Richard David James —conocido por su nombre artístico Aphex Twin— es el ejemplo perfecto de “el artista favorito de tus artistas favoritos”. Grandes nombres de la industria como A$AP Rocky, Björk, Madonna, Doja Cat, Skrillex, JPEGMAFIA, Frank Ocean y cientos más han admitido que han encontrado inspiración en sus creaciones. Aunque pienses que nunca lo has escuchado, también es muy probable que alguna de sus pistas se haya colado en tus oídos a través de memes o series como Better Call Saul, o Los Soprano.
Su presencia en la escena ha transformado la música electrónica; de hecho, se le considera uno de los pioneros del IDM (Intelligent Dance Music, “música de baile inteligente” en español), el término pretencioso que se usa para definir obras como la suya, que pueden resultar un desafío para el oyente casual.
Sus influencias provienen de su contacto con la vida nocturna de Cornualles, un condado celta de Gales, Reino Unido, y de su temprana pasión por la música. De pequeño tocaba el piano y disfrutaba creando sonidos manipulando sus cuerdas internas, una técnica que retomaría casi 15 años más tarde en este álbum. A los 14 años, comenzó a componer música; más adelante, empezó a tocar en fiestas como DJ, a veces, recibiendo marihuana como pago y, poco a poco, fue acumulando canciones, e incluso publicó algunas en proyectos como Analog Bubblebath de 1991.
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Gracias a un sinfín de fiestas y a diversas remezclas, reunió suficiente material para lanzar una recopilación de sus trabajos realizados entre 1985 y 1992, titulada, Selected Ambient Works 85-92. Podría describirse como una fiesta underground interminable, en la que uno siente que viaja a bordo de una nave espacial, recorriendo paisajes que oscilan entre la desesperación, el paraíso y lo absurdo.
La parte más “festiva” proviene de temas como ‘Xtal’, ‘Ptolemy’, ‘We Are The Music Makers’, ‘Aegispolis’ y ‘Green Calx’, que ofrecen ritmos más bailables. Las piezas menos accesibles como ‘I’, ‘Schottkey 7 Path’ y ‘Hedphelym’ brindan esa experiencia de IDM que manipula sonidos originales, clips de conversaciones, samples y ritmos para crear algo capaz de sorprender e incomodar a quien tenga el placer de escucharlo —eso es si termina de escucharlo. Aunque sea un álbum integral para la música electrónica hay varios momentos que requieren de un oyente que esté dispuesto a aburrirse un poco, bajar la guardia e intentar escuchar con atención.
Uno de los momentos más destacados se encuentra en ‘Hedphelym’, donde las reverberaciones de los efectos y ritmos hacen que todo se mezcle en una sopa etérea de IDM. Esa es la gracia de Aphex Twin, sus canciones tienen tantos detalles y cualidades que interactúan entre ellos, o se esconden en la mezcla, que cada sesión es una oportunidad para encontrar algo nuevo que resuene contigo.
Este álbum fue muy bien recibido por la crítica y el público y sirve como una excelente introducción a su catálogo. Encapsula a la perfección la era de la música electrónica del momento, empleando sintetizadores, fragmentos de voz y una amalgama de sonidos personalizados que revolucionaron el concepto de lo que era posible dentro de la música electrónica. Con sus siguientes álbumes, continuaría desafiando sus propios límites y los tímpanos de sus fans.
La explosión de Aphex Twin
Su discografía está repleta de sencillos, recopilatorios, EPs y demás obras sueltas que vienen desde los años 90, estos los publicó bajo varios seudónimos como Polygon Window, GAK, AFX, Blue Calx, Universal Indicator, entre otros. Muchos de estos, al igual que sus álbumes, consiguieron el éxito comercial y popular en clubes y estaciones de radio británicas. Una de las joyas ocultas favoritas de esta sección de su catálogo es Power Pill, un EP de remixes del intro de PacMan.
Sus siguientes álbumes: Selected Ambient Works Volume II (1994), …I Care Because You Do (1995) y Richard D. James Album (1996) sirven como una línea de tiempo para el crecimiento acelerado de su habilidad y repertorio. Consiguió refinar su sonido, primero en el campo de sonido de ambiente con los Selected Ambient Works y luego en los siguientes dos, donde embarcó una profundización sobre las expresiones más disruptivas y electrónicas que funcionan más como canciones que como música de fondo. En pocas palabras, la segunda mitad de su catálogo hasta ese momento fue un cambio que le subió la intensidad a sus conceptos, eso y un huevo frito.
Richard D. James Album cumplirá 30 años el 4 de noviembre de este año, es considerado como uno de sus proyectos más accesibles y como el pináculo de su expresión creativa. Luego de este ciclo se tomaría un descanso de 5 años antes de su siguiente proyecto.
