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La industria argentina tiene en Nico Cotton a uno de sus productores favoritos. Su trabajo como compositor, multi-instrumentista e ingeniero de mezcla le ha valido montones de premios que van desde un Grammy Latino a mejor Productor en 2025 hasta una montaña de Premios Gardel. El más reciente, por ejemplo, fue una estatuilla de la celebración nacional de este año a Mejor Álbum de música global por Latinaje, el último lanzamiento de Cazzu. Su nombre va en créditos de discos o canciones tan diferentes a cargo de Soledad, Juanes, Cazzu, Nathy Peluso, Aitana, Jorge Drexler, María Becerra, Conociendo Rusia, Natalia Lafourcade, Nicki Nicole y tantos otros. Cada uno de ellos es un universo en sí mismo que renueva el desafío y el entusiasmo por su labor.
Puede decirse, entonces, que Cotton encontró la fórmula del éxito. “A esa palabra uno la puede ver como algo negativo, pero en mi caso es algo positivo”, dice sentado en su estudio de Caballito. “Ya sé los truquitos de muchas cosas que quizás cuando empecé no sabía cómo hacerlas. Con el paso del tiempo vas aprendiendo esas fórmulas mágicas de cómo lograr ciertos sonidos o ciertas cosas. Así y todo, cada vez que empiezo un proyecto nuevo me gusta hacer borrón y cuenta nueva y jugar a que no sé nada para empezar a crear un mundo de cero”.
Sin embargo, dice que los premios no importan tanto, que eso no puede guiar la creación, porque pensar en el resultado viral más que en el proceso de composición no es el camino de la felicidad. “Es que un trofeo no significa mucho, por lo menos para mí”, dice. “Si me pongo más profundo, el verdadero premio es poder vivir de la música, poder conectar profundamente con una canción o con un proyecto, estar en el estudio creando y poder volar con tu cabeza, crear desde cero algo. Y sobre todo poder vivir de esto, poder comprarte instrumentos, poder construirme mi estudio, poder, no sé, comprarme el micrófono que siempre soñé. Todo eso haciendo música. Eso es el verdadero premio, poder vivir de lo que amo”.
Su camino con la música empezó a sus 10 años, pero desde los 19 se convirtió en un productor profesional, ese al que le pagaban por su trabajo. Hoy tiene 37 y esas herramientas que fue recolectando y vuelca en cada proyecto son el resultado de la teoría de las mil horas, ese know how que se obtiene después de hacer mucho tiempo la misma cosa. El resultado, necesariamente, es la destreza. Sumado a esto y como diferencial, Nico Cotton considera que además supo construir un perfil identitario, algo que al sonar puede sonar a él. “Yo creo que más que un sonido puede ser que tenga una especie de musicalidad”, analiza. “Tengo el estudio lleno de instrumentos y la computadora ocupa un espacio un poco menos importante”. De esa forma, sea con un tema de música urbana o de pop bailable, su impronta de músico siempre asoma con el aporte de diferentes matices de sintetizadores, guitarras o baterías tocadas por él mismo.
“Trato de ser un artesano del sonido”, dice sonriendo. “Está lo lúdico de poder jugar o poder agarrar un instrumento y hacerlo mierda. Creo que eso es lo que más me gusta y siento que los artistas también buscan eso de mí. También poder grabar. Es algo que me apasiona, la grabación, los micrófonos, la tecnología, entender por qué un micrófono suena así, por qué otro micrófono suena de otra forma. Pasarme tres horas para buscar un sonido de bombo afinando y poniendo un micrófono de cierta manera junto con el ingeniero”.
Ese dominio del estudio y las diferentes herramientas le generan una validación en el ambiente que los artistas valoran y devuelven en forma de respeto por su trabajo. Lo que sigue desde ese momento es el boca a boca, la forma en la que gente lo recomienda a otra gente y aparecen artistas interesados en trabajar juntos. El primero, y su primer éxito, fue Axel. Juntos ganaron el Gardel de Oro en 2015 por el disco Tus ojos mis ojos y se llevaron tres de los seis premios a los que estaban nominados: Mejor álbum artista masculino pop, canción del año por y Álbum del año. Lo que siguió desde allí fue una temporada de ostracismo hasta que en 2018 apareció Juan Ingaramo y lo convocó para hacer Best Seller, su tercer disco.
A partir de allí, los trabajos se multiplicaron. A Los Nocheros se les sumaron NIcki Nicole, Conociendo Rusia, Maria Becerra, Nathy Peluso y muchos más. Pero hubo dos en particular que Nico destaca: Soledad y Cazzu. La Sole, por su parte, lo convocó para producirle un disco con las intenciones de acercarse al pop o a ritmos más innovadores de sus propios horizontes. Sin embargo, él no aceptó. “Me planté”, cuenta. “Le dije: ‘Sole, me encanta que me hayas llamado. Te agradezco, pero yo con vos quiero hacer un disco de folklore. Cuando tengas ganas de hacerlo, me llamás’. A los dos días me dice ‘dale, estoy. Hagamos un disco de folklore’”. La advertencia de su parte fue que no sería un álbum con destino del top 50 ni que tendrían viralidad, sino que era algo para que disfruten ellos el hacerlo. “Me quedo con las lágrimas de Sole diciéndome que es el mejor disco que hizo en su vida. Yo eso no me lo borro más. Eso para mí es el premio más grande. También creo que ese disco fue el germen o la semilla que despertó esta vuelta al folklore de otros artistas”.
Con Cazzu fue diferente. La relación que han construído juntos tiene historia, cercanía y una cuota clave de intimidad y confianza necesaria para tomar riesgos artísticos apoyándose el uno en el otro. “Latinaje fue un proceso muy largo de casi dos años. La semilla la plantamos en un viaje que hicimos juntos a Puerto Rico en 2019. Desde ese momento le dije que tenía que empezar a cantar”, cuenta. En la isla convivieron mano a mano durante un mes. Todas las mañanas, al despertarse, Cazzu ponía música y siempre elegía folclore. Le hacía escuchar diferentes canciones y artistas y eso, de una u otra forma, se metió en el proceso de composición. Un día, casi terminando el disco, él empezó a jugar con la guitarra, ella comenzó a cantar y nació “Piénsame”. Si bien el disco de ese momento era más cercano al trap, esa canción con aires de folklore que sirve como interludio dentro del álbum fue el germen de todo lo que ahora finalmente explotó.
Para confiar en el otro primero hay que conectar. Y entre ellos hay conexión. “Hicimos dos álbumes, ahora vamos por el tercero y conectamos. Ella quiere trabajar conmigo y yo quiero trabajar con ella. Entonces en esa conexión hay una confianza de ambas partes que permite hacer cosas nuevas”. El concepto del álbum lo propuso ella con la intención de hacer un género por cada canción y eso fue un desafío. La dificultad era hacer convivir todos los ritmos latinos en un álbum y que suena a eso, a un álbum, y no perderse en la heterogeneidad. “Hay una presión ahí de tener que estar a la altura que es lo que a mí me gusta”.
Más allá de la experiencia, más allá del prestigio, Nico intenta seguir conectado con aquello que lo impulsó a convertirse en lo que es actualmente, uno de los productores favoritos de la industria. “Se está poniendo mucho el foco en los números, en los seguidores, en las reproducciones, en qué top estás, y eso un poco confunde”, dice. “Yo prefiero tener un artista que tiene un millón de reproducciones distribuidas en 20 canciones que una canción con un millón de plays”. Desde adentro, como un engranaje más de toda esa maquinaria que cosecha éxitos y crea personalidades como estrellas, Cotton piensa en la forma de salir de esta dinámica. “Hay que, de alguna manera, no tener miedo a hacer música, perderle el miedo. Hay que mirar para adentro y decir esto me emociona, me conecta, me hace ser feliz. Hacer algo que te permita decir que te emociona y te dan ganas de compartirlo con el mundo”.
