Travis Scott pasó por The Tonight Show para hablar sobre su experiencia en el rodaje de la nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, la cual incluye su canción “When I’m Home” en los créditos finales.
El presentador Jimmy Fallon señaló que la cinta marca la primera vez que Scott forma parte de una película número uno en taquilla. “Se siente muy diferente”, dijo Scott. “Incluso mi profesor de teatro de la secundaria se puso en contacto con mi mamá. Esto es como otra estratosfera de grandeza. Todas las personas [que] te regañaban cuando estabas en la escuela, intentando hacer de ti un gran ser humano, dicen: ‘Por fin hiciste algo bueno’”.
Scott recordó haber trabajado anteriormente con Nolan en su película Tenet, también con la canción de los créditos finales. Pero con La Odisea, Nolan le pidió primero a Scott que actuara, no que rapeara.
“Sonó mi teléfono y solo decía Chris, y pensé: ‘Bueno, no sé de qué se trata esto. Tal vez quiere ir a un concierto’”, contó Scott. “Así que contesté y me dijo: ‘¿Te interesaría actuar en una película?’. Pero no pensé que fuera para él. Pensé que podría ser para alguien más”.
El rapero describió a Nolan como “un verdadero mentor para mí” y dijo que quería formar parte de cualquier proyecto en el que el cineasta estuviera trabajando. En la película, Scott interpreta a un bardo griego que canta sobre las victorias de Odiseo en la Guerra de Troya. Sin embargo, dijo que estaba “muerto de miedo” al hacer el papel.
“No sabía que iban a estar Anne Hathaway, Tom [Holland] y Robert Pattinson”, dijo. “Un montón de gente increíble. Y yo no tengo ni puta idea de lo que estoy haciendo”. Añadió: “Chris es un director increíble. Todos me hicieron sentir cómodo. Yo solo estaba feliz de estar allí y de verlo trabajar”.
Scott dijo que no fue difícil mantener su papel en secreto, pero sí fue difícil “hacer que todos creyeran que lo hice”. “No quería que la gente pensara que me pusieron aquí a la fuerza”, dijo.
El músico esperaba que Nolan le pidiera escribir una canción para los créditos finales, pero esa petición no llegó hasta que Nolan tuvo un corte de la película. Trabajó con el productor Ludwig Göransson, quien también hizo la banda sonora, y con James Blake para escribir y grabar “When I’m Home”. Un video para el tema, dirigido por Scott, saldrá la próxima semana.
Nolan explicó anteriormente por qué eligió a Scott —quien aportó el tema “The Plan”, producido por Göransson, a Tenet— en La Odisea. “Elegí a [Scott] porque quería hacer un guiño a la idea de que esta historia se ha transmitido como poesía oral, lo cual es análogo al rap”, dijo Nolan.
Scott se unió a una pequeña pero notable lista de músicos convocados por Nolan a lo largo de los años. David Bowie interpretó al inventor Nikola Tesla en la película de 2006 El prestigio, mientras que Harry Styles asumió el papel de Alex en Dunkirk, marcando una de las primeras actuaciones importantes del cantante.
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El saxofonista de jazz estadounidense Plas Johnson, conocido por grabar con artistas como Frank Sinatra y B.B. King, falleció la semana pasada a los 94 años. La muerte de Johnson fue reportada en el periódico de su ciudad natal en Luisiana, el Donaldsonville Chief, con fecha del 15 de julio. No se dio a conocer la causa de su fallecimiento.
Johnson, originario de Donaldsonville, Luisiana, fue famoso principalmente por su contribución al “Tema de la Pantera Rosa”, el cual grabó en 1963 junto al compositor Henry Mancini como parte de la banda sonora de la película de comedia de Blake Edwards, La Pantera Rosa. La canción ganó tres premios Grammy y fue nominada a un Oscar como Mejor Banda Sonora Original en la 37.ª edición de los Premios de la Academia.
