Una isla puede ser un refugio, pero también puede convertirse en un lugar del que resulta imposible escapar. Esa contradicción atraviesa Sterling Point, la serie creada por Megan Park que comienza con una herencia aparentemente concreta y termina abriendo preguntas mucho más difíciles sobre la familia, el duelo, la pertenencia y las historias que una generación deja sin resolver para la siguiente.

Annie, interpretada por Ella Rubin, llega desde Nueva York después de heredar un lugar que pertenece a una historia familiar que todavía no comprende. Sterling Point no tarda en convertirse en algo más que una propiedad. Es un territorio poblado por personas que ya tienen una relación con la isla, por recuerdos que Annie no comparte y por secretos cuyos efectos siguen presentes aunque quienes los originaron no siempre estén dispuestos a hablar de ellos.

Esa tensión permite que la serie se expanda mucho más allá de su protagonista. Ramona, Connor, Una, Mabel, Sully, Rory y Ellis ocupan posiciones distintas frente a ese mismo espacio. Algunos pertenecen a él. Otros quieren marcharse. Algunos encuentran allí una familia que no podrían reproducir en otro lugar. Otros cargan con decisiones tomadas por los adultos antes de que pudieran siquiera comprenderlas.

En conversación con Rolling Stone en Español, Park y el elenco de Sterling Point reflexionan sobre esas contradicciones. Reunimos sus voces para hablar sobre aquello que heredamos, la diferencia entre pertenecer y sentirse atrapado, las verdades incompletas de los adultos y ese momento de la juventud en el que una decisión puede parecer capaz de cambiar una vida entera.

Megan, tanto en The Fallout como en My Old Ass hay momentos en los que el tiempo parece fracturarse: El trauma impide avanzar o el futuro regresa para transformar el presente. ¿Qué relación con el pasado hereda Annie en Sterling Point y hasta qué punto esa herencia amenaza con definirla antes de que pueda definirse a sí misma?

MEGAN PARK: Creo que la herencia funciona casi como aquello que inicialmente piensas que será simplemente algo del pasado, pero que termina moldeando su futuro. Cuando estaba escribiendo la serie pensaba mucho en cuál era realmente el arco de Annie. ¿Qué está buscando? ¿Qué necesita?

Al comienzo de la serie, Annie se ve a sí misma como una joven cuya madre murió. Por supuesto que es algo triste, pero no considera que sea algo que la defina demasiado porque ocurrió cuando ella era muy pequeña. Existe esa idea de: ¿cómo puedes extrañar algo que nunca conociste?

Al final de la serie, se da cuenta de que aquello que pensaba que no la había afectado en absoluto, en realidad la ha afectado más que cualquier otra cosa en su vida y ha moldeado quién es. De alguna manera, empieza a aceptar que es una chica cuya madre murió, a falta de una mejor manera de decirlo, y que eso realmente constituye una parte enorme y definitoria de su vida. Ese es el elemento del pasado que, para mí, termina haciéndose muy presente.

Ella, Annie no hereda solamente una isla, sino también una historia familiar llena de preguntas sin responder. ¿Cómo abordaste la diferencia entre descubrir de dónde viene y decidir quién quiere ser?

ELLA RUBIN: Creo que ese es, en cierto modo, el centro de su recorrido como personaje: la transición entre su antigua vida y su nueva vida, y descubrir con cuál de las dos, o con qué punto intermedio entre ambas, conecta realmente.

Annie está librando una gran batalla entre la cabeza y el corazón. A lo largo de la serie intenta descubrir, a partir de lo que le pide el corazón, qué es lo que realmente quiere. Lo que quiere no necesariamente es algo que pueda definir perfectamente o para lo que pueda encontrar una lógica absoluta. Y creo que empieza a aprender que no necesita analizar a la perfección cada parte de una decisión para que esa decisión siga siendo válida.

Aprende a soltar cierta necesidad de aferrarse con todas sus fuerzas a cada elección y de tener una razón perfecta para todo. Creo que Muskoka, como lugar, y la familia que encuentra allí son un vehículo increíble para ese acto de dejar ir.

Una isla puede ofrecer libertad y, al mismo tiempo, hacer que escapar parezca casi imposible. ¿Cómo afectó esa tensión el comportamiento de Annie mientras el lugar que hereda comenzaba a revelar aquello que llevaba ocultando?

ELLA RUBIN: Es curioso porque ella viene de Nueva York, un lugar en el que se supone que deberías sentirte increíblemente libre, donde deberías tener acceso a ir prácticamente a cualquier parte. Sin embargo, allí se sentía enormemente limitada y asfixiada en muchos sentidos.

Después llega a esta isla, donde está completamente aislada, y dentro de esa privacidad, en este mundo que al principio casi le parece falso, termina atrapada en una situación que la obliga a enfrentarse a su realidad.

La isla funciona como una especie de espejo para Annie. Cuando la conocemos en Nueva York está atravesando un momento de su vida en el que las grietas empiezan a aparecer y ya no consigue contener completamente todas las cosas que se ha estado ocultando a sí misma o que su familia le ha ocultado. Llegar a la isla hace que todo eso se abra de golpe, pero sucede dentro de un espacio seguro y cerrado, tanto literal como figurativamente.

Creo que eso le permite pensar algo como: “Estoy en un mundo falso, estoy viviendo una vida falsa, puedo sentirlo todo aquí”. Puede experimentar las emociones de una manera libre y abierta en lugar de imponer reglas constantemente. Por eso creo que la isla fue, por parte de Megan, un escenario realmente brillante para mostrar a una chica intentando encontrar su lugar frente a nuevas revelaciones, una nueva libertad y una nueva versión de sí misma.

Megan, la isla puede parecer un refugio, pero también es un mundo cerrado donde los secretos familiares pueden desarrollar sus propias reglas. ¿Cómo utilizaste ese aislamiento para explorar los mitos que construyen las familias, la culpa que esconden y los silencios que pasan de una generación a otra?

MEGAN PARK: Creo que, por naturaleza, un lugar como este, y específicamente una casa de campo en una isla real, se convierte en una especie de mundo propio, donde a veces el tiempo deja de existir. Puedes escapar de las reglas del mundo exterior o ignorarlas. Puedes olvidarte de lo que está sucediendo fuera de ese espacio.

Específicamente para Ramona, después de haber vivido allí con Gordon durante tantos años, ella se siente como una persona que ni siquiera sabe realmente cómo vivir fuera de ese lugar. Annie, obviamente, es una chica de la gran ciudad y al principio la idea de estar en una isla le resulta un poco asfixiante. Así que tienes a estas dos chicas que están muy definidas, o que terminarán siendo definidas, por la manera en que esa isla las hace sentir. Me pareció un giro interesante.

Creo que este tipo de lugares terminan convirtiéndose naturalmente en el cementerio de muchos secretos familiares. Son espacios que parecen existir fuera del tiempo. Y lo digo mientras estoy sentada precisamente en uno de esos lugares que ha pertenecido a mi familia durante mucho tiempo.

Amélie, Ramona entra en la vida de Annie en un momento en el que amistad, deseo y sospecha pueden resultar difíciles de separar. ¿Cuál identificaste como la contradicción emocional que está en el centro de su relación con Annie?

AMÉLIE HOEFERLE: Probablemente la confianza. Conocemos a Ramona en un momento en el que siente que no tiene a nadie, especialmente desde su propia perspectiva. Puede que el público sepa más que ella en determinados momentos, pero ella siente que no tiene a nadie. La última persona que tenía acaba de morir y ahora aparece Annie en su vida. Eso está lleno de dudas y de preguntas como: ¿Por qué está aquí?, ¿bajo qué circunstancias?

Creo que existe cierta desconfianza hacia Annie. Es como si Ramona se preguntara: ¿por qué siente que puede estar aquí de repente? Por supuesto que existen razones perfectamente lógicas, pero en la mente de una chica de 16 años como Ramona, al principio todo está mucho más basado en las emociones, que la mayoría de las veces no responden a la lógica.

Hay mucha desconfianza y muchas dudas. Eso se convierte en un conflicto cuando empieza a comprender la relación que podría llegar a tener con Annie y lo hermosa que podría ser si se permitiera confiar.

Keen, en una historia impulsada por secretos heredados, los personajes jóvenes muchas veces terminan obligados a vivir con las consecuencias creadas por los adultos. ¿Cómo responde Connor ante un pasado que no eligió, pero que aun así se espera que cargue?

KEEN RUFFALO: Es difícil porque él no siente esa conexión que, supongo, Annie sí tiene. Recibe toda esta responsabilidad sin sentir realmente ninguna de las recompensas emocionales que vienen con ella. Al final del día, él todavía se ve a sí mismo como adoptado y no tiene ese apego emocional hacia la isla o hacia descubrir más cosas sobre ella de la misma manera que Annie.