1996-2001
Aunque no haya publicado un álbum de larga duración, sí lanzó dos EPs que significaron un pico en su popularidad, estos son los EP de Come To Daddy (1997) y Windowlicker (1999), además de otros remixes y proyectos.
‘Come To Daddy’ es una pieza de death metal que desgarra bafles y alimenta pesadillas con la frase “Me comeré tu alma” sobre baterías demoníacas, guitarras eléctricas y ruidos sacados del tártaro que se interrumpen y mezclan entre ellos. Todo esto representa algo que se puede describir como un vómito negro y nefasto. Al final todo explota en un monstruoso grito destrozaoídos.
El video, dirigido por Chris Cunningham, es una mezcla de efectos especiales y terror que encuentra placer en sumergir a quien lo vea en la tortura psicológica de caras distorsionadas, niñas con cara de hombre sonriente que aterrorizan a las personas y adoran a un demonio anoréxico con la cara de Richard, su creador.
Este hit accidental fue un chiste que se salió de control, como dijo en su entrevista para Index Magazine, solo fue el caso de un “temita de death metal de mierda” que “le hicieron mucho mercadeo, hicieron un video y esta pequeña idea que tuve, un chiste, se volvió algo gigante. No estuvo para nada bien”.
Es más, por evitar que se hiciera más grande, retiró el proyecto para que no sumara más puntos en las listas de éxitos. Esto se debió a que él es alguien que pone la música primero; le aterra la fama y tener fans. En esa misma entrevista explicó, “Creo que es malo ser muy conocido, porque terminas metiéndote en la vida de la gente, les gustes o no. Es una idea horrible. Lo peor de los famosos es que dan por hecho que todo el mundo quiere escucharlos o verlos todo el tiempo”.
El resto del EP remezcla el concepto de esta canción y entrega otras pistas como ‘Funny Little Guy’ y ‘Flim’, ambas graciosas e irreverentes dentro de este chiste negro de 30 minutos.
CC: Cortesía
Windowlicker (1999) fue en una dirección mucho más ligera y graciosa. La portada lo dice todo, es una foto de una mujer con bikini, solo que tiene el rostro sonriente de James encima de su cara, algo que se vio en el proyecto anterior. En corto, trae a la mesa un sencillo del mismo nombre que adorna los sonidos y conceptos rítmicos con voces y el ocasional gemido para crear algo que se podría describir como un R&B sensual, torpe, cómico, suave y experimental.
En el video musical vuelve el horror de la cara de James sobre mujeres en una parodia de videos de hip hop del momento, pero de una manera más ligera y divertida. Se muestra como si fuera un alienígena que frustra los intentos románticos de dos hombres afro con su gigantesca limusina, luego todo se va al carajo mientras va por la ciudad con las dos mujeres mientras baila sin parar. Este culmina con un baile bizarro de rostros grotescos sobre los cuerpos de bellas mujeres bañadas en champaña. Cabe mencionar que esta apareció en GTA V en la estación ficticia FlyLo FM.
Nuevamente, el final trae un break ruidoso que, aunque no arrase como el anterior, es un retorno a la locura que nos recuerda que estamos escuchando a Aphex Twin. Algo interesante es que, si se observa el espectrograma de la pista se puede apreciar un espiral. ‘Formula’ es una canción que inicia como una serie de pedos aguados distorsionados sobre un ritmo que luego raya lo absurdo a tal punto que pareciera un montón de ruidos sin sentido. Finalmente, ‘Nannou’ es una pista hecha con cajas de música que le dedicó a su novia de ese momento, es dulce, rítmica y brinda un lindo final para este bello desastre.
¿Un álbum doble?
El lanzamiento de Drukqs fue singular y algo apresurado; según una entrevista que Heiko Hoffman le hizo a James, él dejó por accidente un reproductor de MP3, que contenía 282 temas suyos inéditos y 80 temas inéditos de Squarepusher, en un avión. Ante esto, decidió publicar varias canciones antes de que el material se filtrara en internet y arruinara “sus ganancias de los próximos 10 años”.
Su proceso de creación también fue particular, ya que se trató del último álbum que realizó bajo el sello de Warp Records, la discográfica que había publicado sus obras desde su primer álbum. No hubo ningún conflicto entre ambas partes; según la entrevista, James simplemente quería crear música que se sintiera más “pura” junto a su amigo y colaborador de años, Tom Jenkinson, conocido como Squarepusher. Por lo tanto, uno de los objetivos de este álbum era concluir sus obligaciones legales con Warp para lanzar Rephlex Records con su amigo. Esta es la razón por la que lo vendió como un álbum doble de 30 pistas, completando así el compromiso de seis álbumes que tenía con el sello anterior (contando el EP de Come to Daddy como uno de ellos).
