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El artista colombiano habla con ROLLING STONE en Español sobre la identidad de su música, la expansión de la carranga, su proceso creativo y las historias que hay detrás de un repertorio construido desde la emoción.
Hay momentos en una carrera en los que mirar hacia atrás también sirve para entender hacia dónde se quiere avanzar. Para Heredero, ese es precisamente el lugar desde el que nace su nuevo álbum: un proyecto que reúne canciones trabajadas durante distintos momentos de su recorrido y que le permite presentar, en conjunto, una parte esencial de lo que ha construido como artista.
“Quería contar quién soy, quería contar que lo que yo terminaré diciendo siempre porque es mi propósito como artista es mostrar lo que soy como persona”, explica. El álbum funciona así como una fotografía de su identidad artística, pero también como una manera de reunir canciones que ya tienen un vínculo con su público y presentarlas dentro de un mismo universo. “Esto es verdadero como autor, como compositor, como intérprete. Esto es lo que cuento, esto es lo que pienso, esto es lo que siento”.
Ese vínculo con el público es uno de los elementos que más importan en su manera de entender la música. Heredero ha visto cómo canciones que nacieron desde una tradición profundamente colombiana han comenzado a encontrar receptores en otros lugares del mundo. Durante sus presentaciones fuera del país se ha encontrado con personas de diferentes nacionalidades que reconocen sus canciones y se acercan a una música que quizá, en principio, les era completamente ajena.
Para él, que su proyecto sea identificado como folklore es particularmente significativo. “Eso soy, eso represento”, dice. Y esa representación no implica encerrarse en una tradición, sino encontrar la manera de hacerla viajar. En sus recientes recorridos por Estados Unidos se ha encontrado con públicos de Centroamérica, Puerto Rico, República Dominicana y Costa Rica que ya reconocen algunas de sus canciones.
En ese proceso de llevar su música a nuevos públicos, Heredero tiene una idea clara sobre cómo quiere hacerlo: sus canciones deben ser capaces de conectar. Él utiliza una palabra particular para definir esa búsqueda: “digerible”. No se refiere a hacer una música sencilla o carente de elaboración, sino a evitar que el exceso de conceptos termine alejando al público.
“Yo quiero hacer algo digerible, que sea entendible”, explica. Para Heredero, una canción puede estar perfectamente construida desde el punto de vista musical y, aun así, no conseguir establecer una conexión emocional. Por eso prefiere trabajar desde lo orgánico, dejando que el sentido y la emoción sean parte fundamental del resultado.
Esa filosofía también se refleja en su proceso de composición y producción. Heredero escribe canciones desde los 11 años y ha desarrollado una metodología en la que suele trabajar primero a solas. En su estudio casero construye las maquetas, desarrolla las letras, piensa los arreglos de requinto y experimenta incluso con las líneas de bajo antes de llevar las ideas al estudio profesional junto a Fabio Jaimes.
“Cuando estoy solo me fluyen mejor las cosas”, cuenta. Aunque reconoce la importancia de escuchar sugerencias y mantenerse abierto a aprender, también considera indispensable involucrarse en cada etapa de la producción. Para él, la canción no termina cuando se graba la voz: la edición, la mezcla y el proceso técnico también hacen parte de la manera en que finalmente se comunica una idea.
“Todo el tiempo estoy ahí presente. Lleva siempre todo mi sentir y mi trabajo y mi empeño constante en las canciones”, afirma.
Esa cercanía con sus canciones explica también por qué su repertorio ocupa un lugar tan importante dentro de sus conciertos. Heredero decidió construir su propuesta alrededor de sus propias composiciones y no de un repertorio de covers. La apuesta ha sido desarrollar una obra que pueda sostenerse canción tras canción, permitiendo que el público descubra que detrás de una canción particularmente conocida existe un catálogo mucho más amplio.
El crecimiento de su audiencia ha confirmado esa intención. El artista cuenta que algunas personas de la industria se han sorprendido al asistir a sus conciertos y descubrir que el público conoce y canta buena parte de sus canciones, más allá de aquellas que han alcanzado mayor exposición. Para Heredero, esa respuesta representa una de las partes más significativas de su carrera: comprobar que las canciones pueden convertirse en un vínculo permanente con quienes las escuchan.
El álbum nace precisamente de esa relación. Heredero tiene un archivo amplio de canciones, algunas escritas hace varios años, que ha ido revisando y adaptando a medida que cambia su contexto y también la manera en que escucha su público. La intención no es simplemente acumular material, sino encontrar el momento adecuado para mostrar cada canción y continuar ampliando una obra que todavía se considera en construcción.
“Todo el tiempo constantemente seguimos haciendo música”, dice. Y aunque reconoce que nadie puede producir un éxito de alcance mundial cada semana, entiende que parte del trabajo consiste en seguir buscando canciones que puedan generar esa conexión.
Dentro del repertorio del álbum hay historias que revelan otra dimensión de su propuesta. Una de las que más lo conmueve es “Marta”, basada en la historia real de una madre soltera que intenta salir adelante junto a su hijo mientras enfrenta la incertidumbre económica. La canción nació desde un lugar profundamente emocional para Heredero: “La escribí entre lágrimas, la produje, la grabé, le hice voz entre lágrimas”.
