Por estos días, Macklemore se encuentra acompañando la gira de Ed Sheeran por Estados Unidos como artista invitado. Durante su debut el pasado viernes 4 de septiembre en Nueva Jersey, el rapero estadounidense aprovechó el espacio para clamar por la libertad del pueblo palestino, un gesto por el que ha sido aplaudido, pero también criticado por ciertos sectores y cantantes.
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Antes de interpretar su canción ‘Hind’s Hall’, dijo: “Todo el día he estado intentando encontrar la manera de decir esto. Una de las razones por las que quería hacer parte de este tour es porque quería pararme sobre los escenarios de estadios a lo largo de Estados Unidos para decir dos palabras que son muy importantes para mí: Palestina libre. Dije, ¡Palestina libre! Quiero que esas palabras se escuchen fuerte y claro para que las personas desde Gaza hasta todos los territorios ocupados en Cisjordania sepan que no las hemos olvidado”.
Sus palabras en el concierto del viernes no fueron bien recibidas por el Consejo Estadounidense Israelí, organización que emitió un comunicado en el que pedía que fuera removido de la gira de Sheeran, argumentando que el evento no tenía carácter político y no debía utilizarse para “promover una agenda política unilateral”. A las críticas se sumó la cantante estadounidense P!nk, quien compartió en sus historias de Instagram un post del grupo StopAntisemitism cuya descripción negaba el genocidio —catalogado así por la misma ONU—, por parte de Israel en Gaza. Boy George, líder de Culture Club que recientemente fue cuestionado por su canción generada por IA a favor de Israel, también arremetió contra el músico, burlándose de él en sus redes sociales.
En el show del sábado, Macklemore respondió a las críticas, reiterando su apoyo a Palestina, pero recordando que el cuestionar el actuar del gobierno israelí no es lo mismo que estar en contra de la comunidad judía. “A todos mis hermanas y hermanos judíos: las críticas a Israel y al apartheid, y el estar en contra del genocidio no es una crítica a ustedes. Mi mensaje es por la paz y el amor para que todos los seres humanos sean tratados con dignidad, respeto e igualdad”, declaró. Enseguida, clamó no solo por la libertad de Palestina, sino de Líbano, Cuba, Congo y Sudán, así como de las personas que “viven con miedo por la organización terrorista que es el I.C.E.”. “Ninguno de nosotros será libre hasta que todos lo seamos”, manifestó. Esta semana, el cantante y compositor replicó su mensaje en redes sociales.
Macklemore ha sido reconocido a lo largo de su carrera por apoyar diferentes causas sociales a través de su música y de las plataformas en las que participa. En 2012, cuando hacía parte del dúo con Ryan Lewis, publicó ‘Same Love’, un sencillo que hablaba sobre el apoyo al matrimonio igualitario que fue legalizado tres años más tarde en todo EE.UU. Pese a la reacción de sectores homofóbicos —incluyendo algunos dentro de la misma comunidad del hip hop— la canción fue aplaudida por su mensaje y nominada al Grammy por Canción del Año.
Años más tarde, en 2024, el músico compartió ‘Hind’s Hall’ en apoyo a los estudiantes de la Universidad de Columbia en Nueva York que pusieron en riesgo sus estudios al pedirle a la institución educativa que cortase todos sus lazos con Israel. El nombre del tema corresponde a la forma en que los manifestantes rebautizaron el edificio Hamilton Hall, inspirados en el nombre de Hind Rajab, una niña palestina de seis años que fue asesinada en Gaza por el ejército israelí en enero de ese mismo año.
En el concierto del viernes, el rapero explicó la historia detrás de la canción, agradeciéndoles a los estudiantes que “impulsaron un movimiento que se expandió por el resto del mundo” y que “arriesgaron sus diplomas, sus matrículas o sus becas” para levantar su voz.
Hasta el momento, Ed Sheeran no se ha pronunciado al respecto.
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La Oreja de Van Gogh protagonizó uno de los reencuentros más esperados de los últimos años en la música en español y actualmente se encuentra adelantando una gira exitosa que le ha permitido reunirse con sus fans de toda la vida. Como es natural en estos casos en los que las agrupaciones regresan después de un descanso o retoman sus formaciones clásicas, una pregunta que ha rondado su reunión con Amaia Montero es, ¿habrá música nueva?
