Tan solo unos días después de que Ariana Grande lanzara su nuevo álbum, petal, su representante reveló el domingo pasado que la cantante tomará una pausa después de concluir su gira actual.
Ante las preocupaciones sobre su bienestar físico, un representante de la interprete declaró en un comunicado enviado a la revista People que “Ariana se alejará de la vida pública después de finalizar el Eternal Sunshine Tour”.
“Espera terminarlo con broche de oro, de una manera sana y feliz. Luego, se tomará un merecido descanso del trabajo y las apariciones públicas que han desencadenado una ola de escrutinio público”, añadió. “Este tour ha sido una bella experiencia para ella. Ama a sus fans y ha apreciado muchísimo cada momento de esta gira”.
Como parte de su receso, no actuará en la obra del West End, Sunday in the Park With George de Stephen Sondheim, en la cual se hubiera reunido con Jonathan Bailey, una de sus coestrellas de Wicked. Además, se reveló que la superestrella tampoco aparecerá en la próxima temporada de American Horror Story, sin embargo, su ausencia se debe a conflictos entre las fechas de producción y el tour.
El aviso se divulgó a la luz al mismo tiempo que los fanáticos compartieron sus preocupaciones en redes sobre el estado físico de la artista tras el lanzamiento del video musical de ‘petal’ el viernes pasado. “Es un show físico muy demandante y con mucho atletismo”, dijo una fuente cercana a Grande para People para calmar a los fans, “Ella actúa a un alto nivel, con salud y éxito, noche tras noche”.
La porción norteamericana del Eternal Sunshine Tour se acaba esta semana después de tres shows en Chicago. El recorrido llega a su fin el 1 de septiembre, el espectáculo de cierre de 10 conciertos en la O2 Arena de Londres.
Sin embargo, lo más probable es que Grande no se vaya por completo del ojo público, ya que protagonizará la secuela de La familia de mi novia, La nueva Focker, que saldrá en noviembre.
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POST MORTEM (2021) fue su debut soñado. Por cesárea (2024), la reivindicación definitiva de su peculiar propuesta. Ahora, tras dos años de “descanso”, Dillom anuncia LA NUEVA VIOLENCIA, su próximo álbum de estudio y el esperado regreso de uno de los artistas más propositivos de la escena latinoamericana contemporánea.
Su descanso fue, en realidad, relativo. Tras el último LP en 2024, el argentino anunció una pausa indefinida de su carrera musical, aunque nunca desapareció del todo del foco mediático. En ese tiempo publicó ‘Rojo profundo’, su único sencillo en solitario desde 2024, coronó un histórico concierto en el estadio Vélez en 2025 y colaboró con artistas como AgusFortnite2008 y Stiffy (‘EL MOROCHO, EL RUBIO Y EL COLO’), Lali (‘33‘) y Six Sex (‘Tócame‘). Además, fue portada de Rolling Stone Argentina.
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Su regreso ha sido, cuanto menos, enigmático. Sin previo aviso, el artista inició una transmisión en vivo en su canal de YouTube bajo el nombre LNV, donde únicamente podía verse una sesión de ensayo. El directo permaneció activo durante poco más de cuatro días antes de ser deshabilitado de la plataforma. Menos de una semana después llegó el anuncio oficial del álbum y de su fecha de lanzamiento, acompañado por una peculiar estrategia de marketing protagonizada por una figura de cartón del propio Dillom vestido con trajes elegantes, evocando en algunos casos la imagen de un presentador de concursos televisivos de las décadas de los ochenta y noventa, recorriendo distintos puntos de Buenos Aires e interactuando con figuras públicas de la cultura argentina.
La escasez de información hizo que las teorías de los seguidores no tardaran en aparecer. Semanas atrás comenzó a circular un supuesto tracklist del proyecto que nunca fue confirmado oficialmente, aunque la reacción de una presunta cuenta secundaria del artista —desde la que el bonaerense se habría “apropiado” del perfil— llevó a muchos a interpretarlo como una validación implícita. Otros, en cambio, recordaron un video de su presentación en Cosquín Rock en el que mencionaba “la nueva violencia” como “lo último de lo último”, una frase que ahora parece cobrar un nuevo significado.