La respuesta del público ha hecho que esa historia adquiera nuevas dimensiones. Durante sus conciertos ha visto a madres abrazando a sus hijos y llorando mientras escucha la canción, pero también a jóvenes y otras personas que encuentran en ella situaciones o emociones propias. “Me cuesta muchas veces trabajo cantarla en vivo”, reconoce.
Ese tipo de conexión es, en buena medida, lo que Heredero espera que ocurra con el álbum completo. No quiere que sea simplemente un punto de llegada o un producto cerrado, sino una puerta para que quienes ya conocen algunas de sus canciones puedan descubrir el resto de su obra.
“Que el álbum sirva de puente para que encuentren las demás canciones y encuentren todo lo que tengo para contarles y para cantarles”, explica. Para él, ese puente conecta las canciones que el público ya conoce con las que todavía no ha escuchado, pero también permite establecer una relación más constante entre el artista y quienes siguen su música.
Lo que viene, entonces, no está completamente definido. Heredero habla de nuevas canciones, futuros álbumes y proyectos que podrían incluso explorar caminos diferentes. Lo que sí permanece claro es la necesidad de que todo aquello conserve una misma raíz: su propia identidad. “Siempre termina siendo yo”, dice.
Esa identidad también está relacionada con la manera en que entiende el papel de su música fuera de Colombia. Más allá de llevar la carranga a nuevos escenarios, Heredero quiere que sus canciones puedan convertirse en una forma de representación para quienes las escuchan, independientemente de su región o de su relación previa con esta tradición musical.
“Espero que la música que llevo por el mundo nos haga sentir orgullosos a todos los colombianos”, afirma. Su deseo es que alguien, al encontrarse con estas canciones lejos de Colombia, pueda sentirlas como propias: “Que digan: ‘Venga, esta música es de mi tierra, de mi patria y me representa y la siento como propia’”.
En ese sentido, el nuevo álbum resume una etapa, pero no pretende cerrarla. Es un punto de encuentro entre las canciones que han acompañado el recorrido de Heredero y las que todavía están por llegar. Un repertorio que mira hacia atrás para reconocer lo construido, pero que sobre todo busca mantener abierta la conversación con un público que, para él, sigue siendo parte fundamental de cada nueva canción.
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Antes de que sus personajes comenzaran a conquistar la pantalla, la escritora de ascendencia española y argentina Mercedes Ron ya había construido un fenómeno entre lectores jóvenes. La escritora argentina-española empezó publicando sus historias en Wattpad, donde acumuló más de 50 millones de lecturas, y en 2017 dio el salto a las librerías con Culpa mía, primera entrega de la trilogía Culpables. Después llegarían Culpa tuya y Culpa nuestra, consolidando una saga traducida a más de diez idiomas y convertida posteriormente en una exitosa franquicia audiovisual.
El fenómeno no terminó con Noah y Nick. Ron continuó explorando las turbulencias del romance juvenil en la trilogía Dímelo, la saga Bali y, por supuesto, la bilogía Enfrentados, formada por Marfil y Ébano. Sus libros han superado el millón de ejemplares vendidos y han convertido a la autora en uno de los nombres más reconocibles de la literatura romántica juvenil en español.
Hay, además, un patrón que permite entender por qué sus historias parecen destinadas a la pantalla. Ron rara vez se conforma con escribir únicamente sobre dos personas que se enamoran. Al romance le añade peligro, secretos familiares, violencia, acción y elementos propios del thriller. Sus protagonistas pueden estar descubriendo el primer amor mientras a su alrededor existe una amenaza bastante más tangible que un corazón roto.
Enfrentados: Marfil vuelve precisamente sobre esa combinación. Marfil parece tenerlo todo: juventud, belleza, dinero y una familia poderosa. Pero un secuestro destruye de golpe esa sensación de seguridad. Su padre decide entonces poner su protección en manos de Sebastián, un hombre formado bajo una disciplina completamente distinta a la vida privilegiada que ella conoce. El guardaespaldas contratado para mantenerla fuera de peligro termina convirtiéndose también en la persona de la que debería mantenerse alejada.
A propósito del estreno de la adaptación, Mercedes Ron nos habló sobre aquello que considera la clave de su éxito, la intensidad del primer amor, el privilegio de Marfil, la complicada frontera entre proteger y controlar y la atracción entre dos personajes que, en principio, deberían guardar las distancias.
Tus novelas han conseguido conectar con millones de lectores. ¿Cuál consideras que es la clave de tu éxito editorial?
Creo que es la combinación que hay en mis libros. No solamente es una historia de amor, sino que se mezcla el amor con el thriller, la acción y toda esa parte un poco más oscura. Es algo que traigo de la fantasía, de mi amor por la fantasía. Me gusta ver a mis personajes en peligro y creo que es un poco mi marca, por así decirlo.
También creo que eso me ha ayudado a que todos mis libros, o casi todos, se vayan a adaptar. La verdad es que me funciona muy bien. A la gente le gusta y también me ayuda a que el público no solamente sea femenino en su mayoría, sino que pueda unirse otro tipo de gente que va buscando más acción o ese componente de thriller.
¿Crees que tus historias expresan deseos o emociones que cierta literatura dirigida a adolescentes prefiere callar?
Puede ser. Al final, el amor tiene muchas vertientes y la forma en la que lo contamos depende de cada uno. Cada historia de amor es distinta.
