días de The Blue Album, y aquí lo sigue haciendo con el mismo cariño. Resulta que, después de tantos años, todavía funciona que Weezer siga siendo Weezer.
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Ella Yelich O’Connor, la artista conocida como Lorde se hizo famosa a una edad muy temprana. A los 16 años ya había alcanzado el estrellato con ‘Royals’ y su primer álbum Pure Heroine (2013). Luego, lanzó Melodrama (2017), uno de los álbumes de pop alternativo más galardonados de los últimos años. Sin embargo, la presión de la fama combinada con inseguridades personales y una necesidad de hablar del cambio climático, resultó en Solar Power (2021), una crisis existencial que se manifiesta en la forma de cielos despejados, playas doradas, círculos de meditación y un verano que anhela por un nuevo orden mundial.
La portada expone una toma que captura a la cantante saltando, se puede ver la arena, el océano y las islas en las esquinas inferiores. Su figura borrosa se oscurece en contraluz con el sol, el cielo azul y una que otra nube.
Esta imagen representa un tipo de intimidad diferente al del álbum anterior, donde su cara era el sujeto principal, ahora el resto de su cuerpo se oculta detrás de sus piernas largas, deformadas por el lente ojo de pez. Su vestuario revelador comunica una sensación de libertad que se diferencia radicalmente de su personalidad hasta ese entonces. Salió de su habitación, cambió su ropa oscura por un amarillo chillón y se fue a las playas de Nueva Zelanda donde salta sin preocupaciones esperando tener el descanso sanador que tanto ha buscado.
La naturaleza y la cultura maorí
En múltiples entrevistas, la vocalista insistió que este proyecto era una “celebración de la naturaleza”, por eso no produjo CD, para mitigar el efecto ambiental. No obstante, esta misión es más aparente en las canciones de ‘The Path’, ‘Solar Power’ y ‘Fallen Fruit’, algunos de los temas que incluyó en Te Ao Mārama, un EP que tomó cinco pistas del proyecto para traducirlas al idioma maorí.
The Spinoff provee más detalles acerca de los desafíos de realizar esta versión, “El maorí utiliza muchas metáforas del mundo natural para transmitir significados. Si a esto le sumamos los distintos dialectos del país, con sus propios lugares emblemáticos, historias y referencias específicas, no existen dos traductores que interpreten las cosas de la misma manera. Esto es especialmente cierto cuando, como dice Kāretu, se interpretan ideas en lugar de palabras”.
Ella describe la labor de descomponer, reflexionar y reinventar sus letras como una oportunidad de representar a Nueva Zelanda ante el mundo, además, brinda mayor profundidad a los sentimientos que las letras buscaban expresar en inglés.
CC: Hagen Hopkins/Getty Images
Sin importar la calidad del álbum final, la contribución de Lorde a la preservación del lenguaje indígena es algo irremplazable, como lo pone Tīmoti Kāretu, el tōtara [líder] de más de 80 años del movimiento te reo Māori, “Cualquier plataforma donde reside el lenguaje es buena para este. Le brinda una reputación y audiencia que no tendría ordinariamente… siempre y cuando lo pronuncien de manera correcta. La pronunciación de Ella fue muy buena”.
Las canciones más destacadas fueron ‘Te Ara/The Path’, porque incluye a Tāwhiri, el dios de los elementos cuando se refiere al “complejo divorcio de las estaciones”, y ‘Hine-i-te-Awatea/Oceanic Feeling’ que invoca el nombre de la hija del sol, la diosa de los nuevos comienzos, Hine-i-te-Awatea, al terminar el tema con la voz de un nativo cuyo nombre se desconoce. Este EP brinda más claridad a la intención de Lorde, algo que fue lo más complejo de descifrar en este disco. Además, los fondos recaudados de este proyecto se donaron a dos fundaciones, Forest and Bird y Te Hua Kawariki Charitable Trust.