Nico Cotton tiene casi veinte años produciendo discos y canciones. La misma industria lo señala como uno de esos privilegiados que levanta, año tras año, premios y distinciones que lo posicionan como uno de sus favoritos. Su versatilidad a la hora de abordar artistas, su musicalidad en el trabajo y su compromiso con la parte técnica, construyen su identidad profesional. Y mientras valora que el mejor premio no son las estatuillas sino que es vivir de esto, de la música, dice que hay dos formas de existir dentro del negocio. “Una es hacer esto por la música y otra por la plata, por cosas pasajeras. Si lo que construiste te emociona y se termina haciendo popular, es espectacular. Ahí está la magia”.
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La muerte del Indio Solari generó no solo una de las despedidas más multitudinarias que se hayan registrado en este siglo en Argentina, sino que se encargó de recordarnos, una vez más, que los artistas nunca mueren mientras siga viva su obra. Y la de Solari, empezando por los Redondos y culminando en Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado (LFDAA), es una de las obras más ricas y trascendentales del rock local.
Desde que se confirmó la triste noticia, el viernes 5 de junio al mediodía, se multiplicaron los homenajes espontáneos, las procesiones, las juntadas, los recitales y también las reproducciones en plataformas. El primer homenaje fue involuntario, pero tremendamente significativo. El sábado, al día siguiente de la muerte de Solari, mientras todavía se estaba terminando de definir cómo y dónde se iba a hacer el funeral, su última banda, LFDAA, decidió llevar a cabo el show que tenía programado, con entradas agotadas desde hacía rato, en el Predio Ferial de Comodoro Rivadavia, Chubut.
El concierto se transmitió en directo en YouTube y tuvo picos de 230.000 personas conectadas en simultáneo. Conmovido hasta las lágrimas, Pablo Sbaraglia (tecladista, director musical y ocasional cantante), se hizo cargo de emitir las pocas palabras de una noche cargada de emotividad: “Esta vamos a cantársela a él”, dijo, y empezaron a tocar “Había una vez…”, parte del penúltimo disco del Indio y LFDAA, Pajaritos, bravos muchachitos (2013). El recital, como no podía ser de otra manera, terminó con “Ji ji ji”.
Esa misma noche, Skay Beilinson, histórico ladero del Indio en Los Redondos, tenía que tocar en La Segunda Seguros Arena de Rosario, pero el shock de la noticia lo obligó a reprogramar el show. “Hoy es un día muy triste”, se excusó. Unos días después, siempre desde su cuenta de Instagram, el guitarrista anunció otro cambio: su show en La Plata, programado para finales de julio, pasaba del Microestadio Atenas al Hipódromo, sextuplicando la capacidad de aforo de 3.500 personas a 20.000. “Nos quedamos cortos con el lugar”, aclaró en el post.
El fin de semana siguiente a la muerte del Indio Solari, La Kermesse Redonda, el proyecto integrado hace más de una década por los músicos de Los Redondos Sergio Dawi (saxo), Semilla Bucciarelli (bajo), Tito Fargo (guitarra) y Hernán Aramberri (batería), ofreció dos shows en Montevideo, Uruguay, que adquirieron, dadas las circunstancias, un significado especial. Las entradas estaban agotadas desde hacía tiempo, aunque en los días previos había incertidumbre por la cantidad de personas que podrían acercarse sin ticket.
“Había una cierta preocupación por cuánta gente iba a caer a intentar entrar con este componente nuevo que se agregó”, dice la periodista uruguaya Belén Fourment, que estuvo presente en la primera noche. Finalmente, el clima jugó a favor. Fue un fin de semana realmente inhóspito, con mucho frío y cayó una especie de aguanieve. “Hubo unas 20 o 25 personas afuera intentando entrar, se vivieron cinco minutos de tensión y todo se descomprimió rápidamente”.
Adentro, la Sala del Museo del Carnaval, ubicada a pasitos de la rambla y también de la terminal de Buquebus, estuvo colmada. Para Fourment, lo que se vivió esa noche fue menos un velorio que una celebración compartida. “La sensación fue de mucha emotividad, pero celebratoria. Era celebrar la vida juntos. Había muchos más abrazos, mucha más conexión en los pogos y en los bailes. Te ponías a saltar con desconocidos, se miraban a los ojos y era como decir: ‘Estamos acá viviendo esto juntos’. Fue como hacerlo por el Indio”, resume la periodista.
La banda, vestida íntegramente de negro para la ocasión, hizo apenas unas breves referencias a Solari durante el concierto. “No se sintió una tristeza profunda, sino gratitud. Como decir: tenemos este regalo, valorémoslo, compartámoslo y sigamos encontrándonos alrededor de estas canciones”, sostiene Fourment. Un mes después, La Kermesse anunció una gira “histórica” por España que recorrerá Barcelona, Madrid, Valencia, Alicante, Málaga y Mallorca durante octubre.
Tal vez para mitigar el dolor, o simplemente para volver a repasar una y otra vez esos versos inmortales, los días posteriores a la muerte del Indio no se dejó de escuchar su música, sino todo lo contrario. El aumento en las reproducciones de sus temas se observa con claridad en los rankings de Spotify Argentina correspondientes a la semana del 5 al 11 de junio. Durante esos siete días, las ocho canciones más escuchadas del país pertenecieron al universo Solari. En el primer puesto quedó “Un ángel para tu soledad”, con 1.458.624 reproducciones. Detrás aparecieron “Ji Ji Ji” (1.367.782), “Un poco de amor francés” (1.348.607) y “La bestia pop”, que además protagonizó el mayor ascenso de toda la semana al escalar 147 posiciones hasta el cuarto lugar.
El Top 8 se completó con “Todo un palo”, “Esa estrella era mi lujo”, “Había una vez…”, de Indio Solari y LFDAA, y “Vencedores vencidos”. En total, esas ocho canciones acumularon más de 10,2 millones de reproducciones. Además, en el ranking de artistas, Los Redondos desplazaron a Bad Bunny y se ubicaron como los más escuchados de la Argentina. LFDAA treparon del puesto 95 al 3, mientras que Indio Solari como solista escaló del 115 al 4. Por primera vez, tres proyectos diferentes vinculados al mismo artista ocuparon tres de los cuatro primeros lugares del ranking nacional. Además, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota extendió a 243 semanas consecutivas su permanencia en el chart de artistas.
En cuanto a discos, Lobo Suelto trepó al número uno y alcanzó 291 semanas consecutivas en el ranking. Luzbelito fue el disco que más creció en todo el país al subir 119 posiciones hasta el puesto 9, mientras que Momo Sampler, el último álbum de estudio de Los Redondos, protagonizó el ingreso más alto de la semana al debutar en el puesto 25.
El fenómeno también potenció al circuito siempre activo de las bandas tributo. Rey Garufa y sus Timadores, formada en 2008 en Tandil (ciudad bonaerense que, años más tarde, albergaría tres de los shows más recordados del Indio Solari y LFDAA), es una de las agrupaciones homenaje más convocantes del circuito ricotero. Su popularidad creció especialmente tras su participación en el documental Piedra que late (2013), donde compartieron escenario con Gaspar Benegas y Pablo Sbaraglia de LFDAA.
El 4 de julio, la banda dio un concierto en C Art Media, el segundo de su carrera en ese importante venue de Buenos Aires, en el que recreó En Directo, el recordado disco en vivo de Los Redondos editado en 1992. Este viernes 7, los integrantes de Rey Garufa cruzaron el charco para presentarse en la Sala Rincón de Montevideo, con entradas agotadas.
