La edición 2026 de los ZYN Premios ROLLING STONE en Español, la gala dedicada a celebrar lo mejor del entretenimiento y la cultura popular en español, se llevará a cabo en Ciudad de México el 25 y 26 de noviembre de 2026, reuniendo a de las figuras más destacadas de la música, el cine, la televisión, entretenimiento y la cultura hispana. La ceremonia contará con presentaciones estelares de música en vivo y será conducida por un grupo de anfitriones que se anunciará próximamente.
Este año, el evento llevará el nombre de ZYN Premios ROLLING STONE en Español, como parte de la colaboración entre la publicación y ZYN, la marca insignia de bolsas de nicotina de Philip Morris International (PMI), para celebrar la creatividad, la originalidad y a los creadores que impulsan la cultura.
Los escenarios de ROLLING STONE en Español, a través de encuentros como los Premios ROLLING STONE, Future of Music, Musicians on Musicians y ROLLING STONE Live, han recibido presentaciones inolvidables de artistas como Fito Páez, Juanes, Guitarricadelafuente, Álvaro Díaz, Tainy, Natalia Lafourcade, Pedro Capó, Humbe, Kevin Kaarl, Kany García, Ozuna, Christian Nodal, Ivy Queen, Tiago PZK, Carín León, Reik, Silvana Estrada, Elena Rose y Villano Antillano, entre muchos otros.
Más allá de las presentaciones musicales, la ceremonia también reunió a reconocidas personalidades del cine, la televisión y la industria del entretenimiento. Entre los invitados y presentadores estuvieron Manuel Medrano, Jaime Camil, Beatriz Luengo, Yotuel, Zuria Vega y Jessy Terrero, consolidando una celebración que trasciende la música para convertirse en un espacio de encuentro para distintas disciplinas creativas.
En dos noches de celebración consecutivas, 500 invitados se reunirán para celebrar a los talentos más importantes de la cultura hispana. La cobertura de ROLLING STONE en Español, a través de sus plataformas impresa y digital, así como de sus redes sociales, permitirá que las audiencias de toda la región sigan los momentos más relevantes de la ceremonia.
La edición de 2026 contará con el apoyo de ZYN, que ofrece a los consumidores adultos una alternativa sin humo ni tabaco, disponible en distintos sabores. Esta alianza da continuidad a la colaboración global entre PMI y Rolling Stone.
Diego Ortiz, CEO de ROLLING STONE en Español, señaló: “La gala de los ZYN Premios ROLLING STONE en Español, que celebra lo mejor de la cultura hispana, es uno de los momentos más relevantes del año para nuestra industria. Nuestro propósito es reconocer, celebrar y dar visibilidad a lo mejor de nuestra cultura, con una edición 2026 más grande, ambiciosa y potente”.
“En ZYN creemos que la música y la cultura tienen el poder de conectar a las personas, inspirar nuevas ideas y generar conversaciones significativas. Nuestra colaboración con Rolling Stone en Español refleja una visión compartida de celebrar la creatividad, al tiempo que nos permite acercarnos a consumidores adultos a través de las pasiones que los definen de una manera auténtica”, dijo Leonardo de Alencar, Vicepresidente de Productos Libre de Humo para PMI en México
Las categorías y nominaciones de los ZYN Premios ROLLING STONE en Español se anunciarán próximamente. La premiación ampliará la cantidad de categorías para la edición de 2026, aumentando también la cantidad de nominados. Los ganadores se darán a conocer durante la ceremonia y serán celebrados en una edición especial de ROLLING STONE en Español dedicada a los premios, que estará disponible a partir del 7 de diciembre de 2026.
Para conocer los próximos anuncios, las categorías, nominaciones y todos los detalles de los ZYN Premios ROLLING STONE en Español 2026, visita la página oficial y sigue las redes sociales de ROLLING STONE en Español, México, Colombia y España
Las bolsas de nicotina ZYN no están exentas de riesgo y contienen nicotina, una sustancia adictiva. Su uso es exclusivo para adultos.
