Kavinsky, el DJ y productor francés de música house —cuyas colaboraciones con The Weeknd y Phoenix fueron éxitos mundiales y cuyo tema «Nightcall» aportó una estética elegante y distante a la película Drive—, fue hallado sin vida en su domicilio de París el martes por la tarde, según informó Reuters. El músico, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, tenía 50 años.
«Se ha abierto una investigación para determinar las causas y circunstancias del fallecimiento, ya que los equipos de emergencia no hallaron elementos sospechosos en el lugar de los hechos», declaró la Fiscalía de París.
El presidente francés, Emmanuel Macron, rindió homenaje a Kavinsky en las redes sociales con el mensaje: «Kavinsky, orgullo francés para siempre». Por su parte, la ministra de Cultura de Francia, Catherine Pégard, calificó al artista en redes sociales como «una de las voces más singulares del país», añadiendo: «Su música seguirá resonando a través de generaciones y fronteras».
Kavinsky, nacido en Seine-Saint-Denis en 1975, comenzó su trayectoria profesional en el mundo de la actuación. Según Allmusic, se adentró en la música inspirándose en los videojuegos de 16 bits, el house francés y las bandas sonoras de estilo synthwave. Sus inicios musicales se fraguaron gracias a un ordenador Apple desechado —que le regaló el productor Mr. Oizo y que ya incluía el software necesario— y a través del cual empezó a experimentar. Creó el personaje de Kavinsky, dotándolo de una historia de fondo ficticia: el personaje había sufrido un accidente con su Testarossa en 1986 y había resucitado dos décadas más tarde convertido en zombi para dedicarse a la música. Su primer lanzamiento, 1986, se grabó íntegramente utilizando un sintetizador clásico Yamaha DX7.
«Kavinsky es un personaje que creé porque poner mi propia cara en la portada de un disco no es algo que encaje conmigo», declaró en 2007. «Mostrar mi rostro no me interesa en absoluto. Prefiero hacer música y contar una historia, ya que para mí la música está ligada a las imágenes. Cuando compongo, visualizo películas y programas de televisión que me gustaban de pequeño. Por eso ideé esta historia que mezcla todos esos recuerdos».
Aunque había publicado varios EP y sencillos desde 2006 e incluso había salido de gira con Daft Punk, no alcanzó la fama masiva hasta que la película Drive (2011) —protagonizada por Ryan Gosling en el papel de un especialista de cine reconvertido en conductor de fugas— catapultó al éxito el tema «Nightcall». El sencillo se situó entre los diez primeros puestos de las listas en Francia, donde obtuvo la certificación de disco de diamante, y se convirtió en un éxito del pop comercial en el Reino Unido, donde fue certificado como disco de oro.
La canción «Nightcall» tenía su propia historia de fondo. «Un tipo zombi tiene novia antes de morir y ella es la única persona que lo conocía de antes», explicó en 2011. «”Nightcall” trata simplemente de ese zombi que va a casa de su novia y le dice: “Vale, ya no soy el mismo, tenemos que hablar”. Pero ella ya tiene un nuevo novio e hijos; su vida ha cambiado y ya no quiere vivir con él porque tiene un aspecto jodidamente malo. Es decir, es… uf, feo, muy feo, y como está muerto, se siente melancólico. El tipo siente remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto y tiene un aspecto terrible».
El primer álbum de larga duración de Kavinsky, OutRun (2013) —que incluía «Nightcall»—, le reportó mayor éxito en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto 156 de la lista Billboard 200 y el quinto lugar en la lista de música dance. El sencillo de 2013 «Odd Look», que inicialmente contaba con la colaboración de SebastiAn, fue un éxito en Francia, mientras que otra versión de la canción junto a The Weeknd llegó al puesto 46 de la lista de música dance estadounidense. Varias canciones de Kavinsky también tuvieron una segunda vida gracias a las bandas sonoras de videojuegos.
Una reedición de «Nightcall» en 2024, que contó con la participación de Phoenix y Angèle, coincidió con la actuación de Kavinsky junto a dichos artistas en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París de ese mismo año. Rolling Stone clasificó la actuación general de Phoenix como la octava mejor actuación musical de la historia de los Juegos Olímpicos.
