Ritchie Blackmore no hizo ninguna actuación en vivo con Deep Purple desde su tumultuosa salida del grupo de heavy metal en 1993; de hecho, se ausentó de la ceremonia de ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2016 cuando la banda se negó a compartir escenario con él esa noche. Sin embargo, en un giro sorprendente de los acontecimientos, Blackmore comunicó a sus seguidores el martes por la noche, a través de Instagram, que tiene previsto unirse al grupo este miércoles durante su actuación en el Jones Beach Amphitheater de Wantagh, Nueva York.
«En realidad llamé… bueno, no le llamé directamente; envié a mi paloma con IA a Ian Gillan [vocalista de Deep Purple], que vive en Portugal actualmente», comentó Blackmore. «Le dije: “¿Qué te parecería si subiera al escenario solo para el bis? Solo una de las canciones. No quiero molestar”. La idea le encantó; se la planteó a la banda, dieron el visto bueno y parece que es algo que vamos a hacer».
«Espero estar a la altura del guitarrista actual [de Deep Purple], Simon McBride», añadió Blackmore. «Porque veo que lleva unos amplificadores enormes a sus espaldas… Es un guitarrista excelente, al igual que lo fue —y lo sigue siendo— Steve Morse [exguitarrista de Deep Purple], un gran guitarrista».
Blackmore es el guitarrista fundador de Deep Purple y coautor de sus temas más emblemáticos, como «Smoke on the Water», «Highway Star» y «Space Truckin’». Abandonó el grupo en 1975 para formar Rainbow junto a Ronnie James Dio —futuro vocalista de Black Sabbath—, pero regresó a la banda en 1984 tras la disolución de Rainbow.
Permaneció en el grupo hasta noviembre de 1993, momento en que unas tensiones latentes desde hacía tiempo estallaron durante una gira por Europa. En un concierto en el NEC Arena de Birmingham, que la banda estaba grabando para su posterior lanzamiento oficial, Blackmore no estaba en el escenario cuando empezaron la actuación con «Highway Star». Salió a mitad de la canción, tocó de forma errática y acabó arrojando un vaso de agua a un operador de cámara que, a su juicio, se había acercado demasiado.
La banda continuó con Blackmore durante unos días más y se separó de él tras un concierto el 17 de noviembre en Helsinki, Finlandia. Con poco tiempo antes de una próxima gira por Japón, el grupo hizo venir a Joe Satriani para que ocupara su lugar temporalmente. Como solución a largo plazo, contrataron a Steve Morse, quien permaneció en el grupo hasta 2022.
La posibilidad de un reencuentro con Blackmore se planteó muchas veces a lo largo de los años, pero Gillan siempre la descartó. «Sería inconcebible pensar en traer de vuelta a Ritchie», declaró el cantante a Rolling Stone en 2014. «No tengo ningún problema con Ritchie, ni nadie más lo tiene. He estado en contacto con Ritchie recientemente y todo está bien, así que no hay ningún conflicto personal ni rencor. Ya somos demasiado mayores para eso y todo quedó atrás, pero no. Eso está totalmente descartado».
Cuando el grupo se enteró de que iba a ingresar en el Salón de la Fama en 2016, el baterista Ian Paice dijo a Rolling Stone que no sabía qué pasaría con Blackmore. «Tenemos que aceptar que en nuestra historia ha habido personalidades que no se llevaban bien», comentó. «No tengo ni idea de cómo funcionaría eso. No sé si se podría dejar de lado… Algunos de nosotros consideraríamos [actuar con Blackmore]. Otros probablemente no. Depende de cómo se plantee y de los sentimientos de cada uno. Pero ahora hay que dar prioridad a los miembros que siguen trabajando bajo ese nombre y manteniéndolo vivo. Su decisión es definitiva».
Cuando llegó el momento, el mánager de Deep Purple, Bruce Payne, comunicó a Joel Peresman —presidente y director ejecutivo del Salón de la Fama del Rock and Roll— que la banda no actuaría con Deep Purple, ni siquiera para interpretar una sola canción. «Hemos vivido muchas situaciones así en el pasado», declaró Peresman a Rolling Stone, «y a menudo estos asuntos se resuelven para esa noche, y al día siguiente cada uno vuelve a su rincón».
