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Metrika continúa desvelando la historia que ha construido para La Orden, su próximo trabajo discográfico que aún no tiene fecha de lanzamiento. Esta vez es el turno de ‘P0RN0’, un single enigmático en el que la “vampibimbo” retrocede en el tiempo para remontarse a un psiquiátrico en donde su desquicio tiene la capacidad de hacer que el mismo doctor pierda la cordura.
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La canción cuenta con ese sonido urbano alternativo característico de la artista valenciana, el cual se ha ido tornando cada vez más oscuro con cada lanzamiento de esta nueva era musical. Su letra no se queda atrás, pues allí se habla sobre una letal combinación entre la obsesión y el deseo.
El vídeo ha sido dirigido por Víctor Marín, quien ya se había desempeñado como director técnico de los visuales de ‘DEMONIAS MUÑECAS’ y ‘CONTACTO CONTACTO’. El clip enseña a la “Madre Fundadora” siendo internada y dejada en observación, pero rápidamente vemos como sus demonias muñecas llegan para acompañarla. El poder sobrenatural de su paciente es tan intenso que el psiquiatra por poco sucumbe ante la locura.
Poco a poco, Metrika nos va envolviendo en La Orden, su siguiente álbum de estudio del que hasta ahora se conocen tres singles, incluyendo una colaboración con SINAKA. La artista, conocida por su gusto por desarrollar conceptos que se salgan de lo común en la industria, ha compartido en exclusiva con ROLLING STONE en Español su detrás de cámaras en el que se logra ver cómo se materializó el videoclip de ‘P0RN0’.
@rollingstoneenespanol Metrika continúa abriendo las puertas de ‘La Orden’. En ‘P0RN0’, la “vampibimbo” se traslada a un psiquiátrico para explorar una historia atravesada por la obsesión, el deseo y una oscuridad que sigue creciendo dentro de su nueva era musical. En exclusiva para ROLLING STONE en Español, Metrika comparte el detrás de cámaras del videoclip y muestra cómo tomó forma este nuevo capítulo de su universo.
Conoce más en el link de bio.
Videos cedidos por Universal Music Spain en exclusiva para ROLLING STONE en Español . . . #RollingStoneEnEspañol #RollingStoneEspaña #Metrika P0rn0
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Desde “Para qué?”, esa conmovedora pieza interpretada por Alejandro Sokol (1960-2009) que le daba título a su disco de 1998, Las Pelotas abordó el existencialismo en forma de baladas. A casi cuatro décadas de su fundación y a casi treinta años de aquel álbum, su nuevo trabajo profundiza en esas indagaciones filosóficas. “Unos te dicen por aquí, otros se apoyan en un Dios, pero nadie en este mundo sabe por qué, sabe por qué está aquí”, canta Germán Daffunchio, con el respaldo vocal de la bajista Gabriela Martínez, en “Cuando ves alrededor”, la canción que abre Sin la piel.
El título del álbum es un alegato sobre uno de los males de esta época, en la que las apariencias y la vida artificial en las redes adquieren una importancia desproporcionada. No es un diagnóstico novedoso, pero todo parece exacerbado. En la era en que los filtros de Instagram funcionan como un maquillaje artificial, la crueldad neoliberal se expande en el mundo y la frivolidad del menemismo vuelve en forma de tragedia, Las Pelotas propone un viaje introspectivo. Las preguntas han sido una constante en el estilo poético del grupo, y parece haber un trabajo en espiral, un eterno retorno a preguntas casi arcaicas, como la que ya se hacían en “¿Qué podés dar?”, incluída en Despierta (2009): “Que podés dar, realmente dar, que está en tu corazón, y no en aparentar”. Un truco letrístico que Daffunchio suele repetir: apelar a la interpelación de uno mismo, pero enunciada en la segunda persona del singular.