“Esto es un humilde tributo a la mejor banda de rocanrol de la Argentina”, reza la bio de Instagram de Superlógico, otra agrupación que recorre el país y que lleva más de dos décadas reviviendo “los clásicos de siempre”, como dicen sus flyers de rigurosa estética redonda. Sus presentaciones ya son un clásico en el Teatro Flores, encabezando cada edición de la Fiesta Ricotera XXL. La próxima es el sábado 15 de agosto y las entradas, claro, ya volaron.
También proliferaron los conciertos dedicados a la obra de Solari, aunque no necesariamente desde el mismo lenguaje. Walter “Chino” Laborde y el Dúo Ranas presentaron en vivo su proyecto Tangos Redondos, un álbum con doce versiones en tango, vals y milonga de canciones de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. El trabajo cuenta con la participación de Sergio Dawi, Semilla Bucciarelli y Tito Fargo y retoma una vieja frase del propio Indio: “Pienso que muchas de mis letras se podrían hacer tangueras con mucha tranquilidad”.
Por su parte, el músico y productor Juku Ares anunció Chau Indio, un recital que se llevará a cabo el 14 de agosto en el Teatro Vorterix con la participación de distintos músicos invitados y cuya recaudación será destinada a ACEPAR (Párkinson Argentina), la asociación que trabaja con la enfermedad que el propio Solari hizo pública en 2016. “No como una despedida triste, sino como una noche para cantar con el corazón, celebrar su obra y recordar por qué esas canciones siguen significando tanto”, dice la convocatoria.
(@jukuares)Al día siguiente, el 15 de agosto, en el Teatro Margarita Xirgu (donde tocaron Los Redondos en… ¡1979!) se presentará una edición especial de Una Obra Redonda, propuesta que combina música en vivo, actuación y material audiovisual para reconstruir cronológicamente la trayectoria de la banda entre 1976 y 2001. Es cierto, el Indio se fue. Pero su legado está más vivo que nunca.
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No es un secreto que cada vez que Ryan Castro y Feid unen fuerzas, el resultado deja huella. A lo largo de sus carreras, las estrellas colombianas han lanzado dos colaboraciones oficiales que se han convertido en favoritos del público. Ahora, vuelven a encontrarse para demostrar por qué su química es una de las más celebradas del género. Su nuevo sencillo, ‘Mentira’, reúne la energía que caracteriza a ambos artistas con una producción envolvente y una narrativa vulnerable que refleja su evolución musical.
La canción explora la incertidumbre dentro de una relación marcada por la desconfianza, las dudas y las señales confusas que terminan poniendo a prueba el amor. Fieles a su esencia, Ryan Castro y Feid presentaron ‘Mentira’ de la manera más auténtica posible: junto a su gente. El pasado fin de semana regresaron a Colombia para sorprender a los habitantes de Pedregal, el barrio de Medellín donde Ryan creció, con un evento improvisado que transformó las calles en un punto de encuentro lleno de música, celebración y comunidad. Allí interpretaron algunos de sus mayores éxitos antes de revelar por primera vez ‘Mentira’, desatando la euforia de los asistentes y reafirmando el vínculo que mantienen con sus raíces.
Una vez más, Ryan Castro y Feid demostraron que no hace falta un escenario imponente ni una producción extravagante para crear un momento inolvidable. En plena calle y rodeados de su comunidad, ofrecieron una experiencia cercana y auténtica que permitió a los asistentes conectar con la esencia y la cultura que han marcado el camino de ambos artistas. El videoclip también deja una pista sobre el universo creativo del próximo álbum de Ryan Castro, del que ‘Mentira’ se convierte en el primer sencillo. Además, la canción también formará parte de El Club de las 19 Flores, el esperado próximo álbum de Feid.
Con ‘Mentira’, Ryan Castro y Feid vuelven a poner en evidencia la química y complicidad que han construido a lo largo de los años. Sus colaboraciones anteriores se han consolidado como referentes del movimiento urbano de Medellín: ‘Monastery’ marcó el inicio de esta alianza musical en 2021, mientras que ‘Ritmo de Medallo’ rindió homenaje al sonido, la identidad y la cultura de su ciudad natal en 2023. Ahora, ‘Mentira’ abre un nuevo capítulo en esa historia compartida, mostrando una faceta más enérgica, pero también más vulnerable, de su conexión artística. El sencillo no solo reafirma la fuerza de su química musical, sino que también refleja la evolución creativa y personal que ambos han experimentado desde su primer junte.
Ryan Castro atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. El artista colombiano ha consolidado su proyección internacional con hitos como su reciente portada en ROLLING STONE en Español, además de una agenda marcada por giras internacionales y una presencia constante en las listas más relevantes de la industria musical. Hace unos meses presentó Omerta, su álbum colaborativo junto a J Balvin, un proyecto que confirmó la sólida conexión entre ambos y el respaldo de sus seguidores.
Feid, por su parte, continúa afianzándose como una de las figuras más influyentes de la música urbana actual. Su impacto trasciende fronteras, impulsado por una creciente proyección internacional que recientemente lo llevó a presentarse en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon. A esto se suma una trayectoria de colaboraciones con artistas de talla mundial, entre ellos Madonna, y un catálogo de lanzamientos que se mantiene como protagonista en las principales listas y plataformas de la industria.
Por ahora, ya puedes escuchar ‘Mentira’ en todas las plataformas de streaming musical.
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El último proyecto discográfico de la cantante Rihanna fue en el lejano 2016. Hoy, 10 años después, su esposo, A$AP Rocky, confirmó durante una entrevista en The Jason Lee Show que la artista está trabajando en nueva música.
En la charla, publicada el pasado 5 de agosto, Rocky respondió a uno de los cuestionamientos más comunes dentro del fandom de la artista: ¿Es su relación la que razón por la que Rihanna no ha lanzado un nuevo LP? La respuesta del Estadounidense fue tajante: “Para nada”.
Posterior a eso, el reconocido rapero soltó la bomba: “ella está en el estudio ahora mismo. Sí, lo dije. Perdón, amor. O sea, está trabajando. Está cocinando, no estoy bromeando.”, rematando con un “maldición, me voy a meter en problemas por esto”.
A comienzos de ese año, Rihanna volvió a despertar las expectativas de sus seguidores sobre un posible regreso musical cuando compartió en TikTok un video de su rutina diaria en el que reveló que, después de grabar el contenido, tenía previsto ir al estudio antes de dedicarse a preparar un disfraz para uno de sus hijos.
Aunque en ningún momento confirmó que estuviera trabajando en un proyecto específico, la publicación fue suficiente para que sus fans, The Navy, comenzara a especular sobre la llegada del esperado R9.
Desde entonces no ha habido anuncios concretos sobre nueva música. El lanzamiento más reciente de la cantante sigue siendo ‘Friend of Mine’, canción que formó parte de la banda sonora de la película Pitufos (Smurfs) en 2025. Sin embargo, las imágenes de aquella sesión de grabación sumado a las últimas declaraciones de su marido continúan alimentando la esperanza de sus fanáticos, quienes siguen conectando las pistas a la espera de un nuevo proyecto discográfico.
A lo largo de estos años, Rihanna ha mantenido viva la expectativa de sus seguidores con apariciones puntuales, como su presencia en la Met Gala 2026 o su inesperada participación musical durante el concierto por el 30.º aniversario de Jay-Z en Nueva York. Sin embargo, su último álbum de estudio como solista sigue siendo ANTI, publicado en 2016 e impulsado por éxitos como ‘Work’ y ‘Consideration’.
Desde entonces, la artista ha centrado gran parte de su tiempo en sus proyectos empresariales, su vida personal y su etapa como madre. Aun así, cada nueva aparición en un estudio de grabación o cada comentario sobre su música vuelve a encender la esperanza de quienes siguen esperando su regreso discográfico.
