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La cantante y compositora puertorriqueña, Ednita Nazario, presenta FuegoAlmaVida, su nuevo álbum desde 2017 cuando lanzó Una Vida. El proyecto incluye siete canciones, baladas de amor pop clásicas e himnos que ayudan a sanar el corazón después de una relación que dejó cicatrices, pero que brinda enseñanzas de por vida.
La estrella de 71 años saca a relucir las grietas rellenas de oro al estilo Kinstugi que ha acumulado e intentado sanar por mucho tiempo, ella dijo en una rueda de prensa “En este disco traje muchas experiencias personales de situaciones que me pasaron. ¿Y sabes por qué? Porque soy una mujer como cualquier otra”.
Su sonido nostálgico, pulido y emotivo trae consigo un baúl de recuerdos, dolores y desamores que cobra vida desde el primer instante con ‘Desnuda y De Frente’, una confrontación de las emociones que vienen con el duelo amoroso. ‘Destrúyeme’, con la banda de rock puertorriqueña, Black Guayaba, presenta una nueva dimensión con su letra catártica que estalla sobre la ruptura mutua, el quiebre ante una separación dolorosa. Al final, continúan los elementos de guitarra eléctrica en ‘Fuimos Fuego’, hasta el dulce, delicado y orgulloso clímax con el dúo de ‘Cerrando Ciclos’ y ‘La Vida Me Cambió’ que fluyen entre ellos de manera fluida que inspira a volar y continuar luego de soltar lo que sintió en su camino.
El proyecto cierra con ‘Track Loading…’ una pieza de palabra hablada en la que Ednita, en un discurso poético, acaricia al oyente con palabras de afirmación para reforzar su mensaje acerca de la fuerza que se encuentra al triunfar ante la adversidad y que las cicatrices son “el tesoro de la lección aprendida”.
Este lanzamiento representa, además, el inicio de una nueva etapa profesional para Ednita Nazario al concretar una alianza estratégica entre el sello discográfico Rimas Entertainment e Icon Unlimited Global, la compañía de manejo y producción fundada por la propia artista y liderada por su representante, Lexter Leonardo.
Entre reconocimientos por su amplia carrera, como el Lifetime Achievement Award en 2016; discos de oro y platino y premios como los Latin Grammy, Billboard y Premios Tu Música, la Gran Diva de Puerto Rico expresa el éxtasis de continuar ese camino que por décadas le da fuerza y esperanza a millones de boricuas e hispanohablantes para seguir adelante y cerrar ciclos con la cabeza en alto, desde Ponce, Puerto Rico, hasta los hogares de todos aquellos que han tenido la fortuna de toparse con ella.
“Amo mis cicatrices. Significa que he vivido y que ninguna herida acabó conmigo. Es más, me hizo más fuerte. Y eso significa este proyecto FuegoAlmaVida, lección aprendida. ¡A vivir!” Ednita Nazario.
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La nueva era de EMJAY ya está aquí. Con ‘Moreno Fantasy’, la cantante mexicana inaugura una etapa que amplía la esencia que siempre la ha definido, ahora con un lenguaje sonoro, visual y emocional mucho más sólido. Así comienza la historia de su pop pesado.
‘Moreno Fantasy’ se mueve con naturalidad entre el pop y el rock. Por un lado, abraza la sensibilidad y la sutileza melódica del primero; por el otro, incorpora la intensidad y la crudeza del segundo para llevar su narrativa emocional a una dimensión más profunda. El resultado es una propuesta que reúne lo mejor de ambos mundos y da forma a la identidad estética, sonora y emocional que hoy define a EMJAY.
La canción nace de un momento profundamente introspectivo para la artista, quien transforma experiencias y emociones reales en una narrativa donde la fantasía y la honestidad se entrelazan. De ese encuentro surge un retrato de sentimientos como el deseo, la incertidumbre y la intensidad que acompaña el nacimiento de una conexión con otra persona. A través de esta nueva propuesta creativa, EMJAY expande su universo sonoro mientras se nutre de su propia experiencia, interpretando desde un lugar donde las emociones se viven con mayor intensidad y su voz se revela más vulnerable que nunca.