Para él es mucho menos gratificante y, muchas veces, se convierte más bien en una carga. Y creo que incluso al final sigue siendo difícil porque todavía no encuentra esa conexión. Es algo que quiere encontrar, pero no creo que pueda hacerlo todavía. Así que cargar además con todo ese peso no le parece justo.

Bo, Oona pertenece a una comunidad que Annie apenas está comenzando a comprender. ¿Qué reconoce Oona en Annie que los demás personajes inicialmente no consiguen ver?

BO BRAGASON: Una de las cosas que realmente admiro de Oona como persona es su disposición a aceptar de todo corazón a las personas que acaba de conocer. No hay juicio, y eso fue algo que disfruté muchísimo de ella. 

Annie llega desde un mundo completamente diferente. Creció en Nueva York, mientras que Oona es una especie de nómada. Ha pasado toda su vida viajando con su hermana, viviendo en distintos lugares. Creo que, precisamente porque creció en tantos sitios y conoció a tantas personas diferentes, está muy abierta a recibir a Annie de esa manera. Me parece algo muy bonito. Además, cuando Annie llega, eso introduce una dinámica distinta dentro del grupo. Es refrescante.

¿Qué contradicción dentro de Oona, entre lo que quiere y lo que está dispuesta a admitir, se convirtió en la clave para comprenderla?

BO BRAGASON: Creo que en la vida, en general, siempre vas a cometer errores. Especialmente cuando eres adolescente, cuando tienes 18 años y estás intentando descubrir las cosas en tiempo real. Siempre vas a contradecirte. Puedes decir una cosa y de repente equivocarte y hacer otra.

Hay muchas cosas que Oona hace con las que yo, personalmente, no estoy de acuerdo. Pero me encanta entrar en su manera de ver el mundo y justificar desde su perspectiva las razones por las que quizá toma una decisión equivocada. Es muy real, tiene muchas capas y muchos defectos, como todo el mundo.

Mabel, en una historia donde las familias esconden partes del pasado, ¿cómo ha aprendido Maple a distinguir entre proteger a alguien y proteger una mentira?

MABEL STRACHAN: Creo que una parte importante tiene que ver con cómo está pendiente de su hermana, de una manera muy sutil, y trata de guiarla. Hay una escena en la que intenta asegurarse de que tenga cuidado con su relación, pero no se lo dice realmente de forma directa. Es más como si estuviera tratando de asegurarse de que todo esté bien, de vigilar y orientarla sin necesariamente decirlo.

¿Qué carga ha estado llevando Maple sin comprender completamente de dónde proviene?

MABEL STRACHAN: Evidentemente está la ausencia de su madre. Ella carga con eso y está dolida, pero termina expresándose a través de la rabia. Teníamos esta idea con ella de preguntarnos: ¿realmente estás enfadada o en realidad estás muy triste?

Creo que intenta, no exactamente ocultarlo, pero no habla de ello. Hay una escena realmente buena en la que ella puede sacar todo eso, y me parece increíble porque ahí consigue expresar esas emociones.

Nikko, ¿cómo influye la conexión de Sully con la isla en su manera de responder ante la llegada de Annie y ante el hecho de que ella reclame un lugar que ya significa algo para quienes estaban allí?

NIKKO ANGELO HINAYO: Creo que Sully creció allí, en Muskoka, así que siente una gran necesidad de proteger la comunidad que ha encontrado entre esas personas. Al mismo tiempo, como decía Bo, la llegada de Annie es emocionante porque no creo que sea un lugar al que llegue gente nueva constantemente. Es muy interesante ver cómo su presencia empieza a cambiar la dinámica.

Pero, en última instancia, creo que ese amor por la comunidad de Sterling Point, por Muskoka, es algo que Sully valora muchísimo.

¿Qué parte de la identidad de Sully está ligada a la isla y qué podría perder si algún día decide dejarla?

NIKKO ANGELO HINAYO: Su familia está allí. Y no solamente su familia física, sino también la familia que ha encontrado. No creo que pueda encontrar algo exactamente igual en ningún otro lugar. Tiene una dinámica tan específica dentro de ese grupo de amigos que sería muy difícil reproducirla si finalmente se marcha.

Obviamente espero que pueda irse y hacer lo que quiera hacer. Creo que eso también es muy importante. Pero sería triste. Si alguna vez se va, creo que necesitaría bastante tiempo para recuperarse de dejar todo eso atrás.

Daniel, en una comunidad marcada por secretos familiares, la lealtad puede convertirse fácilmente en complicidad. ¿Dónde traza Rory esa línea y qué hace que le resulte tan difícil defenderla?

DANIEL QUINN-TOYE: Es una pregunta realmente buena. Creo que has dado en el clavo con eso de cuándo la lealtad se convierte en complicidad. ¿Puedo robarte esa frase? Voy a usarla porque creo que lo resume perfectamente.

Rory nace dentro de unas circunstancias en las que participa y de las que forma parte. Pero tiene esta conciencia de sí mismo que casi se convierte en una carga, porque disfruta de ese estilo de vida y, al mismo tiempo, siente constantemente que quizá no sea lo mejor y que algo no está bien. Después aparece Annie y él quiere demostrarle lo conectado con la realidad y lo sensible que puede ser, pero empiezan a interponerse cosas.

Creo que en ocasiones traza la línea frente a algunos comportamientos y comentarios de su madre. Puedes verlo en algunos episodios empezar a enfrentarse a ella, o llegar a un punto en el que ya ha tenido suficiente y simplemente marcharse.

Y, sin entrar en spoilers, su mejor amigo Lincoln puede ser una mala influencia. Hay un momento en el que Lincoln hace algo para protegerlos y Rory no puede creerlo. Aunque quién sabe, quizá Rory también habría participado si la chica que le gusta no hubiera estado justo a su lado desaprobándolo. Creo que decidió intentar trazar una línea ahí. Como decías, todo consiste en tratar de separarse de un mundo del que también forma parte.

Crecer también implica descubrir que los adultos que te rodean quizá han construido sus vidas sobre verdades incompletas. ¿Cómo modifica esa comprensión la manera en que Rory se entiende a sí mismo?

DANIEL QUINN-TOYE: Creo que Rory tiene miedo. Le tiene miedo al mundo. Ha crecido muy protegido. Es un chico de Manhattan que nació rodeado de mucho privilegio y dinero, y se irá a Columbia en otoño. Creo que, en el fondo, eso le asusta.

También hay bastante ego involucrado. Se pregunta si debería estar yendo allí, si debería haber tomado otras decisiones. Sin entrar en spoilers, quizá si hubiera elegido de otra manera podría estar yendo a otro lugar. No está realmente en paz consigo mismo.

Puede que rechace algunos de los comportamientos de su madre o de las personas que lo rodean, pero al menos ellos parecen sentirse cómodos dentro de su entorno. Denise, por ejemplo, no parece tener ninguna duda de que está en el trabajo correcto o de que esa manera de vivir forma parte de su naturaleza. Pero él, como decía antes, está cargando con esa conciencia de sí mismo. Y eso produce cierta inestabilidad. En realidad, no quiere encontrarse en la situación en la que está.

Jacob, Ellis vive en un lugar que Annie inicialmente experimenta como una extraña. ¿Cómo desafía su comprensión de la isla la historia que ella empieza a construir sobre ese lugar?

JACOB WHITEDUCK-LAVOIE: Creo que Megan hizo un gran trabajo mostrando ambos mundos en la serie. Annie llega desde Nueva York a esta isla y descubre una vida completamente nueva. Allí la vida es muy diferente, y creo que Ellis le muestra gran parte de eso.

También pienso que ella encuentra paz allí. Encuentra esa paz y esa tranquilidad en medio de todo el caos que está viviendo y de todas las cosas que tiene en la cabeza. Creo que Ellis cumple ese papel de aportar calma y protección. Tiene mucha influencia sobre Annie y funciona, de alguna manera, como una especie de figura protectora para ella.

Megan, tu trabajo se toma en serio la vida emocional de los jóvenes sin tratar la adolescencia simplemente como una sala de espera antes de la adultez. ¿Qué querías que Sterling Point revelara sobre ser joven que las historias para adultos jóvenes todavía tienden a simplificar o interpretar desde una perspectiva adulta?

MEGAN PARK: Gracias. Es un gran cumplido y una gran pregunta. La verdad es que no pienso demasiado en el hecho de que estoy escribiendo personajes jóvenes. En mi cabeza simplemente los veo como personas.

