El póster de Voicemails for Isabelle nos asegura que “a veces el universo nos deja un mensaje”. Quienes recuerden aquel maravilloso sketch de Inside Amy Schumer con Bill Nye sobre el universo sabrán que semejante afirmación merece cierta cautela. El universo tiene galaxias que expandir, estrellas que hacer explotar y agujeros negros que alimentar; difícilmente puede dedicar sus tardes a decidir si debemos acostarnos con el tipo que conocimos el martes. Jill (Zoey Deutch), por fortuna, parece estar de acuerdo. Cuando su novio intenta atribuirles intenciones cósmicas a sus actos, ella deja claro que no está enviándole mensajes al universo. Menos mal.
Es un alivio que la película escrita y dirigida por Leah McKendrick (Scrambled) jamás utilice esa frase publicitaria como puerta de entrada hacia lo sobrenatural, lo New Age o alguna fantasía sobre muertos que intervienen desde el más allá para organizar la vida sentimental de los vivos.
Isabelle (Ciara Bravo), la hermana menor de Jill, quien ha sufrido de fibrosis quística desde pequeña, ha muerto y Jill continúa dejando mensajes en su buzón de voz porque hablarle constituye una manera de mantenerla cerca. El prólogo dedicado a las hermanas es tan necesario como conmovedor, pues establece una complicidad genuina antes de introducir la pérdida y consigue que las llamadas posteriores no parezcan simplemente el truco argumental que pone en marcha una comedia romántica.
El problema (o, mejor dicho, la película) comienza cuando el número de Isabelle es reasignado a Wes (Nick Robinson), un agente inmobiliario de Austin que empieza a escuchar los mensajes de aquella desconocida. Primero lo hace por curiosidad, después con interés y finalmente con una fascinación que, descrita fuera de los códigos de la comedia romántica, podría requerir una demanda y una orden judicial. Wes investiga quién es Jill, descubre que vive en San Francisco y encuentra la manera de cruzarse en su camino. Sus amigos le advierten que no es Tom Hanks. Tiene suerte de estar interpretado por Nick Robinson.
La situación pertenece a una genealogía que viene de lejos. Ernst Lubitsch ya había construido en The Shop Around the Corner (1940) un romance entre dos personas que se conocen íntimamente mediante la palabra escrita sin saber quién está al otro lado. Nora Ephron trasladó esa idea a la era del correo electrónico con You’ve Got Mail (1998), después de haber convertido en Sleepless in Seattle (1993) la voz de un desconocido en detonante del enamoramiento. Y hace apenas unos años, Love Again (2023), la cinta de James C. Strouse con Priyanka Chopra Jonas, Sam Heughan y Céline Dion, partía de una coincidencia todavía más llamativa: una mujer continuaba enviando mensajes al teléfono de su pareja muerta sin saber que el número había sido reasignado a otro hombre, quien terminaba enamorándose de ella a través de esas confesiones.
Voicemails for Isabelle cambia los mensajes de texto por mensajes de voz y el duelo por una pareja por el duelo de una hermana, pero el esqueleto resulta inevitablemente familiar. McKendrick tampoco pretende esconder sus influencias. Tom Hanks y Meg Ryan son mencionados directamente y el libreto lanza referencias a The Notebook, 10 Things I Hate About You y otras piezas del canon romántico popular. Incluso los amigos de Wes describen su situación como una versión bastante enfermiza de You’ve Got Mail. La película conoce bien el terreno que está pisando, aunque conocer las convenciones de un género no significa necesariamente querer desmontarlas.
Por fortuna, McKendrick tiene algo bastante más importante que la originalidad de la premisa y es el sentido del ritmo. Voicemails for Isabelle dura casi dos horas pero es veloz. Sus personajes piensan y hablan rápido y los chistes aparecen, golpean y desaparecen antes de que alguien tenga tiempo de colocarles un letrero luminoso. Hay momentos en que esa velocidad verbal recuerda el mecanismo de las screwball comedies de Howard Hawks o Preston Sturges, donde el coqueteo podía adoptar la forma de una batalla y una conversación parecía disputarse a la velocidad de un partido de ping-pong.
La diferencia es que McKendrick no intenta embalsamar ese espíritu dentro de una nostalgia retro, como ocurre con tantas comedias románticas contemporáneas empeñadas en reproducir artificialmente un pasado que nunca vivieron sus espectadores. Jill pertenece inequívocamente al presente. Habla de sexo, deseo, relaciones y frustraciones sin el extraño puritanismo que todavía persigue a muchas heroínas del género. Dice lo que piensa, frecuentemente antes de comprobar si era conveniente decirlo, y puede ser vulgar, impulsiva, contradictoria y muy graciosa. La película entiende algo elemental que la comedia romántica olvida periódicamente y es que una protagonista no tiene que comportarse como candidata a esposa perfecta para resultar adorable.