Con apenas un título, una campaña promocional cargada de simbolismo y casi ningún detalle sobre su contenido, LA NUEVA VIOLENCIA ya se perfila como uno de los lanzamientos más esperados del año en Argentina. Si algo ha demostrado Dillom con trabajos anteriores es que cada uno de sus discos representa un nuevo universo creativo. Ahora solo queda esperar para descubrir cuál será la próxima mutación de uno de los artistas más impredecibles de la música latinoamericana.
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La espera terminó para los fans de New Order en Argentina. La banda británica regresa al país para ofrecer un único show el próximo 1 de diciembre de 2026 en Mandarine Park. Y, como si eso no fuera suficiente, habrá ingrediente extra de peso: Tricky, figura central del trip-hop de Bristol, será el invitado especial de la jornada.
Tras la muerte de Ian Curtis en 1980, los integrantes de Joy Division Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris iniciaron una nueva etapa bajo el nombre de New Order y terminaron redefiniendo para siempre los límites entre el post-punk, el synth-pop y la música electrónica con canciones que se convirtieron en clásicos, como “Blue Monday”, “Bizarre Love Triangle”, “Regret”, “True Faith” y “Temptation”.
La formación actual de New Order para recitales está compuesta por Bernard Sumner, Phil Cunningham y Tom Chapman, tras la salida indefinida de los veteranos miembros Stephen Morris y Gillian Gilbert por motivos de salud.
La presencia de Tricky suma un atractivo adicional a la velada. Integrante del círculo creativo que dio origen a Massive Attack y responsable de álbumes fundamentales como Maxinquaye (1995), el músico británico se convirtió en una de las voces más singulares de los años noventa.
Different When It’s Silent, el primer disco de Tricky en seis años, editado hace apenas dos semanas, funciona como una catarsis atravesada por el duelo por la muerte de su hija y marca su regreso más personal y potente, con nuevas colaboraciones y la decisión de volver a poner su nombre al frente del proyecto.
Las entradas para ver a New Order y Tricky en Mandarine Park se pondrán a la venta a través de Passline el próximo miércoles 5 de agosto a las 12:00, con la posibilidad de acceder a seis cuotas sin interés para clientes de Banco Galicia.
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Ariana Grande brilla más cuando conecta con emociones fuertes, y en Petal no oculta como se siente. La cantante describe el álbum como “feral” la tiempo que explica, “Lo escribí desde un lugar que no suelo explorar: la ira sin filtro”. En el tema más pegajoso, ‘oh well’, dice, “Te deseo suerte en tu camino hacia el infierno”, que complementa a la perfección el siguiente verso, “No te preocupes, porque seguirás recibiendo canciones sobre ti”.
Dicha furia se encuentra a lo largo y ancho de Petal. Igual, funciona muy bien para su estilo musical porque Ariana siempre se destaca y es más auténtica cuando abraza lo nuevo y sigue adelante sin importarle la opinión de otros. Hasta la portada hace parte de su manifiesto: luce su pelo suelto. El hecho de que abandone su cola de caballo es igual de icónico que cuando George Michael prendió fuego a su chaqueta de cuero. Para algunos de nosotros, no hay Ariana que se compare con la Ariana enfadada.
La primera muestra del proyecto fue ‘i hate that i made you love me’. La pista llegó al número uno en las listas de los éxitos, aunque, termina jugando un papel menor en el disco completo. El sencillo funcionó como una advertencia sobre cómo se siente la cantante por estos días. Sin embargo, dirige sus críticas más hacia la cultura que a algún examigo o examante en específico. “¿Por qué odian ver a las mujeres resistir?”, declara. “¿Es realmente mi culpa que me dieran sus corazones sin que lo pidiera?”.