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Los dedos llenos de tinta. No, no había tocado “el pianito” en ninguna comisaría. Claudio Kleiman se había pasado muchas horas, abrochando manualmente buena parte de los diez mil ejemplares que conformaban la tirada de la primera edición de la revista Expreso Imaginario, la publicación que se volvería un símbolo del periodismo contracultural en la Argentina, y que llegó a los kioscos porteños el lunes 6 de agosto de 1976, hace exactamente 50 años. “El número uno se imprimió en un taller que se llamaba Paladino, en la calle Maturín del barrio de La Paternal. La tecnología que tenían daba para la impresión de las hojas y de la tapa (que era en papel satinado a color), pero no tenían para el abrochado. Durante todo un día, todos los integrantes del equipo del Expreso Imaginario nos reunimos ahí y abrochamos a mano los 10.000 ejemplares en que consistió la tirada de ese primer número”, evoca Kleiman, entonces periodista cachorro, y hoy una de las plumas más célebres de Rolling Stone y del periodismo musical latinoamericano.
Kleiman transmite la emoción al ver plasmadas algunas de sus primeras notas. “Había una a toda una página sobre un recital en el Luna Park bajo el título ‘11.000 personas, una fiesta’, y críticas de discos de Neil Young y Bob Dylan, que fueron elogiadas por Charly García. Es inolvidable. En medio de pasar las hojas y abrochar, abrochar, abrochar… Me tuve que ir un poco antes de que termináramos porque tenía que ir a atender la disquería que tenía con mi hermano en Flores. Recuerdo el clima de ensoñación cuando salí de ese taller con todas las manos entintadas, una experiencia que nunca voy a olvidar”.
El Expreso fue, para sus redactores, pero también para sus lectores, una experiencia que trascendía el periodismo. “Hacer el Expreso marcó un antes y un después en mi vida”, explic el benemérito Alfredo Rosso, otro de los cronistas cachorros, devenido (igual que Claudio Kleiman) en Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. “Fue allí donde me di cuenta, con el contacto diario con Jorge Pistocchi, Pipo Lernoud y los demás integrantes de la revista, dónde estaba mi verdadera vocación. Me di cuenta de que en el Expreso había gente que manifestaba la voluntad de vivir una vida sin que nadie le escribiera el libreto, independientemente de lo que pensaran sus padres, sus maestros o los gobernantes de turno”.
Rosso tan solo 20 años tenía. “Aacababa de salir de la ‘colimba’ —donde conocí a Kleiman— y el Expreso empezó dos meses después. Al mismo tiempo que empezaba a escribir en la revista, debutaba en radio con Fernando Basabru en el programa Viento a favor y empezaba a trabajar en el sello Music Hall editando discos internacionales. Al entrar al Expreso me incliné definitivamente hacia el periodismo, y aunque hice centro en el periodismo musical, siempre sentí que mis intereses iban mucho más lejos, como los de toda la gente que trabajaba en la revista y nuestros propios lectores”.
El mencionado Basabru fue otra de las grandes plumas del Expreso. Y fue quien advirtió a Claudio Kleiman sobre la existencia de un emergente (casi desconocido) grupo de la ciudad de La Plata, con el extrañísimo nombre de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Hacia la ciudad de las diagonales fueron Kleiman y Basabru, y volvieron fascinados. Kleiman ostenta el orgullo de haber sido el primer periodista en escribir sobre esa troupe de delirantes que terminarían transformándose en el fenómeno artístico, político y social más extraordinario de la historia argentina. Los Redondos le dedicaron a Basabru, que falleció a comienzos del nuevo milenio, el que sería su último disco de estudio, Momo Sampler. “Dedicado a Fernando Basabru que desfilo en el alegre séquito de Momo cuando era un ejército imparable”, puede leerse en el booklet del álbum editado a fines de 2000.
“La experiencia del Expreso la recuerdo como una experiencia de iniciación en todo sentido de la palabra”, reflexiona Kleiman. “Fueron mis inicios en el periodismo y fue una experiencia iniciática porque empezar con una publicación de esa magnitud y con gente tan grosa —los que están son mis amigos hasta hoy y los que no están fueron mis amigos también durante toda la vida— fue conmovedor. Por supuesto en lo profesional, pero especialmente en lo existencial. El Expreso me cambió la vida. Compartirlo con la gente que conformábamos aquel equipo inicial como Jorge Pistocchi, Pipo Lernoud, Alberto Ohanian que era el editor, el queridísimo “Negro” Fontova, Uberto Sagramoso, José Luis D’Amato, Fernando Basabru y Alfredo Rosso, que eran con los que hacíamos la parte de música... A través de la labor en el Expreso inicié amistades perdurables con León Gieco, Claudio Gabis, Gustavo Santaolalla y Charly García. Fue una experiencia esencial”.
Para entender la magnitud del Expreso, es imprescindible leer Estación Imposible. Expreso Imaginario y el periodismo contracultural, de Sebastián Benedetti y Martín E. Graziano.
“En esos días oscuros de la dictadura militar, el Expreso Imaginario fue una resistencia periodística y cultural indivisiblemente ligada a la búsqueda existencial de quienes lo hacíamos. Esa sensación de querer ser libre, de dejar atrás el temor reverencial a los dictámenes de las generaciones previas y todas esas ataduras. La cultura rock nos había dado una pista para salir de ese encierro, y trabajar en el Expreso compartiendo esa visión me afirmó en mi camino”, evoca Rosso. “En el correo de lectores se percibía claramente que la revista era un oasis en el desierto de la dictadura, que entre otras cosas perseguía a las formas de cultura que se podían apartar del modelo mesiánico que trataban de imponerle al país. La cultura rock y otras artes reflejadas en el Expreso —como el teatro alternativo, el cine alternativo, la plástica y la poesía— en una época en que prácticamente ninguna publicación de kiosco mostraba ese tipo de manifestaciones, hizo que mucha gente a lo largo y ancho del país se sintiera identificada”.
Los recuerdos de Rosso marcan el clima de aquellos años: “Cualquier expresión cultural entre 1976 y 1983 era también una expresión de resistencia. Hacer poesía, literatura, teatro, cine o música era una forma de oponerse a esa cerrazón que quería imponerse por la fuerza, a ese modelo castrense de la vida cotidiana. Lo resistíamos como podíamos: hablando con eufemismos y tratando de que la gente asociara las notas que escribíamos con un mundo diferente que existía y que era posible. Fue nuestro granito de arena para resistir a la prepotencia de la época”.
Kleiman concuerda: “Era un espacio de la cultura rock donde en esa época estábamos todos del mismo lado: los lectores, los artistas y los periodistas. El Expreso le dio un espacio de nucleamiento y de difusión que era muy necesario. En plena dictadura no había ningún otro medio y para la gente era importantísimo. Así como a los artistas algunos les dicen ‘esa canción me salvó la vida’, a nosotros también nos han dicho con el correr de los años muchos lectores que el Expreso consiguió salvarles la vida, porque los hizo sentir que no estaban aislados ni solos en sus casas, que no eran los únicos que se sentían de esa manera a contramano de todo el terror imperante. El hecho de que haya sido durante la dictadura hizo que nos aglutináramos todos los que estábamos del mismo lado: éramos claramente ‘nosotros contra ellos’. Cuando nos planteamos hacer la revista, antes de que saliera, queríamos que los músicos, los artistas y el público la sintieran como suya, y lo conseguimos. En otras revistas tenían una cuestión muy crítica, bajaban línea y a algunos artistas les hacían la vida imposible, mientras que en el Expreso, aun cuando nuestras críticas eran bastante afiladas, siempre los músicos lo sintieron como un espacio propio”.