Esta vez no fue así. Al enterarse de que no podría tocar con el grupo, Blackmore decidió quedarse en casa esa noche en lugar de verlos actuar sin él. «Estaba considerando la posibilidad de asistir, hasta que recibimos un mensaje del presidente del Salón de la Fama del Rock informándonos de que Bruce Payne —representante de la actual formación de gira de Deep Purple— había dicho que “no”», se leía en una publicación en la página oficial de Facebook de Blackmore. «Por lo tanto, Ritchie no asistirá a la ceremonia. Agradece sinceramente el apoyo de todos los fans que votaron por él».
No está claro qué sucedió durante la última década para que Gillan suavizara su postura, aunque Blackmore sufrió un infarto en 2025 que le dificultó tocar música e incluso viajar durante varios meses. Tampoco se sabe con certeza si la reunión en Jones Beach será algo más que un evento puntual. Pero, aunque solo sea para interpretar una última vez «Smoke on the Water», supondrá un hito en la larga trayectoria de la banda.
«Será agradable volver a ver a los viejos compañeros», comentó Blackmore a sus seguidores en Instagram. «Supongo que todos estaremos con muletas, sillas de ruedas y cosas por el estilo, aunque creo que los demás están bien. Pero sí, da un poco de miedo… Llevo 25 años tocando la guitarra acústica».
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Rod Stewart hará una pausa en su gira para recuperarse tras someterse a un procedimiento rutinario y exitoso de colocación de un stent coronario.
En un comunicado compartido con Rolling Stone el martes 11 de agosto, un representante del artista informó que el cantante se encuentra bien y ha retomado sus actividades cotidianas. “Siguiendo las recomendaciones de sus médicos, dedicará las próximas cuatro semanas a recuperarse y recuperar su plena forma física antes de volver a los escenarios”, señaló el representante. “Lamentablemente, esto significa que no podrá continuar con las fechas programadas de su actual gira”.
En un mensaje propio publicado el martes, Stewart aseguró a sus seguidores que “ya se sentía mejor y en plena recuperación”. Aunque se declaró “profundamente decepcionado por perderme estos conciertos y lamentaba haber defraudado a mis fans”, Stewart concluyó con una nota positiva: “Espero volver al escenario y pasar un buen rato con todos ustedes de nuevo muy pronto”.
Stewart, quien estuvo recorriendo Norteamérica con su gira One Last Time desde 2024, tenía conciertos programados para este sábado en el Morton Amphitheater de Kansas City, Misuri. También tenía previsto regresar a Las Vegas el 18 de agosto para actuar en el Colosseum del Caesars Palace, seguidos de presentaciones en Minnesota, Illinois, Colorado y una serie de conciertos en México.
La noticia llega pocos días después de que Stewart pospusiera un concierto programado en el Riverbend Music Center de Cincinnati; el recinto atribuyó la decisión a un “procedimiento médico imprevisto pero menor”. En junio, el cantante canceló y pospuso una serie de actuaciones —incluidos dos conciertos en Las Vegas, siguiendo las recomendaciones de su médico, y otro en San Diego— tras ser diagnosticado con una infección aguda de las vías respiratorias superiores que derivó en laringitis (más tarde fue criticado al ser visto celebrando la victoria de Escocia en la Copa del Mundo poco después). Durante un concierto en Utah, hizo una pausa a mitad de la actuación para utilizar un tanque de oxígeno.
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Johnny Marr, guitarrista, compositor y fundador de The Smiths, vuelve a la Argentina para presentar The Age of Everything, su nuevo álbum de estudio, que será editado el 2 de octubre.
El músico británico se presentará el próximo 26 de noviembre en C Art Media. Las entradas estarán disponibles desde el viernes 14 de agosto a las 10 hs a través de Passline, con todos los medios de pago y el beneficio de 6 cuotas sin interés para clientes Galicia Visa.