Es cierto que están en un momento de la vida en el que muchas cosas suceden por primera vez. Son experiencias a las que después nos acostumbramos como adultos y quizá dejan de parecernos tan importantes. Pero hay que recordar lo enormes y transformadoras que se sienten a esa edad y cómo, algunas veces, realmente terminan transformando una vida.

Lo que ocurre durante ese periodo de tu vida muchas veces termina definiendo el camino que tomas. Por eso esas decisiones se sienten tan enormes: ¿dónde voy a estudiar?, ¿voy a estudiar?, ¿me quedo?, ¿me voy? Todas esas cosas.

Creo que por eso existe un deseo inherente, ya sea entre los millennials o en cualquier otra generación, de regresar y volver a ver películas o series que exploran ese momento específico para cada uno de nosotros, porque es una etapa profundamente definitoria. Yo simplemente intento pensar en estos personajes como personajes completos, porque eso es lo que son.

Que sean jóvenes no significa que no tengan capas o matices, que no hayan experimentado mucho trauma o duelo, o que no puedan observar el mundo de una manera amplia y dinámica. Creo que sería hacerles un flaco favor a los jóvenes, especialmente a la Generación Z, verlos de cualquier otra manera. Me parece una generación fascinante, sabia y excepcionalmente amable.

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¿Quién no quedó fascinado con la música tan brutalmente honesta que cantaba una adolescente al lado de sus compañeros de EME-15?

Pues, 18 años después del inicio de la agrupación (y 16 de su debut como solista) Paulina Goto sigue conectada a la música de manera inmensa. El año pasado presentó Natural, un álbum que hacía honor a sus raíces y, al mismo tiempo, mostraba a una mujer madura que es dueña de su propia identidad.

Y ahora, Goto estrena ‘Cuídame de mí’, un sencillo que abrirá una nueva etapa musical para la cantante, actriz y compositora. En conversación con ROLLING STONE en Español, describió sus próximos pasos como el resultado de un fuerte trabajo de sombras, en el que logró aceptar sus emociones incómodas e incongruencias humanas, para poderlas convertir en lo que le da más fuerzas: la música.

¿Ayuda selectiva?

¿Cómo surgió la idea de escribir ‘Cuídame de mí’? Entiendo que sucedió al encontrar a una persona que tal vez salvó o rescató algo de ti que estaba roto, pero ¿cómo llegó el punto en el que tú decidiste escribir sobre esto y te diste cuenta de que había un encuentro, tal vez un poco irónico, entre esas emociones?

‘Cuídame de mí’ habla sobre el autosabotaje, sobre esas veces que nosotros mismos podemos ser nuestros peores enemigos, que creo que usualmente es así. Y sí, habla también de esas personas que se quedan contigo y que te acompañan en este proceso, que creo que es bien importante cuando estás viviendo un momento difícil y un momento de oscuridad, no vivirlo en soledad. Yo creo que nadie te puede salvar, pero cuando hay presencia de esas personas que te quieren, con eso es suficiente. Como su compañía, mientras tú atraviesas lo que sea que tengas que atravesar.

Este tema lo escribí con Cecy Leos, con Héctor Mena y Pepe Portilla, y lo produjimos en 3KMZ. Siempre mi música está inspirada en cosas que estoy viviendo y para mí ha habido muchos momentos en mi vida en donde he vivido transformaciones, y a raíz de esas transformaciones ha habido mucho crecimiento, pero cuando estás ahí, sientes que te ahogas, que no sabes cómo vas a salir de ahí o si puedes salir de ahí. Y habla de lo importante que es saber quedarte ahí, porque muchas veces queremos salir rápido y darle la vuelta a la página, y es fácil de pronto el positivismo tóxico, pero creo que la única forma de salir es realmente atravesar las cosas y verlas de frente. 

También me gustaría saber cómo encuentras fuerza para escribir música durante temporadas emocionales complicadas, porque, por ejemplo, aquí hablas de ese autosabotaje. Me explicas que sí es bien difícil frenarte a ti solita, pero cuando ya identificaste esa emoción o esa historia que estás viviendo tú, ¿cómo agarras fuerza para transportarlo a tu música y a tus letras?

La música me da fuerza.

¿En serio?

Sí, poder transformar esos momentos o ese dolor, y poderlo transformar en canciones, como que es algo que, cuando hablas las cosas, algo se libera. Para mí, hablarlo es cantarlo, escribirlo y hacer música, y he descubierto eso: una sesión de composición a veces es mejor que ir a terapia. Cuando conectas con tus amigos y con gente creativa, empiezan a salir las cosas.

Casi como agua, ¿no?

Exacto. Y no solo se trata de ti, pues la gente con la que estás componiendo en ese cuarto, o si estás con tu productor y también está creando contigo, se hace una energía muy padre de también sentirte en un lugar seguro. Siento que es súper poderoso poderlo hacer, porque no solamente es purgar y soltarlo, sino transformarlo en una canción que deja de ser solamente tuya o que se trate de tu historia, y que puede ser algo que pueda acompañar a otras personas en estos procesos también que todos estamos viviendo como humanos. Eso es lo más increíble de la música y lo que yo encuentro también de propósito en lo que hago. Al final el arte también es un servicio, y nada, me encanta, a mí la música me da fuerza y me ha salvado mil veces.

Crítica: Día D: Bajo presión (Pressure)

Sí, claro, y eso me llama mucho la atención, porque pienso ahorita como en la música que hiciste desde tus inicios, por ejemplo, con ‘Vete al Diablo’, que es una canción que hasta la fecha yo la pongo y comparto el enojo que sentías cuando la compusiste. Entonces, ¿cómo crees que has cambiado tú, desde escribir letras como las de esos primeros sencillos, hasta ahorita con canciones mucho más profundas y letras mucho más honestas, que a lo mejor uno no se puede identificar al estar en una etapa más madura y más consciente al momento de relacionarse?

Es parte también de crecer y de vivir experiencias. Justo hablaba hace rato de mis inicios, mi primer álbum, que es donde está ‘Vete al Diablo’, o mi etapa en EME 15, pues todo era nuevo para mí, y entonces yo no tenía la experiencia para involucrarme en todo lo que me puedo involucrar ahora. Con los años, que iba creciendo, he ido también conociendo cómo funciona, y he tenido oportunidad de escribir y trabajar con diferentes productores. Vas aprendiendo y te vas nutriendo también, y teniendo más idea de lo que quieres decir y cómo lo quieres decir. Y digo, no que no quería decir lo que dije en su momento, me encanta porque es súper honesto. Era mi verdad en ese momento.

Y por eso sigue resonando tanto actualmente. 

Sí, pero vas viviendo nuevas experiencias y la música va creciendo contigo y vas evolucionando, y eso me gusta. Me gusta mucho porque creo que tu repertorio se vuelve un diario, pero no solamente mío, sino de las personas que han crecido conmigo y que han escuchado mi música desde entonces. Me encanta cómo de pronto escucho una canción de Taylor Swift que me recuerda a mis 17, 18 años y que me estaba enamorando, y me hace recordar estos momentos clave que me remontan directo allá. Eso es padrísimo.

Yo ‘Súper loca’ todavía la escucho cada que tengo un crush y me pega muchísimo. ¿Cuál es la canción de Taylor que mencionas ahorita?

‘Long Live’

Buenísima, es divina.

Oye, lloré. La fui a ver en vivo y no sabía que esa era mi canción hasta que la escuché ese día y me puse a llorar. Fue increíble, pero fue de que me conectó esa etapa de mi vida muy linda e inocente.

De mucha esperanza. Y ya para casi finalizar. ¿Hay algún género en especial que te gustaría explorar en esta nueva etapa?

Yo soy fiel a mi pop. Claro que he explorado otros géneros. Por ejemplo, en mi álbum Natural, que es mi álbum más reciente, exploramos con ritmos latinos, con un poquito de salsa. Tengo una colaboración con Emilio, una canción que se llama ‘Cómo Olvidar’, que también es más latin pop. Creo que dentro del pop he explorado. Tengo una colaboración con Rafa Loar, de Elefante, una versión de ‘Vete al Diablo’, mucho más rock, y me encanta poder jugar con otros géneros. Tengo rolas que tienen toquecitos de urbano, porque la música también es para jugar y para experimentar. En esta nueva etapa, con ‘Cuídame de mí’, también estoy explorando otros géneros, pero dentro del pop, porque yo amo el pop. El pop es lo máximo, y yo crecí escuchando pop, y nada, creo que también se necesita buena música pop en México y en Latinoamérica.

¿Cuáles son tus otros referentes? Aparte de Taylor Swift, ¿a quién más escuchabas?