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En Año Nuevo, la banda ofreció una pequeña muestra con ‘Todos estamos bailando la misma canción’, un single de celebración que marcó su vuelta al estudio con su vocalista inicial tras casi 20 años. Desde entonces, sus miembros han manifestado en varias ocasiones sus ganas de grabar material nuevo, aunque hasta el momento no se han materializado sus deseos.
La semana pasada, durante la ceremonia de los Premios Juventud 2026, el grupo volvió a hablar al respecto en su paso por la alfombra roja. Allí, los músicos afirmaron que, pese a que trabajar en un nuevo disco sí está en sus planes, por cuestiones de agenda no les ha sido posible aún. “Realmente teníamos en mente grabar un disco porque nos marchábamos de gira sin nuevas canciones y, por supuesto, en cuanto nos den un respiro los conciertos y la gira literalmente mundial, nos vamos a poner a ello”, declararon a Los40.
De acuerdo con las afirmaciones de Montero al mismo medio, en el camino han compuesto “muchas canciones” que no han tenido la oportunidad de llevar al estudio, así que, por ahora, quienes quieran escuchar nuevo material de La Oreja de Van Gogh tendrán que esperar un poco más.
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Hay lugares que funcionan como simples escenarios. Y después está Makena. Durante dos décadas, el venue de Fitz Roy 1519 se convirtió en una segunda casa para músicos, productores, artistas y fanáticos que encontraron entre sus paredes algo más que música en vivo: una comunidad. Por eso, cuando llega el momento de celebrar sus 20 años, la fiesta no podía ser una más.
Este jueves 10 de septiembre, Makena llevará su tradicional festejo aniversario al Complejo C Art Media, en una edición especial que promete reunir a grandes artistas, bandas de la casa, DJs históricos y buena parte de la familia que ayudó a construir la leyenda del lugar.
“Los aniversarios de Makena son un clásico en la escena porteña y esta vez la celebración se expande para que todos y todas podamos disfrutar de esta fiesta inigualable”, anunciaron desde la organización.
La decisión de trasladar el festejo a un espacio de mayor capacidad responde a una realidad que se repite año tras año: la convocatoria supera ampliamente las posibilidades del club de Palermo. Y la idea es que nadie se quede afuera.
Makena, que recientemente fue distinguido por la Legislatura porteña como Sitio de Interés Cultural, funcionó desde su apertura como semillero de artistas emergentes y punto de encuentro para figuras consagradas del rock argentino. Por su escenario pasaron nombres como Skay Beilinson, Charly García, Andrés Ciro Martínez, Juanse, Alejandro Sokol y Chizzo Nápoli, mientras que en sus noches también encontraron refugio artistas de nuevas generaciones como Wos, Dillom y Conociendo Rusia.
La historia comenzó en una antigua cantina familiar reconvertida en sala de conciertos por Fernando “Pitu” Russo, Valeria Facchini y Matías Ramos. Lo que empezó como una apuesta entre amigos terminó convirtiéndose en uno de los espacios más significativos del rock en Buenos Aires. Un lugar donde las zapadas inesperadas, los aftershows interminables y los cruces generacionales forman parte de la identidad cotidiana.
Veinte años después de aquella primera noche inaugurada por Willy Crook, sigue siendo uno de los pocos lugares donde nunca se sabe quién puede aparecer sobre el escenario.
Makena 20 Aniversario
Jueves 10 de septiembre
Complejo C Art Media
21 hs
Entradas: Passline
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Después de cuatro años sin publicar una nueva grabación de estudio, The War On Drugs regresan con ‘Who’s That’, una canción escrita y producida por Adam Granduciel.
El tema surgió de manera casi inmediata. Granduciel lo escribió en alrededor de diez minutos, entre su primer café del día y el momento de llevar a sus hijos a la escuela. A partir de esa idea inicial, la canción fue creciendo en distintas capas hasta alcanzar el sonido expansivo que ha definido buena parte del trabajo de la banda.
En lo lírico, ‘Who’s That’ aborda la relación con uno mismo y la dificultad de aceptar aspectos que no siempre se pueden controlar, entre ellos la ansiedad, la depresión y las dudas personales.
El lanzamiento llega acompañado de un video dirigido por Max Flick, en el que Granduciel recorre las calles de Burbank durante una noche marcada por situaciones surrealistas.
‘Who’s That’ representa la primera nueva grabación de estudio de The War On Drugs en cuatro años y marca el regreso de la banda con material inédito.