Para conocer más sobre ZYN visita www.zyn.com/mx
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Pampas lisérgicas, el último álbum de estudio con canciones originales de Los Guarros, cumple treinta años y la banda que lideraron Javier Calamaro y el Daniel “Gitano” Herrera entre 1988 y 1996 vuelve para celebrar el aniversario con un show este sábado 5, en The Roxy Live. “Estamos con ganas de reinsertar a la banda otra vez de manera más seria. Hace diez años nos reunimos y venimos haciendo shows esporádicos, pero ahora queremos ir un poco más allá. De hecho, estamos grabando un disco, pero no me dejan decir mucho de eso”, cuenta el Gitano, guitarrista estrella radicado en Estados Unidos desde hace la misma cantidad de años de aquella última grabación del grupo (en rigor, en 2017 editaron 7, un disco con versiones de sus viejos éxitos y apenas un par de temas inéditos).
“Me sentía defraudado por la compañía discográfica, por cómo nos trataban y por cómo habían tratado a Pampas lisérgicas, que es mi disco favorito de Los Guarros, en todo sentido. Me acuerdo de que nos llamaron para una reunión con el director artístico de la compañía y el tipo nos dijo que las letras no iban a pegar, que no sé qué de los estribillos. Yo ahí le dije: ‘Man, parece que la tenés reclara, por qué no te armás una banda y me dejás con la mía tranquilo’. Ahí, literalmente, me levanté y me saqué un pasaje a Miami y me fui”, dice apenas unas horas antes de tomarse, ahora, un avión en sentido contrario: Miami-Buenos Aires.
En estas tres décadas, el Gitano vivíó en Miami, en Los Ángeles, en Nueva York y en Nashville. “Tuve bandas, y todavía tengo proyectdos, en todas las ciudades”, asegura el guitarrista. “Ahora voy para tocar con Los Guarros, pero después me vuelvo para tocar con un pibe que es buenísimo, Taylor McCall. Tiene veintipico de años, hace una cosa medio americana, country, oscuro y Robert Plant lo escuchó y se lo llevó como telonero en sus últimas giras europeas. Escribo bastante con él y toca que es un animal”.
A la distancia, el Gitano hoy rescata aquella escena rockera de fines de los años 80, que llegaba para sumar nuevos sonidos al clásico rock argentino de los pioneros. “Desde fines de los 80 hasta la mitad de los 90 tenías una diversidad de bandas impresionantes, de cualquier estilo: Los Pericos, Ratones Paranoicos, Rata Blanca, los Cadillacs, Los Guarros. Fue una época extremadamente creativa para la música en Argentina”, asegura quien por aquel entonces, antes de formar Los Guarros, llegó a reemplazar a Gamexane ocasionalmente en los primeros pasos de Todos Tus Muertos (“en esa época vivía en un departamento con Félix –Gutiérrez-, el bajista”).
En esos días de ebullición de la escena local, Javier Calamaro y el Gitano construyeron los cimientos de Los Guarros. “A Javier lo conocí en la casa de una amiga. Yo era chico, tendría 23 años, y era bastante liero y medio que me habían rajado de mi casa y el que me rescató un día fue el grandísimo Miguel Zavaleta (N.d.R.: la charla con el guitarrista fue dos días antes de la muerte del líder de Sueter), que sin conocerme mucho me ofreció su casa para que viviera con él, en Puente Saavedra. Entonces nos conocimos con Javier y charlamos toda la noche y él se ofreció a llevarme con su auto a lo de Miguel. Ahí le mandé una sanata de lo que veía, mi visión de lo que quería hacer, y él me dijo que le gustaba la idea, pero todavía estaba con El Corte y con Frapé. Poco tiempo después, dejó las dos bandas y me llamó. Él tenía un demo con tres canciones: ‘Vamos a rezar”, ‘Para bendecirte’ y otra más. Me encantaron y les faltaban las violas, que era lo que yo quería traer”.
¿Y cuál era la visión de la música que tenías para Los Guarros?
En esa época estaba muy copado con P.I.L., la banda de John Lydon. Yo quería armar un grupo que tuviera todo muy fuerte, con las violas al frente y la escritura de Javier, que era bastante punk, sobretodo en esa época. Porque un tema como “Vamos a rezar”, para 1988, era fuerte. Veníamos de lugares muy distintos, pero creo que nos encontrábamos en el medio y el resultado fue buenísimo. Mirando para atrás, me parece que no fue una buena decisión artística cuando nos fuimos demasiado al rock, dejando los otros elementos afuera.
Perdieron la cosa más latina y de percusión, ¿no?
