The Beatles lanzaron una grabación inédita de Paul McCartney y John Lennon trabajando en una versión muy temprana del clásico simple, “Day Tripper”.
La denominada versión de “cinta de trabajo de composición” de “Day Tripper” fue grabada en el hogar de Lennon en Surrey, Inglaterra. En este punto, Lennon y McCartney todavía tenían que dar con el legendario riff de la canción, aunque es fácil ver cómo llegaron a él basándose en los acordes que están tocando. Sin embargo, la mejor parte de la grabación es escuchar a los viejos amigos matarse de risa entre toma y toma casualmente brillantes de un clásico en gestación.
Esta maqueta de “Day Tripper” aparecerá en la próxima edición especial de Rubber Soul, que será editada el 2 de octubre. (“Day Tripper” no apareció en el álbum original, pero fue publicada como un simple junto a “We Can Work It Out” casi al mismo tiempo, en 1965). La reedición incluirá una versión del álbum recientemente mezclada por el productor Giles Martin y el ingeniero Sam Okell, además de 24 grabaciones tempranas.
Entre ellas hay 20 tomas inéditas y tres maquetas caseras inéditas. Antes de lanzar “Day Tripper (Songwriting Work Take)”, The Beatles compartieron una toma temprana de la joya de Rubber Soul, “Michelle”. La lista de temas también incluirá “Little Girl”, una nueva maqueta de Lennon cuya existencia nadie conocía hasta que fue descubierta recientemente por el patrimonio de Lennon.
En una charla reciente con Rolling Stone acerca de Rubber Soul y la próxima reedición, Martin —hijo del legendario productor de The Beatles, George Martin— dijo sobre el LP original: “Es un álbum nacido de la frustración de no querer ser más niños pequeños”, y añadió: “Tiene tanta profundidad. Este es el primer álbum en el que no intentaban escribir un montón de sencillos y decidir cuál debía ser el corte de difusión”.
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Cada vez son más las organizaciones, plataformas y artistas que se pronuncian en contra del uso de la IA en la música. Ahora, Australia se suma a esta postura con una medida contundente: los contenidos musicales generados principalmente por inteligencia artificial quedarán fuera de las listas oficiales de éxitos del país.
De acuerdo con la Australian Broadcasting Corporation, la industria discográfica australiana modificó sus normas para excluir, a partir de este viernes, todas aquellas producciones creadas total o mayoritariamente mediante IA de sus principales listas musicales. No obstante, la medida contempla algunas excepciones: las obras en las que la participación humana sea sustancial podrán continuar figurando en estos rankings.
La medida fue anunciada por la Asociación Australiana de la Industria Discográfica (ARIA), organismo encargado de supervisar la recaudación, administración y distribución de licencias y derechos musicales en el país. Además, gestiona las principales listas de éxitos, que funcionan como referencia para medir la popularidad de la música en la región. La modificación de su Código de Buenas Prácticas responde a la intención de alinear sus criterios con los principios adoptados por la industria discográfica a nivel mundial.
La nueva normativa establece que las producciones que hayan utilizado inteligencia artificial generativa quedarán excluidas, salvo aquellas que sean “sustancialmente creadas por humanos” y que no despierten sospechas de manipulación de reproducciones o de las listas de éxitos. Para que una canción pueda ser considerada elegible, entre los criterios se contempla que la composición haya sido realizada por humanos y que estos también hayan interpretado la voz principal y los instrumentos predominantes.
Con esta modificación de las normas de la industria discográfica australiana, las autoridades podrán retirar de las listas aquellas canciones que no cumplan con los requisitos establecidos. La medida también contempla la posibilidad de modificar los rankings e incluso revocar premios otorgados a artistas cuyas producciones incumplan los nuevos criterios. No obstante, los intérpretes y sus representantes tendrán la posibilidad de impugnar las exclusiones.
“Hacemos un llamamiento a todas las partes que intervienen en la decisión de la música que se reproduce y promociona para el público australiano, en particular la radio, para que apoyen la expresión artística humana e implementen cambios similares en sus propios códigos”, señaló la directora ejecutiva de ARIA, Annabelle Herd. La ejecutiva aclaró que la normativa no busca penalizar a los artistas que utilizan herramientas de IA como parte de su proceso creativo. El foco está puesto en aquellas producciones realizadas íntegramente mediante inteligencia artificial, una práctica que, bajo las nuevas reglas, tendrá un tratamiento distinto y podrá derivar en su exclusión.