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Quilmes Rock anunció que su próxima edición se realizará los días 16, 17 y 18 de abril de 2027. Aunque todavía no se conoce la programación, la organización informó que el festival ya puso en marcha la venta anticipada de entradas y una propuesta interactiva para que el público participe antes de la presentación oficial del lineup.
Bajo el lema “Esta vez, lo armamos entre todos”, el festival lanzó Prode Rock, una plataforma en la que los usuarios pueden especular sobre los artistas que integrarán la grilla. Quienes acierten las confirmaciones sumarán puntos a medida que se revelen los nombres.
El principal premio del juego será “Quilmes Rock a tu casa”: el ganador podrá recibir un show privado de una de las bandas que forme parte de la edición 2027 para él y hasta diez invitados.
La expectativa por el cartel llega después de una edición 2025 que tuvo entre sus puntos destacados el regreso de Los Piojos, la vuelta de Andrés Calamaro a los festivales y un homenaje al repertorio de Serú Girán con interpretaciones de David Lebón y Pedro Aznar.
Además del anuncio de las fechas, ya se encuentran disponibles los abonos de preventa bajo la modalidad “Zorzal Madrugador”, que estarán vigentes por tiempo limitado.
Entradas Quilmes Rock 2027
La preventa “Zorzal Madrugador” se encuentra disponible por tiempo limitado a través de Enigma Tickets.
Abonos Campo
- Abono 2 días
- Fase 1: $200.000
- Fase 2: $240.000
- Abono 3 días
- Fase 1: $270.000
- Fase 2: $310.000
Abonos VIP con tribuna
- Abono 2 días
- Preventa: $600.000
- Fase 2: $710.000
- Abono 3 días
- Preventa: $810.000
- Fase 2: $930.000
Importante: los valores publicados no incluyen service charge.
Venta de entradas: EnigmaTickets.com.
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En algún punto del camino desde el Mercury Lounge hasta la era moderna, Interpol se convirtió en la banda de rock neoyorquina más constante de su generación. Nunca se han separado ni implosionado, aunque estuvieron cerca al menos una vez, y han mantenido un ritmo constante de nuevos lanzamientos, es decir, sacan un álbum cada tres o cuatro años desde su debut en 2002 que marcó toda una generación. Esto hace que la fantástica calidad de This Mirror Weighs a Ton no sea sorpresa, el octavo álbum del grupo.
Sin embargo, para llegar hasta aquí se requirió algo de creatividad. El disco cuenta con la participación de dos colaboradores nuevos: el productor, Andrew Wyatt, y el bajista, Brad Truax, un veterano de sus giras anteriores que nunca antes había grabado antes en el estudio con ellos. El líder, Paul Banks, expresa que “es como un nuevo comienzo para la banda, toda esta alquimia inesperada se siente revitalizadora”.
El 28 de agosto, a unas semanas antes del lanzamiento, Banks y el guitarrista, Daniel Kessler, almuerzan en el restaurante de un hotel en el centro de Manhattan. Ya ninguno de los dos vive en Nueva York; Kessler pasa gran parte de su tiempo en Barcelona, y Banks habita, cómodamente instalado, en Berlín con su esposa y sus dos hijos pequeños. El baterista Sam Fogarino, el tercer miembro de la agrupación, vive en Filadelfia. Ambos afirman que se encuentran felices de estar de vuelta en la ciudad. Kessler confiesa, “Hay algo que comprendí cuando empezamos a girar. (…) Cuando sea que vuelvas, podrás retomar justo donde lo dejaste. Regresas aquí y puedes volver a tu vida sin problemas”.
Empezaron a grabar este álbum no muy lejos de aquí, en el estudio de Wyatt en el sótano del West Village. Se reunieron durante unos días para improvisar y componer con Fogarino y Truax en la primavera de 2024. Wyatt podría parecer la opción menos obvia como colaborador para Interpol; es un experimentado creador de éxitos pop que lideró el trío suecoestadounidense, Miike Snow, a finales de la década de 2000 antes de coescribir éxitos para Bruno Mars como ‘When I Was Your Man’, y para Lady Gaga con ‘Shallow’, pero descubrieron que les abrió nuevas posibilidades.
“Pasamos unos días muy divertidos”, dice Banks, quien conoció a Wyatt hace unos 10 años cuando produjo algunas canciones para Banks & Steelz, el dúo del cantante con RZA de Wu-Tang Clan. “Ser amigo del productor es una dinámica muy interesante. Cuando funciona, es una maravilla tener un momento el compañero de banda que tiene toda esa sabiduría sobre cómo realizar discos con un sonido increíble”.