«Solo hicimos dos tomas, creo», dijo una vez Johnson sobre la canción, según el Donaldsonville Chief. «Cuando terminamos, todos aplaudieron, incluso los músicos de cuerda».
A lo largo de su carrera, Johnson tocó en numerosas canciones, incluyendo grabaciones para los Beach Boys, Ricky Nelson, Johnny Otis, Ella Fitzgerald, Marvin Gaye y Nat King Cole. Nacido el 21 de julio de 1931 en Donaldsonville, Johnson comenzó su carrera musical cantando con su familia. Más tarde, su padre le compró un saxofón y debutó en las grabaciones en 1950 junto a su hermano Ray para DeLuxe Records. También realizó giras con el cantante y pianista Charles Brown.
Johnson se mudó a Los Ángeles en 1954 tras su servicio militar, donde se convirtió en un prolífico músico de sesión. Era un habitual en la orquesta de Mancini en las décadas de 1950 y 1960, y comenzó a tocar en la banda de estudio del programa The Merv Griffin Show en 1970. Era muy admirado por sus solos de saxofón, que a menudo elevaban la calidad de una pieza.
«Mis solos siempre parecían subir la grabación a otro nivel», comentó Johnson. «Podía hacer eso en ocho compases, podía hacerlo en doce compases, y después de eso solía hacer arreglos (fills) detrás del vocalista».
En las décadas de 1970 y 1980, Johnson participó en grabaciones de Bette Midler, Carole King, Aaron Neville, Linda Ronstadt, Boz Scaggs y Rod Stewart. Aunque ostensiblemente era un músico de jazz, a menudo incursiona en otros géneros, como el rock y el pop. Más recientemente, trabajó con Joni Mitchell en su álbum de 2002, Travelogue.
Como artista solista, Johnson lanzó varios álbumes y recopilatorios. En 1959 lanzó This Must Be the Plas! a través de Capitol Records y en 1975 presentó The Blues con Concord Jazz, ambos muy bien recibidos por la crítica y los fans.
El trabajo de Johnson quedó documentado en la película de 2008 The Wrecking Crew, un documental sobre músicos de sesión que trabajaban en Los Ángeles en las décadas de 1960 y 1970, dirigido por Denny Tedesco. Como muestra el filme, dejó una huella indeleble en el panorama musical, la cual a menudo solo fue celebrada detrás de escena. Johnson será recordado tanto por sus famosas contribuciones como por las muchas otras que realizó y que en gran medida han pasado desapercibidas.
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Ozzy Osbourne falleció hace hoy un año, a los 76 años, tras luchar contra diversos problemas de salud. Los compañeros del venerado líder de Black Sabbath reflexionaron sobre su legado en el aniversario de su muerte. Los miembros supervivientes de la banda —el batería Bill Ward, el bajista Geezer Butler y el guitarrista Tony Iommi— compartieron sus recuerdos por separado.
Ward recurrió a Twitter, donde escribió: «Cada día hay un silencio persistente. Te echamos mucho de menos. Con respeto y cariño para la familia Osbourne, de parte de la familia de Bill y Jackie Ward».
Butler compartió en Instagram una foto icónica del cantante en su trono de murciélagos. «Hoy hace un año; cuesta creerlo», escribió Butler en la publicación. «Me alegra mucho que pudiéramos dar el último concierto, en nuestra ciudad natal, apenas un par de semanas antes de que Ozzy nos dejara. Se ha ido físicamente, pero su leyenda perdura. Qué recuerdos tan increíbles. ¡Ozzy por siempre!».
Tal como mencionó Butler, la banda se había reunido para ofrecer su concierto de despedida, Back to the Beginning, en Birmingham (Inglaterra), apenas unas semanas antes del fallecimiento de Osbourne.
