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La medianoche puede ser un momento especial para el recogimiento, un espacio para la fiesta y la dispersión o, incluso, un horario para temer. Así lo mostró Michael Jackson en su narración de «Thriller»: cuando los peligros están por desatarse, es cerca de la medianoche. Sin embargo, también puede ser un horario propicio para el […]
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Durante octubre, el cine de terror cobra protagonismo. Así se puede comprobar en los estrenos de Netflix para este mes, que incluirán películas clásicas del género y otras que lo fusionan con diferentes estilos. Además, la plataforma sumará producciones originales, films que pasaron por el Festival de Cannes y otras películas de producción nacional. A […]
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“Milán es una auténtica metrópolis, fuerte e intrépida, pero también acogedora”, dijo alguna vez Giorgio Armani. Las palabras del difunto diseñador no podrían ser más acertadas.
Milán es de esas capitales europeas inolvidables. Entre las calles flanqueadas por sus emblemáticos y colosales edificios conviven con total naturalidad la pasión por el arte y la cultura, el respeto por la historia y la rivalidad entre Inter y Milan, una de las más férreas del continente. En su corazón histórico, rodeado de grandes galerías y museos, además de reconocidas tiendas de lujo y restaurantes, se encuentra un hotel que promete a sus huéspedes y al público en general “una experiencia auténtica, exclusiva e irrepetible”: Galleria Vik Milano.
La particularidad de Galleria Vik Milano comienza incluso antes de cruzar sus puertas. El hotel ocupa parte de la Galleria Vittorio Emanuele II, uno de los monumentos arquitectónicos más reconocibles de Italia y un punto de encuentro tradicional para los habitantes de la ciudad. Conocida como el “salón de Milán”, la galería conecta la Piazza del Duomo con la Piazza della Scala y reúne, bajo sus bóvedas de cristal, algunas de las firmas de moda más prestigiosas del mundo.
El edificio, nombrado en honor a Víctor Manuel II, primer rey de Italia, fue proyectado por Giuseppe Mengoni en 1861 y construido entre 1865 y 1877. Su estructura de cinco niveles está marcada por dos galerías cubiertas y una cúpula central que se ha convertido en una de las imágenes más reconocibles de la ciudad. En este escenario histórico abrió sus puertas Galleria Vik Milano, el primer hotel urbano de Vik Retreats y su debut en Europa.
La propiedad fue renovada y restaurada bajo la dirección de Alex y Carrie Vik, quienes buscaron preservar el carácter del inmueble al tiempo que incorporaban una mirada contemporánea. El resultado es un espacio en el que la arquitectura original sirve como punto de partida para una propuesta en la que el diseño ocupa un lugar central.
Desde la recepción, la presencia artística es difícil de pasar por alto. Allí se encuentra una monumental escultura de bronce de El Pensador, de Auguste Rodin, acompañada por un conjunto de frescos secos realizados por el artista italiano Alex Folla. Las figuras de dioses, titanes y amazonas recorren techos y paredes, creando una primera aproximación al lenguaje visual que se extiende por el resto del hotel.
Ese lenguaje visual se extiende por los distintos espacios de Galleria Vik Milano, donde murales y frescos pintados a mano, obras de artistas internacionales y una selección de mobiliario contemporáneo, piezas de mediados del siglo XX, objetos vintage y antigüedades conviven con la arquitectura original. Pero es en sus 89 habitaciones y suites donde esta propuesta adquiere una dimensión más personal: cada una cuenta con una combinación particular de decoración, obras de arte y vistas, haciendo que no haya dos espacios iguales.
Las suites fueron restauradas respetando elementos de la arquitectura original del edificio e incorporan instalaciones creadas específicamente para sus espacios por artistas uruguayos, italianos e internacionales. Las paredes están terminadas con stucco veneziano, una técnica tradicional italiana que aparece en veinte variaciones de color y se adapta a la identidad de cada habitación.
Los baños siguen el mismo principio. Algunos incorporan intervenciones artísticas concebidas para el lugar, mientras otros tienen como protagonista distintos tipos de mármol. La propuesta parte de una premisa sencilla: que cada espacio tenga su propia identidad.