Marr inició su carrera junto a The Smiths e integró proyectos como The The, Electronic, Modest Mouse y The Cribs, además de colaborar con artistas como The Pretenders, Talking Heads, The Avalanches y el compositor Hans Zimmer. Con este último participó en la banda sonora de No Time to Die, la última película de James Bond, incluyendo la canción principal creada junto a Billie Eilish y nominada al Óscar.
Tocó por primera vez en Argentina en 2014, en la primera edición local del festival Lollapalooza. Además, hizo su propio sideshow en Niceto Club, donde volvió a presentarse al año siguiente. Su carrera solista comenzó en 2013 con The Messenger y continuó con Playland (2014), Call The Comet (2018) y Fever Dreams Pts 1-4 (2022). A ello se suma Marr’s Guitars, un libro que repasa su extensa trayectoria y su histórica relación con el instrumento que lo convirtió en una referencia para generaciones de músicos.
Actualmente, Marr está presentando The Age of Everything, un trabajo que describe como el álbum más personal y catártico de su carrera. Sobre el concepto detrás del disco, explicó: “Disfruté mucho haciendo este álbum; es el disco más catártico que hice. El título surgió al principio del proceso y terminó convirtiéndose en una idea inevitable. Resume una sensación compartida por mucha gente: la de vivir en una época de cambios permanentes, marcada tanto por el agobio como por las posibilidades”.
El músico también señaló que sus nuevas canciones exploran la manera en que percibimos el mundo contemporáneo: “Siempre me interesa cómo experimentamos las cosas en nuestra vida cotidiana. Parece que hoy convivimos con la posibilidad de todo, lo bueno y lo malo. Esa es la era de todo”.
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El rock en español cambió de rumbo con la visión, creatividad y espíritu experimental de Gustavo Cerati. Más que el “cantante de Soda Stereo”, el artista argentino se consolidó como un referente indiscutible del género, llevando su faceta como compositor, guitarrista, productor y arreglista hacia una evolución constante, incluso cuando parecía haber alcanzado la cima.
Hoy, 11 de agosto, celebramos su natalicio y lo que habría sido su cumpleaños número 67 repasando su recorrido artístico y homenajeando uno de los álbumes que continúa inspirando a nuevas generaciones y que, sin duda, marcó un antes y un después en la historia del rock en español: Canción Animal de Soda Stereo.
Gustavo Cerati fue un maestro del rock en español, pero también un artista inquieto que exploró y transitó por territorios como el new wave, el pop rock, el punk, el post-punk, el shoegaze, la música alternativa y la electrónica. Incluso en su faceta como cantautor llevó su habilidad lírica a nuevos niveles, demostrando una capacidad de evolución que pocos artistas de su generación alcanzaron.
Cuando difuminar las fronteras entre géneros todavía era visto como un tabú, Cerati ya había salido de la caja. Si había algo que lo distinguía, era su voluntad de jugar bajo sus propias reglas. Nunca tuvo interés en permanecer atado a un mismo sonido o género, incluso después de haberse consagrado como una figura imprescindible del rock en español.
Con la irrupción de Soda Stereo en la escena musical, Cerati, junto a Zeta Bosio en el bajo y Charly Alberti en la batería, marcó un antes y un después en el rock latinoamericano. Su propuesta no pasó desapercibida: con guitarras limpias, sintetizadores y una mezcla de intrepidez, elegancia e ironía, la agrupación encontró una identidad multifacética que rápidamente conquistó a su público. Desde su primer álbum, Argentina los acogió, los abrazó y los hizo suyos. Sus primeras canciones pronto se convirtieron en clásicos que encontraron un lugar permanente en el repertorio y en la memoria de sus compatriotas. Y así, casi sin darse cuenta, Soda Stereo dejó de ser un fenómeno local: Latinoamérica puso los reflectores sobre ellos.
El rock argentino ya cargaba con una historia enorme y era, por sí mismo, un sello de prestigio. Pero ¿cómo llevarlo más allá de sus fronteras? Soda Stereo encontró la respuesta. La banda llevó su música a nuevos países y convirtió su propuesta en un fenómeno continental. Latinoamérica entera comenzó a vivir la euforia, la emoción y el sentimiento que sus canciones despertaban, y no era para menos.