Claro, y aparte de la percusión, también estaba el sonido de brasses, que en esa época eran sampleados. Estábamos recopados con James Brown y la banda tenía mucho swing y las violas bien al frente. Yo toqué en Nashville, en 2009, con un tipo llamado Hugh Mitchell y uno de los violeros, Leroy Powell, que venía de tocar con Kid Rock. Un día le mostré Prostitución y vagancia, el primer disco de Los Guarros y le llamó la atención la primera canción, que es medio un rap, y me preguntó cuándo la habíamos grabado. “En 1988”, le conté. Entonces se rio y me dijo: “Kid Rock siempre dice que inventó el rap-rock, pero no, fueron ustedes”.
Tiempo atrás, Javier Calamaro contó que en un momento fueron a buscar a Luca Prodan para convencerlo de que fuese el cantante de Los Guarros, ¿cómo fue eso?
Sí, estábamos recién grabando los demos de la banda y Javier no quería ser el cantante. Él fue el que insistió: ‘El cantante tiene que ser Luca’. Y un día fuimos a su casa, en San Telmo, y le mostramos unos demos, poco antes de su muerte. A Luca le encantó, pero bueno, después pasó lo que pasó. Él era “el” guarro, ja… Me acuerdo de que en un momento nos dijo: “Voy a hacer las compras y vuelvo”. Y me mostró un papel con la lista del supermercado: “1 leche, 1 yogur, 3 ginebras”, ja, ja, ja… Después también probamos con Juanse. Yo ya lo conocía, porque a veces tocaba con una banda que se llamaba La Tribu de los Cristianos, medio dark, y habíamos tocado un par de fechas con los Ratones en Cemento. Vino, cantó y estaba buenísimo, a mí me encantaban los temas que teníamos con su voz.
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Han pasado quince años desde que Alabama Shakes lanzó su EP de debut, el cual catapultó a esta banda sureña de pueblo pequeño a unos años de estrellato inesperado. La música inicial del grupo era de estética lo-fi y aire vintage, con el toque justo de estilo twee para convertir a estos rockeros de garaje —de espíritu combativo y desenfadado— en un emblema de la cultura hipster asociada a Urban Outfitters a mediados de la década de los 2000. Brittany Howard, vocalista y carismática líder de la banda, ha pasado gran parte de la última década desmintiendo esa imagen. Con el audaz segundo álbum del grupo, Sound + Color (2015), y sus posteriores trabajos en solitario, Howard se ha consolidado no tanto como una artista dedicada a revivir el pasado —etiqueta que se le colgó a su banda—, sino más bien como una figura a la altura de Prince: impredecible, en constante búsqueda creativa y ajena a las convenciones de género musical.
Ahora, Howard ha regresado a la banda que impulsó su carrera. ¿Qué mejor manera de ejemplificar su continua metamorfosis artística que aplicar esa filosofía a la agrupación que la mayoría de la gente todavía asocia con ‘Hold On’? I Must Be Dreaming, el tercer álbum de Alabama Shakes —y el primero en más de una década—, supone un reencuentro sorprendente y bienvenido que revela facetas totalmente nuevas de este grupo emergente, sin abandonar nunca aquello que hizo tan apasionantes sus primeros discos. Se trata, entre otras cosas, de un álbum maduro, tanto en lo musical como en lo narrativo: hay canciones sobre una nostalgia teñida de pesar y una esperanza conquistada con esfuerzo, temas sobre la desintegración del país y otros sobre, bueno, regar jardines. Algunas canciones (‘Garden’) suenan como si hubieran sido compuestas antes de la Segunda Guerra Mundial; otras (‘Tea Time’) se perciben como proyecciones astrales surgidas del paisaje afrofuturista que Howard ha venido explorando en su carrera en solitario.
Reunidos como trío, Howard, el bajista Zack Cockrell y el guitarrista Heath Fogg suenan revitalizados. ‘Another Life’ es una pieza épica de chamber-soul que destaca por una interpretación vocal de Howard acrobática y emotiva, un bajo sutil de Cockrell acompañado de congas y glockenspiel, y un solo penetrante —basado mayormente en una sola nota— a cargo de Howard. El tema suena, a la vez, diferente a todo lo que la banda había hecho antes y como algo a lo que cabría esperar que hubieran llegado con el tiempo si hubieran seguido publicando discos inmediatamente después de Sound + Color.