La propuesta gastronómica se concentra en dos espacios. En Vik Pellico Otto, huéspedes y visitantes pueden encontrar una carta basada en productos frescos y de temporada, acompañada por los vinos VIK, mientras disfrutan de vistas hacia la cúpula del Octágono y el célebre toro de la Galleria. Por su parte, I Dodici Gatti ofrece pizzas napolitanas preparadas en horno de leña y otras especialidades italianas, con la posibilidad de comer en una terraza ubicada sobre la propia Galleria.
Al final, Galleria Vik Milano encuentra su principal rasgo distintivo en algo que no necesita añadir: la propia ciudad. Su ubicación dentro de uno de los monumentos más emblemáticos de Milán hace que la historia, la arquitectura y el movimiento cotidiano de la metrópolis sean parte de la estadía, mientras sus habitaciones, obras y espacios interiores construyen una mirada particular sobre la ciudad.
Sin duda, una experiencia exclusiva e incomparable que no te puedes perder.
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Los fans de Pearl Jam han sentido suspenso durante la mayoría del año por la espera de saber quién reemplazará a Matt Cameron, quien dejó la banda en 2025 tras casi 30 años en la batería. La revelación iba a hacerse el 27 de septiembre durante el Festival Ohana, en California, cuando el grupo ofreciera su primera presentación desde su partida.
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“Me gusta todo el misterio que hay alrededor”, le dijo el guitarrista Stone Gossard a Jonathan Cohen de SiriusXM el 21 de mayo. “Es tan emocionante. No hay suficiente misterio en el mundo. Creo que la banda está muy emocionada por volver a tocar. Ha pasado un buen rato desde la última vez y el hecho de que sea en Ohana lo hace más emocionante”.
A medida que se iba acercando la fecha, la comunidad de fanáticos de Pearl Jam contempló prácticamente a cada uno de los bateristas existentes en la Tierra como el nuevo fichaje. Los nombres mencionados incluyen a Stephen Perkins de Jane’s Addiction, Abe Laboriel Jr. de la banda de Paul McCartney y Josh Freese de Nine Inch Nails. Inclusive, dos o tres fans dentro del foro de la agrupación se convencieron de que la japonesa Kahokiss se había quedado con la posición pese a que no existía ni la más mínima evidencia de ello.
El acto Eddie Vedder & Friends encabezó el primer día del festival y nunca se explicó quiénes serían esos amigos, pero el músico subió solo al escenario e interpretó versiones acústicas de ‘Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town’ de Pearl Jam y ‘Far Behind’ de su proyecto en solitario. Luego, invitó al guitarrista irlandés Simon Good para tocar ‘Song of Good Hope’ de Glen Hansard y a Billy Idol para ‘I’m One’ de The Who. Más adelante, se sumó su compañero Jeff Ament, con quien tocó ‘Bee Girl’.
Para ese punto, Vedder pidió una guitarra eléctrica para tocar la introducción de ‘Corduroy’. “Siento que necesito que algunos amigos me acompañen esta noche”, dijo mientras unas sombras aparecían en un telón a sus espaldas. “Necesito que sean muy buenos amigos. ¿Tengo más amigos aquí?”.
El telón cayó para exponer la formación de Pearl Jam con Abe Laboriel Jr. en la batería. Había un gran signo de interrogación en su bombo, lo que parecía confirmar que él era la respuesta a la gran incógnita. El primer verso de la canción (“La espera me enloqueció”) parecía sugerir que la espera finalmente había acabado, y los titulares comenzaron a difundir por todo Internet que Laboriel era el nuevo integrante. Sin embargo, algunos fans escépticos pidieron prudencia, especialmente porque el frontman dijo, “Ayudándonos con la batería esta noche: don Abe Laboriel Jr.”. ¿Era una distracción? ¿Eddie Vedder & Friends era simplemente Vedder, los demás miembros de Pearl Jam y Laboriel como un invitado de una sola noche? ¿El signo de interrogación en realidad significaba que el baterista continúa siendo un misterio?
Todo apuntaba a que la respuesta definitiva llegaría dos días después cuando Pearl Jam cerrara el festival. Si Laboriel continuaba en su posición sería definitivo, ¿verdad? ¿Gossard no nos había prometido que el misterio se resolvería en Ohana?
Bueno, Laboriel sí fue el baterista durante el primer show de la agrupación desde la partida de Cameron y eso fue suficiente para que la página de Wikipedia lo nombrara como un miembro oficial de la banda. Pero, al día siguiente, Vedder compartió una carta en Instagram que tenemos que leer por completo.
