Preguntale a cualquier banda de rock alternativo que haya pasado tiempo de gira durante los años noventa cuál era su sala favorita de la vieja escuela en Chicago y es muy probable que Lounge Ax aparezca entre las primeras respuestas. Inaugurado en 1987 y gestionado durante gran parte de su existencia por Julia Adams y Sue Miller, este pequeño club sobre Lincoln Avenue fue escenario de innumerables conciertos memorables antes de cerrar definitivamente sus puertas el 15 de enero de 2000. Durante la semana previa a su despedida tocaron allí leyendas locales y habitués del lugar como Wilco, Eleventh Dream Day y Shellac.
Aunque desapareció hace ya un cuarto de siglo, Lounge Ax nunca fue olvidado. Y muy pronto, muchos de los conciertos que albergaron sus paredes podrán escucharse gratuitamente gracias al archivista y grabador local Aadam Jacobs y a Internet Archive.
“Me sentía completamente en casa ahí”, dice Jacobs, que registró alrededor de 2.200 sets en Lounge Ax desde fines de los años ochenta. “Muchas veces era el lugar que elegía para ir”.
Su primer show en el club fue el de Duncan Imperials, el 5 de julio de 1989. Más de una década después también registró el último concierto de la historia del local, protagonizado por The Coctails. Pero su archivo va mucho más allá. Incluye presentaciones en otros escenarios de Chicago de artistas como Pixies (10 de agosto de 1989 en Metro), Nirvana (8 de julio de 1989 en Dreamerz), Hüsker Dü (16 de junio de 1984 en West End) y The Smiths (7 de junio de 1985 en Aragon Ballroom).
En total, el material suma cerca de 10.000 conciertos grabados, una documentación invaluable de una época fundamental para el rock. “Es increíble lo bien que registró estos shows hace tanto tiempo”, afirma Brian Emerick, encargado de la monumental tarea de digitalizar toda la colección, además de los detallados diarios que Jacobs llevó sobre cada concierto al que asistió. “Aprendió sobre la marcha y descubrió dónde colocar los micrófonos para obtener el mejor sonido”.
Jacobs asegura que, por lo general, pedía permiso a las bandas y a las salas antes de grabar, y que además solía entregarles copias del material. Reconoce que en algunas ocasiones registró conciertos de manera más discreta. “Pero la enorme mayoría de lo que hice no fue así. Había micrófonos a la vista. La gente sabía perfectamente lo que estaba haciendo. Tenía autorización”. Ni Jacobs ni Internet Archive obtienen beneficios económicos por las grabaciones que integran la Aadam Jacobs Collection.
Su primer registro data de 1984, cuando tenía apenas 17 años y grabó a la banda británica de improvisación libre AMM. “Cuando todo tomó velocidad, salía prácticamente todas las noches”, recuerda. “Durante gran parte de los noventa grababa entre 200 y 250 shows por año”.
La colección incluye registros históricos. La grabación de The Smiths documenta el primer concierto de su primera gira por Estados Unidos. Jacobs vio a Nirvana dos años antes de Nevermind, cuando el grupo abría para una banda local llamada Precious Wax Drippings. También registró actuaciones tempranas de artistas como Liz Phair, que comenzó tocando en bares del área de Chicago. “Estuve en sus primeros conciertos, cuando no iba nadie”, recuerda.
Según los cálculos de Emerick, la banda que más veces grabó Jacobs fue Eleventh Dream Day, con 166 registros. Si se incluyen solistas, el récord es para Robbie Fulks, con 282 conciertos. También aparecen con cifras destacadas Dag Juhlin, de Poi Dog Pondering, y The Mekons.
Después de tantos años y miles de conciertos, elegir favoritos no es sencillo. Sin embargo, Jacobs menciona especialmente sus numerosas grabaciones de la banda holandesa The Ex. También recuerda con cariño un concierto de The Wedding Present en Lounge Ax. “Fue algo realmente especial”, dice sobre aquella presentación del 9 de marzo de 1991.
Jacobs grabó conciertos varias veces por semana entre 1984 y comienzos de 2020, cuando la pandemia obligó a cerrar salas de todo el mundo.
“La pandemia fue el golpe final”, afirma. “Aproveché ese tiempo para ordenar toda la colección alfabéticamente y clasificarla bien. Pero el impulso de seguir grabando simplemente desapareció”.