El otro cambio, posiblemente, aún más importante en el proceso de la agrupación para este proyecto fue incorporar a alguien a quien conocen desde hace muchísimo más tiempo. Truax ha tocado el bajo en la formación en vivo de Interpol desde 2011, cuando se unió para llenar el vacío dejado por el volátil cofundador de la banda, Carlos Dengler, cuya salida fue como “perder una extremidad” para Banks. Mientras tanto, Banks se ha encargado del bajo en los tres discos que han grabado durante ese periodo: El Pintor de 2014, Marauder de 2018 y The Other Side of Make-Believe de 2022. Asumió este rol por necesidad, pero llegó a disfrutarlo. Recuerda, “Daniel y yo nos reunimos inmediatamente después de que se fuera Carlos para descubrir ¿Qué tenemos aquí? (…) Y funcionó, funcionó de maravilla. Seguimos así un tiempo hasta que llegó a un buen final natural”.
Luego de una década trabajando de esta manera, a Banks le atrajo la idea de dejar que Truax se encargara de componer líneas de bajo para acompañar las progresiones de acordes de Kessler. “Me permitió volver a mis orígenes en mi proceso de composición, cuando tocaba la guitarra o cantaba”, comenta que “Fue como volver a casa, frente al micrófono”.
Kessler rememoró, “Fue un momento muy emocionante, me sentí como si estuviéramos jugando en el sótano haciendo lo que sea. Me recordó mucho a cuando tenía 16 años y todo era divertido”.
Tras cinco días en casa de Wyatt, tenían los bocetos de cuatro canciones nuevas: ‘Wings on Fire’, el clásico y enérgico tema de Interpol, ‘So Rides the Reindeer’, un tema inusualmente suave, ‘Iron City’, con sus ritmos complejos, y la balada sombría de ‘Sudden’. Para Banks, se sintió como un regreso a lo mejor de la banda, afirmó, “Vayamos una sala ruidosa y desahóguemonos con la música. (…) Gritaré por encima de la batería y construiremos canciones con esa energía visceral que surge de tocar en directo, así fue como empezamos”.
Poco después de dichas sesiones, Interpol dio su concierto más grande hasta la fecha. Estremecieron a 160.000 fans en Ciudad de México y regresaron a Nueva York a finales de 2024 para trabajar durante un par de semanas en Gonzo’s, un local de ensayo ubicado en la antigua locación del añorado Mondo Kim’s en St. Mark’s Place. En 1997, cuando todavía era una tienda de música y vídeos, fue donde los miembros del grupo conocieron a Truax, quien trabajaba como comprador. “Yo solía pegar allí los folletos de Interpol, fue genial trabajar allí. Fue como volver al inicio”, apunta Kessler.
Grabaron la mayor parte del nuevo álbum en ese lugar, un cuarto fantasmagórico, lleno de reliquias de la Nueva York de principios del milenio. Kessler comenta, “El hecho de poder ir y venir del estudio caminando… Me recordó a los viejos tiempos de Interpol, caminando juntos a los ensayos, saliendo juntos, rumiando las canciones que no se te quitan de la cabeza. (…) Momentos emocionantes que surgen inesperadamente, ese tipo de cosas es lo mejor”.
Tras las giras de enero del 2025 se vieron de nuevo en Nueva York, en un nuevo estudio que Wyatt abrió en último piso de un edificio de oficinas en Chinatown, “Es un espacio muy poco convencional, es como una oficina de 325 metros cuadrados sin divisiones. Hay una sensación de amplitud, que es precisamente la idea” apuntó Kessler.
Mientras contemplaba esas cambiantes “New York vistas” (paisajes de Nueva York) por las ventanas, Banks dejó volar su imaginación. Luego regresó a Alemania, donde pasó el resto de 2025 escribiendo las letras del nuevo disco. “De febrero a octubre, ese fue mi trabajo: escribir las letras de este proyecto y tener un bebé”, afirma Banks.
CC: Elliot Lee Hazel*
Banks conoció a su esposa hace siete años y viven juntos desde que quedó varado en Edimburgo durante la pandemia. (Me dijo que fue “una situación digna de La isla de Gilligan” en 2021). Se casaron el año pasado, tienen un hijo de tres años y una hija de, aproximadamente, un año.