Es un arranque delicado, no exento de cierto dramatismo, que marca la tónica del disco. La furia que ostentaba el grupo en otros tiempos, parece encausada hacia formas amables. La línea de bajo y la pulsión de la batería de “Esperar el tiempo”, el segundo movimiento del álbum, refuerzan ese sonido épico que caracteriza a la banda. Había mugre antes; ahora hay un sonido puro, con un delicado trabajo en las voces, una producción impoluta. “Sin la piel”, la canción que no casualmente le da título al álbum, remite instantáneamente a himnos de The Cure como “Lovesong”. Una cruza exacta de new wave, aires góticos, ecos de post-punk sumada a una melodía pegadiza y los teclados sutiles y precisos de Sebastián Schachtel, que son una evocación de ese sonido que marcó los años 80. Pero a pesar de todas esas referencias pretéritas, ni esta canción, ni el disco en general, son un mero gesto de nostalgia o de reconstrucción. Las referencias ochenteras no funcionan como un ancla estética, sino como un punto de partida para canciones que funcionan en la guitarreada, por fuera de todo artificio, de cualquier oropel.
El gesto de Germán Daffunchio es casi gardeliano: cada día canta mejor. Con los años, su voz ha encontrado en la dulzura un refugio luminoso. Y luminosa es, también, la portada del álbum, diseñada por Juan Daffunchio (hijo de Germán, también responsable de las visuales en los conciertos). La foto con los gajos de mandarina en una bandeja de supermercado dialogan con las formas geométricas de la pintura abstracta de Corderos en la noche (1991), y es junto con la de Despierta la más refulgente de toda su discografía. El reggae, piedra angular del sonido del grupo, aparece en “Tanto más”, con una melodía irresistible del “Pollo” Gómez, que reaparece en “Los dos”, una pieza que parece aplicar la lógica inversa al día de la marmota: “Me encantaría que me digas cómo hacer para que este día nunca se termine”. Definitivamente cancionero, Sin la piel está lleno de sutilezas. Buena parte de ese sonido, delicado y poderoso a la vez, es responsabilidad del entramado de guitarras que construyen el histórico Tomás Sussman y Gaspar Daffunchio, otro de los herederos de Germán. “La bruma de otoño” tiene una base que coquetea con el jazz rock y la intro de fingerpicking de “Las cosas como son” tienen algo de country, pequeños detalles sonoros que condimentan al fogón, origen y, a la vez, destino final de estas piezas sofisticadas.
El sentido trascendental de la vida, la indagación profunda del ser, la eternidad y la pulsión existencialista son inquietudes universales que marcan el derrotero temático del álbum. Pero a pesar de la hondura intelectual, lo que prima es la sensibilidad. Su gran virtud es el equilibrio, esa amabilidad pop y el devenir luminoso de una de las bandas más longevas, prolíficas y vigentes del rock en esta parte del mundo.
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Manny Cruz está de celebración. El cantante, compositor y productor dominicano conmemora 10 años de trayectoria artística y, como parte de este aniversario, presenta su nuevo sencillo, ‘Nieve en Verano’, una colaboración con el maestro Juan Luis Guerra.
Para Cruz, compartir por primera vez una producción con Guerra representa la materialización de un sueño y un momento de especial significado en su trayectoria. El maestro Juan Luis Guerra ha sido una de las figuras más influyentes en su carrera y uno de los artistas que admira desde siempre. Por ello, ‘Nieve en Verano’ trasciende el ámbito musical para convertirse también en una pieza cargada de emoción y valor conmemorativo para Manny Cruz.
El artista dominicano confesó que aún le cuesta encontrar las palabras para describir lo que este momento significa para él. Aseguró que su corazón está lleno de gratitud, pues detrás del artista permanece aquel niño que creció escuchando, admirando y disfrutando las canciones de Juan Luis Guerra.
“Poder mirarlo hoy a mi lado y decir que hicimos una canción juntos —y no cualquier canción, sino un merengue— es algo que todavía estoy procesando. Es el vivo ejemplo de que no hay nada imposible bajo el cielo, que es precisamente de lo que habla el tema. Vale la pena creer, trabajar y esperar en Dios. Solo puedo darle gracias a Él por permitirme vivir este momento y disfrutar de este gran regalo”, compartió.
‘Nieve en Verano’ nace de la idea de aquello que parece inalcanzable y hace honor a su propio título: la aparición de la nieve en la época más calurosa del año. La canción narra una historia de amor que desafía toda lógica y, al mismo tiempo, se convierte en una metáfora del momento que hoy vive Manny Cruz, demostrando que incluso aquello que parece imposible puede hacerse realidad.