Buena parte de ese efecto depende de Zoey Deutch, quien después de estar magnífica como Jean Seberg en Nouvelle Vague vuelve a demostrar aquí una cualidad completamente diferente. Posee esa rara capacidad de convertir una frase corriente en un pequeño acontecimiento cómico. Jill habla como si las palabras fueran varios segundos detrás de su cerebro y tuvieran que correr para alcanzarlo. Deutch destila carisma y simpatía sin suavizar las aristas del personaje y, además, consigue algo mucho más difícil. Cuando Jill habla sola frente al teléfono sentimos que realmente continúa conversando con Isabelle, no que una actriz está recitando información para beneficio del espectador.
Nick Robinson juega en una frecuencia más tranquila y por eso funciona tan bien como contraparte. En Love, Simon convirtió la crisis de un adolescente frente a su orientación sexual en un personaje vulnerable y cercano; aquí aprovecha esa misma facilidad para generar empatía y le añade una galantería ligeramente torpe. Wes podría convertirse con extraordinaria facilidad en el protagonista de otra película mucho más siniestra (escuchar los mensajes privados de una desconocida, buscarla en redes sociales, viajar para encontrarla y fingir que el encuentro fue casual no luce particularmente bien escrito en una declaración policial), pero Robinson consigue que aceptemos aquello que probablemente aconsejaríamos a una amiga bloquear inmediatamente.
La química entre ambos hace el resto, no porque la película encuentre una manera novedosa de enamorarlos, sino porque Deutch y Robinson consiguen que resulte divertido observarlos hacerlo. Allí reside la principal virtud de Voicemails for Isabelle. Su atractivo está en el “cómo” y no en el “qué”.
Sabemos que Jill tiene una hermana muerta cuya ausencia todavía organiza su vida emocional. También tiene un trabajo en una cocina que está triturando su vocación mientras un chef interpretado por Nick Offerman convierte el restaurante en una pequeña dictadura gastronómica. Wes, por su parte, cuenta con una pareja conformada por su primo Andy (Harry Shum Jr. de Grey’s Anatomy) y su novia Breeda (encarnada por la directora), que cumplen una función ancestral en la comedia romántica que consiste en escuchar al protagonista, advertirle que está haciendo una estupidez, contemplar cómo procede inmediatamente a hacerla, para luego mostrarle en qué consiste el amor y motivar para que salga corriendo a buscarlo.
Y es que si sabemos quiénes son Meg Ryan, Julia Roberts, Sandra Bullock, Sarah Jessica Parker, Kate Hudson y Anne Hathaway (o Hugh Grant), sabremos también hacia dónde conducirá todo esto. Habrá un secreto, el secreto será descubierto, ella se sentirá traicionada, él comprenderá que cometió un error y llegará el momento en que tendrá que correr para decirle que la ama. La propia película bromea con esa obligación genérica cuando uno de los personajes prácticamente anuncia que ha llegado “la escena donde corres”.
Quejarse de que una comedia romántica termina con el hombre corriendo detrás de la mujer que ama sería aproximadamente como indignarse porque en un western alguien aparece montando a caballo y al final hay un duelo. Los géneros sobreviven gracias a estructuras que repetimos porque existe un placer particular en regresar a ellas. La cuestión siempre ha sido qué puede hacer una película mientras atraviesa ese camino conocido, y McKendrick encuentra suficiente vida en los márgenes conformados por las conversaciones atropelladas, los silencios que aparecen después de los chistes, la sexualidad despreocupada de Jill, los comentarios de los amigos de Wes y el contraste entre el cinismo contemporáneo y una historia que, pese a burlarse constantemente de las convenciones románticas, todavía quiere creer en ellas.
La relación entre Jill e Isabelle evita además que todo se reduzca a encontrarle pareja a la protagonista. La muerte de la hermana podría haber sido el chantaje emocional perfecto para fabricar lágrimas a intervalos programados, pero su ausencia permanece como una corriente subterránea que explica buena parte del comportamiento de Jill. Los mensajes no hablan únicamente de una mujer incapaz de dejar ir a una persona muerta, sino de nuestra absurda y profundamente humana necesidad de seguir conversando con quienes ya no pueden contestarnos. Guardamos fotografías, releemos conversaciones, escuchamos audios antiguos y a veces seguimos hablando en voz alta. El teléfono simplemente convierte esa costumbre en mecanismo narrativo.
Voicemails for Isabelle exprime ocasionalmente esa emoción más de lo necesario y su duración amenaza por momentos con agotar una historia que podría haber llegado antes a destino. Tampoco consigue borrar por completo la naturaleza cuestionable del comportamiento de Wes. Que los propios personajes llamen la atención sobre lo perturbador de la situación produce algunos buenos chistes, pero reconocer un problema no significa solucionarlo.
Aun así, McKendrick posee suficiente sentido del humor para impedir que el azúcar termine pegándose al paladar, mientras Deutch y Robinson tienen el encanto necesario para vendernos una mercancía que ya hemos comprado muchas veces. Voicemails for Isabelle recicla buena parte del manual de instrucciones de la comedia romántica, pero encuentra placer en la velocidad con que ejecuta sus lugares conocidos y en dos actores a quienes da gusto acompañar hasta un destino que podemos anticipar con kilómetros de distancia.
Quizá el universo tenga galaxias, supernovas y asuntos bastante más urgentes que resolver antes de preocuparse por nuestra vida sentimental. Para eso, por suerte, todavía tenemos las comedias románticas.
