Con persistencia, tiempo y cierto nivel de obstinación, todos los elementos descarriados que hoy definen la música de Dry Cleaning encontraron su lugar y construyeron un mapa sin fisuras. El bajista Lewis Maynard, el baterista Nick Buxton y el guitarrista Tom Dowse compartieron distintas bandas durante varios años en su adolescencia y, después, llegaron los […]

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El árbol de la vida, de Terrence Malick, encontraba en la experiencia familiar preguntas tan vastas como el universo. Días perfectos, de Wim Wenders, descubría la plenitud en las rutinas de un hombre dedicado a limpiar baños públicos. El sentido de la vida comparte con ellas la capacidad de renovar nuestra atención hacia la existencia. Ryusuke Hamaguchi (Drive My Car, El mal no existe) reúne la tradición conversadora del cine francés con su particular sensibilidad hacia los silencios y los vínculos humanos. La combinación tiene algo de cocina fusión, aunque aquí el ingrediente decisivo resulta difícil de encontrar en tiempos de consumo acelerado. Se llama paciencia.

Crítica: Días perfectos (Perfect Days)

La película comienza en una residencia para adultos mayores en las afueras de París. Su directora, Marie-Lou (Virginie Efira), impulsa un modelo de cuidado llamado Humanitude, que concede especial importancia a la mirada, la palabra, el contacto y la posibilidad de mantener a los residentes de pie. Hamaguchi observa reuniones, desacuerdos y procedimientos con una atención cercana al documental. Pronto aparece una contradicción que atraviesa toda la historia. Tratar a cada persona con dignidad exige un tiempo que la administración parece considerar demasiado costoso.

El guion, escrito con Léa Le Dimna e inspirado libremente en la correspondencia entre Makiko Miyano y Maho Isono, comprende también el desgaste de quienes cuidan. La enfermera Sophie (una estupenda Marie Bunel) cuestiona las nuevas exigencias desde su experiencia con una plantilla sobrecargada. Sus objeciones tienen fundamento. Pedir más dedicación sin ofrecer recursos suficientes puede convertir una propuesta generosa en otra forma de explotación. La película permite que esa tensión exista y nos obliga a pensar quién cuida a las personas encargadas de cuidar.

Un encuentro fortuito con Tomoki (Kodai Kurosaki), un joven autista, conduce a Marie-Lou hasta una representación teatral protagonizada por Gorô (Kyozo Nagatsuka) y dirigida por Mari (Tao Okamoto). La obra conecta con sus inquietudes profesionales, pero será la conversación posterior con Mari la que transforme su experiencia. Entre ambas surge una amistad de esa intensidad poco frecuente que permite confiarle a alguien recién conocido pensamientos guardados durante años. Hablan de capitalismo, sociedad, enfermedad y existencia mientras la noche avanza y el mundo parece concederles una tregua.

Hamaguchi consigue que pensar en compañía tenga suspenso, intimidad y movimiento. Cada respuesta modifica la relación; cada pregunta abre una posibilidad de acercamiento. Incluso cuando una conversación desemboca en explicaciones apoyadas en una pizarra, importa el entusiasmo de encontrar a alguien dispuesto a escuchar hasta el final. La dimensión filosófica nace de necesidades concretas. Las ideas afectan la manera de tocar un cuerpo, organizar una jornada o acompañar a una persona vulnerable. Revelar los caminos posteriores de esta amistad le quitaría al espectador el placer de descubrir cuánto puede cambiar una vida durante un encuentro.

Efira confirma su lugar entre las grandes actrices del cine francófono. En Marie-Lou logra combinar convicción, resistencia, cansancio y una capacidad de asombro que el trabajo amenaza con extinguir. Puede dirigir una reunión con firmeza y, poco después, escuchar con la apertura de quien descubre que todavía tiene mucho por aprender. Okamoto construye a Mari con una serenidad atravesada por la conciencia del tiempo. Su curiosidad y su humor evitan que se convierta en una figura dedicada a impartir sabiduría. Juntas hacen creíble esa rara experiencia de sentirse comprendido sin tener que explicarlo todo.