Su objetivo, desde el principio, era simplemente que la gente se divirtiera escuchando su música. «Creo que ya hay demasiada gente que se toma su música demasiado en serio», dijo en la entrevista de 2007. «No va con mi naturaleza ser una persona seria; no soy así en mi vida cotidiana, así que me sentiría mal presentándome ante el público como un artista serio. No sería auténtico».
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A casi dos meses de la partida del Indio Solari, se inaugura Graciosos y valientes, una muestra colectiva de fotografías de grandes dimensiones que retratan la despedida al cantante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en la galería a cielo abierto de la Plaza Ucrania, Av. Belgrano y Arenales, en la ciudad de Avellaneda. La cita es este miércoles, 29 de julio, a las 16.30.
La exposición consta de 24 fotografías que permiten observar las microhistorias por detras de la apabullante muestra de cariño que generó el funeral, uno de los más convocantes en la historia argentina.
La curaduría tuvio dos premisas claras: que los autores fueran fotógrafos locales [de Avellaneda] y que las imágenes hubieran sido tomadas exclusivamente durante el día de la despedida del Indio, a excepción de la foto de portada, del reconocido Fabián Resakka, que es una instantánea del cantante sobre el escenario. Los fotógrafos involucrados son Yulian Martínez, Leo Patti, Nicolás Rubinetti, las tomas aéreas del dron de Luciano Espósito y Lucio Saralegui, junto a aportes de fotógrafos del Instituto Municipal de Arte Fotográfico y Técnicas Audiovisuales (IMDafta).
“La muestra surge por iniciativa de los propios fotógrafos del municipio —nuestro cuerpo oficial que retrata la gestión de nuestra actual intendenta, ex jefa de gabinete, Magdalena Sierra—. Tras haber cubierto este hecho histórico, los compañeros se acercaron con la inquietud de hacer algo con el excelente material fotográfico que tenían. A partir de allí, se nos ocurrió renovar la propuesta de la Plaza Ucrania” explica Iñaki Echeverria, Subsecretario de Estrategia y Planificación Comunicacional de la Municipalidad de Avellaneda. “Elegimos ese lugar porque contamos con una galería de arte a cielo abierto ya existente: una estructura de 13 carteles bifaz retroiluminados que nos brinda 26 posiciones de exhibición. Lo que hicimos fue poner en valor esa cartelería, reacondicionar la iluminación, repintar las estructuras y arreglar el aluminio para montar la exposición sobre ese soporte”.
Echeverría destaca el caracter colectivo del proyecto. “Imprimimos las copias pequeñas sobre una mesa y, junto a la diseñadora Tania Sitkov —quien se encargó del retoque de color y de unificar el criterio estético—, fuimos curando y debatiendo la selección. Así armamos un relato visual muy enfocado en la gente y en el público, sumado a algunas postales del interior del predio”.
Echeverría suena exultante: “Para el municipio fue un verdadero orgullo haber sido sede y parte de la organización de la despedida del Indio, en un trabajo conjunto entre el Ministerio de Seguridad de la Provincia de Buenos Aires y la productora contratada. Haber albergado semejante hito histórico solo se puede definir con esa palabra: orgullo”, celebra. “Pero además, es una satisfacción enorme que todo haya salido impecable, frente a todos los pronósticos derrotistas y cargados de mitos o resentimiento que auguraban que esto iba a salir mal, que no se podía organizar o que el público ricotero era conflictivo. Ocurrió todo lo contrario: fue una auténtica misa familiar, pacífica y con un respeto absoluto por la ciudad y entre la misma gente, que tuvo la paciencia infinita de hacer horas de cola, incluso bajo la lluvia. Fue una demostración concreta de que, cuando nos organizamos, se pueden gestionar eventos de millones de personas y hacer las cosas bien”, desarrolla el funcionario.