EMJAY contó con grandes colaboradores para la creación de ‘Moreno Fantasy’. La mezcla estuvo a cargo de Kayla Reagan, ingeniera de mezcla nominada al Grammy, reconocida por su trabajo con Doja Cat, Kaytranada y Kali Uchis, mientras que la producción fue realizada por VINCO, productor, compositor y artista chileno cuya identidad sonora contemporánea lo ha convertido en un colaborador clave de proyectos como Latin Mafia, Akrilla, Bratty, Kid Voodoo, TAI CHU, Alex Ponce y EMJAY.
El universo de ‘Moreno Fantasy’ también cobra vida en su propuesta audiovisual, que traslada la esencia de la canción a un imaginario tan impactante como simbólico. Filmado en una iglesia en ruinas, el videoclip sitúa a EMJAY en una ceremonia nupcial que rompe con los códigos tradicionales: vestida completamente de negro, la artista resignifica la figura de la novia a través de una estética que fusiona el glamour con la fuerza del rock. Entre vitrales, encajes y una atmósfera cargada de dramatismo, el video construye un espacio donde el romance, la oscuridad y la intensidad emocional convergen para dar forma al universo visual de esta nueva etapa.
Desde que EMJAY mencionó por primera vez el concepto de pop pesado en sus redes sociales, la expectativa en torno a esta nueva etapa no ha dejado de crecer. Más que nombrar o desafiar un género musical, la artista plantea una propuesta que refleja una identidad donde la fuerza y la vulnerabilidad conviven de manera natural. Con este nuevo comienzo, EMJAY consolida un universo creativo en el que la música, la moda y la narrativa visual dialogan entre sí para construir un lenguaje propio que define el rumbo de su carrera.
El inicio del pop pesado es el mismo reflejo de EMJAY.
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Hablar de Xmosis implica reconocer una historia que marcó el desarrollo del rock colombiano, pero también entender que este proyecto no vive de ella. La banda nació el 14 de febrero de 2025 como una evolución natural de la experiencia y la complicidad de músicos que compartieron algunos de los momentos más importantes de Ekhymosis y que, décadas después, decidieron reencontrarse para crear algo distinto. El resultado no es una continuación ni un tributo: es una agrupación con identidad propia, construida sobre un legado sólido, pero orientada completamente hacia el futuro.
El proyecto reúne a José Lopera en la batería, Andy García en el bajo y los coros, y Toby Tobón en la guitarra líder, tres músicos fundamentales en una de las etapas más recordadas de Ekhymosis. A ellos se suma Sebastián Yepes, reconocido por su trayectoria al frente de SanAlejo, quien asume la voz principal y la guitarra rítmica, aportando una nueva personalidad al repertorio y una conexión natural con una generación distinta de oyentes. Más que reemplazar una historia, Yepes aporta una perspectiva diferente que amplía el alcance creativo de la banda.
Ese encuentro entre experiencia y renovación define buena parte del ADN de Xmosis. La banda entiende el peso de la nostalgia, pero evita convertirla en su único argumento. En lugar de reproducir el pasado, apuesta por reinterpretarlo desde el presente, respetando la esencia de unas canciones que forman parte de la memoria colectiva del rock colombiano mientras construye un lenguaje propio para el futuro.
En poco tiempo, Xmosis ha demostrado que su propuesta funciona también sobre el escenario. Su debut junto a God Save the Queen marcó el inicio de una agenda de presentaciones que los ha llevado por festivales y eventos como Fortaleza Rock Fest, BucaraRock, Arte a la Calle en Medellín y la Feria de Manizales, consolidando una química que trasciende la experiencia individual de sus integrantes y confirma que el proyecto tiene vida propia.