La película alcanza una belleza especial cuando las palabras ceden espacio al contacto. Los masajes en los pies condensan su mirada humanista. Atender un cuerpo requiere reconocer su historia, sus límites y su capacidad de sentir placer, incluso cuando la memoria o el lenguaje comienzan a fallar. Hamaguchi filma esos gestos sin apresurarlos. La cercanía se construye en su duración, en la confianza de quien se deja tocar y en la atención de quien aprende a hacerlo. El modelo Humanitude termina siendo también una clave para comprender la puesta en escena.

Sus 196 minutos exigen disponibilidad, y conviene entregárselos con el celular apagado y la impaciencia en pausa. La duración permite conocer hábitos, percibir cambios y sentir el peso de una ausencia antes de que alguien necesite explicarla. Frente a una cultura empeñada en ahorrar segundos, El sentido de la vida pregunta qué hacemos con el tiempo que supuestamente ganamos. Hamaguchi, uno de los grandes cineastas de la actualidad, ofrece una respuesta conmovedora en la amistad de estas dos mujeres. Al terminar, las tres horas largas se miden por la cercanía alcanzada. Y todavía quisiéramos quedarnos un rato más.

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Nicolas Winding Refn lleva buena parte de su carrera persiguiendo imágenes que parecen haber escapado de un sueño y personajes que atraviesan el mundo como si participaran en un ritual cuyo significado apenas alcanzan a comprender. En la trilogía Pusher, Fear X, Bronson, Valhalla Rising, Drive, Only God Forgives, The Neon Demon y en las series Too Old to Die Young y Copenhagen Cowboy, la violencia, la belleza, la masculinidad y el deseo han dejado de funcionar únicamente como componentes narrativos para convertirse en parte de un lenguaje propio.

Her Private Hell intenta continuar ese recorrido, pero Refn encuentra parte de su origen mucho antes de convertirse en cineasta en el niño nacido en Copenhague que llegó a Nueva York a los ocho años y descubrió la televisión estadounidense. Cambiar de canal significaba entonces atravesar universos incompatibles en cuestión de segundos. El director recuerda aquella televisión analógica como una “máquina de sueños”, más mágica y sensual precisamente por sus limitaciones.

Décadas después, algo de aquel niño que cambiaba compulsivamente de canal permanece en su manera de construir imágenes. Her Private Hell responde menos a la causalidad convencional que a las asociaciones de la memoria, el deseo y la fantasía. Su protagonista atraviesa una odisea interior mientras Refn vuelve a una de sus obsesiones fundamentales: la posibilidad de desprenderse de las reglas que determinan cómo debe comportarse una película, un artista e incluso un ser humano.

En conversación con Rolling Stone en Español, Refn habla sobre los cuentos de hadas escondidos dentro de Her Private Hell, la uniformidad del entretenimiento contemporáneo, la imposibilidad de alcanzar la perfección y la delgada frontera entre libertad creativa y aquello que la sociedad decide llamar locura.

Ha descrito los cuentos de hadas como narraciones que representan el género, la cultura y el tiempo. ¿Qué arquetipo de los cuentos de hadas se esconde debajo de Her Private Hell: el niño perdido, el bosque prohibido, el monstruo devorador o la transformación?

Los tres. Todos los anteriores. Está todo ahí. La idea consistía en revivir mi experiencia de descubrir la televisión cuando tenía ocho años y llegué a Nueva York. Yo nací en Copenhague y la televisión realmente no existía de la misma manera en Dinamarca. En cierto sentido, era un medio muerto.

Llegar a Nueva York significó descubrir los edificios enormes, por supuesto, pero, sobre todo, descubrir esta increíble máquina de sueños. Y quizá fuera precisamente porque era analógica que resultaba más mágica y sensual. Podía cambiar de canal y encontrar experiencias completamente diferentes que me cautivaban.

¿Qué programas de televisión recuerda de aquella época?

Me gustaba todo. Veía cualquier cosa. Cuanto más opuestos fueran los extremos del espectro, más emocionante me resultaba. 

Her Private Hell parece una historia generada por la memoria, el deseo y quizá por algoritmos, en lugar de obedecer a una causalidad convencional. ¿Considera que esta estructura fragmentada responde a la manera en que la cultura digital ha cambiado no solamente las historias que consumimos, sino también la manera en que nuestra mente construye significado?

Creo que existe una enorme infraestructura que se ha acomodado demasiado a sus propios Diez Mandamientos. Es decir, esencialmente todo termina siendo un reciclaje o está fabricado dentro de un conjunto tan limitado de reglas que, aunque quizá no sea literalmente un reciclaje, termina sintiéndose como tal.