Tras haber lanzado un álbum de 30 minutos, presentar algo que dure una hora y cuarenta resultó extraño, sobre todo teniendo en cuenta que el propio James admitió que, si alguien intentara escucharlo de una sola sentada, “moriría en el intento”. Sin embargo, esto no le preocupaba, ya que nos encontrábamos en el amanecer de la era de las descargas en formato MP3; los oyentes tenían la libertad de elegir sus canciones favoritas, razón por la cual él mismo lo describió como un “álbum de MP3”.
Los avances tecnológicos también resultaron provechosos a la hora de crear música fuera del estudio. La comercialización de los primeros computadores portátiles le permitió trabajar donde quisiera, algo que él valoraba mucho. Esta misma técnica sirvió como fuente de creatividad para otros proyectos de la época, como el álbum Vespertine de Björk que fue producido en un portátil en 2001.
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El título es un término inventado. James reconoce que la mayoría de los nombres de sus canciones carecen de un significado concreto: son una mezcla de letras aleatorias, términos celtas —herencia de su crianza en Cornualles—, palabras en galés o una combinación de todo.
Este álbum también incluye sus primeras composiciones acústicas publicadas utilizando un piano Yamaha Disklavier modificado. Él comentó: “He preparado las cuerdas; utilizo tornillos, clavos y trozos de goma, he creado un montón de pequeños elementos para poder modificar los armónicos de las cuerdas. Cuando compré este piano, dado que era muy costoso, pensé que si empezaba a desmontarlo lo estropearía de inmediato. Por eso, durante el primer año me limité a grabar piezas de piano convencionales y, pasado ese tiempo, comencé a desmantelarlo”.
Drukqs
CC: Cortesía
A diferencia de la mayor parte de las pistas, la portada es relativamente sencilla si consideramos sus anteriores ilustraciones perturbadoras y símbolos vectoriales minimalistas. Transmite una extraña sensación de calidez; muestra las entrañas de su instrumento, el protagonista de esta obra, con las palabras “Aphex Twin” y “Drukqs” impresas sobre distintas partes. Según temperamentstrip, un usuario de Reddit que publicó un clip mostrando la misma parte del piano que fue fotografiado en la portada, estas piezas no producen el sonido, sino que hacen parte del mecanismo que lo hace posible.
Este disco es errático; al principio, te cautiva con ese piano metálico y modificado en ‘Jynweythek’, es un solo breve y encantador que se percibe como el comienzo de una aventura en un bosque mítico, una sensación cálida e inesperada. Luego, esa dulzura se ve complementada por ‘Vordhosbn’, una pieza enigmática de percusión acelerada y una melodía electrónica seductora que da la impresión de que te persiguen criaturas mágicas. De repente, ‘Kladfvgbung Micshk’ interrumpe la acción con una mezcla inquietante de rasgueos metálicos y acordes que acompañan a un bajo profundo presente en segundo plano junto a las esporádicas notas del piano. Al instante, ‘Omgyjya-Switch7’ te pega en las costillas con sonidos de latigazos que se repiten en rápida sucesión sobre ritmos distorsionados y comprimidos. Una voz que exclama ‘¡Guau!’ da paso a la locura absoluta, donde el tempo oscila, ralentizándose y acelerándose entre sintetizadores resplandecientes que ofrecen una falsa sensación de seguridad antes de que todo se transforme en un caos arrollador de ruido y latigazos. En el quinto tema, ‘Strotha Tynhe’, un piano convencional interpreta breves fragmentos melódicos en sucesión pausada, como si el pensamiento se viera interrumpido con nuevas ideas; se resuelve, regresa al inicio y avanza hacia algo nuevo, extrayendo más notas del silencio.
Estos primeros marcan el estándar de este viaje: un laberinto lleno de contrastes y estados de ánimo tan variados que te dejan sin aliento. Por ejemplo, parece que las melodías de ‘Kesson Dalek’ te invitan a seguir un camino, solo para que, de pronto, ‘54 Cymru Beats’ te tire del pelo y te arrastre a la pista de baile.
También hay momentos de corte ambiental, como ‘Gwarek2’, una composición tétrica e infernal que parece sacada de Silent Hill: incluye gritos distorsionados, pianos graves, el sonido de barras metálicas como si las hubiera tocado el mismísimo Freddy Krueger, cantos de aves y otros elementos perturbadores que fluyen entre el canal izquierdo y derecho como si una sanguijuela se te hubiera metido en el cerebro.