Actualmente, la banda prepara un álbum que reimagina algunos de los grandes clásicos interpretados ahora por Sebastián Yepes, un trabajo que servirá como puente entre distintas generaciones de seguidores y como antesala de nuevo material. Paralelamente, Xmosis alista una gira nacional e internacional con la que espera presentar esta nueva etapa a públicos dentro y fuera de Colombia.
En un momento en el que muchas reuniones de bandas históricas se limitan al ejercicio de la nostalgia, Xmosis propone algo diferente: tomar la experiencia acumulada durante décadas para seguir creando desde el presente. Su apuesta no consiste en revivir una época, sino en demostrar que el rock colombiano todavía tiene nuevas historias por contar.
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Después de más de tres décadas marcando el rumbo del hip hop, Cypress Hill abre un nuevo capítulo en su historia con el lanzamiento de Dios Bendiga, el primer álbum de estudio completamente en español de la legendaria agrupación de Los Ángeles. El proyecto también representa su primer trabajo de larga duración en más de cuatro años.
Como parte del estreno, B-Real, Sen Dog, Eric Bobo y DJ Lord presentan el video oficial de ‘Estamos Listos’, dirigido por Sergio de Ávila y Jerome Lehoucq, una pieza visual que acompaña uno de los temas centrales de un disco concebido como una celebración de sus raíces latinas y un mensaje de resiliencia, comunidad y esperanza.
A lo largo de doce canciones, Dios Bendiga reúne colaboraciones con figuras clave de la escena latinoamericana como Alemán, Trueno, Poe Leos, Mellow Man Ace, Sick Jacken, La Santa Grifa, Coyote y Guapo. El álbum combina la identidad sonora que convirtió a Cypress Hill en una referencia del rap de la Costa Oeste con elementos de la música latina, incluyendo ritmos de cumbia y una producción encabezada por el percusionista Eric Bobo y el DJ y productor nominado al Grammy DJ Flict.
El anuncio llega tras un exitoso regreso de Cypress Hill a Latinoamérica este año, con presentaciones en festivales como Vive Latino, Lollapalooza Brasil y Tecate Pa’l Norte, reafirmando la vigencia de una banda que, más de treinta años después de irrumpir en la escena, continúa siendo una de las mayores influencias del hip hop mundial.
Dios Bendiga – Tracklist
- Wacha Trucha (feat. Alemán)
- Campeones (feat. Mellow Man Ace)
- Rosas Verdes
- Run (feat. Poe Leos)
- Sueños (feat. Coyote)
- Estamos Listos
- Voló (feat. Sick Jacken)
- Saca La Bolsita (feat. Trueno)
- No Tengo Miedo (feat. Sick Jacken)
- Barrios Prendidos (feat. La Santa Grifa)
- El Perro y El Coyote (feat. Guapo)
- Otra
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¡La fiesta continúa! Manuel Medrano, la estrella del pop latino, esparce el amor, las buenas vibras y la celebración de una década inolvidable con sus fans de México, Centroamérica, y, obvio, Cartagena, su tierra natal, con nuevas fechas de su gira SUPERIOR.
El cantautor convierte sus experiencias personales, el pop de los 80, baladas íntimas y música de fiesta dentro de la experiencia en vivo con material de su último álbum y de su catálogo musical.
En varios sentidos, esta ha sido su década. Manuel ha capturado los corazones del mundo hispanohablante, desde sus inicios en redes con los temazos que lo llevaron a la fama como ‘Bajo El Agua’, ‘Afuera Del Planeta’ y ‘Una Y Otra Vez’, todos con más de 200 millones de vistas en YouTube, hasta su más reciente creación, el álbum SUPERIOR, una mezcla etérea de géneros (pop, sol y folk, entre otros) que lo representan como un gigante de la industria. Partiendo de su evolución musical, rinde homenaje a los sonidos que construyen su identidad como artista desde Cartagena, Bogotá, Ciudad de México Miami, Los ángeles, y Nueva York.