Existe esta idea de producir entretenimiento en masa sin preguntarnos nunca: ¿realmente necesita el mundo más de esto? Hablamos muchísimo sobre qué estamos haciendo, quién se beneficia de ello, cuánto dinero produce. Pero muy pocas veces hablamos sobre por qué lo estamos haciendo y si realmente necesitamos hacerlo.

Para mí, eso es algo que la creatividad puede preguntarse a través de la experiencia. Y eso me resulta mucho más interesante. Cuando al final todo termina siendo igual, convertirte en lo opuesto hace que seas el diamante dentro de un mar de mediocridad.

¿Es Her Private Hell, en última instancia, una película sobre escapar de una pesadilla privada o sobre aceptar que la fantasía ya se ha convertido en la arquitectura del yo?

Es una muy buena pregunta. Me gusta tu análisis sobre la arquitectura del yo porque creo que, en la odisea de L —porque eso es lo que es—, ella está atravesando una experiencia interior presentada dentro de un escenario religioso. Es una odisea.

De alguna manera, ella se libera de todas las cadenas y de todas las conexiones con su mundo humano y entonces se transforma hacia lo desconocido. Y, evidentemente, es desafiada por los fantasmas del tiempo a repetir el ciclo del padre.

Pero la pregunta es: ¿cómo sería eso si fuera una mujer joven quien se pusiera los guantes? Eso, por supuesto, conduce a la interpretación porque no existe una respuesta correcta o equivocada. Entonces tienes que volver a mirar la película.

Quizá. Su cine convierte repetidamente la masculinidad, la belleza y la violencia en rituales. Los cuerpos se convierten en esculturas, las ciudades en templos y el silencio en lenguaje. ¿Qué obsesión personal cree que ha estado persiguiendo a lo largo de toda su obra sin llegar nunca a resolverla por completo?

No me gustan los finales definitivos. Para mí, la imperfección resulta mucho más interesante que el deseo de hacer algo perfecto porque, al final, la perfección es un ciclo peligroso: nunca llegas a una conclusión.

Se trata casi de abrazar aquello que no funciona. De abrazar el fracaso de la creatividad como una oportunidad para alcanzar algo puro. Cuanto más creas desde las entrañas, más verdadero resulta respecto a tu propia alma.

La creatividad nunca debe ser perfecta porque la perfección es una ilusión. Es como un falso demonio. Por el contrario, la creatividad es imperfección. Pero si creas desde el corazón, esa imperfección se convierte en verdad. Y por verdad me refiero a que, si creas desde el corazón, ya no puedes juzgarlo simplemente en términos de bueno o malo porque esas categorías dejan de existir. Entonces eres libre.

Eres libre como persona. Te apartas del mundo de las opiniones hasta desprenderte completamente de él y simplemente vivir libre.

Cowboy de Copenhague

Existe una frontera frágil entre la locura y la creatividad.

Sí. Creo que es una buena manera de verlo. Cuanto más libre eres, más insensato puede parecer todo. Y eso es precisamente lo que hace difícil equilibrarlo con aquello que podríamos considerar el diseño de la sociedad para establecer qué constituye un comportamiento aceptable.

Vivimos en una época en la que todo el mundo está obsesionado con los diagnósticos, por ejemplo. En mi opinión, creo que gran parte de eso es simplemente absurdo y está basado en el control. Porque la ironía de todo esto es que cuantos más diagnósticos se asignan —aquí, aquí y aquí—, aquello que consideramos normal comienza prácticamente a convertirse en una minoría.

Entonces la normalidad se siente amenazada porque todo lo que existe a su alrededor es considerado anormal. ¿En qué momento ese ciclo vuelve a repetirse y nos obliga a reevaluarlo todo nuevamente, quizá dentro de diez años? Porque esa minoría se hace cada vez más pequeña, hasta llegar al punto de preguntarnos: “Bueno, ¿qué tiene de extraordinario ser normal?”. ¿Cuándo ha sido alguna vez la normalidad una garantía de felicidad?

Creo que ser humano es difícil. Es desafiante. Es duro. Como un insecto: vives unos segundos y después mueres. Pero debido a la revolución digital, a la tecnología informática y a la posibilidad de construir avatares, podemos existir de otras maneras. Podemos viajar hacia otros lugares mediante nuestra tecnología. Podemos recrear mundos.