Sobre la colaboración, Juan Luis Guerra expresó que recibió la propuesta con alegría y cariño, destacando la trayectoria y el aporte de Manny Cruz al merengue dominicano. “Siempre recibí con mucha alegría y con mucho cariño el trabajar con Manny, sabiendo lo buen artista que es y lo mucho que representa para el merengue en República Dominicana”, señaló el maestro.
‘Nieve en Verano’ llega acompañado de un videoclip oficial protagonizado por ambos artistas y por la reconocida comunicadora y personalidad dominicana Francisca, quien da vida a la historia que acompaña la canción. Bajo la dirección de Jean Guerra, la producción audiovisual aporta una dimensión visual a esta propuesta que celebra el amor, la cultura y la identidad dominicana.
Escucha aquí ‘Nieve en Verano’:
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La historia de The Beatles aún tiene mucho por contar. Su música guarda un legado asombroso y, ahora, sale a la luz una versión temprana de una de sus canciones más icónicas: ‘Norwegian Wood (This Bird Has Flown)’. En esta adaptación, George Harrison amplía el alcance de su talento al incorporar el sitar, aportando una nueva dimensión al sonido de la banda.
Para continuar explorando la historia de la agrupación, el próximo 2 de octubre se publicará una edición especial y ampliada de Rubber Soul. El material reunirá una selección de grabaciones de sesiones y demos caseros inéditos, además del nuevo sencillo de doble cara A, ‘Day Tripper / We Can Work It Out’.
Como primer adelanto, se reveló cómo The Beatles dieron forma a uno de sus grandes clásicos, ‘Day Tripper’. La canción tiene su origen en una antigua composición de folk que John Lennon había escrito tiempo atrás. Un mes después, Lennon y Paul McCartney retomaron la idea y trabajaron en ella en Kenwood, la casa de Lennon en Weybridge, Surrey, antes de llevarla al estudio para completar la grabación.
Ahora, el nuevo adelanto de Rubber Soul ofrece una mirada a las primeras etapas del proceso creativo de la agrupación con ‘Norwegian Wood (This Bird Has Flown)’. La grabación, titulada ‘Segunda versión – Toma 2’, fue registrada durante el primer día de sesiones del álbum de 1965 y presenta uno de los primeros acercamientos de George Harrison al sitar, un instrumento que años más tarde se convertiría en una de sus grandes pasiones.
Más tarde, se realizaron nuevas grabaciones en las que participaron la guitarra acústica de John Lennon, el bajo de Paul McCartney, la batería de Ringo Starr y George Harrison, quien aportó notas de acompañamiento con el sitar. En la versión final de este clásico, la melodía instrumental acompaña al verso, mientras que el sitar aparece con una doble pista durante la sección del puente, aportando una textura distintiva al tema.
“Me resultó muy familiar escuchar esa música. Por esa época, había comprado un sitar barato en una tienda llamada Indiacraft, en Londres. Cuando estábamos trabajando en ‘Norwegian Wood’, sentíamos que a la canción le faltaba algo, así que todo surgió de manera bastante espontánea. Tomé el sitar y encontré las notas. Lo pusimos a tocar y pareció encajar a la perfección; eso fue todo”, recordó Harrison anteriormente al hablar sobre ‘Norwegian Wood (This Bird Has Flown)’.
Rubber Soul Special Edition, la nueva edición del álbum de 1965, llegará el 2 de octubre en distintos formatos de LP, CD y Blu-ray. Para esta reedición, Giles Martin y Sam Okell estuvieron a cargo de una nueva mezcla del material, disponible en estéreo y Dolby Atmos. La edición también conserva la mezcla mono original y la versión estadounidense publicada por Capitol.
La nueva colección permitirá redescubrir el álbum a través de una renovada mezcla estéreo, elaborada directamente a partir de las cintas máster originales de cuatro pistas. Por primera vez, las 14 canciones se presentan reunidas en esta nueva mezcla, mientras que las ediciones ampliadas ofrecen una mirada más profunda a las sesiones de grabación y al proceso creativo detrás del disco.