A eso se sumaron algunos problemas de salud. Aunque registró algunos shows aislados cuando los conciertos volvieron, hace aproximadamente tres años que no realiza una grabación.
“El objetivo siempre fue no perderme nada verdaderamente importante cuando una banda pasaba por la ciudad por primera vez”, explica sobre una pasión que marcó toda su vida. “Ahora llegué a un punto en el que quiero disfrutar de lo que ya conozco”.
Aunque la mayor parte del material ya fue digitalizada, todavía falta tiempo para que la colección completa esté disponible en Internet Archive.
“Estamos subiendo alrededor de 200 conciertos por mes”, explica Emerick, que trabaja en el proyecto desde fines de 2024 junto a un equipo de unos quince voluntarios. “Calculamos que aún quedan unas 8.000 grabaciones por cargar. Si mantenemos un ritmo de 2.400 por año, todavía nos esperan unos tres años de trabajo”.
Como era de esperar en alguien con semejante obsesión por documentar la música, Jacobs también conserva un enorme archivo de videos de conciertos emitidos por televisión.
“Fue una obsesión, claro”, admite. “¿Cómo no iba a grabar todas esas bandas increíbles que aparecían en televisión y que jamás iba a poder volver a ver si no las registraba?”
Emerick también abrió un canal de YouTube para ese material. “Ahora yo soy el hobby de Brian”, bromea Jacobs.
Recientemente lanzó un sello discográfico llamado Laughing Bee Music, que comparte identidad con Dead Bird, el sello que manejó durante los noventa. La idea es editar en vinilo y formatos digitales grabaciones en vivo extraídas de su archivo.
Los dos primeros lanzamientos previstos son Naked Raygun’s This Place Used to Be a Strip Joint (Live), grabado el 2 de noviembre de 1985, y Eleventh Dream Day’s By the Time They Got to Lounge Ax (Live). Este último, curado por el cantante y guitarrista Rick Rizzo, reúne material de cuatro actuaciones realizadas entre 1991 y 1994 en Lounge Ax y se extiende a lo largo de dos LP.
Ambos discos estarán disponibles en formato digital el 18 de septiembre, mientras que las ediciones en vinilo llegarán el 16 de octubre.
Jacobs se entusiasma al pensar que todo ese trabajo finalmente llegará a nuevos oyentes, después de haber convertido durante décadas a los pequeños clubes de Chicago en una segunda casa.
“No sé cuál será el nuevo Lounge Ax”, reflexiona. “Pero tiene que existir. La escena tiene que seguir existiendo. Hay una escena en Chicago. Yo ya no estoy tan al tanto, pero está ahí, y tiene que estar ahí porque es donde ocurre el crecimiento. Y eso es algo hermoso”.
Esta nota forma parte de la serie Reasons to Love Rock, de Rolling Stone US, dedicada a los sonidos, tendencias, escenas y artistas que generan entusiasmo sobre el rock en 2026.
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El punk rock siempre estuvo ligado a la idea de que tanto los artistas como los oyentes están enojados: frustrados con el sistema, indignados frente a la injusticia. Mucha de la música surgida del Caribe en los últimos años reflejó esos mismos sentimientos, aunque, para sorpresa de algunos, lo hizo principalmente a través del reggaetón, el dembow, el reparto y otros sonidos generalmente asociados con la fiesta. Basta pensar, por ejemplo, en Debí Tirar Más Fotos, el éxito ganador del Grammy de Bad Bunny que cuestiona el colonialismo. En Puerto Rico, sin embargo, donde el punk tiene presencia desde comienzos de los años ochenta, todavía existen muchas bandas dispuestas a gritarlo a los cuatro vientos.
Tapaboka, un cuarteto de hardcore que debutó en 2023, es uno de los proyectos más prometedores del archipiélago. La cantante Analaura Morales repartió volantes por el barrio Río Piedras, en San Juan, buscando formar una banda antes de conocer a la guitarrista Sofía Capllonch y a la bajista Victoria “Vic” Nieves. (El baterista de Tapaboka, Daniel Maymí, se sumó más tarde). “En ese momento escuchaba muchísimo punk y mucho rock. Me sumergí por completo en ese mundo”, cuenta Morales. “Pensé algo así como: ‘Algún día voy a morir, así que más vale hacer algo divertido’”.