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El Ganador de dos Latin Grammy, el cantautor inicia una nueva fase de este recorrido con presentaciones en Centroamérica y México, territorios clave en su trayectoria artística y donde ha consolidado, a lo largo de más de una década, una de las comunidades de seguidores más sólidas y fieles de su carrera.
La gira presenta resultados más que satisfactorios en términos de cifras en Bucaramanga, Medellín y Cali (donde se agotaron las boletas por completo).
Sin embargo, también tomó la oportunidad de compartir el protagonismo con talento emergente. En Bucaramanga, Ivanny abrió la velada y posteriormente acompañó a Medrano para una interpretación especial de ‘La Mujer Que Bota Fuego’. Esteesgarcia inauguró la noche de Medellín, mientras Emyl Rusev se sumó al escenario para interpretar ‘Nenita’. Mønel fue el encargado de abrir el concierto de Cali y Junior Zamora participó como invitado especial en una nueva versión de ‘La Mujer Que Bota Fuego’.
No te pierdas el show de la década. A continuación, encontrarás las próximas fechas de la gira:
COLOMBIA
6 de agosto — Cartagena | Auditorio Getsemaní
CENTROAMÉRICA
11 de octubre — San José, Costa Rica | Palacio de los Deportes
15 de octubre — Ciudad de Guatemala | Parque de la Industria
18 de octubre — San Salvador | Be Sport
MÉXICO
6 de noviembre — Acapulco | Forum Mundo Imperial
8 de noviembre — Mérida | Auditorio La Isla
13 de noviembre — Coatzacoalcos | Teatro de la Ciudad
21 de noviembre — Chihuahua | Arena Corner Sports
27 de noviembre — Torreón | Coliseo Centenario
28 de noviembre — San Luis Potosí | Parque Tangamanga
4 de diciembre — Los Cabos | Jardín EDEA
5 de diciembre — La Paz | Arena La Paz
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Fiona Apple McAfee-Maggart crea música triste, furiosa y erótica. Ese ha sido el sello distintivo de su obra desde que comenzó en los 90, a los 18 años. Decir que es “icónica” sería quedarse corto, dada su influencia que trasciende las ventas de discos y sentó las bases para artistas transgresores y directos en todo el mundo. Ese legado empezó con Tidal (1996).
La portada cuenta la historia de una joven que te mira fijamente desde el disco con sus penetrantes ojos azules; como si te diera permiso para entrar en su mente y alma. La fotografía invita al oyente a explorar sus melancolías y frustraciones a través de pianos intensos, acompañados de baterías contundentes, bajos llenos de Groove e instrumentos coloridos que pintan un breve vistazo, una instantánea borrosa y sobreexpuesta, de la vida y el espíritu de Fiona en su momento.
En una entrevista con Rolling Stone en 1998, “Fiona: The caged bird sings”, se profundiza un poco más en lo que sentía y cómo lidiaba con la presión de sus angustias. Se encontraba ansiosa, exigente, a punto de estallar de ideas y afligida por los acontecimientos de su vida en aquel momento. Movía las velas de su cuarto de hotel y hacía collages en bata de baño, medio dormida, mientras conversaba con Chris Heath sobre detalles que exploraremos al recordar el milagro que fue este primer álbum.
Si bien Apple provenía de una familia de artistas (Brandon Maggart, su padre, trabajó en Plaza Sésamo y fue pintor, actor y cantante; Diane McAfee, su madre, fue actriz de Broadway y apareció en West Side Story en 1968). No fue un camino fácil, como revela su entrevista: sufrió bullying escolar, ha tenido pensamientos suicidas desde pequeña, fue víctima de agresión sexual y creció con padres separados desde los cuatro años.
Existen grabaciones de ella a los ocho años tocando el piano y, como narra Chris, a los nueve, en un intento por crear música tras no poder dormir, se sumergió en la oscuridad que impregna gran parte de su arte y que cautiva a cualquiera que se atreva a mirar ese vacío que devuelve la mirada.