Y a través de las redes sociales, que son una invención digital, podemos modificar nuestra propia representación o podemos situarnos en una posición semejante a la de Dios: tener las opiniones correctas, las opiniones adecuadas. Podemos convertirlas en una doctrina y predicarlas como Dios.

Crítica: Su propio infierno (Her Private Hell)

Es interesante pensar, por ejemplo, en lo que ocurrió cuando los vikingos tuvieron que convertirse al cristianismo. Jesús era presentado de diferentes maneras. Una posibilidad consistía en presentarlo como el salvador de la humanidad y, mediante el deseo de creer en eso, las personas se transformaban y se convertían al cristianismo. Otra posibilidad era pagarles. Algo así como: “¿Cuánto me va a costar conseguir que creas en esto en lugar de aquello?”. 

Otras veces se producía una fusión. Simplemente fusionabas unas cosas con otras. Y después estaba la cuarta posibilidad, la más importante: la violencia. La conquista. El imperialismo. La fuerza.

Y básicamente vivimos en una existencia donde todas esas posibilidades continúan presentes. Puedes decir que existen tres, pero la cuarta es la peligrosa porque a través de la fuerza y de la violencia aparece el fascismo. Nuestro mundo, de alguna manera, está construido sobre una base digital que está recreando sus propios orígenes.

Pero nuestros corazones y nuestras entrañas continúan conectados con deseos muy primarios y sencillos. Eso no desaparece. Y esa capacidad de saltar frenéticamente entre ambas cosas está, evidentemente, volviendo loca a mucha gente porque no consigue encontrar una manera de conectarlas. Entonces tienen que elegir.

Pero viven dentro de un mundo tan nuevo que quizá resulte más fácil convertirse ellos mismos en una computadora.

Nicolas, ha sido maravilloso hablar contigo.

Muchas gracias. Muchas gracias. Nos veremos en la próxima. 

Sí. Tu remake de Maniac Cop promete locura, fascismo y creatividad.

Gracias. Gracias. Adiós.

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Fue hace dos años cuando conocimos a un Alleh inspirado, emocional y pasional a través de LA CIUDAD, el álbum que realizó junto a Yorghaki. La popularidad que alcanzaron con su primer disco en conjunto trajo consigo una ola fresca de sonidos y lírica que no pasó desapercibida para el público internacional, posicionándolos como dos de las promesas más destacadas de Venezuela. Y aunque hoy ambos músicos han seguido sus propias trayectorias por caminos separados, la historia no terminó ahí.

Alleh ha iniciado una nueva era en su carrera. El músico venezolano ha encontrado en el amor una de las formas más genuinas de expresar su alma, transformando su sonido, sus ideales y su voz en un refugio para aquellos momentos en los que solo hace falta una melodía para sentir un abrazo a la distancia. Con este nuevo proyecto en solitario, Alleh reafirma que la música es uno de los grandes indispensables de su vida y, quizá, aquello que lo impulsa a vivir con una pasión que parece no tener límites. Sin duda, todavía queda mucho por descubrir sobre él.

En esta entrevista exclusiva con ROLLING STONE en Español, Alleh nos habla sobre su nuevo camino músical, la importancia que toma Venezuela en su proyecto y mucho más. Lee aquí nuestra plática con el músico:

Hay una constante muy importante y resonante en cada una de tus canciones: el amor. Cada persona lo vive a su manera, desde su experiencia cultural y racional, pero, para ti, ¿qué es? 

Qué buena manera de comenzar. Yo creo que el amor está compuesto por diversas cosas. Todo mundo lo siente diferente; hay muchas maneras de él y de hacerlo. El amor es esa sensación única que te hace sentir el corazón contento sin darte cuenta, por algo o por alguien. Todos somos muy diferentes, entonces siempre lo expresamos de maneras muy distintas. Yo creo que el amor es lo que te hace sentir bien contigo mismo, más allá del sentimiento por alguien en específico. También puede ser por cualquier cosa: por un deporte, lo que haces, tu profesión, por lo que te motiva. 

¿Crees que mientras más evolucionas como artista, este concepto va transformándose contigo? 