Cuando era más chica, me encantaba Shakira, esos primeros álbumes de ¿Dónde Están los Ladrones?, Pies Descalzos, me encantaba, pero también escuchaba a Kabbah, me encanta, escuchaba Britney Spears. También escuchaba mucho la música que escuchaba mi papá, y a mi papá le encantaba Alejandro Sanz, Joaquín Sabina. Yo empecé a escribir mis primeras canciones con él. Creo que como que mi amor por la música comenzó también en casa. Obvio vamos creciendo y te van interesando tus artistas y te vas nutriendo, pero pienso que somos un poco toda la música que escuchamos.

Sí, 100%. Y ahora sí, para finalizar, ¿emocionada por el Lunario?

Estoy súper emocionada, estoy muy emocionada porque, pues, es el cierre de esta era de Natural y vamos a cantarla una última vez. Refiriéndome al concierto de Natural, no de que ya nunca voy a cantar una canción del álbum, pero cuando te armas un show, pues ya metes canciones de otras eras y así. Entonces, con este show cerramos esta etapa, pero también me emociona mucho que voy a mostrarles ya de lo nuevo. Entonces va a ser como una fusión entre Natural una última vez y esta nueva etapa que estoy explorando para mi segundo álbum de estudio, después de mi debut, que fue en el 2010.

Sí, pasaron 15 años.

Pasaron 15 años. Entonces, para mí está siendo increíble. Estoy trabajando con 3KMZ [Tres Kamikazes] y creo que estamos encontrando cosas padrísimas en cuanto a sonido. Me estoy encontrando ahí y estoy explorando también partes de mí que no me había atrevido a ver. Mi música y, en general, siempre ha sido más fácil mostrar esta faceta mía y este lado mío más luminoso, y ahora, en esta nueva exploración artística, estoy entrando como más a la sombra, a este lado B, más oscuro, esas cosas que no me atrevía a decir, que no me he atrevido a sentir, a hacer, y bueno, ‘Cuídame de mí’ es lo primero de esto.

¡Qué increíble! ¿Cómo describirías esas sombras? Son más como estos sentimientos incómodos que a veces uno no acepta, como tal vez los celos, el enojo, ¿o por dónde te estás yendo?

Sí, justo todo eso. La sombra es todo lo que desde chicos nos dijeron que no podíamos ser, como esos mensajes de que ser vulnerable o llorar no está bien; o que enojarte no está bien porque tú tienes que ser una niña buena, bonita. Incluso sentir celos y la sensualidad en las mujeres, por ejemplo, que es algo también que como sociedad nos reprimen un montón. Entonces, la sombra es todo aquello y para cada quien es diferente, pero todo aquello que vas guardando en un armario. Y no porque esté ahí significa que no exista, que no es parte de ti; al revés, cuando no lo ves, justamente todo eso se convierte en esos patrones que controlan tu vida sin que tú lo sepas, de manera inconsciente. Entonces, estoy haciendo mi shadow work y lo estoy traduciendo en música y estoy fascinada.

Pues muchas felicidades, Paulina, ya la estaremos escuchando en cuanto salga. Muchas gracias.

Gracias a ti.

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En 2021, Selena Gomez, su madre Mandy Teefey y la fundadora de The Newsette, Daniella Pierson, lanzaron Wondermind con el objetivo de hacer más accesibles las costosas herramientas de salud mental.

El sitio web de la plataforma mediática, que cuenta con una opción para suscribirse a su boletín informativo, describe sus orígenes: «Un día, mientras hablábamos del tema, nos dimos cuenta de que no existía un espacio sencillo e inclusivo donde la gente pudiera reunirse para explorar, hablar y gestionar sus sentimientos. Así que pensamos: “¿Por qué no hacerlo realidad?”. Y así nació Wondermind».

Ahora, cinco años después de su creación, Wondermind y sus fundadores enfrentan una demanda de inversores que afirman haber inyectado cerca de 1,2 millones de dólares en Wondermind Global Inc., tras haber recibido falsas promesas sobre la infraestructura, el liderazgo y los recursos de la empresa.

Según una nueva demanda presentada el miércoles, se hizo creer a los inversores que se desarrollaría una aplicación revolucionaria de Wondermind, que cerrarán acuerdos publicitarios y que ya estaban en marcha reportajes de portada con celebridades. Por el contrario, la demanda alega que “durante tres años, mientras la empresa se desmoronaba silenciosamente a su alrededor, ninguno de sus fundadores, directivos o miembros del consejo dijo una palabra a los inversores cuyo dinero financiaba dicho colapso”.

El próximo álbum de Selena Gomez podría ser el último

El trío y Wondermind han sido demandados por fraude de valores, fraude bajo el derecho consuetudinario e incumplimiento de contrato. Los demandantes solicitan la rescisión de sus inversiones en Wondermind, así como una indemnización por daños y perjuicios y el reembolso de las costas procesales.

La demanda también alega que los inversores desconocían los hechos completos detrás de sus reclamaciones hasta que The Cut publicó un artículo el año pasado sobre las operaciones de la empresa; dicho reportaje informaba sobre tensiones en la relación entre Gomez y su madre, así como sobre una lucha de poder entre Teefy y Pierson. El informe reveló a los demandantes el «caos absoluto» en el que se encontraba la empresa, incluyendo el presunto «trastorno por abuso de sustancias y la gestión flagrantemente deficiente» por parte de Teefy; el «abandono total de sus funciones» por parte de Gomez y sus «esfuerzos activos por desvincularse» de la compañía; y el incumplimiento de obligaciones básicas de la empresa, tales como «pagar a sus empleados y proveedores» a tiempo.

Pierson —quien fue apartada de Wondermind en 2023— es la única demandada en otro litigio por fraude de valores, en el que se alega que hizo declaraciones falsas a los inversores para incentivar la compra de acciones; asimismo, se le acusa de apropiación indebida y enriquecimiento injusto. La demanda hace referencia a un artículo de Forbes de agosto de 2025 en el que se afirmaba que Pierson infló las cifras de lectores y la valoración de su boletín sobre estilo de vida durante las presentaciones comerciales. También se acusa a Pierson de desviar fondos de inversión para sus «propios fines personales» y de haber «empobrecido a los demandantes sin justificación alguna».

«Daniella niega categóricamente las acusaciones en su contra y acoge con satisfacción la oportunidad de presentar documentación concreta y registros financieros que esclarezcan los hechos», declaró un representante de Pierson. «Para que quede claro: ella nunca utilizó fondos de los inversores para gastos personales. Más bien al contrario: Daniella invirtió su propio dinero en el negocio y no percibió ningún salario de la empresa».

Los representantes de Wondermind, Gomez y Teefey no respondieron de inmediato a las solicitudes de comentarios.

Este artículo se actualizó el 14 de agosto a las 11:05 a. m. para incluir una declaración de Daniella Pierson.

¿Por qué las estrellas del pop siguen amenazando con abandonar el estrellato?

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Tras el terremoto que sacudió Colombia, distintos festivales y encuentros musicales han decidido sumarse a los esfuerzos de ayuda para las comunidades afectadas. Estos son los eventos que han convertido sus escenarios en espacios de solidaridad y que destinarán parte de sus recursos a apoyar a quienes más lo necesitan.

1. COLOMBIA: VOCES POR LA VIDA 

Fecha: Domingo 23 de agosto de 2026

Lugar: Vive Claro Distrito Cultural (Bogotá)

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2. UNIDOS POR LOS NUESTROS 

Fecha: Domingo 16 de agosto de 2026

Lugar: Kaseya Center (Miami, EE. UU.)

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3. ¡Colombia, Medellín te quiere!

Fecha: Sábado 15 de agosto de 2026

Lugar: Centro de eventos La Macarena (Medellín)

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4. SI NOS ORGANIZAMOS CABEMOS TODOS

Fecha: Sábado 29 de agosto de 2026

Lugar: Movistar Arena (Bogotá)

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Hace poco, Lilly Wachowski habló sobre los problemas que ha tenido para lograr que Hollywood financie la película en la que lleva trabajando por un par de años, The Hunted. Desde un escenario distópico, el filme aborda la problemática de la discriminación hacia las personas trans, sin embargo, la cineasta afirmó que justamente la industria no ha querido apoyar el proyecto cinematográfico debido a que su reparto está conformado por personas trans.

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The Matrix predijo el futuro

En su reciente participación en el podcast The Business de KCRW, la creadora de Matrix y Sense8 explicó que si bien la idea les ha gustado a los ejecutivos a quienes se la ha presentado, “realmente no quieren hacerla porque tiene un reparto completamente trans”. “Tengo que ser creativa y pensar en las diferentes formas en las que puedo mostrarle esto a la gente”, sostuvo sobre el proyecto que necesita de un presupuesto de 10 millones de dólares para poder pasar del papel a la cinta.