Escapismo adolorido
La identidad sonora de este álbum es acústica y noventera, la cantautora fue inspirada en la música de su juventud y la de sus padres. The Mamas & The Papas fue una gran referente; le brindó una dirección que la llevó a la guitarra eléctrica y una mezcla de referencias de los setentas, noventas y años 2000… elementos que, a pesar de colaborar con Jack Antonoff, terminaron estereotípicos y desaturados en varios momentos.
Las temáticas flotan y se transforman bastante de canción a canción, algo que produce una narrativa confusa que complica el mensaje que intentaba transmitir. Los primeros sencillos que la cantante decidió compartir antes del lanzamiento del álbum lo dicen todo.
En ‘Solar Power’, se deleita en la playa mientras se burla de la ‘estética de líder de secta’ de la cultura del bienestar con la frase “Soy como un Jesús más bonito”, además enlistó la ayuda de Clairo y Phoebe Bridgers para las voces en el fondo de la mezcla. La segunda canción que se reveló, ‘Stoned at the Nail Salon’, la muestra en un torbellino de pensamientos poéticos y dudas sobre sí misma, al son de una guitarra eléctrica solitaria que la acompaña mientras declara “Es hora de relajarse/lo que sea que eso signifique”.
La tercera canción, ‘Mood Ring’, considerada la peor del álbum (posiblemente de su carrera), se sumerge por completo en los estereotipos del turismo de sanación. Su intención era parodiar esa práctica, sin embargo, se pierde en una nube de marihuana e ilusiones de “algún lugar del este” y nunca llega a una crítica contundente. La última, ‘Fallen Fruit’, es un tema destacado que protesta la catástrofe climática dejada por las generaciones anteriores; como ella misma dice, la gente joven se quedó “bailando sobre la fruta caída” y en búsqueda de un mejor futuro.
Las canciones que completan el álbum también exploran sus pensamientos acerca de la fama con ‘The Man with the Axe’ y ‘California’. En otras ocasiones, habla de un hombre abusivo en ‘Dominoes’. Intentó aportar algo de luz a sus arreglos musicales con pistas como ‘Secrets from a Girl (Who’s Seen it All)’, pero nunca alcanzó la intensidad del primer sencillo.
El cierre final, ‘Oceanic Feeling’, es el más claro de todos en su concepto y ejecución. Las cigarras de su ciudad natal empiezan a sonar mientras piensa en saltar desde Bulli Point como lo hacía su padre cuando tenía su edad al mismo tiempo que se escucha un minúsculo cameo de ‘400 Lux’, un sonido emblemático de su debut.
Los sintetizadores se despiertan, los bongos se alzan y el bajo la acompaña mientras habla de su hermano, piensa en cómo sería su hija y canta sobre abandonar ‘el pintalabios negro cereza’ que ‘acumula polvo en un cajón’. Se desvanece en el silencio mientras se pregunta si al final encontró lo que buscaba y espera un nuevo comienzo.
Este tema fue una de las dos canciones del disco que tocó en el Ultrasound World Tour de 2025, la otra fue ‘Big Star’, una dedicatoria a su perrita, Pearl, que murió en octubre del 2019
La pista extra ‘Hold No Grudge’ ayuda a dar cohesión a la narrativa y sirve como un rayito de sol sonoro que no llegó al montaje final; sin embargo, el proyecto en su conjunto adolece de una “extrañeza” general, casi como si todavía estuviera en el salón de uñas en su mente mientras fracasa en disfrutar del sol que tanto quiso volver a sentir sobre su piel.
Una duda integral
En aquel entonces, parecía muy feliz; en muchas entrevistas resaltaba como este LP le traía recuerdos de la naturaleza, el sol y la dicha del sol neozelandés. Sin embargo, en su entrevista con Zane Lowe, admite que también estaba pasando por un momento difícil y que había luchado con un trastorno alimenticio.
En retrospectiva, afirma que en este disco rechazaba su lado más cosmopolita y artístico a favor de volver a sentirse como una persona común y corriente, algo que “no se sintió bien”, confesó: “Intenté este tipo de rechazo en Solar Power, pero faltaba algo; esas canciones me acariciaban la piel, pero no me llegaban a las entrañas. Decía que ‘¡Esta no es la mejor manera de aprovechar el mejor momento de tu vida!’”.