Por ahora, ya puedes escuchar escuchar la versión temprana de ‘Norwegian Wood (This Bird Has Flown)’:
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El Noel Gallagher retorna a su programa de radio favorito, U.K. sports radio, para revelar detalles de la gira de 2027 de Oasis en medio de una extensa conversación acerca de su amor por el fútbol y Manchester City.
Andy Goldstein, conductor de talkSPORT, sostuvo la plática con el rockero. Confesó que su hermano, Liam Gallagher, supo, inmediatamente, que la exitosa gira de 2025 no sería la única. Cuando se le preguntó cuándo decidieron llevar a cabo un segundo tour respondió que fue después del show en Wembley Stadium en Londres, apenas unas semanas después de iniciar el recorrido.
Gallagher rememoró, refiriéndose a la nueva película sobre la gira de reencuentro, Oasis: Don’t Look Back in Anger que “Nadie sabía, de verdad, que era lo que iba a suceder… Bueno, puedes verlo en el documental. (…) Pero nadie sabía realmente cómo iba a salir la cosa, así que nos presentamos en Cardiff y Manchester. Para cuando llegamos a Wembley, alguien dijo: ‘Bueno, será que…’. Entonces se decidió que lo haríamos, y todo se puso en marcha a partir de ese momento”.
La repentina decisión se llevó a cabo en parte porque Oasis quería asegurarse de llevarle la experiencia a sus fans europeos, ya que el continente fue omitido de la gira de 2025. “No podíamos omitir a Europa, nuestros fans italianos, franceses, alemanes, españoles y holandeses han sido muy buenos con nosotros durante años… así que siempre planeamos en hacer eso”. Se realizarán varios conciertos en dichos territorios durante la edición de 2027 del tour.
Desde esa programación preliminar, se llenó el itinerario. Por ejemplo, el cantante añadió que se suponía que debían tocar en Las Vegas y Boston, como no pudieron, ahora lo harán en 2027. Luego, añadieron a Knebworth Park, donde la banda se presentó en el Knebworth Festival de 1996.
“Nos lo estábamos pasando tan bien que (pensamos)… ¿Por qué no hacerlo?”, afirmó el artista.
Sin embargo, se mostró reticente a comprometerse cuando le preguntaron si creía que querría seguir con Oasis después de la gira de 2027. “No lo sé”, contestó.
Cuando se le planteó la inevitable y eterna pregunta de sobre un posible álbum nuevo de Oasis, respondió que “no habrá música nueva”. Cuando Goldstein le preguntó si quería “hablar más del tema”, el músico exclamó, alegremente, “no”. Luego se pusieron a charlar en detalle sobre fútbol.
Se dará inicio al viaje de 2027 con cinco noches en el Celtic Park de Glasgow en mayo. Seguirá una extensa serie de conciertos en su ciudad natal de Manchester, Inglaterra, luego continuarán en Alemania, España, Países Bajos, Francia e Italia. Tras sus conciertos en Boston y Las Vegas en agosto, Oasis cerrará la gira con dos fechas en Irlanda y las presentaciones de septiembre en Knebworth.
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Algunos de los mejores conciertos del planeta hoy están a cargo de músicos que llevan más tiempo en la ruta que nadie. Los más resistentes ya pasaron los 80: Bob Dylan, Neil Young, George Clinton, Paul McCartney. Son artistas para quienes tocar no es una profesión, sino una forma de vida. Siguen girando por la década de 2020 porque es ahí donde se sienten en casa, y porque ya no tienen razones para guardarse nada para mañana. Hace tiempo que dejaron de preocuparse por disimular las grietas de sus voces o las marcas de los años en sus rostros. Eso es para los jóvenes. Ellos exhiben sus voces octogenarias como si fueran cicatrices de guerra.
Dylan sigue siendo un modelo de cómo mantenerse vigente: canta lo que se le da la gana, con la energía que tenga disponible en cada noche y con ese gruñido inconfundible de sus 85 años. Durante todo el verano se mostró imponente, incorporando versiones de Bo Diddley y Charlie Rich acompañado por una rotación de guitarristas de jazz de altísimo nivel como Julian Lage, Jad Tariq y Joel Paterson.