Iommi compartió un video de una actuación en Instagram mientras reflexionaba sobre su difunto amigo. «Hola a todos. Bueno, ya ha pasado un año desde la muerte de Ozzy y todavía no puedo creer que no esté con nosotros», escribió. «Lo veo en YouTube y siento como si todavía estuviera aquí con nosotros. Siempre manteníamos el contacto, casi todas las semanas, y solíamos hablar de nuestras dolencias y de lo que habíamos hecho esa semana en particular».
«Los fans han sido absolutamente maravillosos, y el amor y el respeto que le han demostrado han sido increíbles», continuó Iommi. «¡Me alegra tanto que hayamos podido dar un último concierto con la formación original de Sabbath en el espectáculo “Back To The Beginning”, en nuestra ciudad natal de Birmingham! Nunca habrá otro Ozzy. Te extraño, querido amigo».
Kelly, la hija de Osbourne, también recurrió a las redes sociales para expresar su profundo dolor por la pérdida de su padre durante el año posterior a su fallecimiento.
«Existe un duelo que te arrebata algo más que a la persona a la que amas. Silenciosamente, se lleva la luz de tu risa y la inocencia de tu esperanza; y la desconocida en la que te conviertes es alguien a quien pasarás toda la vida tratando de reconocer», escribió. «La gente cree que el duelo consiste en extrañar a quien se ha ido, pero la pena más profunda es despertar cada día anhelando aquella versión de ti misma que murió con ellos».
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La pintora, artista sónica y productora experimental venezolana, Arca (Alejandra Ghersi Rodríguez), deleita a los mutantes con el anuncio de su nuevo álbum, XXXXX, que llegará el viernes 31 de julio.
Algunos medios han informado que el sonido de este nuevo proyecto será más oscuro y menos vocal, con reminiscencias del mixtape &&&&& de 2013 y la transmisión @@@@@ de 2020. Se revelarán más detalles sobre el álbum durante la transmisión en vivo del jueves titulada “XXXXX LIVESTREAM” en YouTube y Twitch a las 21:30 CEST (Los horarios pueden variar según el país y la región, por lo que se recomienda consultar la hora exacta por su cuenta para evitar perderse el evento).
Según Pitchfork, Arca declaró en un comunicado de prensa que “Con el apoyo y la inversión de Feeld (una aplicación de citas que financia el evento en vivo), podemos ofrecerles un espectáculo con todo el glamour y el presupuesto. Gracias por apoyar el arte experimental. ¡No se lo pierdan! Estamos trabajando arduamente para crear un gran espectáculo para ustedes, estén donde estén.”
La diva experimental también lanzó un post en X (Twitter) que prepara el escenario para este próximo lanzamiento. Ella confirma que el álbum se lanzará el viernes 31 y sigue con una serie de declaraciones poéticas en inglés y español que dicen así:
“eres sagrada aunque no lo puedan ver / bailando entre las llamas / sonriendo, respira el fuego / bañada en luz
y cuando despiertas de la pesadilla / solo la muerte sabe / lo real que es tu amor
y a quienes dudaron de tu pureza / les muestras compasión, sin miedo / el fin es solo el comienzo / asi q abre bien esas alas, perra / asciende / sin fin”
El nuevo proyecto sigue la saga KICK, cinco álbumes de puro y duro neoperreo, electrónica, pop y experimentación que sacudieron al mundo con éxitos como ‘Rakata’ y ‘KLK ft. Rosalía’. Sin embargo, estos últimos cuatro años y siete meses desde la pentalogía, ha estado más ocupada que nunca. Publicó dos canciones ‘Puta’ y ‘Sola’; colaboró y realizó remixes con artistas como Madonna, Lady Gaga, Robyn y Hikaru Hitada; realizando espectáculos en vivo donde desvela las capas de la celebración del género, arte y música en actuaciones como “The Light Comes in the Name of the Voice” en la Bolsa de Comercio de París; y, por supuesto, múltiples sesiones de DJ en lugares como Barcelona, México y París.