‘Cock/Ver10’ es un tema que toma la grabación de una batería y la interrumpe mil veces. Armoniza con sintetizadores brillantes y hermosos, para luego añadir más ruido distorsionado, dando la sensación de estar en una carrera a alta velocidad contra un maníaco desenfrenado dentro de un videojuego. Por supuesto, el tema anterior da paso a la canción más conmovedora y escuchada de su carrera: ‘Avril 14th’, que introduce una dulce composición de piano que muestra la emocionalidad y vulnerabilidad de James por medio de una melodía delicada inspirada en la obra de Erik Satie.
De hecho, al escuchar este álbum en 2026, ‘Avril 14th’ resulta extrañamente familiar, ya que fue sampleada por Kanye West para ‘Blame Game’, una canción de My Beautiful Dark Twisted Fantasy, su proyecto de 2010. Otro tema destacado es ‘QKThr’, una pieza que quizás reconozcas por aparecer en miles de videos cortos, utilizada en prácticamente cualquier contexto. Ambas canciones superan los 100 millones de reproducciones en Spotify.
Esta última es una pieza sombría de acordeón aparece después de ‘Lornaderek’, un fragmento de 31 segundos en el que sus padres le desean un feliz cumpleaños. Este momento resulta aún más emotivo si consideramos que ambos han fallecido desde entonces. Su padre, Derek James, murió en enero de 2020, y Lorna James falleció a mediados de 2024. Aunque no se conocen muchos detalles de su relación, se entiende que tuvieron una lazo cercano y amoroso, a pesar de que no fueran cercanos al mundo musical, conectaron con su hijo, ayudaron a moldear su identidad y lo acompañaron hasta el final.
Las canciones finales del álbum exploran el piano en su máxima creatividad; muchas de ellas mantienen un carácter brillante y accesible, aunque también hay otras como ‘Prep Gwarek 36’, un tema industrial, rígido y frío. Las últimas cinco retoman el estilo del resto del álbum, con una diferencia clave, se perciben más bien como una especie de ‘sándwich’ que combina el piano con el IDM en vez de un collage de sonidos como al inicio. ‘Ruglen Holon’ supone un breve regreso a las cajas de música, con una fina melodía de piano que da paso a ‘Afx237 v.7’: un conjunto caótico de voces robóticas, efectos tensos y sonidos tipo chiptune que evocan la sensación de estar librando un combate en el espacio exterior.
Los tres últimos temas conforman una última despedida que se toma su tiempo para darle un fin a cada parte de la historia. ‘Ziggomatic 17’ suena como si un hombre desnudo corriera por la ciudad golpeando muros, rieles y diversas superficies con un tubo de metal. Aquí vuelve a aparecer esa distorsión clásica, la sobresaturación de efectos y referencias a otros momentos inquietantes anteriores. La pieza baja el tempo hasta una pausa silenciosa, para luego retomar el ritmo de golpe, y así sucesivamente hasta que los tonos agudos de los sintetizadores ascienden hacia lo desconocido y solo queda una voz robótica que dice “Gracias por tu atención, adiós”.
‘Beskhu3epnm’ es el último pedacito de piano modificado que escucharemos. Suena distante, casi cansado; comienza interpretando una composición similar a la de ‘Prep Gwarek 36’, pero a mitad de camino se desprende de ella para dar paso a un piano convencional, cerrando así este noble experimento.
Por último, ‘Nanou2’ se presenta de forma tímida y minimalista. Un piano solitario, cargado de un tono nostálgico, un tanto melancólico, rebosa de esa emoción cálida que marca el retorno y, por lo tanto, el final de la aventura. La melodía hace breves pausas entre cada nota y, poco a poco, cobra fuerza hacia el final. En lugar de desvanecerse gradualmente, la pieza culmina con una última nota que queda vibrando hasta que, de nuevo, nos vemos sumidos en la oscuridad.
Intentar describir la identidad sonora de este proyecto es una tarea demandante y escucharlo requiere de energía, atención y determinación. Sin embargo, vale la pena darle una oportunidad, así sea escucharlo por partes para escoger tus favoritas. En esta ocasión tan especial, invito al lector a intentarlo, siempre y cuando se sienta capaz de afrontar la montaña rusa de sonidos y emociones que supone esta experiencia.
Feliz cumpleaños
Este disco lleva la versatilidad al límite, se destaca por su amplio rango de intensidades y por la maestría con la que el creador integra el piano y otros elementos acústicos dentro de su zona de confort, el IDM. Es una bestia imponente que no es para todo el mundo; de hecho, generó división incluso entre los seguidores y críticos que habían elogiado sus trabajos anteriores. Por ejemplo, Pitchfork le dio un decepcionante puntaje de 5,5, justo después de haber calificado el álbum anterior con un 9,3.