Yo creo que en esta faceta, sobre todas, sí siento que ha evolucionado bastante. Hablo del amor desde mi manera y con mis palabras. Es algo que tengo muy presente en mis canciones, y es algo que se da de manera inconsciente. Yo creo que es el amor por hacer lo que hago: las ganas, inspiración y todo lo que termina saliendo con amor. Esto se ve reflejado en mis canciones, sin que me de cuenta. Expreso el amor en sus diferentes caras y lados que puede tener. Quizás mucha gente no se de cuenta de esto, pero yo expreso el amor de muchas maneras. Sí siento que es un concepto que he evolucionado con el paso del tiempo porque está conmigo en mi manera de componer, expresarme y de compartir mi música al mundo. 

Tu sonido ha contagiado a miles de personas alrededor del mundo. ¿Crees que es una forma de llevar a Venezuela por todo el mundo? ¿Qué tan importantes son tus raíces en tu proyecto?

Las raíces de mi proyecto son 100%. Todo lo que hago inconscientemente es para mi país. Me enfoco mucho en que la gente sepa que esto lo está haciendo un venezolano. Me gusta llevar mi cultura, mis palabras y mi jerga en la forma de hablar y componer. Esto es algo que siempre tengo presente. Me encanta que la gente de mi país siempre está apoyándome y conmigo. Es un trabajo en equipo. Si me junto con todos los venezolanos a través de mi música, es aún más bonito que la gente lo escuche para que entiendan el amor que siento por mi país. Este nuevo concepto que estaré trabajando en mi álbum fue por gran parte creado en Venezuela, así como los videos. Quiero reflejar que Venezuela es muy cool y se puede hacer de todo. Busco mandar el mensaje como musicalmente como visualmente. Quiero invitar a toda la gente que no ha ido a Venezuela a que vayan. También quiero ser parte de su visita y acompañarlos a que vivan la experiencia como yo la vivo en mi país. Soy un artista internacional que aún reside en Venezuela. 

Hablando del lado sonoro, tus producciones se sienten como un aire fresco dentro del espectro musical en el que vivimos. ¿Cómo encontraste el sonido que te define hoy en día? 

Tuve la dicha de Dios, las conexiones y el mundo para tener una voz que me caracterice. La he tratado de exprimir al 100%. Trato de conocerme cada día mejor como artista, a la vez que experimento con nuevos sonidos y melodías. Siento que no le tengo miedo a nada. Cualquier cosa de la que me sienta capaz, mientras me guste, estoy seguro de que me meteré a intentarlo. Creo que el que persevera, lo consigue. Creo que es mucha disciplina, perseverancia y horas en el estudio, acompañado de hacer algo diferente con sonidos nuevos. Todo se une si le metes toda la energía. Si estás entregado todos los días, harás que nueva gente te escuche. Esto te ayuda a conectar con las personas de manera diferente. Creo que al final, esto es la meta, que voy cumpliendo poco a poco.

¿Crees que llegaste al sonido que siempre deseaste o te falta camino por recorrer? 

Me siento muy contento con lo que he conseguido y con lo que tengo, hasta ahora. Sin embargo, nunca le pongo un tope a mi música. Sé que siempre hay más, más y más. Hay mucha música que hacer en el mundo; hay muchas más melodías por las cuales hay que experimentar, grabar y hacer. Aunque comenzamos todo muy grande y todo está saliendo increíble, hay muchas más cosas por hacer y explorar. 

Foto: Cortesía prensa 

Ahora que estás entrando a tu etapa en solitario, ¿crees que es iniciar de nuevo, pero con una visión más clara y con pasos más decisivos? 

La música que hice, tanto en este disco que estoy trabajando como la que realicé con Yorghaki, me hizo sentir como a mí mismo, con mi granito de arena, presencia y esencia. Es una evolución de lo que hice el año pasado, porque es un Alleh en otra faceta. Estoy conociendo más de la industria y de sus movimientos, pero con más experiencia porque el año pasado todo pasó muy rápido. Este es un Alleh con más visión e intención de hacer que las cosas pasen. Y a lo mejor las cosas pasan al revés, pero uno tuvo el esfuerzo de apuntar más allá. Es un Alleh más evolucionado y experimentado. 

Claro que el tiempo que estuviste con Yorghaki fue luminoso y te dio grandes alegrías, pero en esta nueva era de Alleh, ¿qué es lo que más te emociona de seguir en tu propio camino? 