Próximamente, se encontrará el 12 de agosto junto a Björk, Ronja, 33EMYBW, Kaitlyn Aurelia Smith, Loscaballos, Gummi Arnalds, Knackered y sideproject para el DJ set de “Echolalia – Eclipse x Exhibition Festival” en Víðistaðatún, Hafnarfjörður, Islandia para el cumpleaños 40 de la Galería Nacional De Islandia
A pesar de las especulaciones y predicciones sobre el nuevo álbum, se recomienda precaución tanto para mutantes como para no mutantes: muchos fans y críticos coinciden en que el sonido de Arca es impredecible; se ha tomado la libertad de transitar entre sonidos e identidades, y nada está definido hasta que el álbum finalmente salga a la luz.
Como Björk, su colaboradora y hermana espiritual, recordada en el episodio dedicado a Vespertine de su podcast “Sonic Symbolism”, Arca cree que hacer música electrónica es como rezar, adoptando la humildad en cada minúsculo paso hacia el producto terminado.
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XXXXX
01 No End
02 Willow
03 Eidolon
04 Heart
05 Syncope
06 Raver
07 Cinch
08 Fxck
09 Finisher
10 Taconeando
11 Futurality
12 Grip
13 Enraptured
14 Throb
15 Everything
16 Sueño
Fuente: Pitchfork
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Spotify ha empuñado la inteligencia artificial para crear la lista de reproducción perfecta, personalizar tus recomendaciones musicales y funcionar como un DJ con IA que te habla sobre tus gustos musicales. Ahora, la plataforma de streaming quiere revelar el significado verdadero de tu canción favorita.
Esta última novedad no les agradó a todos. El jueves 16 de julio, la artista ganadora del Grammy, Lorde, acudió a las redes sociales para criticar a Spotify por la función “Acerca de esta canción” y acusar al gigante del streaming de compartir información inexacta, además de extralimitarse en sus derechos artísticos. Según Spotify, la nueva función está en fase beta y genera resúmenes a partir de “fuentes externas para revelar detalles interesantes y momentos detrás de escena.”
En sus historias de Instagram, Lorde compartió una captura de pantalla de la descripción de Spotify AI para su canción ‘Current Affairs’, que decía: “En su Ultrasound World Tour, Lorde convierte a Current Affairs en una performance completo, desnudándose hasta quedarse en ropa interior mientras un bailarín le vierte agua sobre el estómago para que la canción se desarrolle como una escena en la ducha de la que habla en el escenario”.
En la descripción de la publicación, Lorde etiquetó al servicio de streaming. “Hola @spotify, me atrevo a decir que no queremos esto”, escribió Lorde. “No solo es inexacto (no es la canción en la que hice eso), sino que reducir una canción a un significado generado por IA directamente en la fuente limita la libre interpretación en mi opinión. Por lo menos den la opción de que los artistas puedan optar por no participar, por favor.”
Spotify respondió a la publicación del cantautor en un comunicado. “Creamos la sección ‘Acerca de esta canción’ porque los fans quieren conocer las historias detrás de la música. Todavía está en fase beta”, declaró un portavoz de la compañía. “La información proviene de artículos de internet y cuando algo no cuadra actuamos con rapidez para corregirlo, como hicimos en este caso. Nos importa que todo salga bien.”
Las herramientas y la música echas o ajustadas por la inteligencia artificial están provocando cambios trascendentales en la industria. Muchos de los artistas más influyentes del mundo han estado utilizando IA en los estudios, aunque por ahora se hace a puerta cerrada en la mayoría de casos. En marzo, Rolling Stone publicó un informe sobre cómo los productores y compositores han incorporado la IA a sus procesos, denominándolo la “era de la IA en la música, donde no se pregunta ni se reconoce.”