A mí me encanta contar sobre todo el primer amor. Es el más pasional, es donde más errores se cometen, donde más locuras se cometen. Yo fui adolescente leyendo historias de amor y se viven de una manera tan profunda y bonita que hace que después ese lector sea el que recorre librerías buscando tu libro, el que hace cola para ir a una firma. La verdad es que es muy bonito.
En Marfil, la protagonista descubre que ni el dinero ni el poder de su familia pueden protegerla. ¿Querías quebrar esa sensación de invulnerabilidad o mostrar también cómo el privilegio puede aislar a alguien de los peligros que realmente la rodean?
Sí, totalmente. De hecho, el viaje de Marfil en esta bilogía se basa en eso. Principalmente crees que estás leyendo sobre una chica que tiene toda la vida resuelta: tiene dinero, es guapa, sale de fiesta… Y de repente la secuestran y su mundo, todo lo que creía que era seguro, ya no lo es. Ni siquiera su familia, ni siquiera los secretos que oculta su padre.
Entonces va a ver su mundo dado vuelta y tendrá que descubrir cómo sale de ahí. Puede decidir hundirse o salir más fortalecida. Creo que eso es lo bonito de este personaje: vamos a verla recorrer un camino increíble y convertirse en un ejemplo de lucha y de fuerza, como pueden hacerlo muchas mujeres que atraviesan situaciones complicadas.
La historia también juega con una frontera complicada entre protección y vigilancia, especialmente a través del padre de Marfil. ¿En qué momento cuidar a alguien puede convertirse en decidir por esa persona?
En el libro, sobre todo, el padre es mucho más complejo. Es más malo, por así decirlo, que en la película. Entonces fue complicado navegar entre el amor que tiene un padre por su hija y el amor que tiene este hombre por todos los negocios que maneja.
Fue interesante poder entrar en la cabeza de este padre y, sobre todo, en este tipo de familias muy desestructuradas, donde todo parece perfecto, pero en realidad, si te pones a escarbar, encuentras justamente lo opuesto. Con este personaje fue un poco así.
Sebastián y Marfil parten además de una relación desigual: ella es una mujer a la que deben proteger y él es el hombre contratado precisamente para vigilarla. ¿Cómo construiste la atracción entre los dos sin ignorar ese desequilibrio?
Bueno, al final ahí estaba la gracia: el amor prohibido y la tensión que se va generando entre los dos. Son dos personalidades muy distintas.
Marfil cree que puede tenerlo todo. Sebastián viene del ejército y para él las reglas son super importantes. Al final se conocen y cada uno va a cambiar al otro de la mejor manera posible. Y la atracción termina ganando, como pasa siempre en estas historias.
Tus novelas han conseguido algo especialmente interesante en una generación que vive rodeada de pantallas: hacer que muchos jóvenes vuelvan a buscar historias en los libros. ¿Qué significa para ti saber que hay lectores haciendo filas en librerías por tus personajes?
La verdad es que es lo mejor de este trabajo: saber que la gente sigue leyendo y que la literatura sigue moviendo todo lo que mueve. Es increíble.
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La mañana de este 25 de septiembre se vio sacudida por una noticia sin precedentes en el mundo del fútbol: más de tres años después de que la Premier League presentara 115 cargos contra el Manchester City por presuntas infracciones de sus reglamentos financieros, una comisión independiente habría declarado al club responsable de 114 de ellos, de acuerdo con reportes de The Athletic y The Times citados por Reuters.
El veredicto representa un nuevo capítulo en un proceso que comenzó formalmente en febrero de 2023, cuando la liga remitió el caso a una comisión independiente después de una investigación de cuatro años. Las acusaciones abarcan principalmente el período comprendido entre las temporadas 2009-10 y 2017-18, aunque algunas de ellas están relacionadas con la supuesta falta de cooperación del club durante la investigación, extendida hasta 2023.
¿De qué acusan al Manchester City?
Los 115 cargos no corresponden a un único tipo de infracción. La Premier los dividió en cinco grandes grupos. 54 cargos se relacionan con la presunta falta de entrega de información financiera precisa sobre los ingresos, incluidos los provenientes de patrocinios, así como sobre partes relacionadas y costos operativos, entre 2009-10 y 2017-18.
Otros 14 cargos están vinculados con la supuesta falta de información completa sobre los pagos realizados a jugadores y entrenadores durante ese mismo período. A estos se suman cinco acusaciones relacionadas con el incumplimiento de las normas de la UEFA, incluidas las reglas de Fair Play Financiero, y siete por presuntas infracciones de las normas de rentabilidad y sostenibilidad de la competición. Los 35 cargos restantes corresponden a la supuesta falta de cooperación del club con la investigación de la liga entre diciembre de 2018 y febrero de 2023.
En el centro del caso están las acusaciones relacionadas con la manera en que el club habría registrado determinados ingresos y remuneraciones. Parte de estas alegaciones surgieron a partir de documentos internos del club mancuniano publicados por Der Spiegel en 2018. El club ha rechazado las acusaciones y ha sostenido que algunos de esos documentos fueron obtenidos ilegalmente y publicados fuera de contexto.
Un veredicto que todavía no cierra el caso
Aunque distintos medios británicos reportaron este viernes que el City fue declarado responsable de 114 de los 115 cargos, la decisión no ha sido publicada oficialmente. La Premier League no hizo comentarios sobre los reportes y el club señaló que el procedimiento continúa y que todavía existen elementos importantes por resolver.