CC: Billboard / Colaborador / Getty Images
Con Virgin (2025) podemos apreciar lo que nacía bajo el cuarzo y el incienso de aquella época. Esta etapa significó un paso más para aceptarse por completo y encontrar esa “versión más auténtica” de ella.
El hecho de que haya pasado un tiempo complejo no borra la diversión que tuvo en esta “era musical” y viceversa. Aunque muchos fans preferirían olvidar este álbum mediocre que los dejó con más preguntas que respuestas, algunos aprovechan la oportunidad para aferrarse a lo que podría haber sido la salvación que anhelaban a finales de 2021 y recordar lo que significa trascender de verdad.
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Después de varios años expandiendo su propuesta mediante la exploración de nuevos sonidos y colaboraciones que ampliaron su alcance dentro de la música mexicana, Marca Registrada decidió mirar hacia atrás, pero con la firme decisión de no repetir lo que ya hizo.
En ‘Cero Miedo’, el grupo sinaloense encabezado por Fidel Castro recupera el acordeón, el requinto y el tololoche, elementos que marcaron sus primeros años, además de una forma directa de contar historias. Es un regreso al sonido norteño con el que comenzó su trayectoria en Culiacán y que ayudó a construir su identidad antes de convertirse en uno de los nombres más visibles de la nueva generación del regional mexicano.
Formada a mediados de la década de 2010, la agrupación encontró desde sus primeros trabajos un lugar dentro de la música norteña y el corrido. Su debut, La Vida Ruina, llegó en 2015 y les permitió abrirse paso en la industria; con el paso de los años, el grupo fue ampliando su propuesta y su alcance, especialmente a través de colaboraciones y producciones con una factura cada vez más contemporánea. Ahora, la dirección es otra.
“Decidimos volver al estilo original de Grupo Marca Registrada porque es tiempo de reencontrarnos con nuestras raíces, con lo que nos identifica. Creemos que la música está en el momento adecuado para hacer las cosas diferentes, para ser un poquito diferentes”, explica Castro. “Eso es lo que siempre ha identificado a Marca Registrada: tratar de ser diferente y nadar contra corriente”.
La elección de instrumentos tampoco es casual. El acordeón y el tololoche forman parte de la tradición sonora de la música norteña, un género cuya instrumentación fue cambiando con el tiempo, pero que históricamente encontró en estas combinaciones uno de sus rasgos más reconocibles.
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En ‘Cero Miedo’, ese regreso también se traslada a las historias. La canción retoma algunos de los temas que han atravesado la música de Marca Registrada: el camino recorrido, la familia, las dificultades y la desconfianza que puede aparecer cuando llegan el éxito y nuevas responsabilidades. Sin embargo, volver al origen no significa volver a ser los mismos.
El lanzamiento inaugura una etapa en la que la música recupera parte de su raíz, mientras la imagen del grupo avanza en otra dirección. En el video oficial, el grupo mantiene elementos asociados a su identidad, como los sombreros, las botas y la estética western, pero los presenta bajo una propuesta visual más definida.
Detrás de esta nueva etapa está Siete Cactus, firma mexicana encargada de la dirección creativa de Marca Registrada y Fidel Castro. Según explican, la intención no ha sido reemplazar la identidad que el grupo ya tenía, sino trabajar sobre ella y llevarla hacia una imagen más sólida. Para Aldo Haro, conocido como Vaquero Sensible, director creativo y cofundador de Siete Cactus, ese regreso tiene además un significado particular dentro del momento que atraviesa la música mexicana.
“Para mí, Marca Registrada representa ese estilo bragado que puso las bases de todo lo que estamos viendo hoy. Antes de que lo tumbado llegara a todo el mundo, ya estaban esos batos de a deveras: con carácter, con su manera de hablar y de hacer música. Siento que hoy hay algo muy poderoso en volver a mirar a dónde está la raíz de todo el movimiento actual”, señala.