Las notas más emblemáticas
Alfredo Rosso y Claudio Kleiman tienen un recuerdo especial de algunas de las notas que publicaron en esas páginas. Dice Rosso: “Entre las notas mías que recuerdo como hitos, primero quiero citar la nota de punk, porque fui uno de los primeros en la publicación que se interesó en ese proceso y en toda la transformación que esa música iba a traer. Hice una nota gigante hablando del movimiento punk en Inglaterra, de la génesis del movimiento en Nueva York y de todo lo que había sucedido con las principales bandas en ambos costados del Atlántico. Otra nota que quiero muchísimo es el reportaje a Luis Alberto Spinetta en la época de Kamikaze. Era un momento muy difícil porque estábamos en medio de la guerra de Malvinas. El ‘Flaco’ contestó muy emocionalmente acerca de cómo se había hecho el disco y aproveché para preguntarle por un álbum que siempre fue un misterio para mí y que él me aclaró con lujo de detalles: Spinettalandia y sus amigos (1971). Todas las reflexiones de Luis Alberto sobre su época, sobre ese momento de la historia del país y lo que se venía después fueron muy lúcidas. Me sentí muy contento de haber estado a cargo de esa nota”.
Kleiman, por su parte, también tiene un lugar especial para sus recuerdos. “Hay unas cuantas. Por ejemplo, una con Los Jaivas que se llamó ‘El planeta es un ser respetabilísimo’. La recuerdo como una nota muy importante por lo que significó para mí meterme en su mundo —un grupo que, aún a 50 años de esa experiencia, todavía se encuentra en actividad y son una especie de mito viviente en Chile—. De las notas tituladas ‘Se cuenta todo’, donde un artista recorría toda su vida, recuerdo especialmente las de León Gieco y Gustavo Santaolalla: notas muy extensas que implicaban varios días de convivencia con los entrevistados”. Y la lista sigue: “Después recuerdo la nota de Dylan del número 12, que fue la primera nota extensa recorriendo toda su carrera que se hizo sobre Bob Dylan en nuestro país. Recuerdo las dos notas a Charly García que fueron tapa: una con el Expreso en formato grande de primer año y la otra donde está con un cigarrillo en la era con Pettinato como director, que son notas muy citadas en los libros que se han escrito sobre Charly. Por supuesto, recuerdo ‘Es verdad que aunque usted no lo crea, entrevistamos a Patricio Rey’, que fue la primera nota que se hizo con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (además de dos reseñas de conciertos que había hecho previamente) y la única vez en la vida que Patricio Rey dio una nota”.
Aunque estaba centrada en la Cultura Rock, el universo musical iba de Astor Piazzolla y Atahualpa Yupanqui a Rubén Rada, los hermanos Fattoruso, Egberto Gismonti y Hermeto Pascoal.
“Éramos conscientes de que estábamos haciendo una cosa muy importante, que no había sido hecha antes y que, en el contexto en que lo estábamos haciendo —la Argentina en plena dictadura cívico-militar—, redoblaba su importancia. Le poníamos alma y vida a la publicación, dejábamos todo lo que teníamos. Hacíamos el esfuerzo por hacer las mejores notas que pudiéramos y no teníamos calendario: si había que quedarse tres días sin dormir haciendo una nota o porque se venía un cierre, lo hacíamos. Algunos cierres eran experiencias realmente heroicas por el esfuerzo que involucraban”, evoca Kleiman. “Distinto es verlo con el diario del lunes. Nadie podía ser consciente de lo más lindo a lo que uno puede aspirar: que esto perdure en el tiempo, que la gente se acuerde, que les haya transformado la vida y que a 50 años todavía te la sigan mencionando. Sigue siendo significativa no solo para nuestros contemporáneos que compraban la revista o la leían, sino también para sucesivas generaciones a las que les fueron llegando los ecos del Expreso Imaginario y que reconocen esa patriada”.
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Del jueves 6 al domingo 9 de agosto, de 14 a 21 hs, en C Art Media (Av. Corrientes 6271) la Feria de Editores (FED) celebra su 15° edición con entrada gratuita (reservas acá) y un despliegue que reúne a más de 330 editoriales de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Perú, Uruguay y España.
Durante cuatro jornadas, los pasillos proponen un desfile en el que conviven sellos de culto como Godot, Sigilo, Caja Negra, Gourmet Musical y Chai, junto a apuestas artesanales y de nicho como Firpo casa editora y Astronauta Ruso.
La grilla de actividades propone incluye una entrevista pública a Mauricio Kartún sobre los procesos creativos; debates sobre gentrificación, la correspondencia de Walter Benjamin o las formas de la crónica contemporánea. Entre las visitas internacionales sobresalen la escritora Socorro Venegas, la cantautora Julieta Venegas, la francesa Violaine Bérot y las autoras uruguayas Tamara Silva Bernaschimna y Erika Paula Curbelo. El cierre estará a cargo de Camila Perochena con Editar el pasado para gobernar el presente, una lección sobre cómo la historia se reescribe en caliente.
En un momento decisivo, la FED fija postura y se une al repudio del sector ante el intento de derogación de la Ley 25.542 de Defensa de la Actividad Librera. Esta norma, ejemplo en Latinoamérica e inspirada en mercados como Francia, Alemania y España, protege el precio único del libro y sostiene un ecosistema diverso de librerías de barrio frente a la concentración. La consigna de la comunidad es rotunda: la ley se puede debatir y mejorar, pero jamás derogar de manera unilateral.
Además, el sábado 8, desde las 23:50 hs, el Teatro Vorterix (Av. Federico Lacroze 3455) será la sede del gran baile de la edición independiente. La pista conjuga el groove imbatible de Villa Diamante, la impronta de DJ La Malibú y el viaje por el rock, pop y tango a cargo de Sandwich Piano Bar. Las entradas ya están a la venta en AllAccess. Un ritual imperdible para brindar por las lecturas y la resistencia en papel.
Como es costumbre, Rolling Stone recomienda una serie de libros para rastrear en esta edición de la FED y apoyar a las editoriales independientes.
Invenciones sobre Babasónicos
Sebastián Cháves (Editor) – Gourmet Musical
Cada disco, cada show, cada videoclip, cada entrevista de Babasónicos se aparece como un manifiesto tan elástico que lo protege de convertirse en bajada de línea y permite así que la fantasía haga lo suyo. En ese limbo entre idea e imaginación se mueve este libro. Doce textos, doce escritores, que ponen el goce del pensamiento y la interpretación a jugar con una obra que ha logrado, como pocas, fundir erotismo e intelectualidad, para que nada sea pura pulsión ni pura reflexión.
Tamara Tenenbaum escribe sobre el erotismo en Babasónicos. Pablo Schanton sobre teoría y práctica del rock. Leo Oyola un cuento-poema. José Bellas reconstruye los comienzos. Julieta Habif analiza las palabras. Pablo Plotkin la relación con la ciudad. Gabriel Orqueda la portada de Miami. Luis Paz los shows en vivo. Juan Barberis la producción audiovisual. Olivia Pranteda el lado cósmico. Andrea Guzmán el de la independencia. Sebastián Chaves los límites de la canción.
Prohibido ingresar con cámara
Gabriel Patrono – Editorial Caracú (Disponible en el stand de Alto Pogo)
Gabriel Patrono, fundador y referente del colectivo La Nave de los Sueños, presenta su nuevo libro de crónicas, que incluye un centenar de fotos inéditas que retratan la cultura rock de Buenos Aires de los años 80 y 90. Prohibido ingresar con cámara, debut de la editorial Caracú, se presenta en una edición artesanal de 144 páginas, con las tapas estampadas en serigrafía directo sobre el cartón, los interiores a color, cosida y encuadernada a mano. Una tirada de 100 ejemplares numerados, cada una con un poster único.