The post Crítica: <i>Mensajes de voz para Isabelle (Voicemails For Isabelle)</i> appeared first on Rolling Stone en Español.
Nacido en Ponce, Puerto Rico, hace 80 años un 30 de septiembre, Héctor Lavoe fue uno de los artistas que más ha influenciado la música en español. Una vida llena de desdichas siempre le hizo preguntarse cuándo llegaría el día de su suerte y, aunque nunca llegó, cuando estaba en tarima y cantaba, todas las tristezas quedaban atrás o, muy probablemente, eran la fuente de tanto sentimiento a la hora de interpretar.
No fue un gran compositor como Rubén Blades, ni un excelente músico y productor como Willie Colón, es más, si de voz se trata, Celia Cruz fue infinitamente superior. Pero Héctor Lavoe fue de esos artistas que no necesitan de una gran maestría para marcar la historia; fue de esos artistas que tienen una luz propia con la que destacan y una interpretación con un “no sé qué” que lo consagró como uno de los cantantes más importantes de las músicas latinas.
Rauw Alejandro, Ryan Castro e incluso me atrevería a decir que Bad Bunny ven al nacido en Ponce como un ícono por su manera extravagante y, al mismo tiempo, elegante de vestir; su actitud irreverente y veraz; y su manera de cantar, una que con cada verso dejaba escapar ese sentimiento pasional y fuerte de la cultura latina.
Para ser el Cantante de los Cantantes se necesita mucho más que talento, se necesita carácter, veracidad y una irreverencia que solo tienen las verdaderas estrellas, no las estrellitas del marketing de ahora. Pero detrás de ese personaje irreverente, extravagante y casi indestructible, existía un hombre marcado por las pérdidas, los excesos y una vida que parecía empeñada en ponerlo a prueba. Esa contradicción fue, quizás, una de las grandes particularidades de Héctor Lavoe: mientras el personaje crecía sobre los escenarios, la persona se iba consumiendo fuera de ellos. Y entre ambos extremos quedó su voz, la voz de todos los cantantes.
10. ‘Todo tiene su final’ – Lo mato
En el que fue el octavo disco que Héctor Lavoe trabajó junto a Willie Colón, el nacido en Ponce interpretó tres canciones que inmediatamente se convirtieron en los mayores éxitos del LP: ‘Calle Luna, Calle Sol’, ‘El día de mi suerte’ y ‘Todo tiene su final’, canción que da inicio a esta lista.
Compuesta por Willie Colón, y con Johnny Pacheco también en los coros, la primera estrofa bastó para inmortalizar la canción, que incluso en los últimos años ha adquirido bastante fama en redes sociales: “Todo tiene su final, nada dura para siempre / Tenemos que recordar que no existe eternidad”. Algo que todos sabemos, pero que algunas veces olvidamos; Héctor está ahí para recordarlo.
9. ‘El todopoderoso’ – La voz
La voz, el primer disco de Héctor Lavoe como solista y ‘El todopoderoso’, la canción que da apertura al álbum y a esa nueva etapa. Pese a la separación entre Héctor y Willie, Colón continuó siendo el productor del puertorriqueño en este disco, en el que Rubén Blades ya participa en los coros.
Escrita por Perucho Torcat, un venezolano que murió a los 25 años y jamás escuchó su canción en la voz del Cantante de los Cantantes, es una canción que, como su nombre lo indica, está dedicada a Dios y que aparece en la película Carlito’s Way, protagonizada por Al Pacino.
8. ‘Aguanile’ – El juicio
Una conexión entre Latinoamérica y África. Agguanile —como se dice en los cantos yoruba, pueblo originario de África Occidental— era una palabra utilizada para referirse a la deidad del hierro y que, por separado, significa “aguan”, limpieza, e “ilé”, casa o lugar sagrado.
Dentro del disco El juicio, compuesta por Lavoe y Colón, con el pasar de los años se convirtió en un clásico de la salsa. Fue versionada por Marc Anthony y utilizada en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LIV, en el que Shakira y Jennifer López bailaron al ritmo de la canción.
7. ‘Ché ché colé’ – Cosa nuestra
Algo por el estilo se esperaba en el disco de Rauw Alejandro, llamado de la misma manera que el álbum al que pertenece ‘Ché ché colé’, pero terminó cantando ‘Tú con él’, de Frankie Ruiz. Todavía no se entiende.
El cuarto disco de Colón y Lavoe fue el primero en convertirse en disco de oro gracias a su gran éxito, siendo ‘Ché ché colé’ la canción más reconocida del LP. Tras la muerte de Héctor, fue una de las seleccionadas por Willie para interpretarla en los momentos de sus shows en los que rendía homenaje al gran intérprete. Hoy en día, vuelven a tocarla juntos en el más allá.
6. ‘Juanito Alimaña’ – Vigilante
Última gran producción de Héctor como miembro de la agrupación de Colón. Un disco de cuatro canciones con una duración de 37 minutos, en el que todo fue un gran éxito. ‘Triste y vacía’, ‘Vigilante’, ‘Juanito Alimaña’ y ‘Pasé la noche fumando’ componen Vigilante, un álbum que acompañó a una película homónima lanzada por Fania Records en 1983. El disco fue un éxito rotundo; la película, no tanto.