Ariana arremete contra la maquinaria de rumores que no le ha quitado las garras de encima últimamente, pero ella siempre se ha caracterizado por utilizar este conflicto con la prensa y las redes para impulsar su arte. Esto se repite a lo largo del proyecto, con versos como “Prácticamente me ahogo en bendiciones” (como dice en ‘petal’) o, “Todos los rumores me alimentan” (como dice en ‘like i do’). El odio que recibe la motiva.
Para su retorno de 2024, lanzó Eternal Sunshine, un ciclo musical marcado por su complejidad. Apenas sacó el LP, parece que decidió escapar del centro de atención, como si le asustara la profundidad de lo que reveló en esas canciones. Entonces, optó por revivir su carrera de Hollywood con la saga de Wicked en vez de volver a la rutina usual de promoción musical. Parecía que se sentía más segura en la tierra de Oz ante la ruptura amorosa que narró en ese disco.
En este momento de su carrera, los titulares discutían su romance con su compañero de set Ethan Slater, situación que inspiró ‘yes, and?’, el hit que pregunta “¿Qué les importa con quien me acueste?”. En Petal, trae ganas similares de callar a aquellos que esparcen los rumores. Primero, terminó silenciosamente su relación con Slater, después, volvió con Ricky, uno de los ex que menciona en ‘thank u, next’, su canción de 2018 en la que canta, “Escribí canciones sobre Ricky / Ahora las escucho y me río”. Durante su gira actual, Eternal Sunshine Tour, ha cambiado esa segunda parte de la letra por “Y ahora son más bonitas”, “Y sé que aún me respalda” o “Siempre nos encontramos”.
Después de todo, tiene toda la razón, ‘thank u, next’ aún sigue siendo una canción al igual que las canciones más iracundas de este álbum. ‘oh well’ llega con fragmentos de sintetizadores estilo Eurodisco y percusiones de drum and bass mientras Ari trata de echar a la basura los hábitos disfuncionales y personas tóxicas de su vida, “Mis amores fallidos se convocan disfrazados de amigos”. Al final, se compromete a cambiar, declara “La gente mala se puede ir al infierno”.
Las pistas de Petal se presentan con una vibra de medio tiempo, más reducida y calmada antes que algo más grande y espectacular. La intérprete coescribió y coprodujo el proyecto entero junto a Ilya Salmanzadeh, la productora sueca que la ha acompañado desde ‘Problem’, y Max Martin, quien aportó su talento para tres canciones. El tema con la mejor producción es ‘freak’, el cual contribuye sintetizadores ochenteros —que rememoran a Upstairs at Eric’s de Yaz— que colorean el sonido con chasquidos y capas de harmonías.
Grande reflexiona sobre las ironías presentes en la vida del estrellato, transformando sus experiencias personales en éxitos. “Dicen que el artista requiere lágrimas para escribir más”, dice casi después de una década desde que publicó ‘no tears left to cry’. A veces se pregunta si el desamor que sufre se justifica por la calidad de la música que inspira e imagina una audiencia cínica que le murmulla que eso no importa “siempre y cuando resulte en una ovación”.
Petal reúne estos dilemas mientras los confronta de una vez, pues anhela las canciones al igual que desea el romance. “Todas mis historias favoritas terminan en catástrofe”, confiesa. “No necesito que me salven / Que esta música no morirá, y yo tampoco”.
‘warning signs (interlude)’ desempeña un papel similar a ‘Silver Springs’ de Stevie Nicks; imagina a su ex siendo atormentado por su voz que emerge de las ventanas de los taxis que pasan por ahí. “Mi dolor música para ti”, canta con una intención burlona. “No me mereces / Tú lo sabes, nunca lo has hecho / Pero quiero que me sientas”. En ‘kiss me’, cita al Dr. Hunter S. Thompson (“Compra el tiquete, haz el viaje”), se lanza a la lujuria obsesiva y suplica, “Bésame, como si fueras consciente de que es la última despedida / Agárrame como si mi vida dependiera de ello”.