Estoy marcando mi esencia en cada paso. Creo que cuando la gente escucha mi voz saben que soy yo. Quiero hacer cosas grandes con mi propia visión, con lo que tengo en mente. Las metas ahora son diferentes: superiores, y cada vez van escalando. Quiero que la gente siga escuchando mi música y la siga disfrutando, que contacten conmigo.

‘Desorden’, ‘Amoureux’ y ‘1+1’, que está por estrenarse, son los sencillos que adelantan tu álbum debut. ¿Qué me puedes contar sobre tu carta de presentación formal como Alleh? 

Creo que estas tres canciones son pistas de lo que se viene. El disco que estoy preparando está lleno de subidones, bajadas, momentos de tranquilidad y momentos que te hacen sentir feliz. Está lleno de sonidos y microcapas de texturas auditivas, que te hacen sentir en todo el mood. Es un disco muy variado; te lo podrías escuchar 30 veces de arriba a abajo y no te cansarías porque tiene canciones para diferentes momentos, a la vez que es muy estimulante. Creo que te lo terminas y te quedas con ganas de escuchar más. Estas canciones son solo una pizca de algo increíble que hemos estado preparando con muchísimo cariño.

¿Desde hace cuánto tiempo has gestado este material?

Fue un proceso: desde que conoces a las personas indicadas hasta que te animas a hacerlo. Estamos hablando de un proceso de un año.

Entonces fue después del lanzamiento de LA CIUDAD 

Sí, después de eso y la gira, porque cuando uno está en gira, pues es muy complicado de hacer todo. El tiempo pasa muy rápido y a veces no tienes tiempo ni para comer, entonces mucho menos para entrar al estudio. Nos sentamos y descansamos, sobre todo para ver cómo me sentía.  Salimos y conocimos gente; fuimos a Nueva York y conocimos gente, y después viajamos a Miami, México, Madrid, Dominicana. También hicimos un campamento musical e invitamos gente que tuviera sonidos. Es un mundo exploratorio, que al principio puede parecer demasiado porque son muchas cosas pasando y necesitas concentrar tu cerebro. Cuando se consigue esa esencia, sabíamos que queríamos sacarle raíces a ese árbol que plantamos. 

Cuando estabas trabajando con Yorghaki en LA CIUDAD, ¿ya pensabas en un álbum debut en solitario? Porque ya teníamos música antes de esa faceta en tu carrera. 

Sí, tenía dos canciones antes de eso. Pero en ese momento no pensaba en nada porque estaba comenzando en esto; solo quería ver a dónde me llevaba la vida. Esto es como un tren: o te subes o te dejan. Tenía que montarme en el tren. Sacamos el disco y fue un éxito, pero nunca pensamos que ese disco nos cambiaría la vida o nos haría vivir de esto. Me monté en el tren y seguimos; llegaron los shows y vimos que la gente quería escuchar nuestra música. Hicimos una gira increíble a nivel internacional, que básicamente era sold out. Con Yorghaki nos preguntamos qué queríamos hacer, pero él y yo queríamos comenzar nuestros propios caminos. Después de LA FÓRMULA cada quien inició su camino. 

¿Cuál crees que es el concepto principal de tu álbum debut?

Creo que es bastante de Venezuela. Quiero mostrar la esperanza porque para nadie es un secreto lo que ha pasado en mi país, sobre todo con el terremoto. Este año han pasado un montón de cosas para los venezolanos, y que han esperado por mucho tiempo. Quiero mostrar ese lado bonito y que la gente pueda disfrutar. Lo que más me llena de lanzar música es que en mi país y los míos se lo disfruten, así como crear una conexión con mis fanáticos alrededor del mundo, y puedan disfrutar y entender mi esencia venezolana que tengo. Mi meta es Venezuela: sus playas, vibra, energía, emoción y todo ese mundo. Soy un venezolano por el mundo para mostrar este proyecto. 

¿En qué etapa podríamos decir que se encuentra Alleh?

Es una etapa de aprendizaje y superación. Ahí nos quedamos.