“Hola, buenos humanos”, escribió. “Paso rápidamente para agradecerle a cada una de las personas que asistieron al Ohana Fest este año. Fueron tres días de grupos increíbles, los cuales se animaron por la energía del público perfecto. Ustedes hicieron que nuestro décimo aniversario fuera especial y estamos AGRADECIDOS. También quería darle a Abe Laboriel Jr. el reconocimiento que merece por tocar la batería con PJ. Fue un placer tocar junto a él, y claramente es extraordinario en lo que hace. Este tipo trabaja y toca DURO. No cabe duda de por qué ha acompañado al maestro Paul McCartney y su banda por décadas. Muchas gracias por este fin de semana, Abe. Y gracias a TI, Paul. Te debemos mucho”.
Repasemos unas frases clave, empezando por “quería darle a Abe Laboriel Jr. el reconocimiento que merece por tocar la batería con PJ”. Cuando se habla de que un músico “toca con”, esto quiere decir que es un invitado. Eso no es lo que se dice cuando se hace miembro oficial. Básicamente es todo lo opuesto a lo que se dice.
Ahora, hablemos de “muchas gracias por este fin de semana, Abe. Y gracias a TI, Paul. Te debemos mucho”. Esto no es un “gracias por sumarte a Pearl Jam, Abe”. Esto no es un “eres nuestro nuevo baterista”. Esto no es un “gracias Paul McCartney por dejarnos robarte a tu baterista”. Esto es simplemente un agradecimiento a Abe por “este fin de semana”.
¿Qué carajo? ¿Abe se acobardó por la posibilidad de abandonar a un Beatle? ¿No puede sacar tiempo para ambos trabajos, especialmente teniendo en cuenta que ambos actos tienen largos periodos de inactividad cada año?
Pero aún más importante, ¿todavía estamos sumidos en la incertidumbre? Pearl Jam ni siquiera tiene más conciertos en su agenda. No hay pistas sobre cuándo sabremos qué es lo que está pasando y nadie parece decir nada más allá de la carta de Vedder. Esto quiere decir que los creyentes en el foro de la llegada de Kahokiss pueden seguir teniendo esperanza.
Eddie, Abe, todo aquel que esté involucrado… esto es insoportable. Necesitamos saber qué está pasando. La espera nos está enloqueciendo.
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Durante el último tiempo, la escena canaria destacó en un circuito español que comenzaba a tornarse cada vez más monótono. Artistas como Quevedo, Lucho RK o Cruz Cafuné, mediante el junte de influencias diversas que resultaron innovadoras para el sonido del género urbano, sentaron las bases para que hoy la isla sea uno de los lugares más interesantes del panorama artístico del país.
Hoy, una nueva camada de artistas isleños se levanta para seguir demostrando que el archipiélago aún tiene mucho por ofrecer, y uno de los nombres que sobresalen es el de Daniela Garsal.
Daniela nació en Las Palmas de Gran Canaria y, según explica, creció rodeada de música. En su casa sonaban temas de varios exponentes del pop contemporáneo, como Bruno Mars, Alicia Keys, Rihanna y un joven Justin Bieber, cantantes que enriquecieron un cúmulo de influencias marcadas por una vida que transcurrió entre Canarias y Dublín y que fue fundamental para desarrollar una sensibilidad única que hoy se refleja en su estilo, que fusiona el R&B con soul, pop y ritmos latinos. “Creo que [vivir entre ambos lugares] me afectó sobre todo porque, al estar allí, me veía, no obligada, pero inconscientemente escuchaba de todo”, comenta la cantante.
Fue en la capital irlandesa donde sintió por primera vez el deseo de dedicarse a la música. Recuerda con especial cariño un concierto de Miley Cyrus al que asistió con aproximadamente nueve años junto a su madre. “Me acuerdo de ir a su concierto y verla ahí. Le decía a mi madre: ‘Mamá, esto es lo que yo quiero hacer’, en plan, lo que estoy viendo, yo me quiero dedicar a esto”, comparte, reconociendo que de más joven no sabía que esa era una profesión a la que la gente se podía dedicar. “Yo veía a los artistas como que nacieron artistas y ya está. Como que naces y te ponen ahí”, dice entre risas.