En la recta final del tracklist, habla sobre la renovación emocional que produce volver a iniciar una relación sólida con ‘nowhere, nobody’ o ‘never get over me’, donde canta, “El pasto es más verde / Desde que estoy debajo de ti”. En “big feelings”, un tema saturado de R&B noventero, celebra, “Puedes culpar a las estrellas o a tu signo zodiacal / El buen sexo te hará llorar”. Dicho romance tiene un peso espiritual pero se siente ligero al mismo tiempo pues dice, “Debes haberme merecido históricamente” y, “Te amo terapéuticamente”.
Eternal Sunshine y su expansión, Brighter Days Ahead, significaron grandes hitos en su evolución creativa, pero lo que hace de Petal más especial es que muestra un lado más suelto y espontáneo. “Viene de un lugar tímido, un rincón que, por ser amable, no había tocado [creativamente] antes”, confesó. “Esto se siente como, ‘mandarlo todo a la mierda’”. Sí, claro, Ariana, nada dice “tímida” y “amable” como una diva del pop que regaló al mundo ‘break up with you girlfriend, i’m bored’. De cualquier modo, esa actitud irreverente sale a relucir en Petal y es lo que le permite sacar lo mejor de sí misma.
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“El fútbol es el deporte más lindo y más sano del mundo. Yo me equivoqué y pagué, pero la pelota no se mancha”. Ovación. En su partido despedida en la Bombonera, en noviembre de 2001, Maradona miraba a los hinchas y hablaba, mientras se abrazaba a sí mismo en un gesto de compunción.
Veinticinco años después, la pelota volvería a ser el centro de una tormenta argentina. Pero esta vez, la protagonista no era una leyenda del fútbol buscando redención, sino una cantante catalana que llegaba a Buenos Aires bajo fuego: acusada de “insultar” al país en redes sociales.
El contexto
Rosalía, en su primera fecha del capítulo argentino del LUX Tour 2026, aparece en el escenario dentro de una caja blanca que se abre, cual cajita musical pero más fría, quirúrgica, como de una muñeca enviada por Amazon, vestida con un tutú blanco y zapatos de ballet, con los ojos rojos (los tiene así la mayor parte del show).
La tensión es visible, la pregunta que flota en el aire es cómo reaccionarán la artista y el público luego de más de una semana de locura en redes sociales, donde los usuarios argentinos la “cancelaron” luego de que reposteara en TikTok un video de Mia Khalifa que tildaba a los argentinos de “perlas” (término despectivo utilizado en España para nombrar a alguien en quien no se puede confiar, una persona tramposa, problemática).
Este video salía un día después de que Argentina perdiera el mundial de fútbol 2026 frente a España, en medio de una ola de acusaciones de que el equipo argentino estaba beneficiado por la FIFA y de forma más general, una acusación de que Argentina es un país “racista y sionista”: imposible de sintetizar con todos sus matices en esta crónica de un show.
Así las cosas, muchos usuarios en redes pedían la cabeza de Rosalía y que el público no fuera a sus conciertos en Buenos Aires. Algunos amagaron con pedir la devolución de las entradas. Ella pidió disculpas en TikTok: “no leí lo que compartí”. Periodistas de espectáculos, cuando la cantante catalana ya estaba en Argentina, insistieron, con malicia, en que nadie la esperaba en la puerta del hotel y que en realidad ella no quería salir porque “tenía miedo”. Horas después aparecieron videos y fotos de Rosalía caminando por la ciudad, yendo a cafecitos y restaurantes de moda.
De todos modos, había algo latente: la posibilidad de una expresión de repudio. Muchas personas en esa semana de la locura “en contra de Argentina” instaban a abuchear a la artista en el show ya que pedir la devolución de la compra de la entrada pasado cierto tiempo era imposible.