Tras haberse consolidado tan firmemente como solista en los últimos años, resulta casi sorprendente percibir la naturalidad con la que Howard explora nuevos sonidos, arropada por la confianza que le brindan sus colaboradores de siempre. Algunas canciones se apoyan por completo en la calidez constante de la instrumentación de sus compañeros: está el piano eléctrico de Ben Tanner —teclista que acompaña a la banda desde hace mucho tiempo—, que marca el tono de ‘Waist Deep’, uno de los temas más destacados del álbum (‘Is all this hard stuff behind me?’, canta Howard). También está la forma en que el juego de bajos de Cockrell y Fogg en ‘American Dream’ —con sus líneas que avanzan sigilosamente— narra la historia de alienación y agitación política con mayor elocuencia que la propia letra de Howard, basada en asociaciones de ideas (el bajo melódico de Cockrell, con una mezcla que lo sitúa en primer plano, funciona casi como un instrumento solista en este disco). Y luego está la pieza central, ‘I Feel Hope Coming’, que transita por diversos géneros y sonoridades —desde el soul al estilo de Curtis Mayfield y los estándares de mediados de siglo hasta la psicodelia de los años 60— sin que el oyente perciba ni un solo sobresalto en el recorrido.
Que Howard no haya sonado tan cómoda —y tan auténticamente ella misma— en años no solo resulta conmovedor; también demuestra que esta banda sigue siendo una de las formas más eficaces de transmitir la mezcla de rock, soul, funk y pop que ella lleva en la cabeza. En ‘Tied To You’, el tema que cierra el álbum —una de las varias canciones sobre el remordimiento amoroso y los “qué hubiera pasado si…”—, Howard reflexiona sobre el pasado y contempla un vínculo duradero. “There’s no going back/Whatever that was”, canta, aparentemente refiriéndose a una pareja importante. Sin embargo, por momentos da la sensación de que también podría estar dedicando esta oda a su banda: “I’m tied to your horse”.
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El pasado 27 de agosto, a través de su cuenta de Instagram, Britney Spears recordó a Shakira y uno de los encuentros que ambas tuvieron durante los primeros años de sus carreras.
“Recuerdo que, cuando llegué por primera vez a Los Ángeles, siempre sentía que era la persona más joven y pequeña. Entonces conocí a Shakira y era exactamente de mi estatura. Éramos literalmente gemelas. Fue una locura”, relató la princesa del pop en el post, que fue eliminado poco después.
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El encuentro ocurrió a comienzos de los años 2000, cuando las carreras de ambas comenzaban a tomar dimensiones internacionales. Para entonces, Britney ya se había convertido en uno de los principales rostros del pop gracias al éxito de ‘…Baby One More Time’ y ‘Oops!… I Did It Again’. Shakira, mientras tanto, estaba dando uno de los pasos más importantes de su carrera: conquistar al público angloparlante.
La colombiana había alcanzado el éxito internacional con sus primeros trabajos en español, pero en 2001 lanzó Laundry Service, su primer álbum mayoritariamente en inglés. El disco incluía ‘Whenever, Wherever’, canción durante cuyo rodaje Spears conoció a la colombiana.
“Conocí a Shakira durante el rodaje de ‘Whenever, Wherever’. Llevaba esas trenzas increíbles y el pelo lleno de colores. Yo acababa de despertar de una siesta mientras iba allí en el coche, y ella acababa de despertarse de una siesta en su remolque”, cuenta Britney.
Más allá de las circunstancias de aquel encuentro, Britney encontró en Shakira algo que hasta entonces le había resultado difícil en Hollywood: alguien con quien podía sentirse a la misma altura, literalmente. Ambas eran jóvenes, atravesaban un momento de enorme exposición mediática y estaban construyendo sus carreras mientras intentaban encontrar su lugar en una industria que podía resultar abrumadora. Para Spears, aquella coincidencia tuvo un efecto inesperado: “Por fin me sentí normal”.
Su encuentro quedó además registrado en una de las portadas más recordadas de ROLLING STONE. En 2002, Spears y Shakira aparecieron juntas en la revista estadounidense junto a Mary J. Blige, reuniendo en una misma imagen a tres de las principales figuras femeninas de la música de comienzos de siglo.
La fotografía adquirió una nueva dimensión años después. En 2017, Britney publicó en Instagram aquella portada para recordar su encuentro con Mary J. Blige y felicitarla por el lanzamiento de su álbum Strength of a Woman. Sin embargo, en el mensaje no mencionó a Shakira, quien también aparecía en la fotografía. La publicación generó entonces reacciones entre los seguidores de la colombiana, que cuestionaron que Spears no hiciera referencia a ella.