Sin embargo, la música no fue la única expresión artística que despertó su interés desde pequeña. El cine también ocupó un lugar importante en ese proceso, impulsado en buena medida por su madre, a quien describe como una “cinéfila experta”. Más que las historias que veía en pantalla, fueron muchas veces sus bandas sonoras las que permanecieron en su memoria. “De todas las pelis que veía, siempre me quedaba con las canciones que salían”, recuerda. Con el tiempo, esas melodías terminaron convirtiéndose en una especie de mapa para reconocer parte de la música que la acompañó durante su infancia: “Identifico muchas canciones por las pelis que veía en su momento. Así que el cine, 100%, diría yo”.
Sobre su película favorita, Daniela reconoce que siempre le ha costado escoger una. En lugar de tener un filme predilecto, prefiere encontrar aquel con el que se siente identificada dependiendo de la etapa de su vida en la que se encuentre. “Si tuviera que elegir una que vaya con mi música de ahora o con la que me sienta identificada en este momento, creo que sería Clueless”, comenta.
No se trata necesariamente de su película favorita, aclara, sino de aquella que mejor refleja el momento que atraviesa. “Creo que ahora mismo me siento identificada con eso”. Pero ¿qué tiene que ver el filme de 1995 con la etapa musical actual de Daniela Garsal? Para entenderlo hay que remontarnos a sus primeros años como cantante.
Daniela comenzó a hacer música entre 2019 y 2020, cuando todavía estaba lejos de tener claro cuál sería el sonido que terminaría definiéndola. Durante esos primeros años, su identidad artística se construyó a partir de la exploración. “Siempre escuchaba a la gente decir ‘ya encontré mi sonido’, y yo no sentía que hubiera encontrado el mío”, recuerda.
Más que una revelación repentina, encontrarlo terminó siendo consecuencia de ese proceso. “Creo que fue de mucho trabajo, de hacer muchas canciones, seguir escuchando más música y escucharme a mí misma, sobre todo, lo que me llevó a hacer lo que estoy haciendo ahora”, explica. Después de varios años de búsqueda, dice sentirse finalmente cómoda con el lugar al que llegó. “Ahora entiendo lo que decía la gente de haber encontrado su sonido. Me siento completamente cómoda con lo que estoy haciendo, me divierto muchísimo y siento que me identifico con lo que hago al 100%”.
Ese descubrimiento también la llevó hacia un terreno que, en un principio, no imaginaba como propio: el pop. “Antes no tenía nada que ver con el pop”, dice entre risas. La paradoja es que, aunque nunca se había imaginado haciéndolo, llevaba años escuchándolo. “He escuchado muchísimo pop desde siempre. Entonces, yo creo que por eso también me sale, no fácil, pero natural. Me siento bien con el pop”, cuenta.
La evolución también puede rastrearse en SUPERNOVA, su primer EP. Aquel proyecto nació de una necesidad mucho más íntima: atravesaba una etapa difícil y convirtió esas emociones en canciones. No había detrás un concepto premeditado ni una intención de construir una identidad determinada; simplemente estaba utilizando la música como una forma de desahogo. “Para ese EP no tuve que hacer ningún concepto. Simplemente fue una etapa muy dura de mi vida y me volqué en escribirla y en desahogarme de esa manera”, explica.
Después de SUPERNOVA, sin embargo, Daniela se encontró con una dificultad: continuar haciendo música desde ese mismo lugar emocional ya no le resultaba natural. “Intenté seguir moviéndome en los estilos en los que estaba haciendo esas canciones, pero ya no me sentía tan identificada”, reconoce. Si antes escribía principalmente sobre aquello que estaba viviendo en el momento, ahora quería permitirse hablar de otras cosas y hacerlo desde un lugar menos doloroso. “Intenté probar lo que era escribir cosas que no fueran tan personales actualmente. A lo mejor sí personales, pero no hacerlo de una manera tan triste”, añade.
Esa transformación desemboca en SE LO CONTÉ A LAS NIÑAS —previsto para este octubre—, un EP que no solo representa un cambio sonoro, sino también una nueva manera de relacionarse con aquello que cuenta, partiendo de una idea mucho más colectiva: tomar situaciones reconocibles, incluso incómodas o dolorosas, y convertirlas en conversaciones entre amigos, atravesadas por el humor y el sarcasmo.