Los actos
Volvemos a la caja estilo Amazon. Reza en uno de los vértices “fragile”. Rosalía rompe las paredes que la encierran y se convierte en bailarina de ballet. Hay una luna por detrás y escaleras, la escenografía es minimalista. Abre el acto I con el comienzo del álbum Lux: “Sexo, violencia y llantas”. “Quién pudiera vivir entre los dos, primero amaré el mundo y luego amaré a Dios”. El delirio místico que esconde Lux se hace carne, suena oscura y movilizante la Heritage Orchestra, banda británica que la acompaña en esta gira, y que está ubicada en el centro del campo, a varios metros del escenario, formando una cruz cristiana vista de perspectiva cenital.
Sigue con la luminosa “Reliquia”, una enumeración de ciudades que la marcaron en la vida, con un verso dedicado a la ciudad que está visitando: “En PR nació el coraje, pero el cielo nació en Buenos Aires”. Como si hubieran contenido toda la angustia hasta ese momento, el público grita el verso, dejan los pulmones, casi como si dijera: “Te perdonamos porque escribiste esta barra para nosotros”. El miedo por los supuestos abucheos se disipa.
El show sigue con “Porcelana” y “Divinize”, y luego viene el momento en que Rosalía pide perdón. Casi 4 minutos de pedido de disculpas, explicando que compartió ese video sin intención de ofender y recordó que en 2019, a comienzos de su carrera, en el tour de ‘El mal querer’, quedó anonadada con el público por como cantó las canciones, el apoyo que recibió. “Nunca lo olvidaré… Cómo yo podría tener un sentimiento negativo o algo por el estilo hacia un lugar como este. En verdad, es el lugar que me ha erguido a donde estoy hoy. Así que obviamente, creo que ya lo sabéis los que estáis aquí, no tengo más que agradecimiento por este lugar y por este público, que es el mejor público que hay en la tierra”. Caso cerrado.
Paso siguiente, se despacha con la emocionante, operística, “Mio Cristo Piange Diamante” y en este momento del show, ella rodeada de una capa blanca que la convierte en una divinidad, como una virgen pop, muestra las cartas que está jugando. A diferencia de Motomami(2022), que se concentraba en desarmar al reggaetón en un ejercicio casi académico de encontrar otras facetas de la latinidad hasta enrarecer lo que naturalmente está hecho para la alegría y el baile, en Lux, se enfoca en el canto, en demostrar su destreza vocal, y ofrece letras dedicadas a la divinidad, a su encuentro con lo sagrado.
Algo duro vivió, se nota. Se compunge fácilmente, llora de a momentos, las canciones rememoran desamores y angustias existenciales. Pareciera que Dios la hace sentir diminuta, terrenal, frágil como la muñeca; pero se recompone. Puede pasar de llorarle a Dios, a cantar “Berghain”, con un corto vestido negro de satén y unos cuernos de cabra loca, con una versión remixada y que el Movistar Arena estalle en éxtasis, porque la gente también quería bailar. El acto 2 ha comenzado y se baila. Vuelve a Motomami, unas versiones ligeramente diferentes de “Saoko”, un guiño al público, “La fama”, “La combi Versace”, y cierra el segmento con “De madrugá”, canción que dio vueltas el universo de Rosalía durante años hasta que vio su edición en Lux.
El tercer acto arranca con una fuerte vuelta al pasado con “El Redentor”, flamenco dedicado a la Pasión de Cristo, porque nunca se alejó de Dios, siempre lo tuvo en sus canciones, desde el primer álbum Los Ángeles (2017). Continúa con un poquito de referencia pop, porque siempre se puede ser más pop, con unas estrofas de “Can’t Take My Eyes Off You” de Frankie Valli y viene el momento viral de ‘La Perla”. El juego de los bailarines, diseñado por el coreógrafo Dimitris Papaioannou, que también fue director de la puesta en escena de la gira y de ceremonia de los JJOO de Atenas en 2004, los muestra vestidos de negro rodeando a Rosalía, con guantes blancos que generan formas y movimientos inspirados en figuras como la Venus de Milo, Rita Hayworth en la película Gilda (1946), la virgen de Lourdes y la de Guadalupe.