Herd añadió que los cambios buscan mantener actualizadas las normas de ARIA ante la rápida evolución de la inteligencia artificial y, al mismo tiempo, preservar el componente humano de la creación artística. También defendió que las listas de éxitos de la organización deben continuar siendo un reflejo transparente de los hábitos de consumo musical en Australia. En ese sentido, advirtió que reconocer en estos rankings producciones generadas mediante IA sin las licencias correspondientes podría afectar los fundamentos de la industria de la música grabada que ARIA representa.
La decisión de ARIA llega después de la controversia generada por una versión de ‘Like a Prayer’, de Madonna, realizada por el DJ y productor Josh Fawaz. El tema se convirtió en la canción más reproducida en la radio australiana y alcanzó el cuarto lugar en las listas de ARIA. Sin embargo, su uso intensivo de inteligencia artificial desató críticas y reavivó un debate que lleva tiempo presente en la industria musical: ¿hasta qué punto debería una producción generada con IA competir en igualdad de condiciones con la música creada por artistas humanos? Posteriormente, Fawaz reconoció que utilizó esta tecnología para generar las voces y la batería de la canción.
ARIA también sigue los lineamientos establecidos por el organismo internacional que representa a la industria de la música grabada, el cual ha planteado la necesidad de establecer mecanismos que permitan distinguir las producciones realizadas íntegramente con IA de aquellas desarrolladas por artistas humanos.
Por su parte, el gobierno federal australiano trabaja en nuevas regulaciones para el uso de la inteligencia artificial y el funcionamiento de los centros de datos. El proyecto contempla, entre otras medidas, “sólidas protecciones de derechos de autor para los creadores australianos”.
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El disco sucede a In Times New Roman…, publicado en 2023, y reúne nueve canciones que, según la información compartida por la banda, exploran distintas formas del amor: el de la familia, los amigos y las relaciones significativas o insignificantes, pasando por los vínculos que rompen a una persona y aquellos que ayudan a reconstruirla.
“Insignificant Other”, disponible desde hoy, funciona como una de las piezas centrales del álbum. La canción fue registrada en apenas dos tomas y captura a la agrupación tocando con libertad y dejando espacio para la improvisación entre sus integrantes. Para Homme, el tema habla sobre la distancia y la extraña sensación de perder a alguien que alguna vez representó todo.
Perfecth fue producido por Homme junto al bajista Michael Shuman y contó con sesiones realizadas entre Nueva Orleans y Los Ángeles. El resultado, de acuerdo con la descripción oficial, se mueve entre lo oscuro, amenazante y extraño, pero también por momentos hacia territorios más delicados. “Cada canción suena como si viniera de un mundo diferente”, explica Homme, quien relaciona el disco con emociones como el amor, el deseo, la insensatez y la sabiduría que puede surgir de esas experiencias.
El particular título del álbum también responde a una idea de imperfección. Homme decidió alterar la palabra “perfect” porque, según explica, el concepto mismo de la perfección nunca le ha parecido honesto. De ahí nace Perfecth: una palabra ligeramente rota para describir un mundo en el que nada es perfecto, aunque constantemente se pretenda que lo sea.
El anuncio llega acompañado por un video dirigido por Chapman Baehler y protagonizado por Big Chongus, presentado como la encarnación de “perfecth”, en una historia sobre la búsqueda de un hogar ideal.
Tracklist de Perfecth:
- It’s Only Love
- Insignificant Other
- Where The Goth Girls At?
- Mono
- From The Cliff
- Sunday
- Easy Street
- Phantom Limb
- Run Away From The Mob
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México ocupa un lugar importante dentro del LUX Tour. Rosalía programó ocho conciertos en el país, dos en Guadalajara, uno en Monterrey y cinco en la Ciudad de México. La noche del 24 de agosto llegó al Palacio de los Deportes para la segunda fecha capitalina y la quinta de su paso por tierras mexicanas.
Su paso por el país también se ha visto fuera de los escenarios. En los últimos días ha caminado por La Lagunilla, probado comida mexicana, incluso presenciado una batalla de “farmear aura” en el Parque México. Durante el concierto, habló precisamente de esos días en la ciudad.