A medida que la IA sigue impactando cada faceta de la industria, tanto artistas como oyentes se enfrentan a cómo está cambiando la forma en que se crea y se consume la música. Para muchos que disfrutan de los matices de una canción y sus infinitas posibilidades, que un bot de IA les quite el misterio a la experiencia resulta adormecedor, sobre todo si no puede proporcionar información precisa.
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En la industria musical es usual que los y las artistas debuten con un álbum autotitulado ya que ese primer trabajo será su carta de presentación ante el mundo, una colección de canciones que explica quiénes son en diferentes dimensiones y que busca conectar con un público inicial a la espera de que este continúe creciendo. Pipiolas invirtió los pasos pues, luego de debutar en 2023 con No hay un Dios, firmó su segundo LP con nombre propio. Esta decisión tenía mucho más sentido para Paula Reyes y Adriana Ubani —las dos mitades que conforman al grupo— ya que su primer disco se fue construyendo sobre la marcha con cosas que “se necesitaron decir” y por esa misma razón terminó siendo una especie de recopilación de su música hasta ese momento. Por el contrario, y a pesar de su eclecticismo, Pipiolas se pensó desde el inicio como un todo.
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“Este es un disco en el que nos reafirmamos y por eso lo denominamos con nuestro nombre”, explica Paula. “No nos hace debutar, pero sí nos hace contestar a preguntas de qué queremos hacer y qué queremos decir y, también, un poco contestarnos a quiénes queremos ser a partir de ahora”. Ella, al ser la compositora del dúo, se enfrentó a un síndrome del impostor que le requirió darse espacio para encontrarse a sí misma y volver a sentirse conforme con una canción. El proceso se basó en la conversación y la comprensión entre ambas artistas, quienes entendieron que la música que hacen requiere de mimo y no prisa. “Estamos tan acostumbrados a que vivimos en el mundo de la inmediatez que, realmente, tres años para componer un disco no es tanto”, afirma Adriana, haciendo referencia al período que hay entre sus dos trabajos.
Volviendo al eclecticismo, esta es una cualidad que ha caracterizado a Pipiolas desde sus inicios, encontrándose en su catálogo piezas que exploran los distintos nombres y apellidos que puede llevar el pop: “synth-”, “electro-”, “indie-“, “-rock”, “balada-” y más. Este atributo continúa teniendo presencia en su segundo LP, reafirmándose como una constante más no una variable en su proyecto artístico: “Me calma que con este disco ya se ha asentado un poco la sensación de que somos eclécticas, pero no somos ni disonantes ni incongruentes. Esto es muy importante porque sí que es muy nuestra personalidad”, opina Paula. Pero sí hay una diferencia importante, y es que esta vez ambas se propusieron hacer un álbum desde cero, con un concepto bien estructurado que no dejara cabos sueltos.
Pipiolas es un disco que, de tener que describirlo en una sola palabra, esa sería “teatral” y esto corresponde a las bases que tienen Adriana y Paula. Las dos se conocieron cuando cursaban Interpretación en la RESAD, de modo que este lado actoral es intrínseco del grupo y en su nuevo disco se manifiesta en detalles como la intro ‘My Favorite Things’, el guiño a Pearl de Ti West en ‘soy una estrella!!!’ o el melodrama de ‘ay, querida’. Pero esto no se queda en la música, sino también en todo lo que constituye la parte estética. La portada del LP es un retrato de las versiones caricaturizadas de las artistas, solo que no es una ilustración sino una fotografía en la que posan con unas máscaras inspiradas en Los Guiñoles y elaboradas por el equipo de la escultora Sarai Nuñez Mellina. Y si hablamos de sus visuales, estas son una fantasía que une lo camp con lo kitsch; todo un deleite para quienes aún creen que el videoclip no es un arte en decadencia.