Con el tiempo, sus composiciones se transformaron en un legado inmortal. En el centro de esa revolución estaba Cerati, quien se consolidó como una de las grandes leyendas del género y como un artista cada vez más sofisticado, obsesionado con los detalles y capaz de elevar cada aspecto de su obra: desde la lírica y las guitarras hasta la producción y el sonido cambiante de Soda Stereo.
En esta gran historia de la música aparece Canción Animal (1990), probablemente uno de los álbumes más importantes —y para muchos, el mejor— de Soda Stereo. El material, compuesto por 10 canciones, incluye una de las piezas más emblemáticas de la historia del rock en español: ‘De música ligera’. La canción le dio la vuelta al mundo y, 36 años después, continúa cantándose con un fervor difícil de describir. Su fuerza permanece intacta en cada escenario, en cada generación que la descubre y en cada voz que se suma a sus estrofas. Porque si algo demuestra el paso del tiempo es que el legado de Cerati sigue vivo: su esencia permanece en cada acorde, en cada verso y en cada emoción que provoca una canción que se volvió inmortal.
El álbum es mucho más que una muestra del alcance global que alcanzó Soda Stereo: es también un motivo de orgullo para la música argentina y un parteaguas fundamental en la historia del rock en español. Canción Animal marcó un momento decisivo en la manera de sentir, escuchar y concebir el género, con Gustavo Cerati al frente de una transformación que todavía resuena. La banda recuperó un sonido más crudo, guitarrero, directo y visceralmente rockero, pero sin renunciar a uno de los principios que siempre definieron a Cerati: la experimentación. Para él, explorar nuevos sonidos no era una desviación del camino, sino una forma de mantenerse en movimiento, de romper sus propios límites y, sobre todo, de seguir sintiéndose vivo a través de la música.
El disco también reúne canciones que terminaron por convertirse en piezas fundamentales de su repertorio, como ‘Entre caníbales’, ‘Té para tres’, ‘Un millón de años luz’, ‘Sueles dejarme solo’, ‘Hombre al agua’ y ‘Canción animal’, el tema que da nombre al álbum. En cada una de ellas se percibe la nueva dirección sonora de la banda: guitarras que asumen un papel protagónico, una batería mucho más contundente y un bajo con mayor presencia, elementos que reforzaron el carácter directo y visceral de la producción.
La presentación de Canción Animal representó, además, un momento decisivo en la trayectoria de Soda Stereo. Su impacto fue tal que la propia Latin Recording Academy ha señalado esta etapa como un hito central en la carrera de la agrupación, consolidando el álbum como una obra esencial para entender su evolución y su influencia en el rock en español.
Para este punto de su trayectoria, el punto de inflexión y clímax creativo de Cerati resultaba difícil de describir: su pluma había adquirido una nueva dimensión, capaz de convertir cada canción en un giro inesperado y casi mágico. A lo largo del material se respira una energía nocturna y sexual que atraviesa las composiciones, mientras sus canciones mantienen una sensación de movimiento constante y funcionan, en muchos casos, como declaraciones de principios envueltas en mensajes ocultos. La producción, envolvente y cuidadosamente construida, abre paso a un universo de sensaciones y conceptos difíciles de olvidar: misterio, vulnerabilidad, intimidad, oscuridad, sensualidad, psicodelia y agresividad. Todo convive en un mismo espacio sonoro, revelando a un Cerati dispuesto a explorar los rincones más intensos y ambiguos de su creatividad.
11 años después, Cerati rindió homenaje al álbum que lo había llevado a la mirada internacional. En su proyecto como solista, 11 Episodios Sinfónicos, abrió el repertorio con ‘Canción animal’, una reinterpretación que, sin ser una nueva composición, demuestra una vez más su capacidad para transformar por completo el significado de una canción. Cerati tomó aquella pieza marcada por guitarras, bajo, batería y una energía sensual y rockera, y la trasladó a un universo completamente distinto. La orquesta, la voz y un dramatismo mucho más pronunciado asumieron el protagonismo, convirtiendo la canción en una experiencia teatral, elegante y profundamente emocional. La esencia permanecía intacta, pero el contexto había cambiado: ahora, ‘Canción animal’ parecía contar una historia desde otra perspectiva.