“Estoy disfrutando muchísimo estos días aquí, tanto sobre el escenario como fuera de él. Y quería tomarme un momento para decirles a quienes son de aquí o viven aquí: qué privilegio. Mires por donde mires, siempre hay vida y belleza. Esta ciudad es preciosa: la arquitectura, la vegetación, los colores… Es un lugar muy vibrante, muy despierto. También están sus olores: a tierra húmeda, hasta a gasolina, a jacarandas. Y, por supuesto, la comida, unos tacos campechanos, unos taquitos… Estoy muy feliz de poder pasar tiempo en esta ciudad, que amo y que tanto me ha dado a lo largo de los años. Gracias a todos por venir esta noche, por compartir este momento y por elegir estar aquí. Significa muchísimo para mí”.
Sobre el escenario, Rosalía presenta una de las producciones más impresionantes actualmente. Hay una enorme cantidad de elementos funcionando al mismo tiempo. Coreografía, orquesta, bailarines, cámaras, iluminación, vestuario, escenografía y movimientos que necesitan estar bien coordinados. El resultado es un espectáculo en el que cada detalle está cuidado y todo funciona con precisión.
Eso incluye a la propia Rosalía. Como vocalista es casi infalible y su manejo del escenario es uno de los puntos más fuertes del concierto. Puede sostener los momentos más exigentes de la producción y, al mismo tiempo, hacer que una arena de ese tamaño se sienta mucho más cercana cuando habla con el público.
La catalana se mueve con soltura y encuentra momentos genuinamente cómicos dentro del show. Ese sentido del humor funciona particularmente bien porque LUX puede ser un espectáculo serio en ocasiones. Su manera de romper esa tensión ayuda a que el concierto respire y hace que su brillante personalidad esté presente más allá de la ejecución musical.
La orquesta en vivo, dirigida por la cubana Yudi Heredia, marca buena parte de la energía del concierto y amplía considerablemente el sonido de las canciones. Su presencia es fundamental para la escala que alcanza el show. La coordinación entre la orquesta, Rosalía y el resto de la producción es impecable. En los momentos de mayor intensidad, el volumen y las frecuencias bajas hacen que la música se sienta físicamente en el pecho, a pesar de que el Palacio de los Deportes no tiene la mejor acústica. Otro de los momentos visuales más logrados llegó con una estructura de luces que simulaba el movimiento de un botafumeiro sobre el escenario. La imagen fue espectacular y encajó perfectamente con el imaginario religioso de LUX.
‘Berghain’ fue probablemente el momento más poderoso de la noche. La canción reunió buena parte de las virtudes del espectáculo. La fuerza de la orquesta, la producción electrónica, las voces pregrabadas de Björk y Yves Tumor, la interpretación de Rosalía y un juego de luces que convirtió al “domo de cobre” momentáneamente en un club berlinés.
LUX es un álbum dedicado a Dios, habla principalmente de la religión, la espiritualidad y la relación de Rosalía con Dios. Es un concepto que posiblemente no conectó con todas las personas que vivieron a fondo su era Motomami. Aun así, resulta interesante ver a una artista de su escala comprometerse completamente con una idea que era importante para ella, aunque supiera que podía dividir a su público.
LUX se entiende más cuando está acompañado por todo lo que Rosalía imaginó visualmente para él. El vestuario, las coreografías, la orquesta, las referencias religiosas y las imágenes terminan de construir su concepto.
En lo personal, algunas de las letras de LUX me sacaron por momentos de una experiencia que visual y musicalmente es monumental. Hay una dicotomía extraña entre la magnitud del espectáculo y ciertas frases que pueden sentirse demasiado directas. La producción te lleva a un lugar enorme y, de pronto, la letra puede hacerte consciente otra vez del discurso concreto detrás de la canción.
Pero incluso desde esa distancia emocional con el álbum, que por supuesto no asumo que sea generalizada, vale la pena experimentar LUX completo. Ver el concepto como Rosalía lo imaginó permite entender mucho mejor el proyecto y también dimensionar el trabajo detrás de él. Haber hecho un disco dedicado a Dios porque era lo que creativamente le nacía es una decisión respetable, especialmente cuando podía resultar menos accesible para parte del público que llegó con trabajos anteriores.