“Era simplemente otra joven talentosa, un poco peculiar, a la que le gustaban las medias que no combinan, la ropa sin costuras y su colección de animales de cristal.” Chris Heath
Un poco de suerte
Digo que el álbum fue un milagro no solo por los desafíos personales que enfrentó desde una temprana edad, sino porque su producción fue una cuestión de estar en el lugar y el momento correcto. Una cinta, demo de tres canciones que grabó con su padre en Los Ángeles, llegó a manos del ejecutivo Andrew “Andy” Slater a través de un amigo mutuo que trabajó como niñera para el publicista… o al menos eso dicen los rumores. Luego, firmó con Epic Records, filial musical de Sony, realizó su álbum con una banda y Andy como productor.
Lo más interesante del desarrollo de este álbum fueron las historias del proceso de composición y creación, por ejemplo, ‘Criminal’, el mayor éxito de su carrera hasta el momento y la canción que le dio un Grammy en 1998, se escribió en una pausa de almuerzo de 45 minutos porque la disquera “necesitaba un sencillo principal”, la manera que impresionó a sus colaboradores con la honestidad de sus letras en canciones como ‘Never Is a Promise’, la cual escribió cuando tenía 14 años (dicha canción hizo parte de ese mítico demo inicial) y la pausa que tuvo que suceder en medio de producir el LP por su desorden alimenticio; ella explica que, además de la ayuda profesional, fue Lenny Kravitz quien le ayudó a sentirse escuchada y a salir adelante en ese periodo de caos interno.
Las innegables influencias del jazz y el hip hop, que le enseñaron a crear música (aprendió a tocar con “The Real Book”, una recopilación de artistas como Billie Holiday y Ella Fitzgerald), brillan en su sonido azul y lleno de un cansancio melancólico pero hambriento de hacerse escuchar. En las letras expresa su miseria en temas como ‘Sullen Girl’, que se adentra en el sentimiento que deja un hombre cuando te hace naufragar, se roba “tu perla” y te abandona como una concha vacía.
En la entrevista con Rolling Stone, Heath escribe “Todavía tiene pesadillas terribles y violentas. Siente lo mismo, pero con gente diferente. A veces, gente que conoce. Durante años, los hombres mayores la ponían nerviosa. Incluso cuando grabó su álbum, se negó a sentarse junto a ninguno de los músicos ni a Andy Slater, su productor y mánager. Es lo suficientemente honesta como para establecer otras conexiones: ‘Tuve novios muy malos durante mucho tiempo que tenían un ligero parecido físico con el hombre que me violó’.”
Un poco de fama
La época en la que lanzó Tidal no estaba preparada. En verano de 1996 se escuchaba música cómo ‘La Macarena’ de Los del Río y ‘One Sweet Day’ de Boys II Men y Mariah Carey, la economía estadounidense estaba bien y aún existía ese optimismo de la posguerra fría y los avances en la tecnología. El público se dividió al ser expuesta de este nuevo “prodigio” que a la vez veían como “malcriada” porque no le importaba lo que los demás pensaran de ella o de su música. Fiona Apple llegó para quedarse y nadie estaba preparado para eso.
Como era la antítesis de la música comercial, encontró una parte clave de su éxito en los videos musicales. En este disco, grabó tres videoclips para las canciones ‘Shadowboxer’, ‘Sleep to Dream’ y ‘Criminal’. ‘Sleep to Dream’ le brindó el premio MTV Video Music Award de 1997 a “Mejor artista nuevo”. Su discurso generó controversia, afirmó, entre otras cosas, que “este mundo es una mierda” y abogó por que la gente fuera ella misma sin importar lo que dijeran los demás. Nuevamente, cautivó la atención de muchos, y la admiración de otros artistas como Kanye West, otro “loco” de la industria que admitió que Tidal fue una gran inspiración para él y soñaba con ser “la versión rap” de ella, por lo que trajo a Jon Brion, quien ayudó a la producción de Tidal, para su proyecto del 2005, Late Registration.