En un panorama en el que buena parte de la música mexicana sigue cruzándose con otros géneros y explorando nuevas fórmulas, Marca Registrada eligió hacer algo distinto: regresar a un terreno que conoce desde hace más de una década. ‘Cero Miedo’, entonces, no busca reproducir exactamente al grupo de sus primeros años. El punto de partida es el mismo, pero el contexto es otro. El grupo vuelve a sus raíces con la experiencia acumulada desde entonces: la música mira hacia el origen, mientras la imagen sigue avanzando.
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El patrimonio de Mac Miller compartió una nueva canción del artista titulada «Butterflies». El tema formará parte de The Divine Feminine (10th Anniversary), cuyo lanzamiento está previsto para el 2 de octubre, junto con otras dos canciones inéditas. Aún no se han anunciado los títulos de los otros temas nuevos.
«Butterflies» fue producida por Taylor Graves y cuenta con la participación de Thundercat —colaborador habitual de Miller— al bajo y de Daniel Hardaway a la trompeta. En este tema hipnótico de ritmo moderado, Miller canta sobre una posible conexión amorosa: «Más vale conducir despacio / si quieres recorrer el camino elevado / y tu mente es tan apasionada, busco tu amor y / esa sensación me resulta tan ajena, solo puedo imaginarla / chica de ensueño, eres mi chica de fantasía».
Junto con el sencillo, el patrimonio del artista lanzó un nuevo sitio web de Mac Miller, diseñado en colaboración con James Musgrave y Kate Doyle para XXIX. El sitio es un homenaje interactivo a la vida y obra del rapero, fallecido en 2018, e incluye material de archivo aportado por amigos y colegas a lo largo de los años.
Miller publicó The Divine Feminine, su cuarto álbum de estudio, en 2016. El disco contó con colaboraciones de Kendrick Lamar, Anderson .Paak, CeeLo Green, Ty Dolla Sign y Ariana Grande; esta última participó destacadamente en uno de los sencillos, «My Favorite Part». El álbum recibió, en general, críticas mediocres. Rolling Stone escribió: «Las bases musicales de Miller —que denotan madurez— chocan con sus fanfarronerías juveniles (“Yo solo como coño; los demás necesitan comida”), por lo que a menudo termina sonando como un chico bienintencionado que no puede evitar poner los pies sobre los muebles elegantes».
Lista de canciones de The Divine Feminine (10th Anniversary):
- Congratulations feat. Bilal
- Dang! feat. Anderson. Paak
- Stay
- Skin
- Cinderella feat. Ty Dolla $ign
- Planet God Damn feat. Njomza
- Soulmate
- We feat. CeeLo Green
- My Favorite Part feat. Ariana Grande
- God Is Fair, Sexy, Nasty feat. Kendrick Lamar
- Track 11
- Track 12
- Butterflies
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Se han revelado imágenes inéditas de uno de los momentos más emblemáticos de la historia del rock: la presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el 18 de agosto de 1969.
Lo que en su momento pareció la travesura de un fan emocionado, hoy se ha convertido en un hallazgo extraordinario para la historia de la música. Hace más de cuatro décadas, Albert Goodman, un estudiante de teatro de 22 años, logró colarse en el festival de Woodstock, celebrado en Bethel, Nueva York. Su aventura lo llevó hasta el escenario donde Jimi Hendrix ofrecería un cierre inolvidable, sin imaginar que terminaría registrando una grabación única y de gran valor histórico.
Goodman logró pasar desapercibido al colocarse detrás del percusionista Juma Sultan, por lo que fue confundido con uno de los integrantes del equipo de grabación y fotografía del festival. Desde allí, consiguió registrar a Hendrix a apenas 4,5 metros de distancia, ofreciendo una perspectiva inédita de la presentación. Para aquella ocasión, Hendrix se presentó junto a Gypsy Sun and Rainbows, una formación más numerosa que el habitual trío que lo acompañaba. La banda estaba integrada por Mitch Mitchell, Billy Cox, Larry Lee, Juma Sultan y Jerry Vélez. El concierto se extendió durante aproximadamente dos horas.