El fin de semana pasado, Anarchists United —productora fundada por Wachowski— realizó un evento de lectura en vivo del guion de la película en el que participaron cineastas, actores y artistas como Alexandra Grey, River Gallo, Brian Michael Smith, Marval Rex, Sandra Caldwell, Laura Jane Grace, Jen Richards y más. Sobre la iniciativa, la directora expresó la necesidad de seguir tejiendo comunidad entre las personas trans durante un momento tan crítico de la historia pues sus vidas dependen de ello. “Esperamos que la lectura de The Hunted genere el mismo gozo y catarsis que Mickey [Ray Mahoney] y yo experimentamos cuando la escribimos”, comentó. “No es como imaginé que sería, pero el resultado es el mismo”.

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Wachowski escribió el guion del filme en colaboración con su pareja, el desarrollador audiovisual Mickey Ray Mahoney. En su entrevista en The Business, Wachowski afirmó que para ella fue muy importante escribirlo porque surgió como una “respuesta a lo que está sucediendo con las personas trans en el mundo”. “Fue un receptáculo para mi frustración e ira”, comentó.

The Hunted es un thriller que gira en torno a un Estados Unidos distópico en el que las personas trans son violentadas y relegadas a los márgenes de la sociedad. Entre la colectividad, el cuidado y la resistencia que se ha ido forjando entre quienes han sido marginadxs, dos mujeres trans buscan al perpetrador de un crimen atroz que tiene su origen en los altos mandos del gobierno.

Además de la pareja, la cinta está siendo producida por Lawrence Mattis y Sarah Marie Flores de Anarchists United, Nathasa Lyonne de Ariadne Collective, y Jason Weinberg y Daniel Flick de Untitled Entertainment.

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WILD es el nuevo EP de KATSEYE, probablemente el grupo global más importante del momento, y el título del proyecto le hace justicia al último año de la agrupación, uno salvaje, marcado por grandes hitos pero también intenso por las distintas polémicas que han rodeado a sus integrantes.  

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En ese periodo, KATSEYE completó una exitosa gira por Latinoamérica, debutó en Coachella, recibió sus primeras nominaciones a los Grammy y llegó incluso a presentarse en la ceremonia, mientras ‘Gnarly’ y ‘Touch’ ampliaban todavía más el alcance internacional del grupo. Al mismo tiempo, la agrupación ha tenido que sortear distintas turbulencias: desde la pausa temporal de Manon, anunciada el 20 de febrero y que, casi seis meses después, aún genera un intenso debate en redes, hasta distintas oleadas de críticas dirigidas a sus integrantes e incluso acusaciones de queerbaiting. 

Todo ese recorrido, gratificante y convulsionado a la vez, desembocó este 14 de agosto en WILD, el tercer EP del grupo y su trabajo discográfico más arriesgado hasta la fecha. 

El trayecto comenzó en abril con el lanzamiento de ‘PINKY UP’. Este comeback, el primero desde el anuncio sobre la situación de Manon, fijó el inicio de una nueva era para la agrupación, definida por un sonido más electrónico y cercano al techno, vestuarios extravagantes y una estética surrealista llena de detalles y referencias. También evidenció una clara intención de alejarse del pop que había ocupado buena parte de sus eras anteriores para explorar sonidos que, aunque ya habían aparecido en canciones como ‘Gnarly’, hasta entonces parecían más bien incursiones puntuales dentro de la búsqueda de identidad del grupo que una ruta definida. 

El siguiente single, ‘Animal’, mantuvo abierta la duda sobre el camino que seguiría KATSEYE. Coescrito por Ed Sheeran —para muchos uno de los grandes nombres del pop comercial contemporáneo—, el tema regresó al pop, esta vez con una inclinación retro, un coro imposible de olvidar y una nueva transformación visual. Las integrantes aparecieron con trajes más elegantes y pulidos, acompañadas por diferentes personificaciones de ellas mismas. El videoclip, además, contó con un cameo de Demi Moore. 

Más que resolver las preguntas planteadas por ‘PINKY UP’, ‘Animal’ parecía confirmar que KATSEYE todavía estaba probando distintas identidades antes de revelar hacia dónde quería llevar esta nueva etapa. 

Fue así que el sucesor de SIS (Soft is Strong) y BEAUTIFUL CHAOS llegó, no sin antes un poco de drama. Apenas una semana antes del lanzamiento, Sophia anunció que se tomaría una pausa de las actividades del grupo para priorizar su bienestar, convirtiéndose en la segunda integrante en apartarse temporalmente de sus compromisos. Su ausencia terminó marcando inevitablemente la llegada de WILD y su respectivo documental, KATSEYE: WILD HEARTS.

El proyecto está compuesto por cinco canciones: los sencillos promocionales ‘PINKY UP’ y ‘Animal’ —con los que comienza el disco— y tres temas nuevos. Tras ambos aparece ‘Hootie Fruitti’, un híbrido entre phonk brasileño y hyperpop que es, seguramente, lo más arriesgado a lo que se atreve la agrupación. Letras deliberadamente graciosas y superficiales, fragmentos ocasionales en portugués y un ritmo que por momentos recuerda a Jennifer Lopez completan un corte divertido y vibrante, que amplía los horizontes del grupo. 

‘Bel Air’ y ‘That Way’, últimas del disco, regresan a ese pop retro planteado en ‘Animal’. La primera tiene un aspecto más cercano al pop de la década de 2010, esto debido a que originalmente fue escrita por Charli XCX para su segundo álbum de estudio, SUCKER, aunque finalmente fue descartada. Su sonido tiene un carácter más luminoso y nostálgico, mientras que ‘That Way’ se atreve a algo más sensual, dejando que el bajo y las guitarras lleven buena parte del pulso de la canción. La diferencia también se extiende a sus historias. Frente al tono más introspectivo de ‘Bel Air’, que se adentra en una relación que sus protagonistas saben que no tendrá futuro, ‘That Way’ encuentra una energía más juguetona y sexy, estableciendo un contraste interesante para cerrar el viaje sonoro del trabajo. 

WILD deja claro que KATSEYE todavía tiene mucho terreno por explorar. El EP amplía el repertorio sonoro del grupo, suma nuevas referencias a una propuesta que ya se había mostrado capaz de moverse entre distintos géneros y confirma que sus integrantes pueden asumir diferentes facetas sin perder su capacidad para sorprender. En ese sentido, la variedad juega a su favor: hay curiosidad, riesgo y una voluntad evidente de no quedarse en la fórmula que las llevó hasta aquí.

Pero esa misma amplitud también termina exponiendo una de las grandes deudas de KATSEYE. Después de tres EP, WILD todavía no termina de responder cuál es el sonido que pertenece exclusivamente al grupo. Algunas de las primeras críticas al proyecto han apuntado precisamente a esa falta de una identidad plenamente definida donde más que consolidar una personalidad artística, la agrupación parece continuar probando personajes, géneros y referencias en busca de un lugar propio. Quizás esa búsqueda sea todavía parte natural de su crecimiento, pero a estas alturas también empieza a sentirse como una pregunta que el grupo deberá responder más temprano que tarde. 

Este proyecto demuestra que KATSEYE puede ser muchas cosas; lo que todavía está por descubrir es qué significa, exactamente, ser KATSEYE.

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Luigi Mangione se declaró culpable de los cargos de acoso con resultado de muerte de Brian Thompson, CEO de UnitedHealthcare en una audiencia que se llevó a cabo dentro de una corte federal ubicada en New York City el viernes 14 de agosto de 2026.

Los abogados del acusado le notificaron a la jueza, Margaret Garnett, que su cliente estaba dispuesto a declararse culpable de los dos cargos de acoso que se le imputaban en la acusación federal. Cuando la magistrada le preguntó directamente si estaba dispuesto a declararse culpable, Mangione respondió: “Sí”. 

“Viajé a Nueva York con la intención de matar a Brian Thmonpson. Le disparé y murió. Comprendí que lo que hice era ilegal”, declaró.

“Tras años de sufrir dolor de espalda y de intentar navegar el sistema de seguros médicos”, se enteró de la conferencia anual de inversionistas de UnitedHealthcare en Nueva York. Consultó el evento en Internet. Se hizo pasar por un inversor, gestor de un capital de 58 mil millones de dólares, y envió correos electrónicos al liderazgo de la compañía para obtener información sobre el lugar donde se celebraría el evento.

“A diferencia de mis interacciones anteriores con [las aseguradoras], recibí una respuesta en menos de una hora”, dijo Mangione. Además, añadió que utilizó una impresora 3D para fabricar una pistola y un silenciador.