El libro propone un paseo en clave adolescente con la llegada de la democracia como punto de partida, el colegio secundario y el rock argentino como telón de fondo, las primeras fotos a los fervorosos escenarios musicales, aventuras con amigos y la música en primer plano. Un libro singular desde su concepción, narrado con fascinación por la música y las imágenes, sabor adolescente, espíritu de fan y emoción rockera.
Aunque parezca increíble, en esos años estaba prohibido sacar fotos o llevar un grabador a los conciertos de rock. Hay pocos registros de espectadores de esas noches geniales de música y comunión. Un par de chicos lanzados a la aventura entendían el valor del momento y con la irreverencia de la edad se las ingeniaban para esquivar el impedimento y meterse con una camarita escondida en la campera, disfrutar de momentos de gloria y sacar algunas fotos para dejar un registro propio de esas noches llenas de emociones y espíritu de aventura. De eso se trata este libro indispensable.
5 estrellas. Amor y odio y crítica de música
Martín E. Graziano – Firpo casa editora
Escrita en el lapso de un año y medio, esta serie de ensayos y tiros por elevación abre una discusión, la lleva en distintas direcciones y, a su manera, la cierra. ¿Por qué la crítica de música dio un paso al costado? ¿Vale ofenderse o es de blandito? La posición política de un artista, ¿modifica la forma en que lo escuchamos? ¿Qué es una canción con ideas? Simultánea y acaloradamente, Cinco Estrellas es un elogio y una descalificación de este oficio en vías de extinción. Si alguien tiene algo para decir -propone el autor- que lo diga dos veces.
Palabras que ya no existen
Inés Ulanovsky – Paripé Books
El nuevo libro de la autora de Las fotos (2026, Blatt & Ríos) está conformado por imágenes propias y encontradas –muchas de ellas diapositivas tomadas entre las décadas del 60 y del 80- que, en un giro poético del destino, vio caer un domingo de marzo de 2023 desde la ventana de su casa, en un quinto piso.
“La gente tira sus recuerdos y yo me autoimpuse una misión absurda: registrarlos antes de que pase el camión de la basura. Intuyo que hice la misma operación con mis recuerdos. Los rescaté para no olvidarme, los escribí para que ‘mi siglo XX’ quede en alguna parte. Este libro es un inventario incompleto de imágenes y palabras que están a punto de desaparecer”, señala la fotógrafa y docente Inés Ulanovsky en las primeras páginas de Palabras que ya no existen.
Cospel, guía Filcar, estampilla, videoclub, Nuevediario, Enciclopedia Salvat, Argentina Televisora Color, fax, máquina de escribir Olivetti, casete, cabina telefónica, Peugeot 404… por este libro híbrido desfilan los nombres y las imágenes de muchas cosas que ya no forman parte de la vida cotidiana de los argentinos, las del mundo en el que nació la autora. “Ya no existe ninguna posibilidad de que me toque un boleto capicúa, sentarme en el último asiento del colectivo, mirarlo y pensar que tuve suerte”, escribe. Pero si aún es posible nombrar muchas de estas cosas y pasar las páginas de este libro, ¿será que, de algún modo y en algún lado, aún existen?
La estrella y la memoria
Eduardo Berti – Híbrida Editora
En un pueblo de la Patagonia hay decenas de personas convencidas de haber visto al mejor futbolista de la historia argentina. Eliseo Alegre, un vecino callado con un talento innato para el fútbol, que no quiso la fama ni irse de su pueblo, que jugaba al fútbol porque se lo pedían los demás y que terminó convertido en leyenda.
Eduardo Berti construye en La estrella y la memoria una novela a medio camino entre la ficción, la crónica y el documental oral. La voz del narrador se corre y deja lugar a otras voces: vecinos, excompañeros, rivales y familiares, gente que todavía discute si Alegre fue un genio o un invento colectivo.
Una novela coral de la que emerge una reflexión sobre el talento, la voluntad, la relación entre el deseo y la destreza, y la forma en que los pueblos fabrican a sus héroes. ¿Qué hacemos con un don descomunal cuando no le interesa a su dueño? ¿Qué pasa con los talentos que sus propios portadores no reclaman?
Por qué escuchamos a Iggy Pop
Vera Land – Gourmet Musical
Al pensar en Iggy Pop un puñado de canciones llegan a nuestra mente de forma inmediata. El clamor de una cadencia profunda a través del tiempo. Una misma melodía de voz llena de variantes que conforman un mensaje unido en el viento que atraviesa la contingencia. Iggy no solamente canta, no solamente es un letrista. Nos habla, nos susurra al oído, nos grita en la cara, nos aúlla desde una caverna atemporal, nos narra desde cierta distancia, nos explica sin bajar línea, aunque no comprendamos el idioma, aunque no estemos familiarizados con los códigos de su barrio, de su ciudad. Canta muy bien, pero no solo eso es lo importante, nos envuelve con entonaciones sinuosas, sugerentes, amenazadoras, el aura de su voz nos toca de forma especial, es una convocatoria, una llamada, como el campanario de una iglesia que se ve desde todos los lugares del pueblo. Un pueblo que es el nuestro y que no tiene un territorio delimitado. Una iglesia de una religión sin nombre, pero que es la nuestra, de ciudades fundadas sin batallas de militares a caballo, con medallas tatuadas en la piel, con himnos que encierran la épica de la lucha desigual. Iggy es esa voz en el viento que nos llama en un idioma que no es el inglés. Es el idioma de nuestra caterva. Las palabras son importantes, pero la llamada trasciende las fronteras del significado de los versos.
Cómo arruinar el rock nacional
Ale Sergi – Firpo casa editora
“Yo no sé tocar bien ningún instrumento. Pero puedo programar una banda completa y que quede bien”, dice Ale Sergi. De grabar demos de trash metal en el Oeste a llenar estadios; de romper las estructuras del rock nacional a tocar en la tele de la tarde sin prejuicios. Este fanzine es un recorrido por la cabeza del cantante de Miranda!: un artista que entendió antes que nadie que el pop no es una cuestión de egos, sino de saber, libertad y autogestión total. Dice Javiera Pérez Salerno (@labicivoladora) en el prólogo: “La sola existencia de Miranda! parecía afirmar que si no había un afuera del capitalismo, si no íbamos a poder cambiar el sistema, entonces la única alternativa era rarearlo todo. Así se metió en el corazón de la cultura comercial para hacerla estallar desde adentro”. Un manual involuntario sobre cómo hacer música con una compu en un monoambiente, cómo adueñarse del concepto, provocar, arruinar lo sagrado y, sobre todo, ponerse al servicio del espectáculo.
Estéticas liminales. Vaporwave, Backrooms, weirdcore o cómo la cultura de internet está enrareciendo la realidad
Valeria Tanni – Caja Negra
“Internet es una forma de vida extraterrestre”, declaró David Bowie en 1999: hoy su afirmación está más vigente que nunca. El aumento exponencial de contenido online y de su consiguiente capacidad para afectar nuestra vida se corresponde con la necesidad urgente de encontrar conceptos que nos ayuden a comprender este novedoso paisaje alienígena. Y qué mejor para esta tarea que utilizar conceptos nativos de la propia web, surgidos de manera confusa y colectiva en cuentas de Tumblr, comentarios de YouTube o hilos de Reddit. La historiadora y curadora italiana Valentina Tanni se entrega con minuciosidad arqueológica a esta labor, asumiendo que internet es al mismo tiempo máquina de producción de realidad y aparato de autointerpretación.
Cenizas
Vera Land – Hormigas Negras
“Escribo poemas desde los doce años”, cuenta Vera Land. “La mayoría se han perdido en mudanzas o quedaron dentro de computadoras muertas. Como el destino de mis poemas suele ser el naufragio, apuro este libro antes de que corran la misma suerte que los anteriores”.