“El concepto de la nueva era es muy sarcástico. Es coger algo crudo y real de la realidad de muchas personas, de muchas chicas, de muchos chicos, y pasarlo a lo sarcástico y lo gracioso”, explica. En ese sentido, el título del EP funciona casi como una declaración de principios. Daniela imagina las canciones como aquello que ocurre cuando un grupo de amigas se reúne y empieza a ponerse al día: historias de relaciones, desencuentros, personas que gustan de alguien que ya tiene pareja, corazones rotos y todo aquello que termina convertido en tema de conversación.
“Es literalmente una conversación con mis amigas”, resume. Es justamente en esa ligereza donde empieza a entenderse qué tiene que ver Clueless con la Daniela Garsal de ahora. La película de Amy Heckerling también convierte las relaciones, las amistades, los malentendidos y las pequeñas tragedias cotidianas en una historia atravesada por el humor, la exageración y una estética deliberadamente pop. Para Daniela, esa energía conecta con la manera en que hoy quiere contar sus propias historias: tomar algo que puede ser duro en la vida real y transformarlo en una experiencia de la que también sea posible reírse.
Ese concepto también modificó la manera en que la cantante se acercó a la composición. Al tener claro desde el principio que quería convertir las conversaciones con sus amigas en canciones, encontró inspiración en historias que llegaban directamente de su círculo cercano. “En este EP la verdad es que fue bastante fácil porque ya tenía un concepto muy claro: hablar de lo que hablo con mis amigas”, explica. Aunque algunas de las situaciones que aparecen en las canciones forman parte de experiencias propias —“o que en algún momento de mi vida probablemente lo hayan sido”—, muchas otras nacieron de aquello que sus amigas le contaban.
Un mensaje, una anécdota o incluso un audio enviado por algún chico podía convertirse en el punto de partida para una canción. Así ocurrió, por ejemplo, con ‘PRINCESS TREATMENT’. “Entraba al estudio y pensaba: ‘Vale, voy a hablar de lo que no deberíamos permitir que nos hagan los chicos y de lo que deberíamos querer para nosotras mismas’. De ahí salió ‘Princess Treatment’”, cuenta.
La misma dinámica aparece en ‘ME GUSTAN LOS 2’, para la que tomó como referencia algunos de los audios y frases que sus amigas recibían de chicos. En ‘8 COSITAS’, en cambio, el punto de partida fue todavía más espontáneo: preguntarse cómo podía divertirse con la canción y encontrar una manera más ligera de abordar aquello que, visto desde otra perspectiva, podía resultar negativo. “Básicamente pensé: ‘¿Cómo me lo puedo pasar bien? ¿Qué puedo decir?’, y de ahí salió. Fue simplemente de reírme, pasármelo bien y ver las cosas malas desde una perspectiva más graciosa”, recuerda.
Pero convertir una idea tan concreta en un proyecto de varias canciones también implicó un desafío: evitar que la cohesión terminara convirtiéndose en repetición. Para Daniela, ese fue uno de los aspectos más difíciles del proceso. “Me trabé mucho con que todo tuviera un sentido”, explica. El reto estaba, además, en encontrar distintas maneras de hablar sobre un mismo universo sin agotar sus posibilidades. “Al final se puede hacer muy repetitivo en las letras hablando sobre un concepto tan específico”, reconoce.
Paradójicamente, esa misma coherencia que le exigió tanto durante la creación terminó siendo parte de lo que hace que SE LO CONTÉ A LAS NIÑAS funcione como un proyecto: cada canción puede contar una historia distinta, pero todas parecen surgir de la misma conversación.
Su lugar dentro de la escena canaria también resulta difícil de separar de ese recorrido. Daniela ha compartido canciones con algunos de los nombres que han llevado el sonido de las islas a un público cada vez más amplio, desde Lucho RK, con quien colaboró en ‘CELESTE V’, hasta Quevedo, con quien aparece en ‘SCANDIC’ y ‘MI BALCÓN’. En 2026 también unió su voz a la de Cruz Cafuné en ‘QUÉ CRUEL’, una colaboración que reforzó su vínculo con una escena de la que forma parte pero que, curiosamente, no considera una fuente directa de inspiración a la hora de crear.