Con motivo del 57.º aniversario de la icónica presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el material fue estrenado este martes 18 de agosto bajo el título Jimi Hendrix: Live at Woodstock — A Second Look. La producción reúne las imágenes inéditas que Albert Goodman logró grabar durante aquella histórica actuación.
Grabado en una cinta de video de media pulgada en blanco, el material de Goodman ofrece a los seguidores de Hendrix una perspectiva inédita de algunas de sus interpretaciones más emblemáticas, como ‘Purple Haze’ y ‘Voodoo Child (Slight Return)’. La grabación también captura su memorable interpretación de ‘The Star-Spangled Banner’ y, especialmente, la única filmación conocida de Hendrix interpretando ‘Hear My Train A Comin’’ en vivo, lo que convierte al material en un registro excepcional de una de sus actuaciones más célebres.
Tras el festival, Goodman conoció a un hombre cercano a personas que trabajaban con Jimi Hendrix. Este encuentro le permitió mostrarle personalmente la grabación al músico, quien agradeció a Goodman por haber capturado aquellas imágenes inéditas de su histórica presentación en Woodstock.
Tras permanecer guardada durante décadas, Albert Goodman decidió entregar la cinta a los familiares de Jimi Hendrix. El resultado es un valioso homenaje a una de las actuaciones más emblemáticas del músico, cuya interpretación del himno nacional de Estados Unidos se convirtió en uno de los momentos más recordados de Woodstock y en un símbolo de la contracultura de los años 60.
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El Primavera Sound Buenos Aires 2026 se celebra del 13 al 15 de noviembre en Parque Sarmiento (entradas acá), consolidándose una vez más como la cita ineludible para descubrir tendencias de avanzada en la escena global (y local). Más allá de los grandes nombres que encabezan el cartel, un itinerario posible para vivir a pleno esta edición reside en su “letra chica”, una curaduría audaz que apuesta por artistas que están redefiniendo los límites del sonido actual. El festival ofrece un recorrido ecléctico por el pulso más inquieto de la música contemporánea y Rolling Stone selecciona diez artistas que no deberías perderte.
underscores
Guitarras distorsionadas, dubstep, emo y electrónica frenética, todo en uno: así suena underscores, el proyecto de la productora y compositora April Harper Grey, nacida en San Francisco y radicada en Nueva York. Su álbum Wallsocket (2023), repleto de referencias pop-punk de los 2000, recibió muy buenas críticas. Sus shows son catárticos y su espíritu resume cómo piensa y suena la Generación Z. En marzo de este año lanzó U, su tercer álbum de estudio, donde radicaliza su propuesta crossover. Su participación en el festival Primavera Sound Buenos Aires 2026 marcará su primera vez en Argentina.
This Is Lorelei
Nate Amos, prolífico músico y multinstrumentista de Nueva York, conocido también por integrar el dúo Water From Your Eyes, demuestra en su proyecto solista que el folk puede tener aún más caras. De enfoque lo-fi, This Is Lorelei navega por el electropop, pop alternativo, art rock e indie pop característicos de Amos, pero desde una faceta más despojada. De los siete álbumes que editó en la última década, quizás haya sido Box for Buddy, Box for Star (2024) el que más llamó la atención por sus melodías melancólicas sobre estructuras pop tan desarticuladas como emotivas. Su debut en Argentina será en el Primavera Sound Buenos Aires 2026.
Smerz
Algo de techno minimalista, un poco de R&B, mucho de pop e influencias de la música clásica contemporánea. Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt conforman Smerz, este dúo de origen noruego, afincado entre Copenhague y Oslo. Y tiene sentido si pensamos en los beats fríos y profundos de canciones como “You Got Time and I Got Money” -hasta ahora, su único hit- o “Girl”, cargadas de voces etéreas que susurran sobre una atmósfera nocturna e hipnótica. En otras palabras, la banda sonora ideal para contemplar auroras boreales. Al igual que los anteriores, también será su primera vez en esta parte del planeta.