CC: Charley Gallay / Fotógrafo autónomo
Después de esto, publicó Computer Controlled Acoustic Instruments pt2, un EP que funciona como una segunda parte de Drukqs. Luego, se tomó un descanso de 13 años hasta el 2014, cuando sacó Syro, su último álbum hasta la fecha. Desde entonces ha sacado más EPs, compilaciones, e incluso una versión expandida de Selected Ambient Works II en 2024.
A Richard David James le importan muy poco las ventas, reproducciones o las valoraciones, simplemente, desea hacer música. De hecho, ha declarado en varias ocasiones que la única razón por la que la publica es para ganar dinero y así poder hacer más música. En esencia, solo es un tipo de Cornualles al que le apasiona lo sonoro con todo su ser, es así de simple, siempre lo ha sido y él quiere que se mantenga así.
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“No es que tenga ningún conflicto con la identidad jazzística de mi música, no me cambié de género, ni nada de eso. Solo que quise cantar esta música y, por eso, elegí cuidadosamente un repertorio que pudiera vivir en ese lenguaje jazzístico. Escuché mucho de toda la maravillosa producción del rock argentino y bueno, me acordé de las cosas que yo canté, con las que yo crecí. Después fui quedándome con las canciones que además de ser emblemas, podían decir algo de mí”, decía Roxana Amed hace poco más de un año, cuando presentaba Todos los fuegos, su décimosegundo álbum, acompañada por el tecladista argentino Leo Genovese, entre otros notables. Nadie podía imaginar que iba a ser el último mojón de una discografía notable. Su muerte, el domingo 25 de octubre, fue un baldazo de agua fría para sus seguidores, para sus colegas, para la prensa e, incluso, para pesos pesados de la industria, como Afo Verde, CEO de Sony Music Latin Iberia, quien fue uno de los primeros en comunicar la noticia. La cantante estaba peleando contra una enfermedad, pero lo había mantenido bajo una estricta reserva.
Roxana Amed nació en Buenos Aires en 1963 y desde hace más de una década vivía en Estados Unidos. Además de cantante, fue productora, compositora y educadora, su música fusionaba las tradiciones folclóricas sudamericanas con el lenguaje jazzístico y cierta impronta rockera. Considerada como una de las voces más importantes de la música sudamericana por colegas, público y crítica especializada, había ganado reconocimiento por sus álbumes con Pedro Aznar, con los que inició su carrera discográfica: Limbo (2004) y Entremundos (2006).
Este último álbum incluía una hermosa colaboración con León Gieco, una reinvención de “Georgia Lee” un tema de Tom Waits en español, autorizada por el propio Waits.
Al conocer la noticia, Pedro Aznar la despidió en sus redes con un texto conmovedor: “Vos/ eras más que una voz/ Exquisita, única/ Personal/ Fragante en los atardeceres / Engalanando líneas y espaciosY/ Por los pentagramas/ Hermana y confidente/ Nos prometimos ser quien curara/ Lo hecho/ Cuando partiéramos/ La difícil tarea de discernir/ Lo que es legado público/ Del santuario de lo personal. Fuiste más/ Que una voz/ Dejando camino/ Mostrando posibilidades/ Imposibles para otros y otras/ Que no ven esos palacios/ De luz/ Esas curvas que a cada vuelta/ Asombran y revelan/ Trayendo a la materia/ Lo que es intocable/ Lo que no admite palabra/ Un aire de flores blancas/ Que dice “aquí está. Esto es lo que hay/ Detrás del horizonte de las cosas. Más que la frase favorita/ De tu film favorito/ Viviste/ Compusiste/ Cantaste/ Desde la verdad de aquel principio/ “Habiendo tanto amor”/ Cómo vivir de otra manera/ Cómo cantar otra canción/ Cuando el perfume que sos/ Amada magnolia/ Te esparció por los días/ Su laborioso trajín de dualidades/ Y ahora más allá/ Sutil polvo de estrellas/ Cómo no ser un dulce y trascendental aroma/ Cuando hay tanto amor/ Para dar”.