El texto curatorial señala: “Estas imágenes no pretenden documentar un hecho aislado,sino rastrear los ecos de una identidad compartida. En cada rostro, en cada trapo, en cada abrazo, en cada llanto, en cada uno de los miles y miles que se acercaron a esta casa al sur del conurbano, habita la confirmación de que no estamos solos. Avellaneda, con su historia de lucha y resistencia, se convierte por un instante en refugio de una épica donde el Indio funciona como un faro, un punto de encuentro para aquellos que encontramos en sus versos la crónica de nuestra propia vida. Esta muestra es un testimonio de esa fé, de esa comunión constante. Es una invitación a mirar de cerca cómo, en el ritual del encuentro, la comunidad transmuta su soledad en una fuerza colectiva capaz de detener el reloj, aunque sea por un momento, para recordarnos quiénes somos y a dónde pertenecemos”.
La muestra no está pensada como un hecho aislado. En paralelo, a una cuadra de la Plaza Ucrania, la Clínica de Arte Público, que dicta un taller gratuito de mosaicismo en el Refugio del Arte para vecinas y vecinos de la ciudad, está montando un mural gigante en el bajopuente de la Avenida Belgrano y Paso. Se trata de un retrato del Indio trabajado en mosaicismo y venecitas, flanqueado por su logo solista de un lado y el de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota del otro. “Estimamos que se estará instalando en los próximos 15 días, sumándose a otros murales que venimos desplegando por toda la ciudad”, concluye Echeverria.
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OCESA, la empresa de entretenimiento en vivo líder en México, pone en acción sus planes para realizar eventos que permiten una experiencia segura, amena y sostenible junto a Harry Styles en su residencia de 6 conciertos en Ciudad de México.
Históricamente, la industria de los viajes y los eventos se basa en muchas prácticas que perjudican tanto al medio ambiente como al consumidor. Según Christopher Pleydell, un profesional con más de 35 años de experiencia en el sector de cultura y eventos en vivo, afirma que uno de estos eventos emite alrededor de 117 toneladas de dióxido de carbono, la industria produce aproximadamente 550 millones de toneladas de basura y consume más de 120 mil millones de litros de petróleo al año. Además, sucesos de deshidratación, la falta de medidas para acoger a fanáticos con discapacidades y el desafío logístico del transporte de ida y vuelta, constituyen problemáticas que arruinan la experiencia para muchos que buscan apoyar a sus artistas favoritos.
Frente a estos desafíos, se realizaron ajustes para mejorar el impacto ambiental y la experiencia de todos los que atenderán a la residencia en el Estadio GNP Seguros. Durante los conciertos, los asistentes encontrarán estaciones gratuitas de hidratación y podrán ingresar con botellas reutilizables. Se ofrecerán opciones de alimentos basados en plantas distribuidas en todo el recinto, utensilios degradables y reciclables, alternativas de movilidad como Ticket2Ride, estacionamiento para bicicletas y transporte público, además de espacios como la Zona de Padres y otras acciones orientadas a fortalecer la accesibilidad y el bienestar de los asistentes.
Gracias a la renovación del estadio en 2024, se adaptó el espacio para manejar recursos de manera eficiente, incorporó infraestructura orientada a un uso más eficiente de los recursos, incluyendo sanitarios de bajo consumo, mingitorios secos y una cubierta de más de 13,000 m² que sirve para proteger al fan del sol y lluvia.
Estos esfuerzos se complementan con iniciativas implementadas en otros recintos del grupo, como la planta de tratamiento de agua de Centro Banamex, los sistemas de iluminación LED y soluciones de energía solar en el Autódromo Hermanos Rodríguez, así como programas permanentes de eficiencia hídrica y energética en el Palacio de los Deportes.
Este compromiso hace parte de una estrategia transversal. Dicho modelo busca producir espectáculos desde 5 grandes ejes: infraestructura preparada para el futuro que aproveche los recursos y fortalezca la eficiencia operativa, economía circular centrada en el reciclaje, compostaje, eliminación de plásticos de un solo uso; innovación tecnológica para optimizar la operación de eventos, generar alternativas de movilidad y vivienda para contribuir a operaciones más eficientes que permiten aprovechar el tiempo sobre el escenario y entretenimiento incluyente para que todos, sin excepciones, puedan disfrutar del acto (este último eje se hace realidad mediante la iniciativa VIBRA, que trae intérpretes de lengua de señas mexicana y chalecos sensoriales; y Anfitrión Incluyente, un programa de acompañamiento personalizados para aquellas personas con discapacidades).