Rosalía también resolvió un reto complejo, hacer convivir LUX y Motomami dentro del mismo concierto. Son discos muy distintos en sonido, estética y concepto, pero la transición funciona. Canciones como ‘SAOKO’, ‘LA FAMA’, ‘LA COMBI VERSACE’, ‘CUUUUuuuuuute’, ‘BIZCOCHITO’ y ‘DESPECHÁ’ cambiaron de inmediato la energía del Palacio de los Deportes, pero bajo una misma narrativa. “No solo vinimos a llorar, también a mover el culo”, dijo la catalana.
Entre los recursos visuales recurrentes están las pinturas en movimiento. Rosalía recrea composiciones que recuerdan obras clásicas. Al llegar, recibe un enorme lienzo invertido, mientras que en otro momento el público aparece en las pantallas formando sus propios cuadros. Es una idea sencilla, pero está muy bien integrada al lenguaje visual de la gira y demuestra el nivel de atención puesto incluso en los segmentos que podrían funcionar únicamente como transiciones.
El repertorio incluyó buena parte de LUX, con ‘Sexo, violencia y llantas’, ‘Reliquia’, ‘Porcelana’, ‘Divinize’, ‘Mio Cristo piange diamanti’, ‘Berghain’, ‘El redentor’, ‘La perla’, ‘Sauvignon blanc’, ‘La yugular’, ‘Dios es un stalker’, ‘La rumba del perdón’, ‘Focu ’ranni’ y ‘Magnolias’. También aparecieron ‘De madrugá’, una versión de ‘Can’t Take My Eyes Off You’, de Frankie Valli, y una interpretación de ‘Angel’, de Jimi Hendrix, al comienzo de la noche.
Antes de ‘Sauvignon blanc’ ocurrió uno de los momentos más emotivos del concierto. Rosalía leyó una pancarta de una mujer llamada Pavlova, quien pedía que dedicara la canción a su tía Celina, fallecida el domingo a causa de cáncer. La artista aceptó y dedicó el tema a su memoria.
El concierto permite entender mejor LUX incluso si el disco no terminó de conectar contigo. La propuesta religiosa puede seguir generando distancia y algunas de sus letras pueden resultar menos efectivas que el espectáculo que las rodea, pero sobre el escenario el concepto adquiere otra dimensión.
Rosalía construyó una gira técnicamente impresionante, vocalmente impecable y visualmente muy bien pensada. Y en una noche llena de elementos funcionando al mismo tiempo, desde una orquesta hasta pinturas, coreografías y cámaras, consigue que todo parezca estar exactamente donde debe estar.
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Dolly Parton, la leyenda del country que dejó grandes éxitos como ‘Jolene’, ‘I Will Always Love You’ y ‘9 to 5’, ha fallecido este martes 25 de agosto a los 80 años. La noticia fue confirmada por su sobrino Bryan Seaver a través de un video publicado en las redes sociales de la artista. La causa de la muerte no ha sido revelada, pero durante el último año Parton batalló con varios problemas de salud relacionados con su sistema inmune y digestivo.
“Es en representación de la familia Parton y Owens que hoy anuncio el fallecimiento de mi tía, Dolly Rebecca Parton Dean”, dijo. “Este anuncio en video es algo que Dolly me pidió hacer hace años, mucho antes de que pudiera asumirlo como una realidad en el futuro”. El clip continúa con Seaver, quien se desempeñaba como su jefe de seguridad, ofreciendo un sentido homenaje a su tía: “Dolly vivió en la luz y ahora está en los brazos de Jesús, y seguramente se reencontró con [su esposo] Carl, sus padres y muchas otras personas más que cuidaron de ella y esperaron reencontrarse con ella en el Cielo”.
“Dolly no solo me abrió las puertas a mí, sino a toda su familia para alcanzar un potencial que no sabíamos que era posible. Dolly también les abrió la puerta a generaciones de cantantes, compositores, músicos y soñadores de cualquier contexto y a lo largo de todos los continentes. Gracias a su ejemplo, creímos que todo era posible. Ella nunca vio una puerta que no pudiera abrir, y las que ella misma abrió hicieron y cambiaron la historia”, añadió.
Seaver continuó sus palabras recordando que, aunque una persona no fuese seguidora o amante de su música, sus canciones siempre han estado presentes en algún punto de su vida. “Mi familia y yo compartimos una vida de hermosos recuerdos con Dolly, pero ustedes también. Ella siempre estuvo en sus televisores, sus reproductores de música, sus CDs y en sus playlists, convirtiéndose en un miembro más de sus familias, les gustara o no. Nuestra familia y el equipo a quienes ella les confió su legado continuaremos trabajando para lograr que su espíritu permanezca con nosotros por siempre”, mencionó.