“Es una escena que ahora está petándolo por todas partes”, reconoce. Sin embargo, Daniela también observa una deuda pendiente dentro de ese crecimiento: “He echado mucho en falta que se les dé visibilidad a las mujeres canarias”. Su relación con esa escena, por tanto, parece estar más vinculada al reconocimiento de un movimiento del que forma parte que a una búsqueda deliberada de referencias. “Obviamente es brutal, es increíble, pero no es algo en lo que yo me inspire para crear mis canciones”, aclara.
Cuando habla de quienes sí la inspiran dentro de las islas, menciona precisamente a dos de sus contemporáneos: “De la escena canaria, los que más me inspiran son Cruzzi y Quevedo”. Fuera de Canarias, escucha a D.Valentino y Rusowsky, mientras que entre sus referentes internacionales aparecen Sabrina Carpenter y Jorja Smith. “Me inspiro más de fuera que de aquí, la verdad”, admite.
La conversación, sin embargo, vuelve a las mujeres de la escena canaria cuando Daniela tiene que escoger un nombre que considera especialmente valioso. No duda: “Yo recomendaría 100% a Elena Alberdi. Para mí, ella hace el R&B más puro que se está haciendo ahora mismo. A mí el R&B me encanta y ella lo hace a tope”.
El siguiente paso para llevar SE LO CONTÉ A LAS NIÑAS fuera del estudio será convertir esas conversaciones en un encuentro con el público. Bajo el nombre SE LO CONTÉ A LAS NIÑAS y ahora a ustedes, Daniela llevará el universo del EP a una gira que comenzará en Canarias en febrero de 2027 y pasará por Tenerife, Zaragoza, Valencia, Barcelona, Santander y Madrid, además de una fecha aún por anunciar en Bilbao. El nombre de la gira funciona como una extensión de la idea que atraviesa el proyecto: si las canciones nacieron de aquello que Daniela habla con sus amigas, ahora esas historias también llegan a quienes la escuchan.
“Mi idea es que sea tal cual como las letras: que el performance sea como que soy una amiga más, que te está dando consejos y te está hablando sobre las cosas que nos molestan de los hombres o sobre cosas entre nosotras”, explica. Por eso, más que construir una distancia entre artista y público, la artista española quiere que sus presentaciones se sientan naturales, divertidas e interactivas.
La gira también representa un territorio completamente nuevo para ella. “Nunca he hecho nada así, entonces tengo muchísimas ganas. Estoy como una niña chica ahora mismo”, reconoce. De quienes asistan espera, sobre todo, la misma disposición que ella quiere llevar al escenario: “Espero que vayan con todas las ganas del mundo de pasárselo bien, de cantar, de disfrutar juntos. Simplemente espero poder crear una experiencia desde principio a final para quien vaya a verme”.
Después de varios años de búsqueda, Daniela Garsal atraviesa una etapa en la que parece haber dejado atrás la necesidad de encontrar una fórmula para entender qué quiere hacer con su música. La exploración sigue siendo parte de su proceso, pero ahora ocurre desde un lugar de mayor seguridad y, sobre todo, de disfrute. SE LO CONTÉ A LAS NIÑAS es el resultado de ese recorrido: un proyecto en el que puede hablar de experiencias propias y ajenas, cambiar el tono de aquello que cuenta y encontrar humor incluso en situaciones que alguna vez pudieron resultar dolorosas.
Más que establecer una frontera definitiva entre lo que fue y lo que viene, esta nueva etapa parece abrirle un espacio para seguir descubriendo quién quiere ser como artista. De las canciones nacidas como desahogo en SUPERNOVA a las historias compartidas entre amigas que construyen su nuevo EP, hay una misma constante: la necesidad de reconocerse en aquello que canta.
Ahora, con una gira que llevará esas canciones a distintos escenarios de España, Daniela quiere que esa identificación deje de ser un ejercicio individual y se convierta también en un punto de encuentro con quienes están al otro lado.
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Mexicano que no tiene un recuerdo ligado a una canción de Fuerza Regida, miente. En los últimos años, la agrupación mexicoamericana se ha consolidado como un referente dentro de la música mexicana contemporánea. Su esencia, sus valores y la disposición a asumir riesgos son parte de una identidad que demuestra que llegaron para dejar huella. Y aunque han alcanzado grandes reconocimientos, popularidad y fama, mantienen los pies sobre la tierra. La humildad y la lealtad que los caracteriza les han permitido mantenerse firmes frente a los momentos complejos que se han presentado en el camino, sin perder de vista quiénes son ni de dónde vienen.