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La banda irlandesa U2 trae su dieciseisavo álbum que sale al público en menos de 3 semanas, el 13 de noviembre. Carnaval de Luz será publicado la misma semana que se celebran los 50 años de la agrupación, la cual nació en 1976. El anuncio fue acompañado con el segundo sencillo de la banda desde ‘Street of Dreams’ el pasado 7 de julio que le rinde homenaje a la gente de México y fue grabado en el centro histórico de Ciudad de México sobre un autobús invertido. 

El titulado ‘Silencio’ deja el sol y el bus atrás para encerrarse en la pista de baile de CDMX y darle a la gente un pedazo de surf-punk puro y duro con la guitarra eléctrica que conduce la energía de la pista junto con la batería y el espanglish que regresa del tema anterior. Adicionalmente, Ryan Tedder contribuyó a su producción. 

Según el comunicado de prensa, este disco fue grabado “en todos lados” y producido por Jacknife Lee, quien ha trabajado con exponentes de la industria musical como The Killers, Taylor Swift y R.E.M. Además contará con colaboradores como Brian Eno, que coescribió y tocó los sintetizadores para ‘Go (Carnaval De Luz)’, Martin Garrix, quien ayudó a escribir ‘Glorify’ y Daniel Lanois que toca la guitarra pedal steel en ‘Torn’.

Incluso, Rosalía y Dolly Parton aparecen en la lista de canciones en ‘The Mirror Maker’ y ‘Torn’ respectivamente. La última se describe como un dueto country entre Bono y la superestrella estadounidense que “detalla la ruptura de los lazos familiares, la cual conlleva resonancias más amplias”. Esta fue su última grabación antes de que falleciera el 26 de agosto de 2026.

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Junto con los EP que sacaron este año, Days of Ash e Easter Lily¸ habrán lanzado 24 canciones nuevas este año. Gran parte de la energía que ayudó a impulsar este renacimiento creativo resultó del regreso de Larry J. Mullen, quien se mejoró de una lesión en el cuello que lo dejó incapacitado durante más de un año.

Las opiniones preliminares parecen positivas, The Edge lo describe como “Una colección de caóticas, provocadoras y sagradas canciones. Solo digo que cuentan con el primer uso de cuerdas de entorchado plano (flat-wound en inglés) en una grabación de U2.”

Bono, el cantante principal, dijo “¡Pasen, pasen, pasen! Traigan sus calcetines morados, sus corazones rotos, su ingenuidad teñida de rosa… Déjense deslumbrarse en la sala de los espejos. Habrá guitarras estridentes, bajos profundos, ritmos frenéticos y, sí, ¡también habrá algunas lágrimas de plata!

Que muy cerca de aquí, justo a las afueras de nuestro carnaval de luz, acechan criaturas de toda índole… Esa misma imaginación que nos regala la creatividad también puede engendrar monstruos. Así que subimos el volumen de la batería. Construimos una hoguera más grande. Hacemos nuestras historias más salvajes y divertidas. Endulzamos las melodías y nuestras canciones deben brillar con más fuerza, porque si el mundo está sumido en la oscuridad, más vale que nosotros no lo estemos”.

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PIE DE FOTO: Portada de Carnaval de Luz de U2

CC: Cortesía

La portada rememora a Abby Road de los Beatles, con los integrantes del grupo caminando en línea de una forma similar a la banda británica. Se observa un cielo despejado, la playa amarilla y las olas del mar que decoran el paisaje junto a las delgadas nubes del firmamento. Tristemente, uno de ellos no estaba descalzo, pero sirve como una promesa gráfica para un futuro fértil que promete más sorpresas de una de las bandas de rock más influyentes de la historia.

Lista de canciones de Carnaval de Luz

1. Go (Carnaval De Luz) 
2. La Reina 
3. Street Of Dreams 
4. The Mirror Maker (Rosalía) 
5. Superficiality 
6. If The World Is At War We Better Not Be 
7. Silencio 
8. The Greatest Show On Earth 
9. Glorify 
10. Midnight Sunshine 
11. Can’t Stop Us Now 
12. Torn (Feat. Dolly Parton)

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Carlos Vives es sinónimo de amor patrio y su música lo refleja. No solo porque tenga un sinnúmero de canciones dedicadas a su país, sino también porque se ha encargado de crear puentes generacionales y sonoros que han conectado a diferentes regiones, demostrando que dentro de los sonidos colombianos existe una gran fuente de inspiración para destacar en una industria muchas veces saturada.