“Dolly era granjera, así como su padre. Él cultivó el suelo; ella cultivó canciones y felicidad. Dolly me llamó y me dijo que quería descansar en una hermosa cama de algodón acolchado porque después de una vida utilizando joyas pesadas, finalmente merecía sentirse cómoda y descansar”, concluye el video.
Parton padeció de varios problemas de salud que solo se hicieron públicos luego del fallecimiento de su esposo de casi seis décadas, Carl Dean, a inicios de 2025. En un principio, la artista pospuso una serie de presentaciones en Las Vegas programadas para finales del año pasado, shows que luego tuvo que cancelar porque tenía que enfocarse en su bienestar. En aquel momento, la cantautora explicó que estaba presentando problemas con cálculos renales, así como dificultades con su sistema inmune y digestivo.
Hace tan solo unos días, la revista People compartió una entrevista reciente en la que Parton mencionó que estaba “lidiando con algunos problemas de salud a los que no les presté atención mientras cuidaba a Carl”. El ícono country aseguró que continuaba “sanando” al tiempo que seguía trabajando en sus proyectos.
Noticia en desarrollo…
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Ya ha pasado un año desde el accidente fatal de Brent Hinds, pero Mastodon, la agrupación que ayudó a fundar en 1999, continúa recordándolo. El baterista y también miembro fundador Brann Dailor habló recientemente sobre cómo el vivir dos duelos paralelos —su madre falleció en febrero de 2025— influyó en el resultado final del próximo álbum de la banda, Marrow Deep.
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“El dolor y angustia de perder a alguien en esas circunstancias es difícil de explicar. Era alguien muy cercano y, pese a que la relación quedó en malos términos, todos pensamos que las diferencias iban a dejar de importar con el tiempo. Tenía la esperanza de que regresaría”, le comentó el músico a NME sobre su excompañero. Luego, añadió que la mejor manera que encontró el grupo de procesar sus emociones y pensamientos fue escribiendo música. “Marrow Deep es el resultado de eso”, dijo.
Dailor continuó hablando sobre lo mucho que echa de menos a Hinds, pero a pesar de las circunstancias, ni el guitarrista Bill Kelliher, ni el bajista Troy Sanders ni él mismo consideraron terminar con la banda o, por lo menos, darse un descanso. “Desearía que estuviera aquí tanto como la persona que más lo extraña, pero también soy un ser humano que se expresa a través del arte y la música, y he dejado todo de mi ser artístico en Mastodon por casi 27 años”, afirmó. El baterista dejó claro que todavía tienen mucho por ofrecer y que, aunque haya gente que no quiera escucharles, el grupo continuará.
“Pese a que estamos pasando por un proceso de duelo, también nos sentimos motivados porque creemos que todavía tenemos cosas especiales para decir a nivel musical”, agregó. “No voy a dejar de tocar la batería ni a dejar de pensar en riffs, ni mucho menos a dejar de tener nuevas ideas para camisetas de heavy metal. Y quiero que todo eso tenga que ver con Mastodon, como siempre lo he hecho”.
Sobre su madre, Dailor explicó lo importante que fue para él haberle podido contar que haría parte del cartel de Back to the Beginning, el último concierto de Black Sabbath, pues era fanática de la banda inglesa. “Ella sabía que íbamos a tocar, pero no alcanzó a vernos”, comentó. Además, habló sobre el haber podido contar con Geezer Butler en la introducción de ‘The Vanishing’, una canción que habla sobre su madre y su hermana fallecida en 2009. “El tema habla sobre ellas uniéndose al cosmos y convirtiéndose en dos constelaciones”, mencionó. “¡Y el miembro favorito de mi madre siempre fue Geezer! Amaba a Ozzy, pero siempre decía, ‘Es que Geezer escribió las letras’. Así que pensé que tenerlo en esa canción en particular la habría hecho enloquecer”.
Además de Butler, Mastodon también invitó a Josh Homme, frontman de Queens of the Stone Age, para compartir las voces en ‘Snakes for Dinner’. Marrow Deep estará disponible en plataformas a partir del 28 de agosto.
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