También colaboró con Adrián Iaies, en el maravilloso Cinemateca Finladesa, de 2010. “No tengo muy claro cómo fue la génesis de Cinemateca finlandesa; se me borran algunos detalles de cuándo decidimos hacer el disco, es decir, cuándo fue que con Roxana dijimos: ‘Bueno, ok, hagamos un disco’”, recordó el pianista en una entrevista de hace un lustro. “Sí recuerdo que Roxana ya era una colaboradora mía importante en el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires, porque era la coordinadora del workshop de canto, algo que hizo durante todo el tiempo que el festival estuvo dirigido por mí. Así que hablábamos mucho, teníamos mucho contacto. Yo creo que ya en ese momento había colaborado con ella en un tema de su segundo disco. Yo estaba muy enganchado con un compositor y pianista finlandés que vive en Nueva York que se llama Frank Carlberg, un gran pianista de jazz a quien incluso trajimos al festival en esa época a tocar y a dar unas clases. Frank había hecho un disco con su mujer, Cristina Correa, que fue la primera maestra internacional que tuvo el workshop de jazz vocal (la anterior había sido Roxana). Yo estaba muy enganchado con su forma de armonizar y de pensar los estándares. Había un disco que Frank y Cristina hicieron juntos que a mí me llamaba mucho la atención; me acuerdo de que se lo hice escuchar a Roxana y, de alguna manera, la introduje en ese mundo, en el ‘mundo Carlberg’, que me parece que dio resultado, pues Roxana termina haciendo un disco con Frank. De el nombre de Cinemateca finlandesa. Lo de ‘Cinemateca’ es porque la música estaba pensada desde un lugar bastante visual”.
Iaies explicó también el repertorio del álbum: “El disco gira alrededor de dos compositores muy importantes que yo siempre consideré hermanos, hermanos planetarios: el Cuchi Leguizamón y Thelonious Monk. Gran parte del repertorio del disco pertenece a los dos, y luego hay una tercera pata importante que es Charly García. Creíamos con Roxana que ‘Viernes 3 a.m.’ era el tema más lindo que alguna vez compuso Charly, y hay una versión bastante inusual de ‘Rasguña las piedras’, que pertenece a esa época de Sui Generis que yo he tenido siempre muy presente. Es una música que hoy podría tocar toda, de memoria, de esa primera etapa de Charly con Sui. Creo que hubo un acuerdo no hablado, sino implícito: encarar esa música sin ningún tipo de compromiso nacionalista, sin la idea de pintar ninguna aldea, sino de exponer esas canciones que tranquilamente podrían formar parte de un cancionero popular, del ‘cantate una que sepamos todos’: ‘La arenosa’, ‘Zamba de Lozano’, ‘Zamba de los laureles’… La idea era mostrar o tocar y cantar esa música desde un lugar sin territorio, desde un lugar que estuviera más allá del territorio”.
Amed también musicalizó poemas de Alejandra Pizarnik, justamente con el mencionado Frank Carlberg. Y en 2019 produjo Instantáneas, un álbum de presentaciones en vivo en el estudio, incluida su interpretación de “Blue” de Joni Mitchell. Ya instalada en Estados Unidos, lanzó Ontology (2021) junto a su ensamble liderado por el pianista Martin Bejerano, donde interpretó canciones de Wayne Shorter, Alberto Ginastera, Miles Davis y repertorio original. El álbum tuvo un impacto significativo en la escena internacional de los medios de jazz, recibiendo dos nominaciones a los Premios Latin Grammy -en las categorías de Mejor Álbum de Jazz/Jazz Latino y Mejor Arreglo- y el Premio Gardel a Mejor Álbum de Jazz . Su siguiente trabajo fue Unánime (2022), que contó con la participación de Chucho Valdés, Niño Josele y Pedro Aznar, entre otros distinguidos artistas. En Los trabajos y las noches (2023) abordó otra vez la poesía de Pizarnik, con música original de Carlberg.
En 2025 había sido distinguido por la Fundación Konex con un diploma al mérito. como solista de jazz. Su partida es un duro golpe a la escena jazzística vernácula. Su aporte no fue solo musical, también fue crucial para la unión y la conexión de vocalistas de distintas generaciones, que hoy lloran su partida.
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“¿Cuánto hace que estuvimos allá? ¿Doce años? Dios mío, el tiempo vuela demasiado rápido, loco”. Ante la cámara de su celular, Angelo Moore se impresiona al sacar la cuenta de cuánto tiempo pasó entre la última visita de Fishbone a la Argentina y la próxima, el viernes 30 de octubre en La Trastienda. La reacción tiene sus motivos: aunque la frecuencia de lanzamientos de su material en estudio haya mermado, Moore estuvo lejos de tirar la toalla estos últimos tiempos. Como una fuerza ingobernable, el líder y fundador de Fishbone (y a la fecha, único miembro original) supo mantenerse activo al frente de su banda, en proyectos en paralelo y como invitado de una extensa lista de artistas que va de Jane’s Addiction a Red Hot Chili Peppers pasando por Gwen Stefani, Tokyo Ska Paradise Orchestra y Bad Brains.