Model/Actriz
¿Otra banda de post-punk? Digamos que sí. Pero lo de este cuarteto neoyorquino va un poco más allá. Encabezados por el carismático y magnético vocalista Cole Haden, su propuesta estira los límites del género hasta rozar las fronteras del sonido industrial y la música electrónica. Bombo en negras, bajos abrasivos y guitarras que suenan como maquinaria pesada, casi dance punk. Su inclusión en la grilla del festival representa una gran oportunidad para ver en vivo por primera vez en Argentina el despliegue de Haden, cuya energía desbordante va muy bien con canciones como “Cinderella”, “Diva” o la caótica “Mosquito”.
Candelabro
Si no tenés la menor idea de qué está pasando en materia de rock independiente en Chile, Candelabro es gran puerta para abrir. Surgida en Santiago en 2021, esta banda de art-rock y post-rock que incorpora saxo, oboe y sintetizadores a la clásica alineación de guitarras, rescata la herencia de la nueva canción chilena y la cruza con rabia y experimentación. Sus dos discos, Ahora o Nunca (2023) y Deseo, carne y voluntad (2025), destacan por arreglos corales ambiciosos y cambios bruscos que van de la calma al estallido con astucia y precisión. Cuando es momento, saben cantar, y cuando es necesario, también saben gritar. Será la segunda vez que crucen la cordillera de los Andes para tocar en Buenos Aires.
Wiranda Johansen
Nacida en Nueva York y radicada en Buenos Aires, Wiranda Johansen es una artista multidisciplinaria. Dueña de un linaje artístico indiscutible, colaboró por primera vez con su padre, el desgenerado Kevin Johansen, en “Everything Is (Falling into place)”. La canción forma parte de City Zen (2004) y Wiranda tenía apenas 7 años cuando hizo esos coros. Esa musicalidad precoz se proyectó a una carrera sólida como solista que combina el pop melancólico, el synthpop y los climas nocturnos. El flamante EP No soy un stalker, soy tu ángel guardián (2025) es el último mojón de una discografía que empezó en 2019 con el auspicioso Fata Morgana, un álbum inspirado en los poemas de su abuela Marta “Koala” Calvet.
LISA SCHA
Cantante, compositora y productora Lisa Scha lanzó Posesa, su álbum debut, en 2023. Un par de años más tarde lanzó el EP Es el Pop, Estúpida y acaba de lanzar su nuevo album, Colapso (2026). Su propuesta construye un universo sonoro inmersivo y dramático que cruza el glitch pop, el ambient y beats electrónicos oscuros con cierta textura analógica y cálida. Sus letras funcionan como un diario íntimo donde expone sus inseguridades, miedos y vivencias. El talento puede rastrearse en sus genes: su padre es Sebastián Schachtel, tecladista de Las Pelotas y La Portuaria.
Sunlid
Liderado por la cantante y guitarrista Lucía Taubas, este cuarteto aporta una delicadeza indie que combina texturas etéreas, guitarras enérgicas y climas nostálgicos, transitando con naturalidad entre el dream pop, el shoegaze y la canción pop de impronta contemporánea. Hay ecos de Suarez, el emblemático grupo de Rosario Bléfari en estas canciones de marcada sensibilidad, que combinan una cuota de melancolía con una luz que se parece a la del amanecer.
Los Thuthanka
Integrado por los hermanos boliviano-estadounidenses Chuquimamani-Condori y Joshua Chuquimia Crampton, este duo se ha posicionado como uno de los proyectos más hypeados de la escena avant-garde experimental actual. Su propuesta cruza géneros tradicionales de la raíz aymara —como el huayno, el caporal y la kullawada— con texturas de música electrónica. Tras el impacto de su álbum homónimo debut en 2025, el dúo amplió su universo conceptual con el flamante EP Wak’a (2026). Una fascinante cruza entre lo global y lo local, la vanguardia y la memoria ancestral, .