“Tengo una vida maravillosa en Berlín”, dice Banks, cuyo antebrazo izquierdo muestra las marcas desvanecidas de dos tatuajes temporales que le puso su hijo, un dinosaurio azul y un elefante rosa. Añade, “Soy una persona más feliz”.
Como muchos antes que él, ha descubierto que la paternidad ha renovado su impulso creativo de maneras sorprendentes. “Me hizo concentrarme en que, si voy a ser músico, voy a darle un significado. Al mismo tiempo, me he tomado las cosas con más calma en lo que respecta a mi carrera, porque mi satisfacción proviene de la felicidad y la salud de mis hijos”. Hace una breve pausa y confiesa, “Podría ponerme muy cursi”.
“Por favor”, le digo, “continúa”. Prosigue, “Convertirme en padre es como si se encendieran nuevas luces en mi alma que me convierten en una versión más completa de mí mismo. En la vida, a veces nos guardamos un poco el amor que damos, porque amar es bien vulnerable. Quizás yo, en particular, era de esas personas que no se abrían del todo. Cuando tuve hijos, pensé: ‘Dios mío, este es todo el amor que mi alma es capaz de crear’. Simplemente, abre esa válvula por completo y déjalo fluir”
Banks y Kessler han sido compañeros de banda durante más de la mitad de sus vidas. Se conocieron en el verano de 1996, hace 30 años, cuando ambos participaban en un programa de estudios de verano en París. Kessler recuerda ese momento de sus 20 años, relata, “Conocí a Paul meses después de que cumpliera 18, es increíble cómo puedes conocer a alguien así de repente. Puede ser un encuentro fugaz, y de pronto… Te cambia la vida en muchos sentidos. Me ha aportado muchísima riqueza”.
Ninguno de los dos da por sentado ese vínculo de colaboración. Kessler declara, “Quiero mucho a este hombre como persona, pero luego está esa química al hacer música. Se encuentran esos momentos de los que hablábamos antes, como ensayar en el sótano. Es algo muy especial cuando ya no eres un niño. ¿Sabes a lo que me refiero? El tener esa sensación es algo que hay que atesorar”.
Charlamos apenas unos días después del lanzamiento de Reality Awaits, el nuevo y muy discutido álbum de The Strokes, contemporáneos de Interpol de la era de Nueva York de Giuliani, aunque los dos grupos no se conocían bien. Banks los menciona cuando le pregunto qué ha estado escuchando últimamente y responde que le gusta ‘Lonely in the Future’ en especial. El tema donde Julian Casablancas con voz de Auto-Tune ignora a los supuestos enemigos e imitadores de su agrupación. En realidad, es más aficionado al hip-hop. Añade, “He estado disfrutando de dos de los tres discos que ha publicado Drake, Iceman y Maid of Honour”.
La conversación se desvía hacia la gira de otoño de Interpol, que los llevará a teatros de Norteamérica y Europa, además de una noche en un estadio de Vancouver como teloneros de Sombr, que nació casi un año después del lanzamiento de Antics. Están pensando en cómo ajustar sus listas de canciones junto con un nuevo repertorio de canciones bien potentes. “No vamos a ponernos a tocar sets de tres horas de la nada, eso es demasiado, así que hay que encontrar el equilibrio. Es un problema estupendo”, concluye Kessler.
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Aunque para muchos pase desapercibida, la escena venezolana es de las más interesantes de la actualidad. Desde referentes como Rawayana, Big Soto y Micro TDH, pioneros que pavimentaron el camino para las nuevas generaciones, hasta talentos emergentes como suei y Underaiki, el país no se cansa de exportar propuestas versátiles que no discriminan entre lo clásico y lo contemporáneo, encontrando un punto perfecto en el que ambas corrientes se cruzan con naturalidad e ingenio para mantener su panorama a la vanguardia de los movimientos que marcan el pulso de la cultura latina.
Es justo ahí donde aparece LOS MENOR3S, agrupación que, gracias a la fusión de sonidos urbanos, ritmos tropicales y una visión creativa moderna, ha desarrollado una identidad propia, consolidándose como uno de los actos emergentes más emocionantes del ecosistema urbano hispano.
Compuesta por Santiago Hiller Beyloune (Big Bowe), Sebastián Primera (Sheba) y Diego Primera (Nego) —estos últimos, familiares de los hermanos Servando y Florentino Primera del icónico dúo venezolano Servando y Florentino—, LOS MENOR3S comenzaron como tres simples adolescentes movidos por una inquietud artística que poco a poco los llevó a incursionar con fuerza en el mundo de la música.