La música de Tapaboka es ruidosa, frenética y está cargada de furia frente a temas como las relaciones controladoras (“El Rey”), la autonomía personal (“La Ley”) y la denuncia de los violadores (“Puto Violador”). “La escena está dominada por hombres. También puede ser muy agresiva y hostil hacia las mujeres”, afirma Capllonch. “Nuestros shows suelen ser espacios más seguros. Con toda la rabia asociada al punk, mucha gente olvida que la idea es que todos puedan pasarla bien y tener un lugar donde disfrutar en comunidad”.
Las integrantes del grupo han escuchado más de un exabrupto grosero proveniente de hombres entre el público, pero utilizan esas situaciones como combustible. “Por lo general me enfurece tanto que cuando llega el momento de tocar, termino gritando mejor que nunca”, dice Nieves. “De vez en cuando entro en una especie de trance sobre el escenario. Realmente no sé qué estoy diciendo ni qué estoy haciendo. Después, cuando bajo y escucho la grabación, pienso: ‘Eso fue demasiado’”.
Muchas de sus principales influencias musicales operan en esa misma frecuencia incandescente: Die Spitz, Lambrini Girls y Hole. También reivindican a bandas puertorriqueñas que admiran, como Desahuciados, RATAS, Fullminator y Sikotrópicas. Estas últimas son veteranas de la escena y una de las tantas agrupaciones lideradas por mujeres que surgieron durante la época dorada del punk en Puerto Rico. Entre otras se cuentan Alarma, Las Clitz y Cojoba. Como detalla el autor Yoel Gaetán en Alcantarillados: 30 Years of Punk in Puerto Rico, el género comenzó a consolidarse seriamente durante los años noventa. Grupos como Ardillas, Necronazis y Los Pepiniyoz terminarían allanando el camino para Dávila 666, que con el tiempo se convertirían en los principales abanderados del punk rock puertorriqueño.
En otras partes del Caribe, un puñado de bandas también ha mantenido vivo el punk en los últimos años. Cuba posee una larga historia con el género, especialmente durante el llamado “Período Especial” de crisis económica en los años noventa. Más recientemente, grupos como Kubensi, Rateristas y Limalla se transformaron en referentes del movimiento, impulsados por “el deseo de gritar en un entorno tan hostil, donde la sociedad se ha vuelto muda, ciega y sorda”, según explicaron los miembros de Kubensi en una entrevista con el sitio Cartel Urbano. En República Dominicana, bandas como Truño y Los Rialengos satisfacen la demanda de los fanáticos, mientras que otras como Poolpo y Grunjeo ofrecen alternativas más cercanas al pop-punk y al grunge.
Hacer música como artista independiente en un lugar tan económicamente golpeado como Puerto Rico no es tarea fácil. Y la situación se vuelve aún más complicada para bandas que deben coordinar varios integrantes, instrumentos, mantenimiento de equipos, sesiones de grabación, ensayos, organización y promoción de conciertos. Para Tapaboka, además, el apoyo suele ser escaso. “Las salas no valoran a los músicos, las artes no reciben la promoción que deberían y el gobierno casi no ofrece respaldo económico a los programas musicales”, señala Capllonch. “Otras áreas, como el deporte, siempre reciben prioridad, lo cual también está muy bien, pero para nosotros es un problema”.
Tapaboka también siente las limitaciones derivadas del tamaño de Puerto Rico, una isla de apenas unos 13.700 kilómetros cuadrados. “Somos una isla muy pequeña. Es más difícil que las bandas que no provienen del área metropolitana consigan visibilidad”, continúa Capllonch. Según explica, los grupos de San Juan y sus alrededores tienen más posibilidades de abrirse camino, mientras que para quienes viven más lejos el desafío resulta todavía mayor. “Y una vez que ya estás dentro de la escena, llega un momento en que el público es increíble, tiene muchísima energía, pero también es muy familiar, porque el alcance geográfico es limitado”.