Pero incluso Dylan parece un principiante al lado de Willie Nelson. A los 93 años, el legendario cantante de country permanece sentado durante sus conciertos, aunque sigue tocando su guitarra inconfundible con unos dedos que todavía conservan su fuerza. Cuando ya no alcanza ciertas notas, simplemente recita las canciones sin perder ni un poco de carácter. Verlo atravesar “Funny How Time Slips Away”, un clásico que escribió hace más de seis décadas, no es solamente inspirador: es casi una provocación. Como si preguntara al público: “¿Y vos qué estás haciendo con el tiempo que se te escapa?”.
George Clinton pasó el año pasado recorriendo escenarios para celebrar la magia de Parliament-Funkadelic. Para su gira de 2026 incluso construyó una nueva Mothership para aterrizar sobre el escenario, ya que la original descansa actualmente en el Smithsonian.
Paul Simon, por su parte, había anunciado su retiro en 2018 debido a sus problemas de audición. Sin embargo, regresó sorpresivamente el año pasado al explicar que los avances tecnológicos finalmente le permitían escucharse de nuevo sobre el escenario. Desde entonces viene ofreciendo conciertos especialmente emotivos, centrados en el material que más le interesa hoy: su álbum Seven Psalms, editado en 2023. La experiencia terminó siendo mucho más significativa que una simple colección de viejos éxitos. También resulta conmovedor escucharlo reinterpretar temas menos conocidos de los años ochenta como “Rene and Georgette Magritte with Their Dog After the War”, una canción que hoy se encuentra más alejada en el tiempo de los ochenta que lo que la Segunda Guerra Mundial estaba de la fecha en que fue escrita.
Otro que sigue en gran forma es Van Morrison, que acaba de cumplir 81 años. En sus giras recientes apostó por repertorios centrados en antiguos clásicos del blues, música que parece inspirarlo mucho más que volver a cantar “Brown Eyed Girl” por enésima vez.
El histórico miembro de The Beach Boys, Al Jardine, también viene asumiendo riesgos artísticos al llevar a escena Love You, uno de los discos de culto más queridos del grupo. Rod Stewart, fiel a su estilo, extendió durante más de un año su gira de despedida, demostrando una vez más que nunca fue alguien dispuesto a decir adiós demasiado rápido.
Micky Dolenz todavía alcanza las notas altas de “The Porpoise Song”, mientras que Ringo Starr convierte cada show de su All-Starr Band en un despliegue constante de energía. Si no está detrás de la batería, está bailando. Lo más asombroso es que, cuando era chico, sus problemas de salud hacían dudar incluso de que llegara a la adultez. Hoy sigue recorriendo escenarios a los 86 años.
Y después está Paul McCartney, que dejó a todos boquiabiertos con sus fechas norteamericanas del año pasado. Nadie termina de entender por qué sigue exigiéndose tanto, ofreciendo shows maratónicos con un entusiasmo casi sobrehumano. Pero sigue encontrando nuevas maneras de desafiarse. Uno de los mayores encantos de sus conciertos es ver cuánto le cuesta abandonar el escenario cuando llega el final. Ojalá todos pudiéramos odiar algo tanto como McCartney odia terminar un show.
Neil Young llega después de un par de años demoledores en vivo, primero junto a Crazy Horse y luego con los Chrome Hearts. Aunque canceló gran parte de sus conciertos programados para 2026, alegando simplemente que necesitaba un descanso, regresó a los escenarios este otoño.
Los Rolling Stones, en cambio, tuvieron que archivar sus planes de gira. Claro que no cualquiera puede ser un fenómeno biológico como Mick Jagger, que a los 83 años se mueve mejor que la mayoría de la gente varias décadas más joven. Tampoco es casualidad: hijo de un profesor de educación física, Jagger se tomó muy en serio su preparación física mucho antes que la mayoría de las estrellas de rock.
Stevie Nicks, cerca de cumplir 78 años, atraviesa uno de los momentos más exitosos de toda su carrera. Pasó buena parte del año pasado agotando entradas en arenas y disfrutando plenamente de su estatus de leyenda.