Como en los multiversos de las películas de superhéroes —en este caso, un multiverso de delincuentes—, ‘Juanito Alimaña’ y ‘Pedro Navaja’ se encuentran en esta canción: “Oye, ayer él iba muy triste y llorando así bajaba: vengo de un velorio brother, el de Pedrito Navaja”.
5. ‘Mi gente’ – La voz
La voz abrió con ‘El todopoderoso’ y cierra con ‘Mi gente’, letra de uno de los fundadores de la Fania All Stars, Johnny Pacheco. Primero se grabó en vivo durante el concierto en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan, Puerto Rico, pero posteriormente se realizó la versión de estudio para cerrar el primer disco de Lavoe como solista.
Esta canción hace parte del reconocido videojuego Grand Theft Auto: Vice City Stories y podría considerarse como la contraparte o el complemento de ‘El cantante’.
4. ‘La murga’ – Asalto navideño
Héctor Lavoe, Willie Colón y Yomo Toro en el disco navideño más vendido de toda la historia de la música latina. Fue tal el éxito que, unos años más tarde, se lanzó un segundo volumen.
‘La murga’, también conocida como ‘La murga de Panamá’, es la canción más reconocida de la producción. Los trombones del inicio —los mismos con los que se despidió a Willie Colón en Nueva York tras su fallecimiento— son la introducción perfecta para la voz de Héctor Lavoe, acompañada por la maestría de Yomo Toro en el cuatro. ‘Pitorro de coco’ de Bad Bunny, toma varios elementos de referencia de esta canción.
3. ‘Periódico de ayer’ – De ti depende
El sencillo del segundo disco de Lavoe como solista, también producido por Colón. Una de las metáforas más inteligentes para referirse al amor, al desamor y la fugacidad, que hoy en día funciona a la perfección cambiando al “periódico” por un “post”.
Una de las canciones más recordadas de la historia de la salsa, lanzada en 1976 y en donde la voz de Héctor se entrelaza a la perfección con instrumentos como los violines que se incorporaron en esta canción, dándole más dramatismo a su interpretación. “¿Y para que leer, un periódico de ayer?”.
2. ‘El día de mi suerte’ – Lo mato
La canción más íntima del repertorio de Lavoe, compuesta por él mismo junto a Willie Colón. “Cuando niño mi mamá se murió / Solito con el viejo me dejo / Me dijo: “solo nunca quedarás, porque él no esperaba una enfermedad / A los diez años papá se murió / Se fue con mamá para el más allá / Y la gente decían al verme llorar: “no llores, nene, que tu suerte cambiará, ¿y cuándo será?”, empieza la canción.
En realidad, la suerte nunca tocó a la puerta del nacido en Ponce. O quizás sí, pero la vida se encargó de arrebatársela una y otra vez. La muerte de su hijo por un accidente con un arma, sus problemas sentimentales y su adicción a las drogas fueron algunos de los golpes que terminaron por convertir aquella pregunta de la canción en una especie de sentencia: “¿y cuándo será?”. La respuesta nunca llegó. La suerte que tanto esperó Héctor Lavoe terminó siendo, una de las cosas que nunca pudo encontrar.
1. ‘El cantante’ – Comedia
Iba a ser la carta de presentación de Rubén Blades, pero la vida misma se encargó de ponerla en su lugar, de ponerla en la voz de Héctor Lavoe. Fue la tríada divina de la salsa la que estuvo presente en este manifiesto sonoro: composición de Rubén Blades, producción de Willie Colón y voz de Héctor Lavoe.
Lanzada en 1978 en su disco Comedia —en cuya portada aparece disfrazado de Charles Chaplin—, durante los más de diez minutos que dura la canción, Héctor Lavoe se presenta como cantante y deja ver un poco de toda esa vida que, como humano, no se veía reflejada sobre la tarima. Tras aquel gran éxito, no solo con el público sino también con sus compañeros artistas, fue apodado El Cantante de los Cantantes y convirtió esta canción en su insignia, considerada por muchos como una de las mejores de toda la historia de la salsa.
Llega en un momento en el que, por los azares de la vida, el puertorriqueño más la necesitaba. Su popularidad se había visto notablemente afectada por su paso por la cárcel y por un consumo de drogas que ya comenzaba a repercutir en sus presentaciones. ‘El cantante’ llegó como una manera de sacar ese dolor; se convirtió en una catarsis consigo mismo, y eso se percibe en su voz: ese dolor que sale y que puede ser, precisamente, aquel “yo no sé” que mencionábamos al principio.
“Y nadie pregunta si sufro si lloro / Si tengo una pena, que hiere muy hondo/ Yo soy el cantante, porque lo mío es cantar/ Y el público paga, para poderme escuchar”. “Yo soy el cantante /Muy popular donde quiera /Pero cuando el show se acaba, soy otro humano cualquiera / Y sigo mi vida, con risas y penas / Con ratos amargos y con cosas buenas”. Este es Héctor Lavoe, El Cantante de los Cantantes.
The post 10 canciones de Héctor Lavoe que lo consagraron como El Cantante de los Cantantes appeared first on Rolling Stone en Español.