“Me gusta pensar que, sobre todo en directo, hacemos pop dramático en el sentido de pop teatral”, comenta Adriana al preguntarles qué es lo que más disfrutan de incluir este tipo de guiños en lo que hacen. Se les da natural, no tienen necesidad de forzarlo, y eso se nota. También existe en ellas una necesidad de tratar al oyente como quieren que este las trate y esto significa asumirle como alguien inteligente que practica la escucha activa de la música. “Se dejan mensajes, se dejan perlas, se dejan referencias”, profundiza Paula, y aunque aclara que tampoco es tan complicado y que no entenderles también es válido, reconoce que hay cierta intimidad en establecer una conversación con quienes ven más allá de la superficie.
Tanto Paula como Adriana han declarado en varias ocasiones que les agrada que la gente que escucha sus canciones les dé su propio significado, y por eso su invitación es a descubrir las capas que pueden conformar sus canciones. El énfasis va en el “pueden” porque, por ejemplo, un tema como ‘Mi amiga’ puede interpretarse como una promesa de incondicionalidad o una declaración de amor. O cualquier otra cosa, no importa. “Lo interesante de que haya tantas capas es que cada uno se puede quedar con la que le guste o con la que le resuene en ese momento”, apunta Adriana. “Lo maravilloso es poner algo fuera para el mundo y que luego ya cada uno haga con ello lo que quiera”.
Otra de las canciones a las que el público y los medios han dotado de nuevos significados es ‘No tocar’, un tema de pop rabioso en la que las Pipiolas cantan sobre los hombres aprovechados. “Varios hombres me siguen y piden que si pueden entrar en mi casa/Esos hombres, todos, compraban palabras/Las usaban y luego me dominaban”, canta Adriana en su verso. Paula la escribió pensando en quienes se te acercan sin buenas intenciones y buscando algo a cambio, pero, en últimas, sí termina tratando temas de violencia basada en género pues el engaño vicia el consentimiento.
Y así sucede con cada una de las canciones en Pipiolas: en un momento crees que la tonada upbeat que estás escuchando te subirá el ánimo hasta que caes en cuenta de que te están recitando una carta de suicidio (‘Hasta donde se pudo’), y en otro tu búsqueda de validación y autoindulgencia resulta en una cachetada en contra de la idealización (‘Ahora que…’).
En el álbum se percibe un aura generalizada de tristeza y melancolía, sin abandonar el sarcasmo y la ironía, pero hay algo distinto en ese final con ‘Feria Cañete’. Esa última canción es el agradecimiento que siente Paula por su círculo cercano y por el momento vital en el que se encuentra, uno donde se siente más en paz que feliz porque la felicidad, considera, es relativa. “Yo creo que siempre he tenido un alma triste, es así. Pero [he escrito las canciones] desde otro lado totalmente, desde una calma y una aceptación de cosas con las que estoy en paz. Como más el aquí y el ahora”, sostiene.
Pipiolas es introspectivo y entretenido, pero a su vez tiene un sentido feminista que el dúo ha llevado más allá del arte. Antes del cierre cálido con ‘Feria Cañete’ suena ‘Menores’, un tema que aborda cómo los hombres que agreden a las mujeres no reciben ningún tipo de castigo dentro de la industria musical. Adriana comenta que ellos continúan encabezando carteles de festivales o conservando posiciones de poder pues pareciera como si su música y shows pesaran más que las violencias que ejercen. Por eso, ellas decidieron ceder los derechos de la canción a la Asociación de Mujeres de la Industria de la Música que trabaja por impulsar un ecosistema más justo con las mujeres en el medio. “Hace un tiempo hablamos sobre una verdad y se nos amenazó por ello. Nos la sudó lo más grande. Hicimos una canción”, escribió la agrupación al momento de anunciar la alianza. “La música debe ser el lugar de libertad común, no el utensilio para el poder y el abuso. Mujeres del mundo… a pasos y a mordiscos se abrirá el hueco a la igualdad”.
El respeto por el arte, el ansia por no conformarse y el espíritu rebelde que no calla hacen de Pipiolas un faro que ilumina cuando todo parece oscuro.
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