Chris Heath cuenta que cuando Apple leyó su primera mala reseña del álbum ella “empezó a rascarse la muñeca izquierda con las uñas de la mano derecha. Era un tipo de Boston que decía que era la respuesta de Sony a Alanis Morissette, que tenía mucho que aprender y que la instrumentación la había salvado. (También dijo que era ‘precoz’. Ella, por alguna razón, lo malinterpretó y pensó que había dicho ‘pretenciosa’, lo que empeoró las cosas).
Se rascó y se rascó, hasta llegar al brazo. Todavía tiene algunas manchas oscuras en la muñeca, donde más se rascó. ‘Me molesta un poco’, dice con franqueza. ‘Es algo común’.”
Como a muchas y muchos otros antes y después, las críticas fueron feroces y el público acabó metiéndose en su vida privada. Algunos críticos la llamaron “una mala Joni Mitchell”, y su imagen de “la rebelde, provocativa, dramática y desenfrenada” la inspiró para la creación de su siguiente pieza When The Pawn… de 1999, (El nombre completo dice “Cuando el peón llega a los conflictos, piensa como un rey. Lo que sabe da los golpes. Cuando va a la pelea, ganará todo antes de entrar al ring. No hay nadie a quien golpear cuando tu mente es tu poder, así que cuando vayas solo, toma tu propia mano y recuerda que la profundidad es la mayor de las alturas, y si sabes dónde estás parado, entonces sabes dónde aterrizar, y si caes no importará, porque sabrás que tienes razón.” En su momento fue el álbum con el nombre más largo del mundo… hasta que en 2008 Cumbawumba le quitó el trono)
Y mucha pasión
Recordar a Tidal es volver a aquella época en la que una joven inexperta y frustrada, con mucho que decir, aprovechó la oportunidad de hacer historia en la música “como nadie más”. En sus primeros conciertos se puede apreciar el fuego que la impulsaba; ya fuera ira, indignación o simple autocompasión, siempre lograba dominar el escenario y disfrutar de lo que hacía al 100%.
Este debut fue una advertencia para algunos y una promesa para muchos de que seguiría mejorando a medida que madurara y encontrara su propio estilo. Como ella misma lo expresó en 1997: “Tenía algo en mente y simplemente lo dije. Y eso es realmente el presagio de toda mi carrera y de toda mi vida. Cuando tengo algo que decir, lo digo”. Hoy podemos confirmar que esa meta se cumplió.
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Virtuoso. Esa es una de las calificaciones más recurrentes cuando se menciona al notable guitarrista norteamericano Al Di Meola, que vuelve a presentarse en Buenos Aires en septiembre. La cita es es el sábado 12 y domingo 13 en La Trastienda, Balcarce 460, en el barrio porteño de San Telmo. Entradas acá.
Además de ser un auténtico héroe de la guitarra, es un prolífico compositor. Su discografía como solista ronda los 30 álbumes, además de otra docena de colaboraciones que incluyen el supergrupo de fusión Return to Forever (junto a Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White), el célebre trío de guitarras acústicas (Guitar Trio) con los también virtuosos John McLaughlin y Paco de Lucía, y el trío Rite of Strings con el bajista Stanley Clarke y el violinista Jean-Luc Ponty.
Pero más allá del virtuosismo y de su técnica deslumbrante tanto en la guitarra acústica como en la guitarra eléctrica, Di Meola es un músico singular, que ostenta una notable sensibilidad tanto en su interpretación, como en sus composiciones.
Su palmarés incluye unos seis millones de discos vendidos en todo el mundo, cinco álbumes de oro en Alemania y diversos galardones, entre ellos un Doctorado Honoris Causa del Berklee College of Music, el Premio Honorífico Miles Davis otorgado por el Festival de Jazz de Montreal, un Premio a la Trayectoria de la BBC presentado por Sir George Martin en 2008, el Premio Lyra de la Fundación Húngara de Artes Escénicas, así como numerosas nominaciones y premios Grammy.
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