Hailee Steinfeld is living the dream.
The actor and pop artist starred in Ryan Coogler’s 2025 vampire flick Sinners, and contributed the track “Dangerous.” Sinners entered the history books earlier this year with 16 Academy Award nominations, an all-time record, and went on to win four golden statuettes.
That’s just for starters. She welcomed her first child in April (a baby girl, Harper Haize), almost a year after she married Josh Allen, quarterback with the NFL’s Buffalo Bills. Heck, it’s all so peachy at the moment, Allen’s Bills have started the regular session 3-0.
Steinfeld stopped by NBC’s The Tonight Show Starring Jimmy Fallon to promote her next project, the Walt Disney Animation Studios film Hexed, in which she voices the lead character Billie Doe.
“It’s such a dream come true,” she says of Hexed, due out this Thanksgiving. “You jump at the opportunity to be a part of a Disney animated original. I started this project when I was pregnant, and finished it after my baby was born. So it was really such an amazing sort of like transformative time in my life.”
Billie, she tells Fallon, is a “rebellious, unconventional teen” who discovers a special secret about herself. She’s a witch with magical powers. Don’t keep that a secret.
It’s a “magical, magical coming of age story and a story of self-discovery and learning to use that magic within you,” Steinfeld continues, “and that power within you, for good.”
During her chat with Fallon, Steinfeld discussed the relentless night shoots for Sinners, sang the praises of its director Coogler, and explained how she missed the Academy Award — but watched from home with a “bowl of popcorn and big belly.”
Whether the rumors are true and that Steinfeld will return to the Marvel Cinematic Universe through the forthcoming release Avengers: Doomsday, Steinfeld was giving nothing away. “Time will tell,” she says. Steinfeld previously appeared in Marvel’s Hawkeye on Disney+ and as “Spider-Gwen” in her MCU films Spider-Man: Into the Spider-Verse and Spider-Man: Across the Spider-Verse.
As an actor, Steinfeld got her big break in the Coen Brothers’ True Grit, a film that earned her an Oscar nomination for best supporting actress, and as a recording artist has bagged five entries on the Billboard Hot 100 since debut single “Love Myself” reached No. 30 on the chart back in 2015. Her Haiz EP charted on the Billboard 200 that same year.
Steinfeld stayed on the Tonight Show couch for a round of the “Don’t Say the Same Thing Challenge,” a game in which she and Fallon pick a random category and name something in that category at the same time, but without blurting the same answer.
Watch Steinfeld’s late night interview below.
Sometimes a once-in-a-lifetime gig comes around a second time. That’s the case for the Foo Fighters, who will get another chance to share the stage with their hard rock heroes AC/DC on Friday night (Oct. 2) at MetLife Stadium in East Rutherford, N.J. after the “Back in Black” band was forced to cancel their gig at the venue on Sunday (Sept. 25) due to a nor’easter storm.
So, what was originally deemed a “one night only” is now a double-down. “Let there be rock,” the Foos wrote on Instagram. “See you October 2nd with @acdc!!!” The comments from fans said it all: “Lightning strikes twice! Twice in a lifetime, know,” wrote one, with another adding, “This makes up for rescheduling BIG TIME,” and a third saying, “Wow from a cancelled show to once and a lifetime time show.”
Tickets from the originally scheduled show on AC/DC’s PWR Up tour will be valid for the rescheduled gig, which comes less than a month after the Foos stepped up to open for AC/DC in St. Louis on Sept. 8. It was a rare opening slot for the Foos, who filled in for the tour’s booked opener, The Pretty Reckless; the Taylor Momsen band was unable to play the gig because the singer was in Seattle on Sept. 9 to join the surviving members of Soundgarden during the halftime show at the Seattle Seahawks’ home opener.
Before the first AC/DC opening slot, Foos singer Dave Grohl called the show at The Dome at America’s Center in St. Louis “literally a dream come true.” In a lengthy Instagram post, Grohl wrote, “I remember it like it was yesterday…. It was AC/DC’s 1980 concert film Let There Be Rock that truly introduced me to the raw, primal power of rock and roll performance for the first time,” he wrote. “Sure, I had Beatles records, I had Kiss posters, I had an old, broken acoustic guitar with a few strings that I would pretend to play in front of the hallway closet mirror when no one was home, but it wasn’t until that fateful night at the tender age of eleven years old that my best friend, Larry Hinkle and I went downtown to the Uptown theater in Washington D.C. and actually witnessed it on full display.”
Grohl said from that night on he was obsessed and 45 years after that day, he could not wait to share the stage with the Aussie legends. “And now, for the first time since that fateful night in 1980, my band Foo Fighters will share a stage with the gentlemen who are single handedly responsible for my determination to give every audience everything I have, every night,” Grohl thundered. “This is literally a dream come true. So…..if you want blood….you’ve got it. Let there be f–king rock, St Louis.”
The Pretty Reckless are booked to play the Aftershock Festival in Sacramento on Thursday (Oct. 1) and Tom Morello’s Power to the People Festival at Merriweather Post Pavilion in Columbia, Md. on Saturday (Oct. 3), which will also feature sets from the Foos, Dave Matthews, Bruce Springsteen, Public Enemy and many more.