El álbum, integrado por grandes clásicos de su trayectoria, funciona como un recorrido por las distintas etapas, experimentos sonoros y búsquedas creativas que hicieron de Cerati uno de los artistas más innovadores de la música latinoamericana. Escuchar ambas versiones de ‘Canción animal’ permite apreciar, quizá mejor que cualquier otra cosa, la magnitud de su evolución artística: una misma canción, dos universos sonoros y un artista que nunca dejó de reinventarse.
Después de Canción Animal (1990), muchos habrían esperado que Soda Stereo permaneciera en ese mismo territorio sonoro. Y, en retrospectiva, ¿quién podría culparlos? Habían encontrado una fórmula que funcionaba, un verdadero diamante musical que los había llevado a nuevas alturas. Pero, tratándose de Gustavo Cerati, quedarse en el mismo lugar nunca fue una opción.
El siguiente trabajo de la agrupación marcaría un cambio radical en su trayectoria. Con Dynamo (1992), Soda Stereo volvió a internarse en el terreno de la experimentación y abrió la puerta a una nueva etapa creativa. Lejos de convertirse en prisioneros de sus propios éxitos, se atrevieron a desafiarlos. El shoegaze, el ruido, la distorsión y la psicodelia tomaron el protagonismo, construyendo un paisaje sonoro mucho más arriesgado y atmosférico. Dynamo demostró que Soda Stereo no estaba dispuesto a repetir una fórmula ganadora: prefería reinventarse, aun cuando eso significara alejarse de aquello que el público ya conocía y esperaba de ellos.
Poco después, con Sueño Stereo (1995) como su último álbum de estudio, Soda Stereo llegó a su final. Y aunque para muchos parecía el cierre definitivo de una de las grandes historias del rock latinoamericano, Cerati todavía tenía nuevos planes en mente. Ahí comenzó su etapa como solista: una era fascinante, sorpresiva, experimental y profundamente personal. Con una libertad creativa distinta, el argentino emprendió una nueva transformación artística, incluso después de haber alcanzado junto a Soda Stereo dimensiones que parecían inimaginables.
Lejos de vivir a la sombra de la banda que lo había convertido en una leyenda, Cerati construyó un universo propio. Su nombre adquirió una nueva dimensión y demostró que su legado no dependía únicamente de Soda Stereo: podía reinventarse, evolucionar y dejar una huella imborrable por cuenta propia.
A lo largo de su trayectoria como solista, Cerati dejó una colección de álbumes fundamentales como Colores Santos (1992), Bocanada (1999) y Siempre es hoy (2002), obras que ampliaron todavía más los límites de su búsqueda creativa. Pero su legado no se limitó a la composición o la interpretación: también se consolidó como uno de los productores más respetados de su generación.
Cerati entendía la música como un universo en el que cada elemento tenía un propósito. Se involucraba en cada etapa de una producción, desde el detalle más pequeño hasta la construcción de atmósferas, texturas y dimensiones sonoras capaces de transformar por completo una canción. Su obsesión por experimentar y encontrar nuevas posibilidades convirtió la producción en otra de sus grandes herramientas de expresión, demostrando que para él no existían límites entre ser compositor, músico, arreglista o productor.
La trayectoria de Gustavo Cerati pertenece a esa clase de historias complejas y extraordinarias que pocas veces aparecen en la música. Cambió radicalmente la manera de sentir, escuchar y entender el rock en español, pero su influencia trascendió las fronteras del género para convertirse en una aportación invaluable a la música en general. Su forma de cantar, escribir, producir, escuchar y sentir hacía de cada obra un universo propio. La inspiración podía surgir de cualquier lugar: un viaje por carretera, una experiencia cotidiana, una imagen fugaz o incluso el lenguaje abstracto de un sueño convertido en metáfora. Y, aunque muchas de sus ideas nacían desde un territorio profundamente personal e íntimo, Cerati poseía la capacidad de convertirlas en emociones colectivas. Su voz y su pluma lograron que miles de personas encontraran en ellas algo propio.