Babeblade
Nació en Tierra del Fuego, vivió un tiempo en Nueva Delhi y ahora es vecina de Florida, en el partido bonaerense de Vicente López. La propuesta de esta enigmática cantante le escapa a los encasillamientos, y puede transitar naturalmente entre atmósferas electrónicas, texturas de pop sensible, destellos de shoegaze e hyperpop. Su auspicioso álbum debut Llorar en un baño público (2023) es el pilar de una obra que logra convertir la catarsis emocional en canciones de melodías potentes y letras sinceras.
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Días antes del estreno mundial de Moria, la serie de Netflix basada en su vida que ya es tema de conversación obligado en redes sociales, la diva habló con Rolling Stone sobre cómo fue revisitar su historia, participar del proceso creativo y verse interpretada por Sofía Gala, Griselda Siciliani y Cecilia Roth. En la charla, Moria definió a la producción como una obra “dura”, “romántica” y profundamente auténtica.
Una historia que no quería contar
Aunque durante años recibió propuestas para llevar su vida a la pantalla, Moria reconoce que inicialmente rechazó la idea. “Esto ya me lo venían ofreciendo hace como dos años y yo decía: ‘De ninguna manera quiero hacer una serie sobre mi vida’. No quería porque me conocen tanto y lo he dicho tanto. Siempre digo que mi vida fue un set; un estudio televisivo ha sido el gran living de mi casa”, dijo.
“Me quedo con la serie, porque pensé que podía extender más en capítulos un poco lo que era mi vida ya conocida”, explicó.
Ver su vida desde afuera
Uno de los momentos más impactantes para Casán fue verse representada por su propia hija, Sofía Gala, en la ficción. “Es una cosa diferente. Todo muy loco. Qué bueno que la haya podido hacer mi hija. Está brutal”.
La actriz contó que compartió una proyección privada de los primeros capítulos con Sofía y amigos cercanos, una experiencia que definió como profundamente conmovedora. “Qué bueno que nos haya tocado esto. Porque somos elegidas. ¿Viste que es muy conmovedor? Todo, todo”, sostuvo.
“No tiene careteo hétero”
Al describir el espíritu de la producción, Casán destacó especialmente la mirada que la serie tiene sobre la diversidad y los vínculos afectivos. “La serie es dura, es romántica y tiene poesía. Y también tiene humor. Mucho humor”.
“No tiene careteo hétero. Es muy, muy queer, es muy, muy gay. Es muy… Es muy verdad”, remarcó.
La participación de Moria en el guion
Moria aclaró que no fue una observadora pasiva del proyecto. Durante meses trabajó junto al director y guionista Javier Van de Couter aportando detalles y recuerdos de su vida. “Sí que participé. Primero estuve hablando días y días enteros, contándole cosas de mi vida. Cosas que la gente de pronto sabe un poco, pero no sabe tanto”, detalló.
Entre esos relatos aparecen episodios fundamentales que, según ella, explican la construcción de su personaje público. “Los hechos inusuales, como entrar al teatro después de salir de la facultad, sin pensar; eso ya solamente da para una película”, aseguró.
Una historia marcada por el destino
La serie recrea el momento en que Ana María Casanova abandona Derecho para convertirse en Moria Casán. La propia protagonista sostiene que esa reconstrucción es fiel a lo ocurrido. “El comienzo de la serie es tal cual: bajé las escaleras de la facultad, fui al teatro y debuté ese mismo día. Es absolutamente así”, dice.
También recordó la elección de su nombre artístico, inspirado en el nombre que su madre había querido ponerle al nacer. “Moria Elizabeth era el nombre que mi vieja me quiso poner al nacer y no la dejaron los pacatos de ese momento”, contó.
El capítulo de Paraguay
Entre los episodios más llamativos de la serie aparece su detención en Paraguay, etapa que la ficción aborda con un tono cercano al realismo mágico. Moria celebró especialmente el resultado. “¿Viste qué lindo ese capítulo? Sí, sí, sí. Un capítulo más en mi vida”. Fiel a su estilo, aseguró que nunca vivió aquella experiencia desde la victimización: “No era una cárcel para mí, era un monasterio”.
Y agregó: “Nunca en mi vida me victimicé, ni lloré, ni me sentí triste”.
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