The AC/DC show was one of many major gigs that were scuttled due to last weekend’s storm, a roster that included the Global Citizen Festival, CBGB Festival and All Things Go NY festivals in New York, all three days of the Oceans Calling Festival in Ocean City, Md. and two Ed Sheeran concerts in Foxborough, Mass.
Tom Morello isn’t done with raging against the machine.
The Rock Hall-inducted guitarist was the musical guest on ABC’s Jimmy Kimmel Live Tuesday night (Sept. 29), and was given the honors of closing out the show.
Morello wielded the axe and took the mic for a powerful performance of “Soldier in the Army of Love,” lifted from his new solo collection, Everyone Gets Everything They Want (via Mom + Pop Music).
The rocker, wearing a cap and aviator glasses, was joined with a full band and backing vocalists for a protest song that drips in fury and anger. To his right, Morello’s teenage son Roman, who ripped out a solo with his electric guitar behind his back, the instrument daubed with a call to action for homeless rights. He’s clearly a chip off the old block.
Everyone Gets Everything They Want is stacked with anti-fascist songs. On “Soldier,” Morello sings: “Transforming motherf—ers like Saul into Paul / On the road to Damascus at the Westfield Mall / In the maquiladoras and at Carnegie Hall / In the grain elevator making fascists crawl.”
Morello has fought the power with Bruce Springsteen’s E-Street Band, the “supergroup” Prophets of Rage, solo project The Nightwatchman, and, of course, as a founding member of Rage Against the Machine, which was inducted into the Rock And Roll Hall of Fame in 2023.
As a member of Rage, the guitarist notched seven entries on the Billboard 200, including two No. 1s: Evil Empire (1996) and The Battle of Los Angeles (1999). And as bandleader of The Nightwatchman, Morello has landed three additional titles on the all-genre national albums chart.
“I make anti-racist songs for anti-racists,” the politically outspoken musician said in a statement announcing Everyone Gets Everything They Want, his first-ever rock full-length as a soloist. “I make anti-fascist songs for anti-fascists. And I make anti-Nazi songs for anti-Nazis.”
Kimmel is currently broadcasting a special week of episodes from the Brooklyn Academy of Music (BAM).
Watch the late-night performance below.
Taylor Hanson has done his last routine on Dancing with the Stars.
The 43-year-old Hanson co-founder slipped into his dancing shoes once again for Tuesday night’s (Sept. 29) edition of DWTS, which cruised into the first-ever “Yacht Rock Night.”
The remaining 13 celebrities and their pro partners had the task of dancing “to smooth grooves, soft-rock classics and iconic hits that defined the yacht rock era,” according to a statement from ABC, a musical lineup that included songs by Toto and Hall & Oates.
Wearing an all-white three-piece suit, Hanson and his dancing partner Britt Stewart, in a matching white dress, danced the Foxtrot to one of greatest works in the genre, Doobie Brothers’ “What A Fool Believes” – a Billboard Hot 100 leader back in 1979.
Many followers thought they’d done enough, including the DWTS social team. “Believe us, Taylor and Britt’s Foxtrot will live rent-free in our mind,” reads a post from the contest’s official Instagram.
Sadly, for Hanson and Stewart, the judges and viewers didn’t believe.
Hanson appeared more wooden than in his previous dances, which included a Quickstep to Billy Joel’s “Tell Her About It” and a Cha Chat to DNCE’s “Cake By The Ocean.”
When the votes were tallied, the pair scored just 18 out of 30 and were eliminated from the competition.
Speaking ahead of the season 35 premiere, Stewart said that Hanson was fully-committed. “Meeting Taylor was amazing. I was born in ’89, so I grew up in the ’90s, and that’s when Hanson was number one on the charts. I am a millennial so I can appreciate the significance of Taylor Hanson and how awesome it is for him to be on Dancing With the Stars,” she told The Hollywood Reporter.
“I kind of sighed in relief when he told me during our first meet, “I will do whatever you need me to do. If that means buying a cot and sleeping at the dance studio so we can rehearse all the time, that is what I will do.” I was like, Okay, he wants to work for this. He’s in it to win it. That commitment is so important.”
Now, they head for the exit.
Hanson and Stewart join previously ousted contestants Conner Leavitt (Secret Lives of Mormon Wives), Sarah Jane Nader (Love Thy Nader) and celebrity chef Giada De Laurentiis.
Hanson made his fame as one of the three Hanson brothers — including Isaac and Zac — who ascended to pop stardom in the late ’90s. The Tulsa, Okla.-based trio topped the Billboard Hot 100 in 1997 with their smash hit “MMMBop,” which also scored Grammy nominations for record of the year and best pop performance by a duo or group with vocal.
He was the standout pop artist in Season 35 of DWTS, which airs live Tuesday night 8pm on ABC and Disney+, streaming the next day on Hulu.