Más de dos décadas después de aquel encuentro, el recuerdo de Shakira permanece para Spears como una anécdota aparentemente sencilla, pero significativa: en medio de uno de los momentos más intensos de su carrera, encontró en otra estrella del pop una inesperada sensación de familiaridad.
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Miguel Zavaleta, fundador y líder de Suéter, murió este lunes a los 71 años luego de atravesar un cáncer. La noticia fue confirmada por colegas y amigos cercanos, entre ellos Hilda Lizarazu y el periodista Sergio Marchi, quien lo definió como un “tipo muy genial y divertido” y una de las figuras que mejor encarnó el espíritu de aquellos “locos años 80”.
Con una carrera que atravesó más de cuatro décadas, Zavaleta fue una pieza clave de la renovación que transformó al rock argentino durante los últimos años de la dictadura y los primeros tiempos de la democracia. Antes de liderar Suéter, había integrado el grupo de rock progresivo Bubu y participado de la efervescente escena underground que reunió a futuros integrantes de Los Abuelos de la Nada, Los Twist y otras bandas que marcarían una época.
Suéter nació en 1981, con Zavaleta al frente en voz y teclados. Desde allí construyó una identidad que mezclaba new wave, pop y rock con una dosis de ironía y sofisticación poco común para aquellos años. La banda dejó clásicos como “Amanece en la ruta“, una de las canciones más perdurables del repertorio nacional, además de versiones emblemáticas como “Jugo de tomate frío“, reinterpretada junto a Charly García.
En una entrevista con Rolling Stone realizada años atrás con motivo de la edición física de su disco solista No lo sé, suerte, quizás, Zavaleta se definía a sí mismo antes que nada como un artista. “Yo tengo mi propio show desde los cuatro años”, recordaba entre risas.
“La gente se reía y yo lo sabía, porque era ridículo. Eso significa que nací para el escenario. Es lo único que sé hacer, en el único lugar en el mundo donde me siento cómodo y seguro”, dijo.
Zabaleta era un músico talentoso pero reacio a la solemnidad, capaz de hablar de composición, de música clásica o de jazz con la misma naturalidad con la que hacía un chiste sobre sí mismo. “Ni yo mismo lo puedo creer ahora”, decía al recordar sus comienzos como compositor autodidacta. “Me sorprende lo que hice apilando dedos y sacando melodías, porque en mi cabeza, sobre todo, hay ruido e imágenes de chicas en bikini. No es que suene ‘Tristán e Isolda’”.
Aunque muchas veces quedó asociado al clima festivo de los años 80, Zavaleta tenía una formación musical mucho más amplia. Sobrino del legendario pianista de jazz Enrique “Mono” Villegas, de joven renegó de ese género para abrazar el rock. Con el tiempo, sin embargo, terminó enamorándose de esa música. “Hoy estudié, y toco cuatro o cinco horas de standards por día”, contaba en aquella conversación.
Su recorrido también estuvo atravesado por figuras centrales de la música argentina. Charly García produjo uno de los discos más importantes de Suéter y fue quien impulsó la idea de transformar un tema inconcluso en la célebre versión de “Jugo de tomate frío”. “A la gente le encantó”, recordaba Zavaleta. “Igual, le pedí perdón a Javier Martínez, y me dijo que estaba todo bien”.
En los últimos años seguía activo, tanto como solista como junto a distintas encarnaciones de Suéter. También mantenía intacta su curiosidad por las nuevas generaciones. En la misma entrevista celebraba haber compartido escenario con Goyo Degano, de Bandalos Chinos, una banda que consideraba entre las más elegantes surgidas en el país durante las últimas décadas.
Quizás una de las frases que mejor definan el legado de Zavaleta sea la que utilizó al recordar aquellos años fundacionales del rock argentino. Al visitar una muestra del Museo Histórico Nacional dedicada a la escena de los 80, reflexionó sobre haber formado parte de una generación irrepetible junto a amigos como Fabiana Cantilo, Hilda Lizarazu, Daniel Melingo y Cachorro López. “Por una vez en la vida tuve la suerte de estar en el lugar correcto en el momento indicado”, dijo entonces.
Y agregó, con el humor que nunca abandonó: “Si yo hubiera transformado en plata todo lo que me reí, sería George Soros“.
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