Moore -en voz y saxo- fundó Fishbone en 1979, en Los Ángeles, California, junto con sus compañeros de secundaria, y con el pasar del tiempo se volvió un grupo ecléctico y delirante capaz de hacer convivir al ska con el metal, al funk con el reggae y al punk con la música soul. En todo ese tiempo, la banda fue un espacio de militancia política y social, y también una puerta giratoria con músicos que fueron y volvieron aleatoriamente, hasta llegar a esta formación actual, donde conviven integrantes clásicos con nuevas incorporaciones.
Con esta alineación, en 2025 Fishbone grabó Stockholm Syndrome, su primer disco en 19 años, una experiencia que Moore reconoce haber sorteado como un desafío. “Fue bueno poder hacerlo. Algunas de esas canciones pudimos terminarlas con la formación anterior, y otras son composiciones completamente nuevas. Me hizo sentir que estamos realmente bendecidos de poder continuar y sostener esto”, dice antes de su próxima visita porteña.
El show de La Trastienda tendrá una cuota extra, ya que será parte de la gira que celebra los cuarenta años de In Your Face, el álbum debut de Fishbone, la chispa que encendió una llama que continúa encendida cuatro décadas más tarde. “Se siente bien cuando veo que viene toda esa gente a los conciertos. Eso me hace saber que lo que estábamos haciendo con Fishbone siguió hacia un futuro que es este presente, y que a la gente todavía le importa lo suficiente como para venir y experimentarlo”, reflexiona Moore, de 60 años.
¿Esperabas que durara tanto?
¿Si esperaba qué cosa? [risas] No sé, man. Es difícil pensarlo cuando una banda atravesó transiciones con tantos miembros, formaciones y cosas por el estilo. Nunca sé cuándo se va a terminar, cualquier día puede ser el último. Nunca sabés cuándo va a ser ese día así que seguís y seguís hasta que la mierda hace que todo cambie. Más allá de eso, cuando la oportunidad se presente, lo que voy a pensar es que Dios quiso que Fishbone continuara todo este tiempo y transmitiera este mensaje y la magia en la música. Y como esa oportunidad sigue estando ahí, tenemos miembros nuevos, man. Es una lástima que otros hayan elegido irse, pero supongo que así lo quiso el destino, así que ahora hay una formación nueva, junto con un miembro original, Chris (Dowd, tecladista), que se fue por 20 años y ahora volvió, y tenemos a Spacey T, que ya fue parte de las “Special Forces” de Fishbone (la manera en la que Moore se refiere a los integrantes de la banda). Y tenemos a los pibes nuevos, están Hassan (Hurd, batería), James (Jones, bajo) y JS (Williams, trompeta y teclados).
¿Cómo se lleva una formación que es mitad de antiguos músicos y mitad de tipos nuevos?
Es un desafío para mí que estos tipos reinterpreten la música, pero lo hacen muy bien. Pero es un poco distinto a como yo estaba acostumbrado a que fuera, tanto para escucharlo como para tocarlo. Veo a este crecimiento y me parece que está bien, tenemos la chance de crecer una nueva rama o un nuevo árbol, así que eso hace que tengas nuevos frutos, nuevas hojas y cosas por el estilo. Si la gente cambia, la música también. Pasa con esta alineación, la música tiene una interpretación distinta a como era antes. Estamos en llamas, eso te lo puedo asegurar.
Fishbone siempre jugó bajo sus propias reglas. Hicieron un aniversario de su debut, y en vez de hacer una edición aniversario, invitaron a otros artistas de distintos estilos a regrabarlo.
Es un gran disco de karaoke. Es muy lindo ver cómo la gente te aprecia y reinterpreta tu música. Lo pongo y es como escuchar las canciones de In Your Face de una manera más cool. Si esto creen que es mi música, me gusta, es muy loco estar escuchando esas versiones. Tengo que serte honesto, no puedo acordarme el nombre de ninguno de los que participó (se ríe) o quien cantó qué cosa, sólo recuerdo escuchar la música y sorprenderme “wow, esto suena como un tema Fishbone” y luego decir “ah, es uno nuestro” (se ríe). Se adueñaron de las canciones, las hicieron propias, y eso es lo que me gusta de ese disco.
Hablando de aniversarios, este año se van a cumplir tres décadas de su colaboración con Los Fabulosos cadillacs, ¿qué recordás de ese cruce?