OCESA contribuye a la transformación de la industria de la música en vivo para consolidar a México como un mercado relevante para giras y un referente de prácticas sostenibles para la producción responsable de eventos. Por eso adapta estándares internacionales como la certificación ISO 20121. Todo para mejorar la experiencia de aquellos que buscan disfrutar del show de su artista favorito.
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Tras el enigmático anuncio de “28.07.2026” en la proyección de la película under the fabric de Fred again.. y LATIN MAFIA en la Ciudad de México, un documental de 35 minutos que documenta una sesión creativa entre las mentes creativas, se mostró la fecha para mantener a sus fans comiéndose las uñas.
Hoy se responde a la expectativa que se sembró aquel 11 de diciembre de 2025. La transmisión de YouTube continuará hasta que quede lista la mixtape. Esto hace pare de la estrategia de los artistas para explorar nuevas maneras de conectar, compartir y experimentar en el proceso de creación musical. Además, constituye un vistazo único que muchos en la industria prefieren que se mantenga bajo llave.
Mira la transmisión, chatea con otros fanáticos y presencia el auténtico proceso creativo detrás de la música que atrajo a tantos alrededor del mundo mientras se mezcla, corrige y cobra vida en un espacio con vista al agua adornado de escaleras, equipos de sonido y teclados. No pierdas esta oportunidad de formar parte de este histórico momento de la innovación en la interacción con fans y la producción sonora.
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Durante más de una década, Charli xcx fue un arma secreta, una experimentalista audaz, una diarista sincera y (con el debido respeto a Chappell Roan) la artista favorita de tu artista favorito. Pero no era, exactamente, una estrella del pop: de esas que llenan estadios, aparecen en portadas de revistas, actúan en los Grammy y tienen a las masas pendientes de cada una de sus palabras. El álbum de electropop confesional de la artista británica de 2024, Brat, que revolucionó la cultura pop, lo cambió todo, elevando su nombre de “también protagonista” a figurar por encima del título. ¿Quién mejor para escribir un tratado de 30 minutos sobre el arte de la creación de imágenes?
Charli está en camino de dominar los tres medios que se mencionan en el título de su nuevo LP: Music, Fashion, Film Pero la historia de su séptimo álbum de estudio ha sido su aparente giro, anunciado por su primer sencillo, “Rock Music”. La canción —con su guitarra ronca, golpes de platillos y voces entrecortadas— no se parece en nada a las brillantes y bailables joyas de Brat (ni al enérgico pop-punk de su álbum de 2014, Sucker). Pero no define tanto una estética como una filosofía: pasar el rato y crear cosas con tus amigos. Como dijo una vez otro iconoclasta de la música, para mí sigue siendo rock & roll.
A lo largo de más de diez canciones concisas (y un tema final comparativamente más extenso), Charli y sus socios compositores y productores, A.G. Cook y Finn Keane, diseccionan el estrellato que odia amar y ama odiar. La desenfadada “SS26” juega con la idea de tener una imagen de chica mala cuando todo en el mundo es malo. “Card Declined” comienza como una canción cómicamente simple sobre ser definida por las posesiones, luego florece en una breve ensoñación antes de terminar con un minuto de alegre y enamorado indie pop. “Sigo pensando en ti, todos los días”, canta Charli, aparentemente al bolso de sus sueños.
También hay espacio para el afecto humano en el álbum. “I’m Afraid”, que suena como una toma descartada del MTV Unplugged de Nirvana, con notas graves de guitarra mientras Charli revela sus ansiedades sobre casarse con el baterista de The 1975, George Daniel. En “Magic Metal Montana”, habla con entusiasmo de su otra gran relación —con su colaborador de toda la vida, Cook— en una efusiva y extensa canción en la que elogia su corte de pelo, su forma de bailar y su capacidad para leer su mente musical.