Los ex Rush Geddy Lee y Alex Lifeson, con 73 años, parecen casi adolescentes en esta compañía. El dúo había abandonado las giras una década atrás, incluso antes de la muerte de Neil Peart, por lo que su regreso triunfal este año fue una de las noticias más celebradas por los fanáticos.
“Alex y yo hicimos una profunda búsqueda interior”, dijo Lee en octubre. “Y llegamos a la conclusión de que extrañamos muchísimo esto”.
Una frase que resume perfectamente por qué estos veteranos siguen volviendo a la ruta.
Porque, al final, ninguno de estos músicos está girando para revivir el pasado. Regresan porque arriba del escenario es donde se sienten vivos. Y precisamente por eso siguen siendo tan buenos en lo que hacen. Como resumió Neil Young hace muchos años: para los músicos y para los buscavidas, esta noche sigue siendo la noche.
Esta nota forma parte de la serie Reasons to Love Rock, de Rolling Stone US, dedicada a los sonidos, tendencias, escenas y artistas que generan entusiasmo sobre el rock en 2026.
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Preguntale a cualquier banda de rock alternativo que haya pasado tiempo de gira durante los años noventa cuál era su sala favorita de la vieja escuela en Chicago y es muy probable que Lounge Ax aparezca entre las primeras respuestas. Inaugurado en 1987 y gestionado durante gran parte de su existencia por Julia Adams y Sue Miller, este pequeño club sobre Lincoln Avenue fue escenario de innumerables conciertos memorables antes de cerrar definitivamente sus puertas el 15 de enero de 2000. Durante la semana previa a su despedida tocaron allí leyendas locales y habitués del lugar como Wilco, Eleventh Dream Day y Shellac.
Aunque desapareció hace ya un cuarto de siglo, Lounge Ax nunca fue olvidado. Y muy pronto, muchos de los conciertos que albergaron sus paredes podrán escucharse gratuitamente gracias al archivista y grabador local Aadam Jacobs y a Internet Archive.
“Me sentía completamente en casa ahí”, dice Jacobs, que registró alrededor de 2.200 sets en Lounge Ax desde fines de los años ochenta. “Muchas veces era el lugar que elegía para ir”.
Su primer show en el club fue el de Duncan Imperials, el 5 de julio de 1989. Más de una década después también registró el último concierto de la historia del local, protagonizado por The Coctails. Pero su archivo va mucho más allá. Incluye presentaciones en otros escenarios de Chicago de artistas como Pixies (10 de agosto de 1989 en Metro), Nirvana (8 de julio de 1989 en Dreamerz), Hüsker Dü (16 de junio de 1984 en West End) y The Smiths (7 de junio de 1985 en Aragon Ballroom).
En total, el material suma cerca de 10.000 conciertos grabados, una documentación invaluable de una época fundamental para el rock. “Es increíble lo bien que registró estos shows hace tanto tiempo”, afirma Brian Emerick, encargado de la monumental tarea de digitalizar toda la colección, además de los detallados diarios que Jacobs llevó sobre cada concierto al que asistió. “Aprendió sobre la marcha y descubrió dónde colocar los micrófonos para obtener el mejor sonido”.
Jacobs asegura que, por lo general, pedía permiso a las bandas y a las salas antes de grabar, y que además solía entregarles copias del material. Reconoce que en algunas ocasiones registró conciertos de manera más discreta. “Pero la enorme mayoría de lo que hice no fue así. Había micrófonos a la vista. La gente sabía perfectamente lo que estaba haciendo. Tenía autorización”. Ni Jacobs ni Internet Archive obtienen beneficios económicos por las grabaciones que integran la Aadam Jacobs Collection.
Su primer registro data de 1984, cuando tenía apenas 17 años y grabó a la banda británica de improvisación libre AMM. “Cuando todo tomó velocidad, salía prácticamente todas las noches”, recuerda. “Durante gran parte de los noventa grababa entre 200 y 250 shows por año”.
La colección incluye registros históricos. La grabación de The Smiths documenta el primer concierto de su primera gira por Estados Unidos. Jacobs vio a Nirvana dos años antes de Nevermind, cuando el grupo abría para una banda local llamada Precious Wax Drippings. También registró actuaciones tempranas de artistas como Liz Phair, que comenzó tocando en bares del área de Chicago. “Estuve en sus primeros conciertos, cuando no iba nadie”, recuerda.