Un fragmento de “Verano”, uno de sus poemas:
Lanzas metálicas de hormigas negras
tinta húmeda, tinta roja, alma y sangre
la metrópoli y los otros,miradas que tropiezan
certezas fugaces en el puente nocturno
inmensos telones dorados, presencias exóticas
humo, ruido, siluetas sigilosas
hojas estampadas de letras indescifrables
recortes de secuencias, frases inconclusas
trancos ácidos, en la huida suave
por andenes mal alumbrados
retumbando en la amnesia del día después
la armonía del azar, cartas del porvenir
signos en el vapor de los cristales
memorias en la brisa, escombros en el tiempo.
Obras quemadas
Juan Álvarez Tolosa – Paripé Books
Dice Sofía de la Vega: “Como a vista de pájaro sobre el Río de la Plata, Obras quemadas nos despliega un territorio, con su memoria y sus derivas. Hay, por supuesto, un inicio desde el mar: el Vizconde Lascano Tegui, un escritor maldito de comienzo de siglo, pierde la mayor parte de sus escritos durante un incendio en su camarote de vuelta a Los Ángeles. Este hecho, casi excusa, se convertirá en el principal afluente que abre los misterios y aventuras de los hombres y mujeres que vivieron surcando este río. En paralelo, Juan Álvarez Tolosa nos deja pistas de su propia vida mientras de forma compulsiva acumula los rastros del Vizconde. Así se construye una novela doble, o ¿múltiple?, que se quema entre nuestras manos. Los ríos propios, ajenos, antiguos y ficcionales se cruzan para crear este libro fascinante que se pregunta sobre las posibilidades de invención de la Nación”. Juan Alvarez Tolosa es economista, periodista y editor de la revista Los Años 20. Oriundo de Villa Sarmiento, Morón, Buenos Aires. Obras quemadas, su primer libro, es un ensayo híbrido sobra la vida y obra del poeta maldito argentino Vizconde de Lascano Tegui.
Patear el suicidio hacia adelante
Walter Lezcano con ilustraciones de Pedro Dalton – Piloto de Tormenta
Parte de la colección Rima y prosa del sello, este libro es un recorrido poético por el cuerpo, el deseo, los sueños y las batallas cotidianas de la mente. Walter Lezcano es poeta, narrador y docente de literatura, nacido en Goya, Corrientes. El trazo visual del uruguayo Pedro Dalton acompaña y tensiona el texto sin ilustrarlo literalmente.
Historia de la música beat en la Argentina (1964-1970)
Julián Delgado – Gourmet Musical
Durante mucho tiempo, la historia del rock argentino fue contada como la epopeya de unos pocos nombres ilustres y de un puñado de discos convertidos en mito. Pero antes de que existiera un canon consolidado, antes de que La balsa fuera elevada a la categoría de himno fundacional, hubo una trama mucho más amplia, heterogénea y contradictoria: la de la música beat.
Entre 1964 y 1970, cientos de bandas juveniles, fanáticos, periodistas, productores, sellos discográficos, clubes, revistas, instrumentos eléctricos y nuevas tecnologías de grabación transformaron para siempre el modo de hacer, escuchar y pensar la música en la Argentina. Inspirada por los Beatles y la invasión británica, la juventud de aquellos años no solo incorporó nuevos sonidos, peinados y formas de vestir: también impulsó una profunda modernización cultural, atravesada por tensiones entre arte y comercio, autenticidad y mercado, rebeldía y consumo, cosmopolitismo y nacionalismo.
Este libro reconstruye ese universo y propone una nueva mirada acerca de la conformación del rock y el pop en la Argentina explorando la red de actores, prácticas e ideas que hizo posible el surgimiento de una sensibilidad musical inédita. Desde El Club del Clan hasta Almendra, desde Los Shakers y Los Gatos hasta los grupos anónimos hoy poco recordados, muestra cómo y por qué la música beat fue un capítulo decisivo de la historia cultural argentina.
Por qué escuchamos a Serge Gainsbourg
Gustavo Álvarez Núñez – Gourmet Musical
Serge Gainsbourg atravesó gran parte de la segunda parte del siglo XX inscribiendo su nombre como una leyenda de la canción francesa. Provocador. Misógino. Visionario. Crooner maldito. Borracho. Fumador. Bardero mediático. Misántropo. Tímido. Fanático de los pedos. Racista. Onomatopéyico eterno. El hombre más feo del mundo colaborando con las mujeres más bellas del mundo: Jane Birkin, Juliette Grèco, Brigitte Bardot, Isabelle Adjani y Vanesa Paradis, entre las más mentadas. En su obituario, el entonces presidente francés François Mitterrand dijo: “Fue nuestro Apollinaire, nuestro Baudelaire, elevó la canción a la categoría de arte”. A lo largo de casi cuatro décadas, el multifacético artista francés construyó una obra tan sugestiva y cuantiosa musicalmente como atrevida y aventurada literariamente hablando; una obra tan rica como descabellada, tan accesible como inalcanzable, tan jugosa como jugada. Gainsbourg fue un genio posmoderno adelantado a su tiempo.
El tao de la canción
Pablo Dacal – Híbrida Editora
¿De qué está hecha una canción? Con la lucidez del ensayista, el oído del músico y el asombro del trovador, Pablo Dacal recorre siglos de canto: de los goliardos medievales a los juglares rioplatenses, de la zapada a la grabación y del fuego tribal al algoritmo. Este libro es un viaje por los caminos de la música y la palabra, por los oficios del canto y sus metamorfosis; un mapa apasionado de la canción como forma de conocimiento, aventura y revelación. Dacal nos recuerda que toda canción, antes que sonido o letra, es un modo de estar vivos.
Notas musicales de un periodista cultural. Entrevistas 1967-2025
Carlos Ulanovsky – Gourmet Musical
Carlos Ulanovsky es periodista desde su más tierna adolescencia y oyente de música en la radio desde que tenía cinco años. Es escritor y Notas musicales es su libro número veintiocho. En su ya extensa trayectoria tuvo la oportunidad y el privilegio de entrevistar a músicos, directores, compositores, intérpretes, cantantes (varios de ellos extranjeros, reporteados en sus países), críticos musicales, periodistas especializados, productores, disc jockeys. Este es el registro de esos encuentros, realizados para distintos medios gráficos y digitales y que abarcan un período que va de 1967 al 2025. La mayor parte de ellos estuvieron generados por la curiosidad, por el interés de reflejar un aspecto fundamental de la cultura popular formadora de su propia educación sentimental y, por qué no, por la admiración y por el afecto personal. Al decir del autor, estas charlas, miradas y observaciones no solo hablan de los músicos y la música que escuchó, conoció y entrevistó sino que son el singular rescate del músico que podría haber sido y que no fue. El listado de entrevistados es ecléctico y apabullante: Facundo Cabral, Alberto Favero, Leonardo Favio, Horacio Fontova, Charly García, León Gieco, Víctor Heredia, Kevin Johansen, Libertad Lamarque, Les Luthiers, Leo Maslíah, Horacio Molina, Fito Páez, Dámaso Pérez Prado, Astor Piazzolla, Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Caetano Veloso, María Elena Walsh y Alfredo Zitarrosa, entre otros.
Los Corrosivos (1984-1989). Los 5 años que cambiaron la historia (La nuestra al menos)
Fellini (Walter Temporelli) – Piloto de Tormenta
En Los Corrosivos: 1984-1989: Los 5 años que cambiaron la historia (la nuestra al menos), Fellini nos sumerge en el mundo de una banda con premisas indiscutibles: todo debía sonar siniestro y marchoso (…) nadie podía tocar “solos” ni de batería, ni de bajo y mucho menos de guitarra (…) antes que digitar, mejor acoplar (…) no tocar lo que el público espera (…) el mejor aplauso es el silencio abrumador después de terminar cada tema… Y aunque esta muestra de sentencias parezca algo dogmática fueron, en realidad, las reglas con las que Los Corrosivos cambiaron una forma de experimentar y vivir la música, la suya al menos.