Su debut llegó en 2022 con ‘BOWE’, un enérgico dembow que demostraba sus influencias en los ritmos tropicales. El tema funcionó como una carta de presentación en la que los integrantes pudieron poner sobre la mesa su capacidad interpretativa y su talento en la composición, al igual que un interés genuino por llevar esos sonidos clásicos del país a nuevos horizontes.
A partir de esa primera canción, la agrupación no paró de crecer. El lanzamiento de singles vibrantes y divertidos como ‘de parranda’ y ‘BURDA DE FLORES’, que se movían entre la música urbana y el folclore caribeño, llamó rápidamente la atención del público joven, lo que impulsó la presencia del grupo en redes sociales y plataformas digitales, donde alcanzó miles de seguidores y millones de reproducciones.
En medio de esa expansión en el circuito emergente, LOS MENOR3S presentan CALLAÍTO SAFARI, un EP de siete temas y su proyecto más completo hasta la fecha.
Este trabajo, sucesor de Regla de 3 (2024), fue creado a lo largo de dos años en Future Culture Studios y tomó forma a través de un proceso creativo colaborativo bajo la producción ejecutiva de Servando Primera, dando como resultado un EP en el que cada canción ofrece algo diferente y que al mismo tiempo contribuye a una propuesta musical cohesiva.
“Este EP siempre ha sido un proyecto muy personal y visionario para nosotros. Queríamos crear estas canciones junto a nuestros productores favoritos, las personas que nos han ayudado a formarnos a lo largo de este recorrido musical”, comenta Sheba, refiriéndose a la participación de reconocidos productores como el venezolano Dani Crazytown, YIYI, y el ganador del Grammy FKI 1st.
“Dani Crazytown fue el primero en tendernos realmente la mano, actuando como el gran mentor que es. YIYI también tuvo un papel enorme al presentarnos un sonido increíblemente fresco, y tuvimos la increíble oportunidad de trabajar con FKI 1st para crear algo completamente nuevo que, sinceramente, suena increíble”, comenta el intérprete, quien también muestra otra faceta artística al trabajar en la producción de ‘a las mil’. “Me propuse el reto de producir una canción con un groove realmente único e inesperado, y estoy agradecido con los chicos por confiar en mí durante todo el proceso”.
Aunque la producción es uno de los puntos fuertes del EP, la composición no se queda atrás. Incorporando desde canciones urbanas relajadas hasta tracks influenciados por el house, la versatilidad del grupo es latente, mientras reúne a un talentoso equipo de colaboradores. Junto a LOS MENOR3S, Lio Kan, Plumber y Servando Primera contribuyeron al proceso de escritura a lo largo del lanzamiento.
“El proceso creativo detrás ha sido bastante loco, porque algunas de estas canciones fueron escritas hace más de dos años, mientras que otras las terminamos apenas una semana atrás. Por eso, el proyecto reúne tanto energías antiguas como nuevas”, explica Big Bowe. “Llevamos mucho tiempo construyéndolo y poniendo muchísimo amor en cada detalle. Después de todo ese trabajo, finalmente colocamos la última pieza del rompecabezas y está listo para que todo el mundo lo escuche”.
La identidad visual de CALLAÍTO SAFARI también juega un papel clave dentro de la contrucción del imaginario del trabajo discográfico. Fue desarrollada junto a los directores creativos Le Rick y Rodri Hiller, responsables de los videos musicales del EP, y su trabajo le da a cada pieza una identidad propia, al mismo tiempo que crea una estética única a lo largo de todo el lanzamiento.
“Es imposible no admirar las mentes brillantes de hermanos como Ricky y Rodri”, comenta Nego. “Los he admirado durante años por la manera en que trabajan y su capacidad para convertir las ideas en realidad. Honestamente, sin ellos, este proyecto no sería lo que es hoy”.
Más allá de este lanzamiento, el trío también ha dedicado las últimas semanas a impulsar MOVIMIENTO CAMINA, una iniciativa inspirada en su canción del mismo nombre junto a la Kanaimö Choral Symphony. En alianza con Bajo el Árbol, el grupo organizó recientemente un encuentro comunitario para más de 100 niños en Naiguatá, continuando con su compromiso de crear conexiones significativas a través de la música y retribuir a las comunidades que los han apoyado.