Según los cálculos de Emerick, la banda que más veces grabó Jacobs fue Eleventh Dream Day, con 166 registros. Si se incluyen solistas, el récord es para Robbie Fulks, con 282 conciertos. También aparecen con cifras destacadas Dag Juhlin, de Poi Dog Pondering, y The Mekons.
Después de tantos años y miles de conciertos, elegir favoritos no es sencillo. Sin embargo, Jacobs menciona especialmente sus numerosas grabaciones de la banda holandesa The Ex. También recuerda con cariño un concierto de The Wedding Present en Lounge Ax. “Fue algo realmente especial”, dice sobre aquella presentación del 9 de marzo de 1991.
Jacobs grabó conciertos varias veces por semana entre 1984 y comienzos de 2020, cuando la pandemia obligó a cerrar salas de todo el mundo.
“La pandemia fue el golpe final”, afirma. “Aproveché ese tiempo para ordenar toda la colección alfabéticamente y clasificarla bien. Pero el impulso de seguir grabando simplemente desapareció”.
A eso se sumaron algunos problemas de salud. Aunque registró algunos shows aislados cuando los conciertos volvieron, hace aproximadamente tres años que no realiza una grabación.
“El objetivo siempre fue no perderme nada verdaderamente importante cuando una banda pasaba por la ciudad por primera vez”, explica sobre una pasión que marcó toda su vida. “Ahora llegué a un punto en el que quiero disfrutar de lo que ya conozco”.
Aunque la mayor parte del material ya fue digitalizada, todavía falta tiempo para que la colección completa esté disponible en Internet Archive.
“Estamos subiendo alrededor de 200 conciertos por mes”, explica Emerick, que trabaja en el proyecto desde fines de 2024 junto a un equipo de unos quince voluntarios. “Calculamos que aún quedan unas 8.000 grabaciones por cargar. Si mantenemos un ritmo de 2.400 por año, todavía nos esperan unos tres años de trabajo”.
Como era de esperar en alguien con semejante obsesión por documentar la música, Jacobs también conserva un enorme archivo de videos de conciertos emitidos por televisión.
“Fue una obsesión, claro”, admite. “¿Cómo no iba a grabar todas esas bandas increíbles que aparecían en televisión y que jamás iba a poder volver a ver si no las registraba?”
Emerick también abrió un canal de YouTube para ese material. “Ahora yo soy el hobby de Brian”, bromea Jacobs.
Recientemente lanzó un sello discográfico llamado Laughing Bee Music, que comparte identidad con Dead Bird, el sello que manejó durante los noventa. La idea es editar en vinilo y formatos digitales grabaciones en vivo extraídas de su archivo.
Los dos primeros lanzamientos previstos son Naked Raygun’s This Place Used to Be a Strip Joint (Live), grabado el 2 de noviembre de 1985, y Eleventh Dream Day’s By the Time They Got to Lounge Ax (Live). Este último, curado por el cantante y guitarrista Rick Rizzo, reúne material de cuatro actuaciones realizadas entre 1991 y 1994 en Lounge Ax y se extiende a lo largo de dos LP.
Ambos discos estarán disponibles en formato digital el 18 de septiembre, mientras que las ediciones en vinilo llegarán el 16 de octubre.
Jacobs se entusiasma al pensar que todo ese trabajo finalmente llegará a nuevos oyentes, después de haber convertido durante décadas a los pequeños clubes de Chicago en una segunda casa.
“No sé cuál será el nuevo Lounge Ax”, reflexiona. “Pero tiene que existir. La escena tiene que seguir existiendo. Hay una escena en Chicago. Yo ya no estoy tan al tanto, pero está ahí, y tiene que estar ahí porque es donde ocurre el crecimiento. Y eso es algo hermoso”.
Esta nota forma parte de la serie Reasons to Love Rock, de Rolling Stone US, dedicada a los sonidos, tendencias, escenas y artistas que generan entusiasmo sobre el rock en 2026.
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