Antes de dar su discurso, el presunto magnicida fue juramentado y le realizaron una serie de preguntas sobre su estado mental, si había tomado algún medicamento recientemente, bajo el cuidado de algún médico o profesional de la salud mental. Indicó que Indicó que se encontraba lúcido antes de declararse culpable de los dos cargos: un cargo de acoso interestatal con resultado de muerte y un cargo de acoso mediante el uso de instalaciones interestatales con resultado de muerte.

Garnett le explicó a Mangione la gravedad de su posible sentencia, señalando que ambos cargos conllevan una pena máxima de cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional, además de posibles multas. La togada explicó que tendría que cumplir al menos el 85% de su condena. Posteriormente, la magistrada fijó la fecha de la sentencia para el 18 de diciembre.

Después de confirmar que no se había llegado a ningún acuerdo con Mangione y que este realizó una declaración de culpabilidad abierta, el gobierno federal afirmó que considera que debería cumplir una pena de entre 292 y 365 meses, aproximadamente entre 24 y 30 años de prisión. Garnett recalcó que decidirá su sentencia basándose en su propia valoración independiente y en lo que considere razonable.

Al finalizar la audiencia, de nuevo se le preguntó formalmente cómo se declaraba ante los dos cargos que se le imputaban, a lo que respondió: “Culpable”. La jueza aceptó su declaración.

El magnicidio de Thompson sucedió el 4 de diciembre de 2024 en el centro de Manhattan, un crimen que estremeció a la nación y suscitó debates sobre la industria de los seguros de salud en Estados Unidos. Las balas que utilizó tenían grabadas las palabras “delay” [demora], “deny” [negar] y “depose” [destituir], recordatorios de las frases utilizadas por los críticos. Pasaron cinco días de persecución a nivel nacional donde las imágenes del asesinato y fotos del sospechoso se difundieron por televisión y redes sociales.

Durante una rueda de prensa después de la audiencia, los funcionarios públicos enviaron sus condolencias a la familia de Thompson, mientras criticaban a quienes glorificaron a Mangione. “El acusado cometió este asesinato en un intento de llamar la atención pública sobre su aversión a ciertos negocios. No obstante, vivimos en una sociedad civilizada gobernada por las leyes. Debatimos, discrepamos, protestamos. No cometemos asesinatos. Bajo ninguna queja, creencia política o causa ideológica se justificará el asesinato”, argumentó el fiscal federal Jamie McDonald. La jefa de policía de Nueva York, Jessica Tisch, añadió: “Aquellos que idolatran a Luigi Mangione, les digo esto: la violencia no es una causa, el asesinato no es un mensaje, y un asesino no es un héroe”.

El nativo de Baltimore ya había sido acusado de asesinato con arma de fuego, delito que conllevaba una posible pena de muerte. Sin embargo, ese cargo federal y otro relacionado con armas de fuego fueron retirados en enero. Su juicio federal se programó para enero de 2027, mientras que el juicio estatal por asesinato se llevaría a cabo el 8 de septiembre de este año.

Se desató controversia sobre si el juicio estatal de Nueva York o el federal se llevaría a cabo primero. Enfrenta un cargo de asesinato en segundo grado el estado de Nueva York, así como cargos por posesión de armas. En septiembre de 2025, enfrentó cargos de terrorismo que fueron desestimados por falta de pruebas que cumplan con los requisitos establecidos por la ley. Además, enfrenta cargos por falsificación y posesión de armas de fuego en Pensilvania, donde fue arrestado en un McDonald’s de Altoona el 9 de diciembre de 2024. Antes del viernes se había declarado inocente de todos los cargos estatales y federales en su contra.

Después de declararse culpable frente a un tribunal federal, Karen Friedman Agnifilo y el resto de su equipo legal presentaron una moción para dar de baja al caso estatal por asesinato, argumentando “double jeopardy” [doble incriminación en español, principio legal que establece que ninguna persona puede ser juzgada dos veces por el mismo crimen]. Alegan que los dos procesos judiciales violan su derecho al debido proceso.

El juicio por asesinato en el estado de Nueva York está programado para comenzar este septiembre. La fiscalía del distrito de Manhattan emitió un comunicado acerca de la declaración de culpabilidad federal del acusado, “Nos anima que la familia del Sr. Thompson haya recibido una respuesta el día de hoy. Si bien la sentencia federal está pendiente, estamos preparados para litigar las mociones de la defensa. La fiscalía del distrito de Manhattan mantiene su compromiso de conseguir la justicia para el Sr. Thompson y su familia”, estableció el mensaje.

Una fuente cercana a la situación le recalcó a ROLLING STONE que la fiscalía no tiene intención de abandonar el proceso judicial contra Mangione hasta que se conozca la sentencia que Garnett dicte en el tribunal federal.

La familia Thompson también emitió un comunicado, “La declaración de culpabilidad de hoy representa un paso importante hacia la justicia para Brian y para nuestra familia. Si bien nada aliviará el dolor de su pérdida, agradecemos que el sistema de justicia federal haya responsabilizado a la persona que cometió este acto atroz. Ahora esperamos que el tribunal garantice que la sentencia refleje la gravedad de este delito. Somos conscientes de que aún quedan procesos adicionales por ejecutar en Nueva York y Pensilvania. Seguiremos buscando la justicia que Brian merece”.

Historia en desarrollo. Traducción en español actualizada hasta las 2:18 p.m. (hora de Colombia)

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Un vistazo rápido por el retrovisor reveló que el pasado de John Carpenter le estaba dando alcance… literalmente. Corría el año 2016 en Atenas. Carpenter —el influyente guionista, director y músico— acababa de terminar una actuación en la que interpretó temas inquietantes, dominados por los sintetizadores, que había compuesto para sus películas Halloween, Escape from New York y The Fog, además de piezas instrumentales originales de estilo darkwave, junto a su «banda»: su hijo Cody y su ahijado Daniel Davies. Fue entonces cuando unos faros de luz tenue rasgaron la oscuridad tras ellos en la carretera. El vehículo se fue acercando progresivamente hasta que Carpenter pudo distinguir el modelo: un Plymouth Fury de 1958 color rojo otoñal, idéntico al feroz automóvil protagonista de Christine, la adaptación de la obra de Stephen King que Carpenter dirigió en 1982.

«Corríamos para salvar la vida», recuerda Carpenter, de 78 años, con un tono que denota cierta perplejidad. «No sabíamos si era amigo o enemigo». El cineasta, vestido de azul marino y luciendo un blanco bigote estilo Fu Manchú, está sentado entre su hijo y Davies durante una entrevista por Zoom desde su casa de Los Ángeles. Habla con un estilo campechano y una seriedad impasible, y a menudo ofrece respuestas lacónicas y evasivas («Claro» o «No hablemos de eso»), pero se anima al describir el enfrentamiento con aquel conductor amenazante, que al parecer era un fanático ferviente.

«Por fin se acerca y se detiene, y yo le digo: “Oye, no hagas esto“», cuenta Carpenter. «Él no se daba cuenta de que podíamos percibir como algo peligroso que nos persiguiera de esa manera. Había pensado: “Vaya, sería divertido hacer esto. Les gustaría”. Era un buen tipo, pero a la vez un idiota».

Tal es el legado de John Carpenter, el santo patrón del cine slasher, quien en los últimos años ha asumido el título de maestro del terror. Hace casi medio siglo reinventó el género con Halloween (1978) —película que convirtió a Michael Myers en el arquetipo de los asesinos enmascarados del cine— y, desde entonces, el género nunca volvió a ser el mismo. Incluso cuando incursionó en otros géneros, como el cine de acción (Assault on Precinct 13, Big Trouble in Little China), la ciencia ficción (The Thing, Starman) o el biopic musical (un telefilme sobre Elvis Presley de 1979), su obra siempre conservó un sello distintivo: una sensación inefable de tensión y distensión, combinada con una acción precisa y planos generales que evocaban agorafobia.

«No importaba qué películas hiciera; podías verlas y reconocer de inmediato que eran de John Carpenter», afirma Kurt Russell, protagonista de La cosa (The Thing), 1997: Rescate en Nueva York (Escape From New York) y otros filmes del director. «Son muy pocos los directores de los que se puede decir algo así».

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AUNQUE CARPENTER NO ha dirigido ninguna película desde The Ward (2010), sigue muy vinculado al mundo del terror. Precisamente esta semana ha lanzado una especie de obra doble: una truculenta novela gráfica y su correspondiente banda sonora, ambas tituladas Cathedral.

El cómic se basa en un sueño vívido que tuvo —algo inédito en su faceta narrativa—, en el que descendía en ascensor a través de infiernos dantescos situados bajo una iglesia para enfrentarse a un demonio. Para la novela, pulió la historia y la centró en una mujer llamada Christine que busca vengar la muerte de su padre, a quien el demonio había destripado. «Probablemente yo sea la chica [de la historia]», comenta. «O eso, o yo era la criatura, el señor del inframundo. Puede que fuera él».