Así, LOS MENOR3S se consolidan como uno de los actos más prometedores de la nueva generación de la música latina, demostrando un interés genuino por desmarcarse de las fórmulas tradicionales para experimentar con sonidos y corrientes que parecen no tener relación, desarrollando una identidad distintiva definida por la versatilidad, la autenticidad y una constante búsqueda de exploración musical.
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Los CD están en boga de nuevo. De acuerdo con un reporte de la industria realizado por Luminate, en la primera mitad del 2026 las ventas de discos compactos se incrementaron en un 16%. Sorprendentemente, la generación Z y los millennials son los que más compran esos discos aluminizados de los noventa; se reportan 16.3 millones de unidades vendidas en los Estados Unidos. Dicho formato crece más que los vinilos, cuyo negocio creció tan solo 2.4%. Es oficial: Los fanáticos de la música de hoy están enfermos con la fiebre del Discman.
Tiene sentido que a los oyentes jóvenes les atraigan los medios físicos, tangibles. Desean desconectarse y dejar de pedirle permiso a una pantalla para escuchar. Puede que no sean tan vistosos, románticos o glamurosos que los vinilos o casetes, pero son el mejor formato para acercarse a tu música favorita.
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
Una razón clave para la resurrección del disco físico es el pop coreano, el cual contribuyó con millones de ventas, por ejemplo, Arirang de BTS fue uno de los más comprados. Existen factores culturales que impactan las cifras, sobre todo, el hecho de que el 60% de los fans de la generación Z afirma escuchar, principalmente, música de los años noventa o épocas anteriores. Hace cinco años, esa estadística era de tan solo el 18 por ciento.
Este formato sigue siendo el mejor invento para la escucha profunda, es decir, cuando te apetece dedicarle una hora a un álbum. No tienes que conectarte a ningún sitio. Nadie te rastrea ni recopila tus datos. Las contraseñas y actualizaciones de software no existen. Alanis Morissette jamás interrumpirá la reproducción de Jagged Little Pill para enviarte un código de verificación de seis dígitos al celular. El momento le pertenece a ti y a ella.
Además, la calidad del sonido es más rica al compararlo con los bit rates de streaming. Algunas veces, la calidad sonora importa. O sea, dices que eres un fan de Steely Dan, ¿Pero estás oyendo Aja en tu teléfono?, como dice la agrupación en ‘Black Cow’, “tómate tu cerveza/y lárgate de aquí”.
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
Los vinilos toman tiempo en producirse, lo que significa que, en algunas ocasiones, no se mantienen actualizados. Si compraste el último LP de Olivia Rodrigo, lo más probable es que hayas pagado USD$40 por una experiencia incompleta porque se cortaron partes de las pistas para hacerlas caber sobre el poliuterano. Esta edición te ofrece ‘U + Me = <3’ sin el puente de “all my favorite Cadbury” [“todos mis Cadbury favoritos”], quedó como una muñeca mutilada. El CD te brinda el álbum completo, tal como Dios y Olivia lo concibieron.
Streaming te da la conveniencia y velocidad, pero trae distracciones constantes. Seamos honestos, tu móvil es un chicle codependiente, pegadizo y pasivoagresivo, un roomie dulce, pero que se comporta como un verdadero fastidio. Te cansas de intentar divertirte mientras no para de interrumpirte preguntando: “¿Qué haces?”, “¿Has revisado tus correos?”. A veces quieres dejarlo atrás. Es difícil sumergirse en la música cuando tu única fuente de información es el mismo dispositivo que usas para mensajes, noticias y vídeos de gatos saltando sobre pasteles de cumpleaños.
CC: MARIA-JULIANA ROJAS
Esa es la razón por la que el libro en físico ha crecido tanto, incluso mucho después que los expertos predijeron que se reemplazarían por las opciones electrónicas. Resulta que aquellos que leen encuentran todo lo que necesitan en las hojas de papel. ¿Quién hubiera dicho?, ¿De verdad sorprende que el caso sea el mismo con la música?
Los CD siempre han sido el formato más dedicado y curiosos para los aficionados musicales quienes dominan la escena actual. Luminate señala al k-pop y al indie rock como los dos géneros con los fanáticos más obsesionados con los formatos físicos; un público que el servicio de datos clasifica como “superfans basados en compra”. Ahora mismo, desean consumir esos discos que vienen en carátulas transparentes. ¡Que el Discman siga girando para siempre!
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