Pero la mayor parte del álbum se centra en la maquinaria que da vida a las estrellas, con guiños a The Velvet Underground, una banda que, como es sabido, fue impulsada por un hombre que sabía bastante del tema. «Camera» vislumbra el futuro que Charli podría construir en la industria cinematográfica, transformando unas pocas notas rasgueadas rápidamente en una oda a la emoción de una nueva ambición. El siguiente tema, «2007», nos transporta al principio, cuando estaba en la cima del éxito, creando su propia imagen en su habitación y proyectándola al mundo sin ninguna intervención externa. Seducida por esa hermosa sencillez, la voz digitalmente recortada de Charli se abre paso entre el ruido: «Eres como quiero sentirme / Quiero sentirlo con todas mis fuerzas».
El tema más destacado del álbum es «Wink Wink», la canción que más claramente oscila entre la autenticidad y el artificio. Jugando con la forma en que su imagen pública se ha reducido a clichés —así como con su propia y bien establecida tendencia a trolear—, los hilarantes versos hablados y cantados de Charli estallan en un estribillo súper pegadizo que consiste casi por completo en una sola nota. Añadiendo armonías, se construye una doble personalidad mientras se entrega a un doble discurso: “Esta es la verdad, y tengo que ser honesta/Ya no soy una chica mala, lo prometo”. Para aquellos que no captaron el mensaje, añade lo obvio: “Guiño, guiño, guiño, guiño”.
Charli aborda un tema similar de una forma radicalmente distinta en el tema final, “No One Lasts Forever”. Canta de nuevo sobre ser percibida como una fiestera maleducada, solo que esta vez sin sarcasmo, simplemente una promesa de vivir el momento sin miedo. Mientras la música adquiere un tono etéreo, le cede el micrófono al director David Cronenberg, conocido por su deleite en lo grotesco. Durante unos instantes, él habla sobre cómo el arte puede ser inmortal, pero los artistas que lo crearon no lo son.
Charli y su equipo repiten su voz entonando “Están muertos, se han ido, nadie dura para siempre” 27 veces (una cifra tristemente célebre en la historia del rock) antes de que se corte, transformándose en una espiral hipnótica pero ligeramente inquietante. ¿Qué le depara el futuro a la siempre cambiante Charli XCX? Como una maestra cuyo verdadero medio es el momento, no nos ha dejado nada que hacer más que esperar y descubrir.
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Después de más de tres décadas de carrera artística, Ricardo Arjona no solo vive de su exitosa historia: vive de un presente que lo sigue reafirmando como una de las grandes voces de habla hispana. Sus composiciones continúan siendo una muestra de cómo lo cotidiano puede ser poético y lo poético, cotidiano.
Tras lanzar su más reciente álbum, SECO, el nacido en Guatemala emprendió Lo que el Seco no dijo – La gira, que comenzó en su país natal con una impresionante residencia de 27 conciertos en el Teatro Nacional, el recinto cultural más importante del país centroamericano.
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Después de pasar por 38 ciudades de Estados Unidos y Puerto Rico, donde cantó con entradas agotadas en escenarios emblemáticos como el Madison Square Garden —en dos ocasiones— y el Kaseya Center de Miami —en cinco—, Arjona llegó a Argentina para generar un impacto sin precedentes en el público del sur del continente: 20 conciertos completamente llenos en el Movistar Arena de Buenos Aires, rompiendo todos los récords y convirtiéndose en el único artista en lograr esa cifra en una misma gira.
Uruguay, Paraguay, Perú y diez fechas en el Movistar Arena de Chile continuaron engrandeciendo lo que, muy seguramente, ha sido una de las giras con mayor convocatoria en la historia del continente. Los números siguen respaldándolo: llegó a su concierto número 100 en Colombia con una presentación en Medellín y sumó seis Movistar Arena completamente agotados en Bogotá como parte de Lo que el Seco no dijo – La gira, conciertos que pasarán a los libros de historia.
Ecuador, Centroamérica y México serán los próximos destinos de un recorrido que terminará por consolidar a Ricardo Arjona como uno de los artistas más influyentes de habla hispana. En México no sólo se presentará en 18 ciudades distintas, sino que también ofrecerá dos conciertos en el mítico Estadio Azteca.
Lo que el Seco no dijo – La gira es todo y más de Ricardo Arjona: la confirmación de un artista que ha logrado trascender el tiempo y el espacio.
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