El equipo también mantiene la posición que ha defendido desde que se presentaron los cargos en 2023: niega haber cometido las infracciones que se le atribuyen. Además, todo apunta a que el Manchester City apelará el resultado de la comisión independiente.
Por ahora, tampoco existe una sanción definida. Ese será el siguiente capítulo de un proceso que comenzó hace casi ocho años, cuando la Premier League abrió su investigación, y cuya audiencia ante la comisión independiente se desarrolló entre septiembre y diciembre de 2024.
¿Qué podría pasar con el Manchester City?
Las consecuencias todavía no están determinadas. Las reglas de la Premier League contemplan distintas posibilidades para los clubes que infringen sus reglamentos, desde sanciones económicas hasta deducciones de puntos y, en circunstancias extremas, la expulsión de la competición y la anulación de los títulos obtenidos en ese periodo.
Mientras tanto, el Manchester City continúa su temporada 2026-27 bajo el mando de Enzo Maresca. El equipo llegó a este punto con un comienzo perfecto en la Premier League y siete victorias consecutivas en todas las competiciones, antes de que el proceso por los cargos volviera a ocupar el centro de la conversación alrededor del club.
La resolución de los 115 cargos abre así una nueva etapa: después de años de investigación, audiencias y espera, el foco pasa ahora del veredicto a las sanciones y a una eventual apelación. El desenlace definitivo del caso todavía está por llegar.
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El 23 de septiembre, Joy Huerta se pronunció sobre la separación del dúo musical durante una rueda de prensa para ¿Con Quién Se Queda el Reno?, el espectáculo navideño programado para el 6 de diciembre en el Auditorio Nacional de México. Jesse no estuvo presente.
En la conferencia se muestra afectada por la situación, tras sus primeras palabras casi llora al decir “nunca me imaginé pararme ante ustedes de esta manera”. Continúa hablando acerca del origen del proyecto musical y reiterando el gran impacto que han tenido durante más de dos décadas, “se convirtió en algo mucho más grande que mi hermano y que yo”. Afirmó, “amo profundamente a mi hermano, siempre lo voy a amar, respeto su decisión y voy a apoyarle cada paso (…), pero también amo profundamente a mi público y amo lo que también he construido a lo largo de 20 años o más (…) fue gracias al amor de ustedes, de nuestro público, que encontré el valor, que levanté la cara y que comencé a cantar con más fuerza”.
Apunta que han sido días difíciles para asimilar y procesar este cambio. Sin embargo, asegura que ella continuará “decido continuar con los planes que estaban agendados, decido estar con ustedes”. Toma una breve pausa y su voz tambalea al decir “Me muero de miedo, me muero de miedo, pero si el público quiere seguir cantando conmigo, quiero seguir cantando con ustedes”. Sostiene que Jesse & Joy continuará el 2027 y que a partir del 6 de diciembre seguirán en marcha “con el micrófono de mi hermano prendido si es que ustedes deciden cantar conmigo”.
La Navidad juntos, un disco solista y los 20 minutos
En la ronda de preguntas añadió que se enteró 20 minutos antes que el artista publicara su declaración, “sigo procesando, es demasiada información. Él tiene sus motivos, tiene sus razones, no me queda más que respetarlo, yo no puedo hablar por él”.
Cuando se le preguntó por qué no vino su hermano a enfrentar la prensa, contestó que “siempre va a estar su lugar. Jesse anunció que estará hasta el 5 de diciembre, y como esto es el 6 de diciembre en el Auditorio Nacional, supongo que eran sus motivos. Lo dije de todo corazón, yo no puedo hablar por él, pero no saben lo que les agradezco que ustedes estén aquí conmigo esta tarde”.
Ante la pregunta de que si había sucedido algo entre los dos o si hubo un conflicto, explicó que sí se pelea, pero que igual se aman, algo que han establecido anteriormente. Reafirmó su compromiso con apoyarlo y dijo que admira “su valor de tomar la decisión y decir ‘Esto es lo que tengo que hacer en este momento’”.
A pesar del apoyo incondicional, fue muy honesta con el miedo que le produce pensar en subirse al escenario y ver que él no está ahí con ella, “estoy tratando de asimilar qué pasara la primera vez que me pase en el escenario, que voltee al lugar al que llevo viendo por 20 años y no esté la persona con el que construí todo esto. Tengo que procesar que no sé qué va a pasar si van a llegar 10.000 personas, si van a llegar 10 o sí va a llegar una, pero sí que voy a salir a cantar para la persona que esté ahí”.
Aclaró que “Jesse es irremplazable” y que “continuar no quiere decir que estoy borrando a mi hermano. Continuar no quiere decir que estoy borrando la historia. Continuar quiere decir que estoy honrando a mi público, que estoy honrando a la gente que también trabaja conmigo y ha dejado su vida conmigo por las últimas dos décadas. Continuar quiere decir que estamos honrando lo que hemos construido juntos”. También agradeció al público por acompañarla en sus momentos difíciles como la muerte de su padre, “Salir a cantar estas canciones que escribimos juntos, que a veces me están llegando más a mí que al público en estos días. Siento que hay demasiado que estoy procesando, pero saber que lo estamos procesando juntos me da un poco de tranquilidad”.
Dio detalles del concepto del concierto, explica que se preparó hace un par de años y que el plan era “pasar Navidad con la gente que uno ama” y reitera que aún se encuentra procesando lo sucedido, por lo que no tiene palabras de consuelo para su público, “hoy solo voy un día a la vez”.