Quizá por eso su legado permanece tan vigente. Pocos artistas han demostrado una curiosidad creativa capaz de sostener la experimentación y la innovación durante tantos años sin perder su esencia. Cerati no dejó únicamente canciones: dejó una manera de entender el arte, de cuestionarlo y de reinventarlo. Y esa es, quizá, la verdadera magia de su música: que incluso después de su partida, seguimos escuchándola con la misma sensación de estar al borde de algo nuevo, esperando descubrir hacia dónde habría llevado su sonido la próxima vez.
Su muerte, el 4 de septiembre del 2014, nos tomó por sorpresa. La reacción de toda Argentina y Latinoamérica fue inevitable, pues no solo se perdía una leyenda de la música, sino un gran ser humano.
Gracias… totales, Gustavo Cerati. Feliz cumpleaños 67.
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Blink-182 está trabajando en nueva música. Así lo confirmó Travis Barker, baterista de la banda, en una reciente entrevista en el podcast de The New York Times.
Al ser preguntado por sus proyectos actuales, Barker contó que ya está trabajando junto a Tom DeLonge y Mark Hoppus en el próximo álbum de la agrupación que ayudó a redefinir el pop punk. Y aunque la posibilidad de que el proceso comenzara en 2027 estaba sobre la mesa, el baterista dejó claro que el regreso al estudio de Blink-182 ya está en marcha este 2026.
La noticia llega casi tres años después de ONE MORE TIME…, disco con el que DeLonge regresó oficialmente a la formación y que marcó el primer disco de estudio de la banda con su alineación más reconocida desde Neighborhoods (2011). El proyecto, publicado en octubre de 2023, reunió 17 canciones que recorrieron tanto la historia de la agrupación como las experiencias personales que atravesaron sus integrantes durante los años de separación.
Un año después, el grupo amplió ese material con ONE MORE TIME… PART-2, una edición que sumó ocho canciones inéditas al álbum original. Entre ellas estuvieron temas como ‘All In My Head’, ‘No Fun’ y ‘Take Me In’, completando un proyecto de 27 canciones en su edición deluxe. De acuerdo con la propia banda, ambos lanzamientos fueron grabados entre 2022 y 2024, en paralelo con su gira de reunión.
Por ahora, Barker no ha revelado una fecha tentativa para el lanzamiento del nuevo álbum ni ha adelantado detalles sobre su sonido. Tampoco se conoce si la banda ya tiene canciones terminadas o si el proceso se encuentra todavía en una etapa temprana. Lo que sí está claro es que el regreso al estudio ya comenzó y que la nueva producción será el siguiente capítulo de la etapa que inició con la reunión de DeLonge, Hoppus y Barker.
Mientras Blink-182 prepara ese nuevo disco, Barker no ha dejado de moverse entre distintos proyectos. En los últimos años, su trabajo como productor y músico lo ha llevado a colaborar con artistas de diferentes escenas, desde el punk y el rock alternativo hasta el hip hop y el pop. Entre sus trabajos recientes aparecen producciones para Alkaline Trio y Yellowcard, además de colaboraciones con artistas como Lil Tecca y Bishop Briggs.
A esto se suma una fecha especial para Blink-182: en junio la banda celebró los 25 años de Take Off Your Pants and Jacket, uno de sus discos fundamentales y el primero de la historia del punk en debutar en el número uno del Billboard 200. Para la conmemoración, el grupo lanzó una edición aniversario que reunió seis canciones que originalmente habían aparecido como temas ocultos en distintas versiones físicas del álbum.
La revelación sobre el nuevo disco, además, llega pocos días antes de otro de los proyectos más personales de Barker. Este 13 de agosto se estrenará Travis Barker: Louder Than Fear, un documental que recorre su vida, su llegada a Blink-182, su carrera como baterista y productor y las experiencias que han marcado su trayectoria. La película, dirigida por Justin Krook y Michael Dwyer, llegará a Hulu en Estados Unidos y a Disney+ internacionalmente.