Han recorrido los estadios más grandes de distintos países, pero es el amor por los suyos y por sus fanáticos lo que realmente los impulsa a seguir creando música y llevando el nombre de México en alto alrededor del mundo. Fuerza Regida no teme arriesgarse ni seguir caminos desconocidos. Lejos de apegarse a una fórmula de éxito, la agrupación ha construido su propia identidad a través de la experimentación y una constante evolución, convirtiéndose en una de las propuestas más innovadoras y transformadoras dentro de la escena, capaz de movilizar a grandes masas. Y aunque el camino recorrido ya está lleno de historias, su amor por la música parece tener todavía un sinfín de capítulos por contar.
Directamente desde Los Ángeles, Fuerza Regida llegó a México para reunirse con ROLLING STONE en Español y hablar sobre sus nuevas producciones, el valor de la lealtad y mucho más. Además, nos adelantaron detalles inéditos sobre sus próximos conciertos en la capital mexicana, previstos para el 3 y 5 de febrero en el Palacio de los Deportes.
Lee aquí nuestra plática completa con Fuerza Regida:
Chicos, vienen de un auge innegable. ¿Cómo han llevado esto de ser uno de los referentes de la música mexicana?
Khrystian Ramos: Es algo bonito y de responsabilidad, pero es lo que queríamos. Esto es algo por lo que soñábamos y hemos luchado por ellos.
Jesús Ortiz Paz: Son muchos desvelos y no dormir a nuestras horas, pero cada segundo lo vale.
¿Hay alguna presión por inspirar a las nuevas generaciones y, sobre todo, representar la música mexicana alrededor del mundo?
JOP: Te voy a decir por qué no siento presión porque para todos sale el sol. Un día podemos ser los líderes, pero al otro, ya puede ser alguien más. Yo ni me pongo a pensar que somos los líderes, pero sí pienso que el año pasado fuimos los #1 en Spotify México. Sin embargo, no nos vamos prensando que somos referentes. Simplemente hacemos muy bien las cosas, trabajamos muy fuerte y nos enfocamos.
Moises López: Pensamos más en lo que sigue que en lo que hemos logrado.
JOP: Es mejor que la gente diga que somos los líderes a decir que lo somos. Nosotros no pensamos en eso. Y la neta ni lo había pensado hasta que lo dijiste.
Antes la música mexicana no figuraba en las grandes listas, pero hoy, está ahí bien plantada. ¿Qué es lo que más les emociona de seguir creando música con el auge que vive la escena?
JOP: La música mexicana es top. Creo que así se va a mantener y va a seguir creciendo de esa forma.
KR: Creo que es lo mismo. No hay diferencia para nosotros de crear música antes a ahora porque para nosotros siempre ha sido una pasión esto.
JOP: Desde que empezamos, siempre hemos pensado: ‘Hay que hacer de este proyecto mejor que el pasado’. Nos enfocamos en que nuestra música siga siendo mejor que la anterior. También nos damos cuenta que la gente quiere hacer lo que hacemos nosotros, y eso nos da mucha felicidad.
Siguen innovando con cada lanzamiento que nos presentan, pero, ¿qué es eso que todavía les falta por buscar en su sonido que aún no han hecho o encontrado?
JOP: Hemos hecho casi todo, pero sí nos hace falta una balada…
ML: Un kpop.
JOP: ¡También eso! Nos falta colaborar con BTS, Taylor Swift o cosas así de otro género y cultura. Pero si estamos hablando de música mexicana, pues queremos hacer cosas que la gente no se imagine: cantar una rola del Bronco, Julio Iglesias, Los Temerarios. Son cosas que la gente no se imagina porque en este momento está todo lo nuevo, pero si los fans escuchan algo viejo, que será nuevo para esta generación Z, pues sería increíble.
José García: Fuerza Regida ha sido muy diferente a otras agrupaciones porque todo el tiempo le hemos dado diferente flow y estilo de música.
JOP: No tenemos miedo de arriesgarnos. Y creo que ese es el error de muchos artistas, que siempre hacen lo mismo. El miedo cansa.