Tampoco planea sacar un disco como solista, aclaró que “Juntos lo hemos hecho todo. Hemos construido esto juntos por más de 20 años y es la razón por la que considero que no es justo para el público y no sería honesto conmigo. Creo que es algo que llevo construyendo más de la mitad de mi vida y que es parte del público mexicano, parte del público latinoamericano de millones de personas. No es un proyecto, es mi hogar y creo que es algo en el que me merezco también vivir y habitar”.
Textos de Instagram, “The Supernovas” y la incertidumbre
En resumen, Jesse Huerta anunció su descanso indefinido del dúo musical el 15 de septiembre con un mensaje que pide comprensión y explica que se tomó la decisión para tomarse “un tiempo para estar con mi familia, cuidar de mí y darme el respiro que necesito”. Luego prometió que continuaría con sus compromisos de Jesse & Joy hasta el 5 de diciembre.
No sucedieron más actualizaciones notables desde ese entonces, además de un mensaje de agradecimiento a la comprensión de sus fans, publicado el 17 de septiembre.
Antes de la conferencia del miércoles, Joy publicó un texto que refleja lo que habló durante la rueda de prensa. Expresó que se “muere de miedo” y que no puede “volver a callar” su voz. Afirmó no tener todas las respuestas, pero promete conservar la unión con su hermano “En Montreal les dije que el escenario siempre va a tener dos micrófonos (…) mientras ustedes quieran seguir cantando conmigo, yo voy a seguir cantando con ustedes”.
Unas horas después, Jesse publicó un nuevo mensaje para “evitar cualquier confusión”. Escribió que su equipo estaba informado previamente de que no atendería la conferencia ni la presentación del 6 de diciembre y reitera que “si esta decisión no fuera necesaria no me alejaría de algo tan hermoso (…) esta decisión la tomo con la urgencia de mi bienestar y con todo el dolor de mi ser”.
En las horas posteriores, la chef Mónica León, esposa del intérprete, publicó un mensaje que dice “amar es respetar la libertad del otro sin abandonar la propia. Es dejar ser, dejar vivir y, cuando es necesario, saber hasta donde llega”. Esto lo siguió con una historia en la que afirma que “la verdad siempre sale a la luz y siempre siempre triunfa”, luego aclaró su posición en otra publicación en la que dice que se refería a los rumores que él dejó plantada a la cantautora.
El 24 de septiembre, Jesse Huertas anunció “Jesse and The Supernovas”. Lo único que se sabe del proyecto hasta el momento es que la cuenta oficial ha publicado fotos desde el 24 de febrero de 2026. Este hecho le da validez a lo que explica en el comunicado que emitió poco después de mostrar el logo en su cuenta de Instagram.
En dicha publicación estableció que el descanso es para cuidar de su salud física y mental, y para pasar tiempo con su familia, pero que esto no significaba que se tomaría un descanso de la música, declaró, “Jesse and The Supernovas no nació después de esta decisión. Es un proyecto que estaba planeado, calendarizado y hablado desde hace meses. Mi hermana y mi equipo lo sabían. (…) Si fuera carpintero, descansar de una forma de trabajar no significaría dejar de tocar la madera. (…) Lo que cambió fue que decidí escuchar a mi familia, a mi cuerpo, a mi corazón y también a mí mismo. Hacer espacio para mis sueños, mi paz, mi tiempo y mi familia. Y eso hice”.
¿Con quién se queda el perro?
Luego del remolino de emociones que resultaron de estos 10 días, los fanáticos quedaron con el corazón en la mano. La opinión pública parece alienarse con Joy, se han presentado publicaciones de influencers que han declarado su rechazo de cómo se llevó a cabo la situación. Lissett Garduno hizo un reel que sirve como un buen ejemplo de este sentimiento de indignación entre los fanáticos, donde se desconoce las contribuciones de Jesse, se empatiza con la artista y se critica fuertemente la manera en la que se reveló el nuevo proyecto de su hermano.
Esta es una muestra de la ola de comentarios, videos y opiniones que nacen a partir de esta controversia. Sin embargo, al revisar la información disponible de los días anteriores, parece que la relación entre el dúo se mantiene amigable y que aún se tienen cariño a pesar del torpe lanzamiento de The Supernovas y de las emociones que mostró Joy. De pronto solo significa un nuevo comienzo, pero nada estará confirmado hasta que llegue el momento que el dúo se quede sin su otra mitad. No obstante, algo que dejaron claro es que se apoyarán el uno al otro sin importar lo que pase.
Joy Huerta no ha opinado acerca de Jesse and The Supernovas a la fecha de publicación de este artículo.
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Abbey Road celebró anoche en Londres la quinta edición de sus premios anuales de fotografía musical, los Abbey Road Music Photography Awards, y anunció a los ganadores de 2026.
Joshua Halling se llevó el premio a “Momento Musical del Año” (Music Moment of the Year) por su fotografía de los fans argentinos de Oasis, tomada durante el show de la banda en 2025 en Buenos Aires. “Gracias a la gente de Argentina. Sinceramente son el mejor público del mundo. Esperé como diez minutos para tomar esa foto”, dijo el fotógrafo al recibir el premio. La foto transmite fielmente el fervor que se vivió en los conciertos de noviembre del año pasado en el país.