El show de apertura estuvo en manos de María Fuell, una artista nariñense bautizada como La Hija de los Andes, quien, bajo una propuesta de músicas andinas entrelazadas con el pop, hizo del inicio de la noche un abrebocas perfecto, demostrando que un concierto de Vives va desde el sur del país hasta el norte, y del oriente al occidente. En la siguiente fecha, la apertura estuvo en manos de Opa!. 

Éxito tras éxito tras éxito. Carlos Vives es uno de esos artistas que, sin importar la duración de su concierto, podría dedicarse únicamente a cantar canciones que todo el mundo, sin importar la edad, puede cantar a todo pulmón. ‘Volví a nacer’, ‘Déjame entrar’ y ‘Quiero verte sonreír’ fueron algunas de las canciones con las que Vives encendió la noche, una que en ningún momento se apagó, así como ocurre con el sol.

Ver a La Provincia en tarima es encontrarse con sonidos que, desde adentro, conectan con todas las regiones y todos los gustos. Pablo Bernal, en la batería, y Carlos Iván Medina, en los teclados, provenientes del rock bogotano, siguen siendo parte fundamental del sonido en vivo, al igual que Luis Ángel “El Papa” Pastor y la ingeniera de la gaita, Mayte Montero, quien es mucho más que un miembro de La Provincia: ella es la gaita que trabajó al lado de Joe Arroyo, Totó la Momposina, Magín Díaz y Petrona Martínez y que, junto a Vives, ha llevado ese sonido raizal al mundo entero.

Dentro de los nuevos integrantes destaca Andrés Leal en la guitarra, quien durante los últimos años ha sido el productor de la gran mayoría de las canciones del samario y que, al haber nacido en Yopal, Casanare, impregna al grupo con la fuerza de la música llanera. Escuchar un cuatro en vivo en ‘La tierra del olvido’ y a Carlos interpretando al Cholo Valderrama en lo que fue la nueva versión lanzada en 2015 es precioso y conecta a Venezuela con Colombia, dos patrias hermanas.

No obstante, La Provincia ya no es La Provincia, como me lo dijo Carlos hace algunos meses en entrevista. El sombrero vueltiao de Egidio Cuadrado hace mucha falta en la tarima. Me atrevería a decir que él era el gran estandarte de la agrupación: era esa esencia, era la raíz. El vacío de Egidio Cuadrado es enorme y no solo por lo musical, sino por lo que representaba en un universo de rockeros y “poperos”, en donde él era el saber campesino que hoy está en vía de extinción.

‘Fruta fresca’, ‘La bicicleta’, ‘Cuando nos volvamos a encontrar’ y ‘La gota fría’ son solo algunas de las canciones con las que el concierto se transformaba más en una fiesta, una en la que nadie podía quedarse sentado. 

‘El caballito’ fue un momento en que todos bailaron como niños y nos recordó lo afortunados que fuimos muchos al crecer con está canción en lugar de ‘Baby shark’. Además, vale la pena recalcar que para su tercera presentación en el Movistar Arena, realizó un concierto exclusivo para niños, en donde los Canticuentos y Pombo Musical fueron los protagonistas y donde también asistieron como invitados artistas como Juliana, Herencia de Timbiquí y Nidia Góngora, para cantar una canción dedicada a la esperanza: ‘Aquí seguiré’. 

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue el homenaje a grandes juglares como Alejo Durán y Leandro Díaz, previo a interpretar canciones del disco que le abrió todas las puertas a Vives: Clásicos de la provincia. Además, recordó a su compadre Cuadrado, invitando al escenario a dos de los integrantes originales del conjunto del rey vallenato de ojos azules. ‘La celosa’, ‘El cantor de Fonseca’ y ‘Jaime Molina’ fueron las canciones que hicieron de ese momento una verdadera parranda vallenata.

El cierre estuvo a cargo de ‘Robarte un beso’, una de las canciones que más popularidad ha alcanzado para Carlos Vives en los últimos años.

Guste o no, Carlos Vives es el artista que durante las últimas décadas ha dejado el nombre de Colombia en alto, con canciones bellas que exaltan la belleza de nuestros paisajes y la gentileza y “berraquera” de su gente. Eso es Carlos Vives: sinónimo de Colombia, de fiesta y de alegría. El Tour al Sol es una fiesta que viaja por toda Colombia, en todos los sentidos.

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