Siguiendo con lo viral, el confesionario. Momento prescindible del show. Se entiende que puede funcionar como un respiro de tanta parsimonia, aunque el show no es solemne, Rosalía se ríe de sí misma en sus canciones, pero parece que se necesita un descanso de la música para mostrar a una celebrity y generar un engagement con el público (¿o las redes?). Algo que puede verse en otros shows masivos como La Casita en el show de Bad Bunny o el momento del arresto de Juno en el show de Sabrina Carpenter. En este caso, Ángela Torres confiesa que un ex no la hacía parte de su vida (no la invitaba a ver con ella a Cindy Cats, una pena) y Rosalía se indigna, lo llama pelotudo. Ningún pecado que redimir, ya lo decía Shakira: “siempre supe que es mejor cuando hay que hablar de dos empezar por uno mismo”.
Por suerte vuelve a la música, canta para una fan “Alfonsina y el mar”, canción popularizada por Mercedes Sosa, que ya había hecho en 2022 en el tour de Motomami en Buenos Aires. Y ahí viene lo mejor, “Sauvignon Blanc”, la balada que nombra marcas y una cierta esperanza en el futuro (al fin): “Ya no quiero perlas ni caviar/Tu amor será mi capital”. Cierra con “La yugular”, canción que va in crescendo, conmovedora, con muñecas rusas de versos: “Un país cabe en una astilla/ Una astilla ocupa la galaxia entera/La galaxia entera cabe en una gota de saliva/ Una gota de saliva ocupa la 5a avenida/ La 5a avenida cabe en un piercing”.
El cuarto acto ocurre en el centro del campo, en medio del público, cerca de la orquesta. Tocan “Dios es un stalker”, “La Rumba del Perdón’ y vuelve a ‘Motomami” con la rara “CUUUUuuuuuute” en la que también resuena el tema divino, (“Aquí el mejor artista es Dios”). Cierra el momento una canción inédita, “El atardecer”, estrenada recién en los shows de julio, un pop electrónico más liviano que las últimas canciones de la artista.
En las últimas horas en redes apareció un video de Rosalía cantando en Chile “DESPECHÁ” en donde parecía que le faltaba un poco el aire. En el quinto acto en Buenos Aires hace esta canción y, claro, está bailando y cantando en un registro alto que, además, no tiene un respiro, pero no desafina nunca. Tampoco parece quedarse sin aire esta vez. Queda pensar en la exigencia para los artistas pop, ya que Rosalía demuestra que puede cantar ópera y bailar coreos sin romperse; qué más se les puede pedir.
Así como en el Motomami Tour Rosalía revolucionó el mundo de las presentaciones en vivo, inspirando a muchos artistas pop que utilizaron las técnicas de dirección de video (la perseguían iPhones mientras estaba sola o con los bailarines en un escenario sin nada más), con ese aire minimalista en consonancia con el disco que era un despojo de sonidos, la propuesta de LUX es salir de la intimidad para encontrarse con algo superior a todos, una apuesta teatral en donde la voz entrega todo de sí, con sonidos estridentes y menos pose.
Continúa el show con los hits “BIZCOCHITO” y “DESPECHÁ”, vuelve la fiesta al escenario. Luego la hermosa “Focu ‘ranni” de LUX, una oda a la autonomía: “No seré tu mitad/ Nunca de tu propiedad/ Seré mía/ Y de mi libertad”. Y el cierre con “Magnolias” tiene al público levantando carteles con una de las frases más potentes que dan cuenta del espíritu del disco: “Promete que me protegerás/ A mí y a mi nombre en mi ausencia/ Yo que vengo de las estrellas/ Hoy me convierto en polvo/ Pa’ volver con ellas”. Rosalía salta al vacío y desaparece.
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