See the scores for DWTS “Yacht Rock Night”:
Amber Glenn and Pasha Pashkov: 24/30 (LEADER)
Julia Stiles and Ezra Sosa: 19/30
Guillermo Rodriguez and Witney Carson: 15/30
Tatyana Ali and Jan Ravnik: 21/30
Harry Shum Jr. and Jenna Johnson: 24/30 (LEADER)
Taylor Hanson and Britt Stewart: 18/30 (ELIMINATED)
Maura Higgins and Mark Ballas: 22/30
Ciara Miller and Brandon Armstrong: 18/30
Jackson Olson and Emma Slater: 18/30
Connor Wood and Rylee Arnold: 20/30
Jenna Dewan and Val Chmerkovskiy: 21/30
Tyler Cameron and Sharna Burgess: 17/30
Ezra Frech and Daniella Karagach: 21/30
MELBOURNE, Australia — The longtime headquarters of Mushroom Group, the Australian independent music powerhouse established by the late, great music entrepreneur Michael Gudinski, is now on the market.
A former biscuit factory, the building at 9 Dundas Lane, in Melbourne’s inner-south suburb of Albert Park, has been a sweet spot for the city’s independent music community for almost a half century.
The likes of Kylie Minogue, Jimmy Barnes, Split Enz, Skyhooks, Archie Roach, Paul Kelly, Hunters & Collectors, Yothu Yindi, Vance Joy, The Temper Trap, Vika & Linda, Dan Sultan and The Teskey Brothers have signed deals within its walls.
The site is also the spiritual home of Frontier Touring, one of the leading promoters in these parts, which has produced tours for the likes of Taylor Swift, The Rolling Stones, Billy Joel, Madonna, Bruce Springsteen, Foo Fighters and many others.
Frontier Touring is, today, one of more than 20 businesses operating under the Mushroom Group banner.
“Dundas Lane has been an incredible part of Mushroom’s history and is globally renowned in the music industry,” comments Mushroom Group CEO Matt Gudinski, Michael’s son.
“I’ve been coming here my entire life, and it’s hard to overstate what this place means to everyone at Mushroom. As we look ahead, finding the right custodian to carry Dundas Lane’s storied history into its next chapter is incredibly important to us. It will be sad to leave so many memories behind, but we’re excited for what the future might hold for this iconic address.”
The space occupies a 525 sqm freehold corner landholding with three street frontages and approximately 1,080 sqm of building area, combining warehouse-scale proportions and character with a rooftop terrace. The property comprises approximately 490 sqm* across each of its two main levels, with a further approximately 100 sqm upper-level office and rooftop terrace component.
Marshall White, in conjunction with Stonebridge and acting under instructions from Advise Transact, have been appointed to represent the property.
“The building stands as a tangible piece of the Mushroom story and Australia’s rich music history,” reads a statement from the indie music powerhouse. “If the walls could talk, they’d have one hell of a story.”
The business was founded in 1972, originally headquartered nearby in St Kilda, before a shift to Dundas Lane in 1980.
Mushroom Group celebrated its 50th anniversary in 2023 with a slew of releases including an all-star covers collection, Mushroom: 50 Years of Making Noise; and the theatrical release of Ego, The Michael Gudinski Story, a documentary on the legendary music man whose death in 2021 was mourned by many of the superstars he worked with; and culminated with a concert at Rod Laver Arena led by Mushroom family acts.
Earlier in the year, Mushroom Group announced a move to Little Collins Street in Melbourne’s East End, to a standalone warehouse style building that will house its staff and operations across international and domestic touring, record labels, talent management, event curation and production, music publishing, creative services, booking agencies, merchandising, brand and marketing services, film production and distribution, neighboring rights, and more.
The Dundas Lane property is for sale here.
Fontaines D.C. and The Hayley Williams Show top the bill for the 2027 Laneway Festival, which will visit four cities across Australia and New Zealand during the southern summer.
Now entering its 22nd edition, the cooler-than-dry-ice bill also includes Slayyyter, ADÉLA, Kim Petras, MUNA, Ninajirachi and Rico Nasty.
As previously reported, the Laneway shows in Perth and Adelaide have been scaled back and will go ahead as sideshows. Fontaines D.C., as headliner, and Jane Remover will play both shows. Hyper-pop artist Tiffany Day will perform at the Perth leg, with “further updates coming soon,” according to reps from Handsome Tours and Laneway Presents.
Founded in 2005 by Danny Rogers and Jerome Borazio as St Jerome’s Laneway Festival, a one-day festival in Melbourne, Laneway has the enviable reputation as the place where punters can see the next hot act before everyone else.
Laneway ticketholders can expect to be exposed to a cool, carefully curated lineup of alternative, hip hop, punk, and indie, and just about genre that could blow your hair back. The likes of Billie Eilish, Florence + the Machine, Charli xcx, Clairo, Mitski, Tame Impala and Fred Again all played early career sets at Laneway.
It’s still a big day out, but one that clocks up serious airmiles. For several years, the fest expanded into APAC through a Singapore leg. And in a first for an Australian festival brand, Laneway expanded into the United States in 2013 with show at the Meadow Brook Music Festival in suburban Detroit (the U.S. event however, has yet to return for a second outing).
The most recent run shifted over 200,000 tickets and was headlined by Chappell Roan, and featured performances by BENEE, Wolf Alice, Role Model, Wet Leg and many more.