En cierto sentido, sin embargo, el problema más complejo tiene que ver con los prejuicios sobre la diversidad musical del Caribe. “Puerto Rico es una colonia de Estados Unidos y hemos sido condicionados por esa idea de ‘pertenencia’ norteamericana”, afirma Maymí. “Si le preguntás a un puertorriqueño, conoce perfectamente la cultura estadounidense, pero muchos saben muy poco sobre Sudamérica, México o incluso República Dominicana. ¡Y son nuestros vecinos más cercanos! Somos casi esclavos de la hegemonía de Estados Unidos”. Incluso el público local, asegura, a veces cree que para encontrar punk, metal o thrash hay que mirar necesariamente hacia el norte. Tapaboka es apenas un ejemplo más, dentro de una lista extensa y rica, de por qué esa percepción es equivocada.
De cara al futuro, la banda espera seguir experimentando con su sonido sin perder la identidad explosiva que conquistó a sus seguidores. “Odio la idea de que el trabajo estándar de un baterista punk sea simplemente tocar un maldito ritmo D-beat y, de vez en cuando, algún pasaje a medio tiempo”, dice Maymí. “Quiero meter algo de jazz y funk ahí dentro”.
Aunque la realidad de lo que implica abrirse camino como banda de rock en Puerto Rico puede resultar desalentadora, los integrantes de Tapaboka se muestran optimistas. “Esperamos lanzar más música, generar un impacto mayor y hacer llegar nuestro mensaje a más gente”, concluye Morales. “Si eso significa escribir canciones que ayuden a reflejar o exponer determinadas situaciones, me encantaría seguir por ese camino”.
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El shoegaze alguna vez fue descartado como una moda pasajera de los años noventa, pero hoy está explotando. Pioneros como My Bloody Valentine, Slowdive y Ride son mucho más queridos e influyentes ahora de lo que fueron en su etapa original. El sonido shoegaze sigue evolucionando, mientras artistas jóvenes continúan encontrándose a sí mismos en esas olas gigantes de guitarras saturadas y distorsionadas. Los fans y las bandas de la Generación Z se sumaron a la mezcla, creando un auge de nuevas variantes de zoomergaze. Hay algo en ese ruido capaz de sacudir los huesos que sigue golpeándonos directamente en los rincones más oscuros del alma.
La palabra shoegaze, al igual que goth o Trekkie, nació originalmente como un insulto antes de ser adoptada con orgullo por sus verdaderos creyentes. Una de las rarezas eternas del género es que las leyendas británicas de la primera ola todavía detestan el término y se niegan a ser asociadas con él, a pesar de que hace décadas que nadie lo utiliza de forma despectiva. Basta ver la ironía del excelente documental Beautiful Noise, donde la palabra “shoegaze” jamás se menciona porque era la única manera de conseguir que Kevin Shields aceptara participar. Pero, al igual que el drum and bass, es un sonido noventero que encontró una segunda vida en la década de 2020, convertido en un rico lenguaje musical cargado de posibilidades emocionales.
Este tipo de música siempre atrajo a los fanáticos de los equipos, esos que fetichizan sus exclusivos pedales de distorsión. Pero hoy también está al alcance de cualquier adolescente inquieto con imaginación. Wisp lanzó uno de los discos de shoegaze más destacados del año pasado con If Not Winter, aunque comenzó sin salir de su dormitorio universitario. Cuando tenía 18 años, creó “Your Face” cantando sobre una pista shoegaze que encontró en internet y grabándose con su teléfono. Después vio cómo la canción se convertía en un fenómeno viral en TikTok. Al igual que otros zoomers como Quannnic o Flyingfish, demuestra por qué al auge actual ya ni siquiera puede llamárselo un simple “revival”.
Nunca hubo tantas bandas de shoegaze tan inventivas, experimentando de manera tan libre, especialmente en el underground. Filadelfia se convirtió en una auténtica mina de oro gracias al sello Julia’s War y a una escena DIY poblada por grupos como Full Body 2, Bleary Eyed y Knifeplay. Los referentes locales They Are Gutting a Body of Water publicaron uno de los discos más impactantes de 2025 con LOTTO, un relato desgarrador sobre el dolor y la adicción.
El grupo de Nashville Total Wife se lanza al vacío con fantasías mutantes de hyperpop en el encantador Come Back Down, mientras que los oriundos de Phoenix, Glixen, exploran una veta más romántica en Quiet Pleasures. Desde Kansas City, Misuri, Forever Star incorpora ritmos breakbeat de drum and bass, lo que les valió la etiqueta de “junglegaze”. El sonido sigue transformándose gracias a bandas como Feeble Little Horse, de Pittsburgh; High., de Nueva Jersey; y Julie, de Los Ángeles. Grupos indie de gran nivel como Wednesday y Hotline TNT comenzaron sobre terreno shoegaze antes de despegar hacia direcciones completamente propias.