Esta banda creada por Fellini y puñado de amigos en algún lugar de la zona sur bonaerense a mediados ochenta, precisamente, puso su imaginación al servicio de la corrosión de lo impuesto, diluyendo en lo performático lo metálico y áspero de la historia individual y social que les tocó vivir. Y la mención del sur no es azarosa porque Los Corrosivos no es solo uno de los grupos pioneros del punk (y no tan punk) argentino, sino también una de las bandas sureñas que “armaron la zona” y le dieron ese espíritu que todavía hoy conserva.
Los Corrosivos 1984-1989 es un relato atrapante que nace de una subjetividad pero que al párrafo se vuelve colectivo, barrial, nacional, mundial. Y decimos mundial porque en sus páginas se entremezclan ciudades europeas, fanzines nacionales e internacionales extintos, pueblos perdidos de la Patagonia, manifiestos punkvanguardistas, películas de culto, el muro de Berlín, la pos dictadura, espacios existenciales conurbánicos y una Buenos Aires sepultada por los nuevos edificios derrumbándose… eso y muchos espacios más que seguramente los lectores descubrirán solos.
Como si fuera una cinta de Moebius, Fellini encausa en la zona, en el sur, a su banda en un proceso químico narrativo que le saca el óxido a una etapa de nuestra cultura y que, quizás, nos gusta pensar, cambió el mundo… al menos el de ellos.
Bestias Brutas
Polaco Scalerandi – Tren en Movimiento
Reconocido ilustrador, historietista y pintor, Damián “Polaco” Scalerandi (se formó en la Escuela Prilidiano Pueyrredón (IUNA), y publicó en medios como Fierro, Barcelona, Mongolia, Billiken y Crisis, además de dirigir la revista Lule Le Lele. Sobre su nuevo libro, dice Enrique Alcatena: “Como todos los que recorran las páginas de esta obra, también uno no podrá evitar maravillarse ante la maestría técnica del artista. La destreza pictórica, el cuidado por el detalle (jamás gratuito, siempre relevante), la maestría compositiva, son cualidades que no son inéditas para los que seguimos la obra del autor desde hace tiempo. Lo que hace a este libro no solo un despliegue de virtuosismo artístico sino algo emocionante y perturbador, es la visión del Polaco. Visión encarnada en la atroz majestad de sus brutales esperpentos, que conviven, en sobrecogedora familiaridad, con escenarios suburbanos; lo cotidiano y lo pesadillesco en un mismo espacio mágico. Pero no termina ahí la alquimia: los textos que acompañan el desfile de monstruos complementan, sin altisonancias, con la claridad de un cronista crítico, añaden profundidad y perspectiva al momento histórico que nos ha tocado transitar. Imposible no pensar en otros creadores de fantasmagorías que reflejaron su época en el espejo oscuro de su inspiración, como Brueghel el Viejo o Goya. El Polaco está en esa liga”.
Re-Sisters. Vidas y archivos de Delia Derbyshire, Margery Kempe y Cosey Fanni Tutti
Cosey Fanni Tutti – Caja Negra
Este libro es mucho más que un ensayo biográfico: es un montaje íntimo que descubre la profunda afinidad entre mujeres que nunca se conocieron pero que, sin embargo, compartieron una misma voluntad de insubordinación y trascendencia. Cuando a Cosey Fanni Tutti –figura fundamental de la música electrónica británica– le encargaron la banda sonora de un documental sobre otra pionera musical, Delia Derbyshire, comenzó a explorar sus archivos con tal intensidad que el proyecto derivó en una búsqueda personal. En paralelo, descubrió en una librería las memorias de una mística cristiana del siglo XV, Margery Kempe: una obra considerada como la primera autobiografía en idioma inglés.
Con una narración híbrida y envolvente, Re-Sisters entrelaza las vidas de Derbyshire, Kempe y Tutti para expandir los vínculos entre creación, deseo, espiritualidad y libertad. A pesar de los siglos que las separan, las tres enfrentaron formas similares de exclusión y encarnan maneras singulares de sostener una vocación frente a la resistencia del entorno. Derbyshire revolucionó la música electrónica desde el Radiophonic Workshop de la BBC, pero durante años su aporte quedó invisibilizado; Kempe, peregrina y visionaria, desafió los límites impuestos a las mujeres en la Inglaterra medieval y padeció la crueldad y el desprecio; y la propia Cosey sufrió diferentes formas de abuso como parte de la banda industrial Throbbing Gristle, a la vez que fue cuestionada durante décadas por incursiononar en el terreno de la pornografía como parte de su obra performática.
Cosey Fanni Tutti convierte la investigación y la escritura en un gesto de filiación y rescate. Avanzando por asociaciones e intuiciones antes que por cronologías rígidas, Re-Sisters revela cómo la historia cultural suele dejar en los márgenes a quienes desafían lo establecido y traza un mapa de la experiencia y de la complicidad feminista a lo largo de seis siglos.
Estamos desesperados, Dios del underground
Martín Servelli – Piloto de Tormenta
Publicada de manera independiente y con ediciones agotadas hace más de una década, el lector podrá encontrar en un único tomo la novela indie-rock Estamos desesperados (2011) y los relatos de míticos recitales en la ciudad de Buenos Aires a finales de la década del noventa e inicios del siglo XXI en Dios del under (2013).
La música es un misterio que acompaña al hombre desde sus orígenes y traduce su impulso vital: el del ritmo de nuestro corazón. ¿Será por eso que el sonido de los tambores nos atrae como un llamado primigenio, y las rondas de pogo en los recitales son idénticas a una danza tribal? Encuentros, desencuentros, vida cotidiana, sexo, drogas, tribus urbanas, conurbano, libros, disquerías, recitales y música indie como permanente sonido de fondo conforman este combo: dos obras elementales para entender el sentir de una generación —la X— antes del tsunami homogeneizador de las redes sociales como campo de desempeño, donde se priorizaba la creatividad y autenticidad de sus participantes.
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Foo Fighters confirmó su regreso a la Argentina. La banda encabezada por Dave Grohl se presentará el 25 de febrero de 2027 en el Estadio River Plate, en el marco de la gira mundial Take Cover Tour, que acompaña la salida de su más reciente álbum, Your Favorite Toy. El concierto tendrá como artistas locales invitados a Usted Señalemelo y Pacifica.
Será la quinta visita del grupo al país. Su debut fue en el Quilmes Rock de 2012, seguido por los shows en el Estadio Único de La Plata (2015), Vélez (2018) y su última presentación en 2022, cuando cerró la edición de Lollapalooza Argentina.
Las entradas tendrán una preventa exclusiva para clientes Macro Visa desde el martes 11 de agosto a las 10, mientras que la venta general comenzará el miércoles 12 de agosto, también a las 10. Los tickets se venderán exclusivamente a través de All Access.
El show forma parte del Take Cover Tour, una gira que comenzó en enero de 2026 en México y que se extenderá hasta 2027 con fechas en América, Europa, Oceanía y Sudamérica. En este recorrido, Foo Fighters alterna un segmento eléctrico con otro acústico e incorpora canciones poco habituales en su repertorio, además de algunos covers.
Durante esta etapa, la banda publicó Your Favorite Toy, su duodécimo álbum de estudio y el primero grabado con Ilan Rubin como baterista. El disco, editado en abril de este año, llegó tres años después de But Here We Are (2023), el trabajo con el que el grupo inició una nueva etapa tras la muerte de Taylor Hawkins en 2022.
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