La banda sonora que acompaña a la obra mantiene ese sonido gélido y dominado por los sintetizadores que él inició con sus propias composiciones cinematográficas en los años setenta y que ha venido desarrollando en una serie de álbumes desde el primer lanzamiento de la banda, Lost Themes (2015). Sin embargo, en esta ocasión hay una mayor influencia del heavy metal —más guitarras, más batería, más órgano de iglesia, más actitud— para complementar la sombría historia de Cathedral. Él espera que la gente escuche el álbum mientras lee el cómic.

«Estos álbumes han supuesto una segunda carrera en mi vida», comenta Carpenter sobre su trabajo en el trío musical, que lleva simplemente su nombre. «Es una alegría publicar discos y salir de gira. Hay mucha menos tensión y presión que al dirigir una película».

Dicho esto, Carpenter consideró inicialmente desarrollar Cathedral como película. Él y Davies incluso barajaron nombres de actores que podrían protagonizarla. Sin embargo, Carpenter optó por la vía más económica: crear una novela gráfica. «Si alguien me dijera ahora mismo: “Tengo aquí 200 millones de dólares, ¿quieres hacer una película de esto?”, tal vez diría que sí», comenta. Como nadie lo hizo, aceptó una realidad ineludible: «Costaría bastante más de cien millones, y ya soy mayor y no quiero trabajar tanto», afirma. «Además, es mucho más divertido hacer música que dirigir películas».

La editorial responsable de la novela gráfica es Storm King Comics, el sello dirigido por Sandy King, esposa y colaboradora habitual de Carpenter. Ella se entusiasmó con el proyecto de Cathedral de su marido porque contaba con una historia lineal y él tenía la idea original de acompañarla con un álbum musical. Aunque él sostiene que este lanzamiento conjunto de cómic y álbum es el primero de su clase, artistas como Alice Cooper, Wayne Shorter y RZA ya lo habían hecho anteriormente. No obstante, ellos no contaban con los artistas visuales de King para dar vida a la obra (uno dibujó el mundo superior que rodea la catedral; otro, el infierno situado bajo ella) ni con una historia de John Carpenter que contar.

«Hay algo en las historias que John escribe o elige que te hace preguntarte quién eres cuando te enfrentas al horror», dice King. «Creo que eso es lo que hace único todo lo que hace, ya sea una comedia como Big Trouble in Little China o Starman —donde [la actriz Karen Allen] debe aceptar que un alienígena ha adoptado la forma de su difunto marido— o Snake Plissken [de las películas de Escape]. Se preguntan: “¿Quién eres?”. Creo que esa pregunta también resuena en el personaje de Christine [en Cathedral]: ¿quién eres y qué estás dispuesta a hacer tras ver a tu padre convertido en una masa informe, como una pasta de carne? ¿Y qué es este demonio?».

AUNQUE LA PASIÓN de Carpenter por el cine haya podido disminuir, su entusiasmo por la música de Cathedral es palpable. Afirma no sentir ningún vínculo con sus grandes éxitos, compuestos con sintetizadores porque era una opción «barata y rápida». De hecho, ha encargado a Cody interpretar en los conciertos el amenazador tema de Halloween en compás de 5/4 —un ritmo que le enseñó su padre, profesor de música—. «No tengo ningún vínculo emocional con ella», comenta. «Me siento mucho más unido emocionalmente al material nuevo, a Cathedral».

No obstante, ha crecido de forma constante un grupo de seguidores que valora toda la obra musical de Carpenter. «Siéntate en una habitación a oscuras, escucha el tema de Halloween e intenta no mearte encima cuando, de repente, alguien te ponga la mano en el hombro», comenta Joe Hill, exitoso novelista de terror. (Hill, hijo de Stephen King, añade que la obra de Carpenter inspiró su primer libro, Heart-Shaped Box, y que imaginó a Russell —colaborador habitual del director— como el protagonista de la historia: el músico de death metal Judas Coyne).

«El hecho de que John sea músico y provenga de una familia con una sólida formación musical es fundamental para entender quién es John Carpenter como cineasta», afirma Russell. «Recuerdo haber escuchado aquel sonido —una mezcla perfecta entre el estilo del wéstern y una sonoridad futurista— para Escape from New York; era tan nítido y tan distintivo… Y era bueno. Realmente bueno. Era, por así decirlo, el mundo de Snake».

En 2019, cuando Rolling Stone consultó a compositores y aficionados al cine de terror para elaborar una lista de las mejores bandas sonoras del género, las partituras de Carpenter para Halloween y Halloween III ocuparon los dos primeros puestos; también se incluyeron las bandas sonoras de Christine y la de The Thing, compuesta por Ennio Morricone.

«Cuando empecé a publicar música de forma profesional, la gente me preguntaba por la influencia de Carpenter en mí», comenta el productor de hip-hop El-P, integrante del dúo Run the Jewels. «Esas conversaciones, de hecho, me llevaron a mirar atrás y darme cuenta de que él creaba toda esa música —minimalista, siniestra, amenazante y misteriosa— que se infiltraba en mi mente e hizo que sus películas cobraran tanta importancia para mí. Esos tonos y paisajes sonoros, con sus líneas de sintetizador crudas y sus cajas de ritmos, se convirtieron en uno de los pilares de mi estilo de producción».

Thomas Bangalter, exmiembro de Daft Punk, también afirma que el legado de Carpenter es «inmenso» en el cine, la música electrónica y la cultura pop en general. «Para mí, su influencia en Daft Punk o en parte de mi obra en solitario resulta ahora palpable al echar la vista atrás», comenta Bangalter, citando algunas de sus propias bandas sonoras y canciones: «las líneas de bajo oscuras y palpitantes de la banda sonora de Tron: Legacy, los arpegios retorcidos y los acordes disonantes de la banda sonora original de Irreversible, y las siniestras frases de lavado de cerebro que se escuchan tras el robot en el videoclip de “Technologic”».

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Carpenter empezó a tomarse en serio su faceta de músico hace poco más de una década, cuando él y Cody comenzaron a experimentar con teclados y el programa Logic Pro en los ratos libres que dejaban los videojuegos. King, siempre atenta, contrató a un abogado especializado en música que cerró el contrato discográfico de su marido. Poco después se sumó Davies, y aquellos primeros bocetos se transformaron en las canciones de Lost Themes. La música evocaba la angustia y la frialdad de las bandas sonoras de Carpenter, pero con arreglos más sólidos y reforzados por la guitarra de Davies. Los temas no eran meros bocetos —como suele ocurrir en la mayoría de los álbumes de bandas sonoras—, sino canciones completas.

Aunque el nombre de Carpenter aparece en la portada, el grupo afirma que la composición es un proceso democrático. «Nuestros roles se solapan, así que no es que una sola persona se encargue de una tarea específica», comenta Cody. «Todos aportamos al trabajo de los demás».

Han seguido publicando álbumes de la serie Lost Themes —con secuelas lanzadas en 2016, 2021 y 2024—, pero la verdadera sorpresa en la carrera de Carpenter llegó cuando él y sus compañeros de banda aceptaron componer la música de Halloween, el reinicio de 2018 dirigido por David Gordon Green para la maltrecha y sangrienta franquicia de Michael Myers, que ya cuenta con 13 películas (de las cuales Carpenter solo dirigió una).

También compusieron la música para las secuelas de Green, así como para la adaptación de 2022 de la novela de Stephen King Firestarter, realizada por el cineasta Keith Thomas; una película que el propio Carpenter podría haber dirigido en los años ochenta si La cosa (The Thing) —hoy considerada una de las mejores películas de todos los tiempos— no hubiera fracasado en taquilla. («Así son las cosas», comenta sobre aquel revés).

Esos álbumes de bandas sonoras son lo más cerca que Carpenter ha estado de la industria cinematográfica en los últimos 16 años. En Hollywood, tu valor depende de tu última película y, lamentablemente, The Ward fue un fracaso. A lo largo de dos entrevistas, Carpenter repite que no ha cerrado la puerta al cine, pero que la tarea más ardua es conseguir financiación para una película.

En un momento dado, le pregunto si consideraría hacer una película de Cathedral con IA para ahorrar dinero. «Si alguien viniera y me lo propusiera [hacer una película con IA], sin duda lo consideraría», afirma. «No voy a cerrarme a nada. Pero claro, tengo sentimientos encontrados respecto a la IA». Más adelante, comenta que le impresiona el realismo que muestran algunas de las películas generadas por IA que ha visto. Entonces, ¿haría una película así? «Claro que sí», responde, y añade: «¿Tienes dinero?».