“What’s New, Pussycat”, ese es un gran video. Cada vez que pienso en ellos, me acuerdo de ese clip. Los conocíamos desde hacía bastante tiempo, tuvimos la chance de tocar juntos muchas veces, cuando íbamos a Sudamérica o ellos venían para acá. Terminábamos siempre compartiendo cartel y supongo que nuestras músicas comparten un mismo tipo de pasión. Me gusta el hecho de que la música llegue lo más lejos posible y que lo haga más allá de la barrera del lenguaje y de la cultura norteamericana. Me enorgullece que nuestra música sea diversa y llegue a culturas en otros lugares del mundo, su alcance es infinito.
A la par de tu carrera como músico, desarrollaste una faceta como autor y guionista de historietas. ¿Cómo hacés vivir esos dos mundos?
Qué bueno que lo menciones. Tengo libros, cómics y todo tipo de aventuras con Dr. MadVibe’s Underground Railroad.. Tengo este (muestra un libro a la cámara), The Olegna Phenomenon, que es mi libro sobre estudios sociales, y que viene con un audio libro. Tiene un chip ahí que si apoyás tu celular te deja escucharme a mí mimos narrando todo este libro, man. Tiene un montón de fotos, arte, textos y me podés escuchar contándolo todo. Después está este, que lo podés leer desde el principio o el final, y está este otro, este es muy bueno, Ska Du? Au Ska Don’t!, que lo hice para una editorial japonesa. Está lleno de música, viene también con un chip y tiene muchas letras y textos para leer.
El disco tiene canciones muy intensas. La más cargada de todas, “My god is better”, no está disponible en casi ningún lado.
Esa te gustó, ¿eh? Esa canción no salió publicada en Estados Unidos. Es una perlita escondida, una zapada increíble que no está disponible en plataformas, tenés que salir a buscarla. Los servicios de streaming son una mierda, loco, no le pagan un carajo a los artistas. Es una cosa de la industria musical que cambió al punto en el que todas estas plataformas tienen a los artistas agarrados de las bolas o de los pelos de la concha, porque ofrecen una disponibilidad bastante amplia para la gente. No le pagan a los artistas casi nada de lo que recaudan, pero todos quieren ser vistos y escuchados, entonces deciden sacrificarse y dicen “bueno, mientras mi música esté ahí no me importa que no me paguen”. Pero tenés artistas y músicos que dependen de la plata para pagar su alquiler, sus gastos y demás, y por eso siempre priorizo a las presentaciones en vivo. El streaming va a seguir estando ahí, con Fishbone tenemos bastantes reproducciones, pero la manera en la que podés apoyar a tus artistas favoritos es yendo a verlos en vivo cuando van a tocar en tu ciudad.
El disco también tiene un tema de denuncia que fue censurado, “Racist Piece of Shit”.
Es buena esa , bien picante (se ríe). Es tan estúpido que el racismo sea todavía un tema de discusión en 2026, pero tenés que señalarlo con el dedo porque es el cáncer de la Tierra, de nuestra sociedad, es una enfermedad. Es algo tan innecesario, pero al mismo tiempo está acá. La gente inteligente debería saber que el racismo no funciona y no conduce a nada, pero no todo el mundo es así, y por eso es que nos sentimos interpelados a escribir un tema como ese y publicarlo.
Es un disco muy político, hay otros temas como “Secret Police” y “Last Call in America”… Es como que las cosas que te hacían enojar hace 40 años volvieron a estar presentes.
Las políticas de derecha eran una mierda hace 30 años y ahora parecen haber pegado la vuelta, y eso es porque Trump está en el poder, y él está haciendo cagadas. Hizo retroceder a la mentalidad de todo un país. Cuando veo cosas así, me encargo de tener a mi arte, a mi música en las puntas de mis dedos. ¿Cómo era el nombre del presidente de ustedes?
Milei.
Siempre están los hijos de puta que quieren arruinar todo. Por eso mismo agradezco tener a mi música y mi arte para poder expresar lo que siento, y con un poco de suerte ilumine, de un poco de perspectiva y educación. Son tiempos difíciles y para eso mismo tenemos la música. Pueden ser tiempos de mierda, pero acá viene la parte buena: cuando venís al show y escuchás música te soltás, podés escaparte un rato, bailar y disfrutar lo que Fishbone te da. Las cosas para disfrutar son mejor en sociedad, y cada vez son menos. Todavía tenemos a la música y al entretenimiento, y por suerte tenemos una con un mensaje que inspira y educa, que podemos llevarle a todos para que puedan estar contentos, porque hay mucha mierda dando vueltas. Cuando veo las noticias, no paro de decir “La puta madre, ¿esto es en serio?”. Es tan ridículo, está todo jodido y al mismo tiempo es un entretenimiento que la gente no puede dejar de mirar. Y el mensaje y el motivo detrás de todo esto que está pasando es horrible, es una mierda oscurísima. No tenemos que acostumbrarnos nunca a eso, man.
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