El documental, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Tribeca en junio, fue construido a lo largo de más de una década de trabajo y busca mostrar una mirada más íntima sobre Barker, más allá de su papel como baterista de una de las bandas más influyentes del pop punk.
Así, mientras Barker se prepara para mostrar en pantalla una parte de la historia que lo convirtió en uno de los bateristas más reconocibles de su generación, también deja abierta una nueva etapa para Blink-182. Por ahora, no queda más que esperar para conocer qué traerá el próximo capítulo de la banda.
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La estrella internacional colombiana Karol G continúa expandiendo su universo musical y creativo. Esta vez, presenta su séptimo álbum de estudio, NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO, una oda a las emociones y experiencias que han marcado su vida durante los últimos años. Con este material, la artista abre un nuevo capítulo en su trayectoria, al mostrar una faceta de mayor evolución artística y, a la vez, abordar su proyecto más ambicioso y emocionalmente complejo hasta la fecha.
NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO transita por algunos de los sentimientos más complejos que una persona puede experimentar, especialmente cuando ocurren de manera simultánea: el amor, el desamor, el dolor, la nostalgia, la esperanza y la sanación. Aunque sus 14 canciones pueden interpretarse como un recorrido hacia la sanación, el álbum no cuenta una única historia. Por el contrario, cada tema explora distintas experiencias emocionales y universales que, al entrelazarse, construyen un relato con el que es posible identificarse y generar una conexión colectiva.
En este recorrido, Karol G va más allá de la sanación y se atreve a explorar el camino hacia la libertad y la plenitud. Ya no se trata de perseguir nuevos hitos ni de correr detrás del próximo éxito, sino de detenerse, mirar hacia atrás y contemplar todo lo que ha construido y sembrado a lo largo de los últimos años. El álbum se convierte así en un retrato íntimo de la historia de la estrella colombiana, entrelazado con las experiencias, emociones y confesiones que sus fanáticos le han compartido con el paso del tiempo.
Cada tema de NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO nace de una intención particular y esencial: construir un recorrido emocional que invite a la reflexión. En este viaje, el orden de las canciones es tan importante como las emociones que despiertan al escucharlas. Más que un álbum para oír, es una experiencia para sentir; un espacio de refugio y acompañamiento para quienes atraviesan algunos de los sentimientos más complejos de la vida.
Desde el terreno sonoro, Karol G concibe este disco como un nuevo universo creativo, en el que profundiza en la honestidad emocional que ha caracterizado su música. El álbum propone una mezcla natural y envolvente de sonidos que convergen con el pop alternativo y diversas influencias latinas, acompañados de una producción fresca y una instrumentación orgánica. El resultado es un material que transita con fluidez entre lo íntimo y lo expansivo, construyendo una atmósfera sonora tan personal como evocadora.
Las colaboraciones de NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO revelan a una Karol G dispuesta a salir de su zona de confort y asumir nuevos retos en cada etapa de su carrera. Entre ellas destaca ‘Still’, junto a Bruno Mars, que marca su primera canción completamente en inglés. El álbum también reúne a Drake, Greg Gonzalez, Judeline y Rusowsky, ampliando el espectro sonoro y creativo del proyecto.
La producción incorpora, además, la mirada de reconocidos artistas y productores internacionales, quienes aportan sus propios lenguajes musicales para enriquecer la propuesta. Edgar Barrera, Oklou, Omar Fedi, Ovy On The Drums, Sky Rompiendo, Taiko y Tainy, entre otros más, forman parte de este equipo creativo que contribuye a darle al álbum una identidad diversa, contemporánea y en constante exploración.
Por ahora, ya puedes escuchar NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO en todas las plataformas de streaming musical.
Tracklist NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO:
- Te Llevas To
- Maybe
- Bebiendo Lágrimas
- Ahí ft. Drake
- Final Feliz
- Still ft. Bruno Mars
- Alguien que te amaba
- MATADORA
- For u My Lova
- Si lo ven
- Bby WOW ft. Judeline, Rusowsky
- Con quién andará?
- Eclipse
- Después de ti ft. Greg González
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