Carpenter dice que ha estado «muy cerca» de rodar otra película, pero «es algo que va y viene; siempre surge algún motivo por el que al final no lo hago». Aun así, descarta con ironía la idea de sentir resentimiento hacia la industria cinematográfica, a pesar de las veces que esta le ha hecho daño.

¿Siempre ha sido tan zen? «¡Ni hablar!», responde con brusquedad. «Ahora soy mayor. No siempre he sido así. Con la edad te vuelves más tranquilo y sabio».

Hoy en día, le gusta jugar a videojuegos, ver baloncesto y leer las noticias. No le gusta ver sus propias películas. «De vez en cuando enciendo la televisión y ahí están, y pienso: “Venga ya… ¿en qué estaba pensando?”», comenta. Aunque admite que siente predilección por The Thing y Halloween.

«No soy un artista que vive de la nostalgia», dice King. «Lo peor es cuando los fans dicen: “Pero ¿por qué no haces otra de Halloween?”. Pues que se joda Halloween. ¿Cuántas de esas necesitas?».

La segunda vez que hablo con Carpenter, él está solo y viendo por televisión la celebración de la victoria de los Knicks. Su pasión por el baloncesto supera con creces su interés por autopromocionarse, por lo que a menudo interrumpe mis preguntas para narrar lo que ocurre en el desfile que se celebra a pocos kilómetros al sur de la sede de Rolling Stone en Nueva York («Aquí hay más imágenes de tu equipo y confeti cayendo, y neoyorquinos alzando el puño, gritando y volviéndose locos»). Del mismo modo, durante una entrevista para Rolling Stone en 2018, le interesaba más despotricar contra la audiencia de confirmación de Brett Kavanaugh que se emitía por televisión que hablar de la banda sonora que compuso para el reinicio de la saga Halloween. Pero todo eso parece formar parte de su proceso creativo, ya que la actualidad ha servido en ocasiones de fuente de inspiración para sus ideas.

Recuerda cómo They Live (1988) —película en la que un desafortunado obrero de la construcción (Roddy Piper) descubre que el gobierno está dirigido por alienígenas empeñados en dividir a ricos y pobres— se inspiró al observar la puesta en práctica de la «Reaganomics». «Hay que entender algo sobre They Live», dice. «Aquello era un documental. Sigue ocurriendo ahora mismo. Nunca ha cambiado».

Pero las películas más premonitorias que realizó fueron Escape from New York (1981) y su secuela, Escape from L.A. (1996), en las que la gente vive bajo un régimen fascista. En una escena de Escape from L.A., un personaje explica por qué está en prisión: «Era musulmana en Dakota del Sur. De repente, lo convirtieron en delito».

«Bueno, creo que el fascismo goza de buena salud en todas partes, algo que me sorprende», comenta Carpenter hoy en día. Luego añade: «Pero el escenario de Escape from New York no se hizo realidad, así que pueden estar tranquilos». Vuelve a centrar su atención en el televisor. «Hoy su equipo de baloncesto recorre la Avenida de los Campeones, así que eso todavía no se lo han quitado».

Con tantas tramas posibles circulando por ahí, tal vez Carpenter encuentre la combinación perfecta entre una narrativa única —como Cathedral— y un inversor que disponga de los millones necesarios para convertir la idea en una película. King comenta que hay en marcha una serie de televisión para Amazon vinculada a Carpenter, la cual se anunciará más adelante; sin embargo, Carpenter no quiere hablar de nada en concreto.

«Estamos trabajando en un nuevo álbum y en una nueva aventura», afirma. «Esta vez no es un sueño, y no puedo decirte nada más al respecto».

¿Será una novela gráfica? «No te lo voy a decir», responde. «Podría serlo».

¿Será música heavy metal? —Eso tampoco te lo voy a decir.

Y dicho esto, Carpenter se levanta y se dirige a otra habitación donde puede ver el desfile en paz.

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El Bogotá Music Market, BOmm, llega a su decimoquinta edición con un cambio que marca una nueva etapa para la plataforma creada por la Cámara de Comercio de Bogotá: por primera vez, su programación artística incluirá proyectos internacionales. Después de quince años dedicados a conectar y proyectar la música colombiana, el mercado amplía su radio de acción y busca consolidar a Bogotá como un punto de encuentro cada vez más relevante para la industria musical de América Latina y el mundo.

La edición de 2026 se realizará del 8 al 11 de septiembre y desplegará su programación entre el Teatro Colón, la Cámara de Comercio de Bogotá en Salitre, Proyecto Kinder y Casa Spotify, además de más de 15 espacios para las tradicionales Noches BOmm en diferentes zonas de la ciudad. La propuesta volverá a reunir música en vivo, ruedas de negocios, conferencias, encuentros profesionales y showcases, en una programación que contempla más de 120 actividades.
Pero más allá de las cifras, el movimiento de esta edición está en su apertura. El BOmm ha funcionado durante años como una plataforma para preparar, conectar y acompañar a los artistas y profesionales colombianos antes de ponerlos frente a la industria. Ahora, esa conversación comienza a ser de doble vía: no solo se trata de llevar la música del país hacia otros territorios, sino de traer al mundo a Bogotá para que las conexiones ocurran desde aquí.

La Conferencia BOmm 2026 tendrá entre sus principales discusiones el negocio de los catálogos y los activos musicales, con conversaciones sobre valoración, compraventa, licenciamiento y sincronización de repertorios. También habrá un bloque dedicado al derecho de autor y las regalías, atravesado por la reciente Ley de la Música en Colombia y por debates alrededor de la relación entre las regalías fonográficas y autorales.
El streaming, los datos y la inteligencia artificial también ocuparán un lugar importante en la agenda. Spotify participará en actividades sobre la distribución de regalías y el desarrollo de artistas, mientras otros encuentros pondrán sobre la mesa el uso de herramientas de inteligencia artificial y la lectura de datos para entender mejor la relación entre una canción, su audiencia y las estrategias que hoy acompañan su circulación.

Uno de los ejes más internacionales de la programación estará relacionado con el booking, los festivales y los circuitos de música en vivo. Profesionales vinculados con Les Escales de Saint-Nazaire, Electric Castle, North Sea Jazz Festival, Way Out West, Primavera Sound, Copenhell y otros espacios de distintas partes del mundo participarán en conversaciones y encuentros con profesionales de la región. La pregunta de fondo será cada vez más relevante para los artistas latinoamericanos: qué están buscando los programadores internacionales y cómo se están transformando los caminos para circular entre territorios y escenas.

La agenda también abrirá espacio para conversaciones que conectan la música con otros lenguajes. Habrá actividades sobre marcas y construcción de experiencias en vivo, accesibilidad, diseño visual y videojuegos, incluyendo encuentros dedicados a la curaduría musical y al diseño sonoro para este último universo.

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La memoria musical colombiana tendrá, además, un lugar importante en esta edición. A propósito de los 30 años de Rock al Parque, BOmm reunirá a Nicolás y Los Fumadores, Diamante Eléctrico y 1280 Almas para hablar sobre el legado de una escena y su permanencia en el tiempo. La programación incluirá también conversaciones sobre la música de Cien años de soledad, el sonido del rap colombiano y sesiones de escucha alrededor de archivos, sellos independientes y proyectos que dialogan con distintas capas de la historia musical del país.

Entre los invitados internacionales destacados aparecen figuras como Eduardo Cabra, Liza Richardson, supervisora musical y Head of Music de Amazon MGM Studios; Jamar Chess, de Sunflower Entertainment; Kat Dahlia; Jennifer Cardini; Elena Barreras, de Primavera Sound, y Simon Harvey, cofundador de Reactional Music. Una selección que refleja la intención de una edición que quiere ampliar las conversaciones del mercado y poner en contacto a la industria local con distintas experiencias y modelos de trabajo.

A quince años de su creación, el BOmm parece estar planteándose una pregunta distinta sobre su propio lugar en el mapa. La música colombiana sigue siendo uno de sus principales motores, pero la edición de 2026 propone que Bogotá también pueda convertirse en el lugar al que llegan artistas, profesionales e ideas para encontrarse. Del 8 al 11 de septiembre, la ciudad volverá a ser escenario de esas conversaciones, ahora con una vocación más abierta y una mirada puesta en las conexiones que pueden construirse desde aquí.

La acreditación para el BOmm 2026 será gratuita y estará disponible para profesionales de la industria, público general y fans interesados en asistir a la conferencia, los showcases y las Noches BOmm. El registro general abrirá el 24 de agosto y los detalles de la programación y los invitados se anunciarán progresivamente a través de los canales oficiales del evento.

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