Gabrielle Ravet ganó en la categoría “Detrás de Escena” (Behind the Scenes), mientras que Tom Pallant triunfó en “Música en Vivo” (Live Music). Frances Carter ganó en “Retrato” (Portrait), AF Cortés en “Escenas Underground” (Underground Scenes), y Giulia Spadafora se impuso en la categoría “Festivales” (Festivals). Por su parte, Dara Petrova fue nombrada “Fotógrafa Emergente del Año” (Emerging Photographer of the Year) por una imagen de una fiesta techno de Laboratorium en Ucrania.
La categoría “Elección del Jurado” (Judges’ Choice) fue para Angus Jenner por su fotografía de Oasis, tomada en la noche inaugural de su gira de reencuentro. Wayne Large ganó el premio “50 Años de Punk” (50 Years of Punk) por su foto de integrantes de varias bandas punk en 1979, capturada en el parque Castle Gardens de Leicester.
El fotógrafo japonés Masayoshi Sukita fue distinguido con el premio a la “Trayectoria” (Lifetime Achievement Award) durante la ceremonia. Conocido principalmente por su colaboración de 44 años con David Bowie, Sukita tomó la icónica fotografía de portada del álbum Heroes de Bowie en 1977. También es reconocido por fotografiar a Iggy Pop, Marc Bolan, Joe Strummer, Yellow Magic Orchestra y David Sylvian. Nile Rodgers aceptó el galardón en nombre de Sukita.
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Jack Daniel’s continúa ampliando su popular línea de sabores únicos con el lanzamiento de Tennessee Blackberry, que aprovecha lo mejor de la zarzamora. Para celebrarlo, la icónica marca de whiskey preparó un espectacular evento en Lago Algo, ubicado en el corazón de Chapultepec, en la CDMX.
Alrededor de 200 invitados se reunieron para celebrar la llegada de Jack Daniel’s Tennessee Blackberry y disfrutar de una velada marcada por conexión musical y coctelería de primer nivel que aprovechó al máximo el nuevo sabor de la marca. Entre los asistentes, resaltó la presencia de Ximena Sariñana, una de las grandes voces del pop mexicano; Renata Vaca, quien terminó de consolidar su lugar en la industria del entretenimiento hispano con Mal de amores, y el cantante e influencer Juan Pablo Villagordoa, conocido por su estilo desenfadado.
Uno de los sellos de esta celebración fue el pop-up de Long Story Short, considerado uno de los mejores bares de México en 2024. Junto a Jack Daniel’s, crearon tres tragos insignia diseñados especialmente para la ocasión con los que se expuso la versatilidad de Tennessee Blackberry. Su sabor fue el centro de una bebida que experimentó con frutos rojos y tintura de jamaica, otra con salmuera, miel y limón, y una tercera que lo fusionó con soda de manzana y jarabe de cítricos.
Los invitados no solo pudieron disfrutar de mixología de autor, sino también de la presentación Blackberry Lemonade en lata, un formato listo para beber ideal para una tarde con poco tiempo en la que buscas una alternativa refrescante.
La música jugó un rol sumamente importante en esta celebración con presentaciones importantes de dos proyectos cuyas propuestas sónicas fusionan lo mejor del pop alternativo con elementos de música electrónica. Se trata de CLUBZ, dúo mexicano que se ha convertido en una referencia de la escena electrónica nacional, y Disco Bahía, banda mexicana que llegó a la fiesta con su nuevo álbum de estudio El Rey del Glam. Con dos DJ sets, ambas participaciones marcaron el ritmo en una noche en la que todos festejaron la llegada de Tennessee Blackberry a México.
Esta nueva oferta de Jack Daniel’s se caracteriza por las notas dulces y ligeramente ácidas de la zarzamora que complementan a la perfección el carácter del whiskey. Con este nuevo sabor, la marca continúa su compromiso con la creación de expresiones llenas de sabor, respaldadas por su tradición y legado. Además, continúa fortaleciendo su presencia en México y crea nuevas experiencias para sus consumidores sin perder de vista la autenticidad que le ha dado a la marca su estatus de ícono global.
Este nuevo sabor ya está disponible a nivel nacional en sus dos presentaciones: Tennessee Blackberry, en botella de alta graduación, y Blackberry Lemonade en lata. La versión embotellada tradicionalmente cuenta con 35% alc. vol., mientras que la opción lista para beber se ofrece una alternativa práctica y refrescante con únicamente 5% alc. vol.
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Varias generaciones de argentinos crecieron escuchando a Charly García, eso todos los tenemos claro. Pero no es menos cierto que esas generaciones también crecieron viendo sus movimientos y transformaciones.
“Mirar a Charly” es justamente la consigna y el título de la mesa redonda pública, con tres destacados fotógrafos, que tendrá lugar este domingo 27 de septiembre a las 16 en la sala 602 del Palacio Libertad (ex CCK).
La charla es uno de los contenidos destacados en la programación del Mes de las Industrias Culturales Argentinas (MICA), un encuentro que reúne a los 15 sectores de las industrias culturales para fortalecer vínculos, generar oportunidades y potenciar la circulación de proyectos.
Para conversar con “Mirar a Charly”, fueron convocados tres de los más destacados fotógrafos que documentaron la trayectoria de García: Andy Cherniavsky, Nora Lezano y Maxi Vernazza, con moderación del director de Rolling Stone Argentina, Daniel Flores.