Los pioneros también están atravesando un gran momento. Swervedriver y Slowdive realizaron giras muy celebradas el año pasado, mientras que Ride había hecho lo mismo el año anterior. Incluso emergió de las sombras teñidas de magenta el otoño pasado para ofrecer una serie de multitudinarios conciertos en el Reino Unido. Su álbum de regreso homónimo de 2013 hoy suena menos como un regreso nostálgico a los noventa que como una visión anticipada del presente, especialmente por la forma en que incorporaba esos ritmos contundentes que desconcertaron a muchos oyentes en aquel momento, pero que terminaron siendo proféticos para la década de 2020.
Tanto el shoegaze como el drum and bass funcionan sorprendentemente bien en TikTok, ideales para generar impacto instantáneo en las redes sociales. Esa es una de las grandes razones por las que ambos géneros están viviendo un boom, mucho después de que los expertos los declararan muertos.
No parece haber fin para la corriente constante de derivados: doomgaze, grunge-gaze, twang-gaze y surf-gaze, entre otros. (Durante un tiempo, en los años 2000, hubo quienes intentaron imponer el término “shoetronica”. Por suerte, esquivamos esa bala.) Pero la explosión del shoegaze atrae a una nueva generación de oyentes, incluso a aquellos que no coleccionan viejos discos de Pale Saints. Todo reside en esa sensación de sobrecarga sensorial absoluta, en el temblor de pánico que podía provocar un concierto de My Bloody Valentine cuando extendían “You Made Me Realize” durante varios minutos más allá de cualquier duración razonable, hasta hacerte sentir que el páncreas se te derretía dentro de los riñones. Hoy más que nunca, es el momento indicado para dejar que una Fender Jazzmaster chirriante y distorsionada invada tu alma y te haga entrar en razón.
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El dúo mexicano, Jesse & Joy, que llevan activos desde los años 2000 han llegado a un punto de inflexión. Jesse Huerta anunció en su Instagram que detalla la razón por la que decidió alejarse de su carrera musical.
En el comunicado explica, “he decidido tomarme un tiempo para estar con mi familia, cuidar de mí y darme el respiro que hoy siento que necesito (…) hoy entiendo que necesito dar prioridad a mi bienestar (…) Esta decisión nace de un lugar de amor y de la necesidad de cuidar mi paz y mi salud mental y emocional. Hoy necesito vivir a otro ritmo, estar más presente con los míos y permitirme seguir creciendo, creando y explorando nuevos caminos”.
En cuanto al futuro del proyecto musical, escribió, “Jesse & Joy es una parte fundamental de mi vida. Compartir este camino con mi hermana y ver cómo nuestras canciones se han vuelto parte de sus historias es algo que valoro profundamente”, continuó agradeciendo a su hermana, Joy Huerta, por “los buenos recuerdos y por dejarme acompañar una de las voces más hermosas del planeta con mis manos, nuestras canciones, mis frecuencias, melodías y mi voz”
Les dio las gracias a sus fans por “sus mensajes у por permitirnos acompañarlos en tantos momentos de sus vidas, todo ese cariño tiene un lugar muy especial en mi vida”. Aseguró que “Nuestra música nunca parará, es y siempre será algo más grande que nosotros y vive a través de todos ustedes”.
A pesar de su alejamiento, estableció que cumplirá con sus compromisos profesionales hasta la presentación el 17 de noviembre en Londres, Inglaterra, una fecha que extendió hasta el 5 de diciembre en su post más reciente
Siempre se podrá volver a escuchar los hits como ‘¡Corre!’, ‘Dueles’ y ‘Ecos de Amor’, grandes álbumes como ¿Con quién se queda el perro? y Un besito más. Conforme lo expresó la estrella del pop latino, ganador de Latin Grammys y conquistador internacional de corazones, todo esto “vive a través de ustedes”, así que solo queda esperar y aceptar esta noticia con comprensión y respeto.
A la fecha de esta publicación Joy Huerta no se ha pronunciado al respecto.
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