Pre-sales for the 2027 fest open next Wednesday, Oct. 7 ahead of the general onsale Thursday, Oct. 8. Visit www.lanewayfestival.com and handsometours.com for more.
Laneway Festival 2027:
Friday, Feb. 12 — Centennial Park, Gadigal & Bidjigal (Sydney)
Saturday, Feb. 13 — Brisbane Showgrounds, Turrbal Targun
Tuesday, Feb. 16 — The Rechabite, Whadjuk Noongar Boodjar (Perth) *Laneway Sideshow
Thursday, Feb. 18 — The Gov, Kaurna (Adelaide) * Laneway Sideshow
Friday, Feb. 19 — Flemington Park, Wurundjeri Biik (Melbourne)
Sunday, Feb. 21 — Western Springs, Tāmaki Makaurau (Auckland)
Troye Sivan has admittedly spent a lot of his time onstage, in the studio, and at intense parties, but he’s always felt most at home getting ready for those events with the girls.
Related
While sitting down with Apple Music’s Zane Lowe in New York, the pop star opened up about the inspiration behind his forthcoming fourth studio album She’s the Best and why the project showcases a feeling he says has followed him throughout his life.
“I’m so comfortable and kind of like my happiest, honestly, when I’m existing in the orbit of like a woman,” Sivan told Lowe.
“Like the kind of safety and protection that I felt from women that I haven’t felt from men,” he elaborates. “During the songwriting process when we writing She’s the Best, I was like, oh, this has been, like, a constant in my life. From day one, those are the people that have really had my back.”
That realization became part of the album’s DNA, with Sivan pointing to several of the women who have occupied that orbit throughout his career. He mentioned his “duet with Ariana [Grande]” (which could reference their 2018 collaboration “Dance to This,” or their remix on Eternal Sunshine‘s “Imperfect for You”), his work with Lily-Rose Depp on The Idol, his SWEAT tour with Charli xcx and his collaborations with Nicole Kidman as examples of the world in which he feels most at home.
“I am just so, so, so comfortable in that world,” he said.
That feeling also takes Sivan back to a familiar teenage ritual: getting ready for house parties with his female friends.
“I would get ready in like five minutes at home early and then go and just like, watch the girls get ready,” he recalled. “We would just like talk and hang out and whatever, and it was always so much more fun than the parties.”
The parties themselves, though, were a different story. Sivan said he would arrive only to encounter boys being “homophobic,” underscoring the contrast between the spaces where he felt comfortable and those where he didn’t.
That sense of belonging now threads through She’s the Best, which arrives on Oct. 9. The album follows Sivan’s recently released single “Party,” which samples Madonna‘s 2000 hit “Music.” The project also features an eclectic roster of collaborators and appearances, including Charli xcx, Ian McKellen and Kidman.
Watch the full interview below.
Becca Hatch and Lewis Love are enjoying the RADAR treatment.
Hatch, the rising R&B artist of Kamilaroi and Samoan heritage, and Love, the country-leaning Australian singer-songwriter, are the latest acts from Australia and New Zealand tapped for Spotify’s global emerging artist program.
The announcement this week comes ahead of Hatch’s new EP Black Flower (via G.Y.R.O.), due out Feb. 3, 2027, and Love’s forthcoming album, his first through a new label deal with EMPIRE.
Hatch is coming off a hot run. In 2024, she was invited by Coldplay to perform her original verse on “We Pray” across two sold-out shows at Sydney’s Accor Stadium, and collected the 2024 NIMA Award for best breakthrough artist.
Then, in 2025, she was awarded the APRA Professional Development Award. She can add an ARIA Award to her growing collection, with a best soul / R&B nomination for her 2026 cut Garden (Bang Goes the Drum), and she’s named as ambassador for Support Act’s Aus Music T-Shirt Day fundraising campaign, which returns Nov. 26. A fourth track has dropped from Black Flower, “Extra Time.”
Over the next six months, both artists can expect to receive cross-platform support across Spotify’s editorial, marketing, and live events, including playlist covers, on-platform takeovers, social and editorial pushes and more.
“So excited to be a RADAR artist!! I love making music about feminine strength, being free, and growing into yourself,” comments Hatch in a statement. “It feels so special to have Spotify supporting me on this journey with Black Flower.”
Previous RADAR artists from these parts include Teen Jesus and the Jean Teasers, Blusher, Genesis Owusu, Larissa Lambert, Baker Boy, and Royel Otis, all of whom have gone on to receive nods for this year’s ARIAs.
“I’m so grateful to Spotify for making me a RADAR artist,” adds Love. “I’m really excited for the whole world to hear what we’ve been working on.”
To launch their RADAR promotions, both artists were the subject of billboard promos on Bourke Street in central Melbourne, from Friday, Sept. 25 to Sunday, Sept. 27.
Launched globally in 2020, RADAR AUNZ has served as a launchpad for local talent, and driving over 47 million discoveries, according to the streaming giant.
“Spotify partners with artists just as that heat is building, and we work deeply with the artist team to develop opportunities and fandom,” comments Leah Harris, artist & label partnerships lead at Spotify AUNZ. “Becca and Lewis are both on the edge of something big, and we want audiences here and globally to discover what we already know and love about them.”