Con acceso privilegiado tanto a sus apariciones públicas como a momentos de intimidad, estos tres fotógrafos darán cuenta de experiencias profesionales únicas junto a un artista tan brillante como imprevisible, tan estimulante como también desafiante. Vernazza publica por estos días el libro Alguien en el mundo, con retratos de García tomados entre 1998 y 2008, mientras que Cherniavsky y Lezano comparten (también con Hilda Lizarazu) la gran muestra “Los Ángeles de Charly” en Quinta Trabucco, de Vicente López.
La programación completa de MICA incluye más de 50 propuestas para todo público: ferias, shows, charlas, rondas de vinculación y mucho más, del 24 al 27 de septiembre, de 14 a 20, en el Palacio Libertad (Sarmiento 151).
El MICA es un programa que funciona como nexo entre los sectores público y privado a través de acciones con productores referentes y/o emergentes de las industrias culturales con el objetivo de visibilizar y potenciar su producción, fortalecer su profesionalismo y capacidad exportadora, generar empleos de calidad y promover su comercialización en la Argentina y en el mundo.
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Hay una canción de High Vis que podría leerse como un manual de instrucciones. Se llama “Choose to Lose“, del debut No Sense No Feeling (2019) y arranca con un galope de batería y una especie de pausa, casi un suspiro. “El breakdown”, en la jerga especializada, podría encajar en la discografía de cualquier banda de hardcore de la costa este en los ochenta. Treinta segundos más tarde, la guitarra se abre paso entre los riffs hacia un arpegio con delay que remite directamente a Joy Division o Sisters of Mercy. Ese cruce improbable —la violencia del pogo de sótano con la melancolía de las guitarras post-punk del norte de Inglaterra y el ritmo del madchester y el britpop— es lo que el quinteto de Londres viene perfeccionando desde 2016.
Graham Sayle grita (pero también canta), Edward “Ski” Harper toca la batería, Martin MacNamara y Rob Hammeren las guitarras, Jack Muncaster el bajo. El nombre de la banda viene del chaleco reflectivo fosforescente, de alta visibilidad, que usaban para colarse en festivales simulando ser empleados del lugar. La prenda cumple una doble función bastante poética: unifica a la clase trabajadora británica y, según Sayle, te vuelve invisible o corriente. “Cuando tenés ese chaleco nadie quiere verte ni hablarte salvo que necesite algo”, explicó alguna vez.
El cantante ahora se relaja en un sillón de tres cuerpos marrón claro mientras atiende a Rolling Stone vía Zoom desde Londres. Recién llegó de entrenar muay thai. Un gatito siamés, de los dos que él y su esposa tienen en su casa de los suburbios, voltea el celular de su dueño y trata de llamar su atención. Pide disculpas mientras regala su primera sonrisa y un hilo de luz rebota en su colmillo dorado. Y deja en claro que no piensa prepararse para la gira que lo traerá a México, Brasil, Chile y Argentina: “Hago todo lo que está a mi alcance para evitar pensar en esto hasta que estoy ahí adentro”. Pero no lo dice con indiferencia, sino como un ejercicio para mantenerse en eje; seguir sorprendiéndose y permanecer a salvo del ego y la ansiedad.
“Nunca estuve en Sudamérica, así que no tengo la menor idea. No sé si la gente nos conoce, no sé nada”. Lo único que averiguó se lo contaron un par de amigos pintores que vinieron a Buenos Aires y le hablaron de la escena artística. El resto lo descubrirá en cuestión de días.
Todos los miembros de High Vis venían de bandas de hardcore que pasaron por los circuitos londinenses de los 2000 —Dirty Money, Tremors, DiE, The Smear, Crowd Control— y de trabajos que no tenían nada que ver con la música. Harper manejó un taxi negro durante años y se recibió de terapeuta, Sayle daba clases de taller de madera y metal en una escuela del sur de Londres mientras fabricaba muebles de cemento.
Para 2024, después de tres discos, todos renunciaron para tocar en High Vis a tiempo completo. En el medio pasó de todo: Blending (2022) y Guided Tour (2024), ambos editados por el sello norteamericano Dais y producidos por Jonah Falco, baterista de Fucked Up, los posicionaron en el mapa. Medios de toda escala y región calificaron positivamente, y los bautizaron como “los Stone Roses si hubieran firmado con Dischord“. El año pasado abrieron para Turnstile en su gira de estadios cerrados de Europa, luego a Deftones y se colaron, oficialmente y sin necesidad de chaleco, en las grillas del Lollapalooza, Primavera Sound y Glastonbury.
El próximo miércoles 30 de septiembre, después de ir a Toronto, Nueva York y San Pablo, estarán sobre el escenario de Uniclub (entradas acá), en Buenos Aires. En su debut porteño veremos a Sayle gruñiendo, pegando saltos atléticos y gritándole en la cara a la gente letras sobre amigos muertos, sentirse paranoico, el sistema de asistencia social inglés y ese trapecismo del amor al odio con el Liverpool que lo crió. O sea, lo que podés esperar de un show hardcore. Pero un dejo de optimismo se filtra en pequeñas viñetas desde las letras de Sayle cuando nos recuerda que “todavía estamos aquí” y “la muerte es veloz pero la vida se mueve más rápido”. Hay una misión que cumplir.
La biografía ayuda a entender parte del asunto. Sayle creció en New Brighton, un pueblo costero que mira a Liverpool desde la otra orilla del Mersey y que quedó arrasado por lo que Margaret Thatcher llamó “declive administrado”. Su tío trabajó en los astilleros, murió de asbestosis y fue el primero en llevar el periódico Socialist Worker a Merseyside. A los quince empezó a ir a shows de hardcore en Liverpool, donde en la misma noche podían tocar una banda de crust-punk, una de doom y una de rockabilly. Después se mudó a Londres para estudiar Bellas Artes en la Universidad de Goldsmiths, y ahí entendió dos cosas: que era pobre y que no sabía hacer nada más que gritar. La primera la aprendió de sus compañeros. La segunda se la desarticuló “Ski” Harper cuando le propuso hacer un puñado de canciones góticas y que cantara en vez de gritar.
De la escuela de arte, dice, le quedó una manía. “Te volvés crítico de absolutamente todo lo que hacés. Cada decisión tiene que ser intencional.” La frase suena curiosa al venir de alguien que recurrentemente reparte el crédito hacia los costados: los demos de Harper (“siempre me asombra, es un psicópata”, dice riendo), las melodías de MacNamara, los bajos que llegan tarde y perfectos.
Cuando le pregunto qué hay en una canción de High Vis que exista solamente porque él está en la sala, tarda en contestar. “Escribo siempre desde la experiencia y me guío por la sensación. No puedo atribuirme mérito por algo que simplemente sale.” Recién ahí concede un ejemplo: “Mind’s a Lie“, el tema más bailable de Guided Tour que se apoya en un sample de la cantante Ell Murphy y en el amor de Harper por el sonido del garage de las raves y las radios piratas. “No había ningún marco previo de cómo tenía que sonar. Se sentía nuevo. Por eso el semi-grito, casi spoken word, tenía sentido.”
Un arco de catorce años resume su experiencia con el lugar donde nació. En 2010, con Tremors, escribió “Hometown Hatred”, un tema sobre escaparse de ahí. En 2022, con High Vis, escribió “0151” —el código de área de Liverpool— como homenaje. Si uno pretende entender qué cambió entre ese período, Sayle no habla de madurez. “Fue justo después de que mataran a un amigo mío en Liverpool”, cuenta sobre los primeros años. “Estaba furioso y un poco desorientado, pensando que el problema era el lugar y no el abandono, la falta de inversión y de apoyo a la gente de la ciudad. Estaba apuntando la bronca en una dirección rara.” Y remata: “Igualmente la gente del noroeste es de las más graciosas del mundo. Se trata de encontrar algo positivo y unificador, un poder colectivo en ser el perdedor.”
Esa materia prima —ideas que escribe en notas del celular, sin agenda previa— sostiene también algunas letras que hasta ahora él nunca había explicado en público. “Deserve It”, de Guided Tour, por ejemplo. “Es un tema sobre resistencia y sobre autoestima”, dice. “Mucha gente con la que crecí no siente que valga nada“.
Sin embargo, en la banda hay expectativa, aunque lo minimicen. Guided Tour ya tiene un sucesor y Sayle adelanta un posible título: It ‘s Over If You Want It to Be (Está terminado solo si vos querés que lo esté). Si lo leés pegado al nombre de la banda, inmediatamente se imprime algo de drama. Se leería como, “High Vis está terminado solo si vos querés que lo esté”. Bastante suspenso, sobre todo considerando que la esperanza de vida media de una banda hardcore no suele superar un puñado de EPs, a lo sumo un disco. Aunque el título puede cambiar, lo que asegura es que ya tiene una visión cristalizada. “Venimos trabajando muchísimo. En nuestros borradores hay diecinueve demos. Íbamos a grabar en septiembre, pero no se dio, porque no sentíamos que estábamos en el clima adecuado. Pero viene siendo un proceso increíble”, admite.
La bitácora hacia el cuarto disco de High Vis incluyó también una visita al estudio por parte de Flood, y esta frase pesa lo suficiente como para hacer un desvío en el texto: Mark Ellis, alias Flood, debutó como asistente de ingeniería en Movement, el primer disco de New Order, en 1981. Hablamos de un hombre que estuvo en la sala cuando Joy Division se convirtió en New Order, y con el correr de los años, U2, PJ Harvey y Nick Cave requirieron de sus servicios. Su crédito como productor aparece en discos como Mellon Collie and the Infinite Sadness, Violator y The Downward Spiral, y otros tantos tanques de guerra del rock y el pop de los últimos treinta años. Si, aquel Flood fue a ver a los High Vis en medio de la alquimia, escuchó y dio consejos. Pero, bajando a lo concreto, ¿lo va a producir? “Todavía no sabemos qué pasará, pero estamos trabajando todos juntos”, cuenta y sonríe. “Pero fue genial tenerlo en el estudio, conversar y escuchar sus consejos. Es el GOAT, como dicen por ahí”.
Sayle admite sentir cierta presión y anticipo, sobre todo de la gente, y por eso intentan hablar lo menos posible por fuera de la banda. La idea es reducir la influencia externa en esta etapa.
Un renombrado productor que orbita en su galaxia, medios que los bendicen y shows de alto impacto. Si hay algún parámetro de tamaño y proyección por parte de la banda, el cantante se comprime, pero coquetea con el futuro: “Hemos tocado en estadios y en lugares superpequeños, y quiero poder seguir tocando en cualquier lugar”, explica. “Mientras estemos juntos y lo disfrutemos, quiero estar abierto a todas las posibilidades”.
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