Me sorprendiste muchísimo al mencionar colaboraciones con BTS y Taylor Swift. Imagínate llevar el sonido de México a ellos.
KR: ¡Imagínate!
JOP: Y no solo nuestro sonido a ellos, sino el sonido de ellos a nosotros. Sería mezclar nuestros sonidos y crear algo nuevo, porque acuérdate, siempre estamos haciendo algo nuevo. No queremos hacer lo mismo para siempre. Esto se va a manifestar porque ella [Taylor Swift] está en otro nivel donde no nos encontramos actualmente, pero vamos a trabajar por ello con el apoyo de todos los fans. Por ejemplo, BTS ya nos conoce; han hecho TikToks con nuestra música y nos han invitado a sus conciertos. Ahí está la relación creciendo. Con Taylor, pues no hay relación todavía, pero sí conozco a sus amigos.
ML: Primero nos hicimos ARMY y ahora somos Swifties.
JOP: Somos de los dos. Ahora nos falta crear un nombre para nuestros fans porque no tienen.
Al final, la fama viene con un precio. ¿Qué es lo más difícil que han tenido que vivir como agrupación?
JOP: No estar con la familia. Esto es el número uno para todos.
KR: Ese es uno muy grande y la principal, pero también creo que es quedarnos todos en la agrupación, que sean los originales. Pasamos cosas difíciles sobre eso, pero aquí estamos.
JOP: Aquí nadie se ha ido de la agrupación, solo han entrado. Queremos seguir haciendo eso, que crezca el grupo.
KR: Ha sido un reto, la verdad.
JOP: Todos aquí somos hermanos. Nos podemos decir maldiciones y es como si le estuvieras hablando a tu hermano.
Me gusta su unión, y también se me queda mucho lo que han mencionado sobre la lealtad, porque es uno de los pilares fundamentales para el éxito.
JOP: La lealtad es lo más importante en la vida, no solo en la música.
Nuevos proyectos. ¿Qué me pueden contar sobre un próximo álbum? ¿Ya hay concepto, visión o historia?
JOP: Estamos trabajando en un álbum desde el año pasado, todo el año. Sí lo hemos trabajado, pero nos dio la gana darles un vistazo antes de que salga el disco para que vean lo que viene. Vamos a darles algo bueno, y será una entradita antes del stake. Viene muy pronto, puede ser el año que viene o no lo sé. Porque, ¿sabes? Un año es muy pronto y pasa rápido; puedes cerrar los ojos y ya es 2028. Pero sí les digo que viene muy pronto.
Perfecto. Ahora: Febrero, 2027, Palacio de los Deportes. ¿Cómo lo están planeando?
JOP: Lo hacemos por los fans. En México somos muy importantes, y el país para nosotros. De hecho, hubo un tiempo en el que queríamos vivir aquí, pero por cuestiones de la vida no se pudo porque tenemos que hacer cosas en otro lado. Nos encanta venir para acá. México para nosotros es algo bonito y me recuerda a casa. Allá estamos en casa, pero realmente no lo estamos. Aquí tenemos que hablar español como en casa, como lo hacemos con nuestros padres. Nos encanta la comida, la gente y todo. Es bien importante venir y cantarles al público mexicano.
La verdad es que no íbamos a venir por cuestiones de trabajo, además de que queríamos cantar en el Azteca y no se pudo por cuestiones ajenas, y tampoco se pudo en el GNP porque estaba agendado. Nos comentaron que estaba el Palacio de los Deportes, pero dijeron que era muy chico para nosotros porque mencionaron que somos más grande que eso y que regresáramos en otra ocasión. Sin embargo, no queríamos dejarlos sin concierto. La cagamos poquito al no venir este año, pero ahora todos tendrán más hambre.
Además, son dos fechas en el Palacio y son pocas entradas por los lugares. Creo que en total, de las dos fechas, se acumulan 30 mil personas, y nosotros ya llenamos el GNP con 70 mil. El público nos quiere mucho y por eso regresamos con este regalo de mover la agenda y proyectos para venir a México.
Y recuerden, febrero 2027, días 3 y 5, nos vemos en el Palacio de los Deportes.
KR: Van a ser juegos del hambre esos boletos [Risas].
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Enid Blyton comprendía el poder de un bosque para despertar la imaginación infantil. La escritora británica, autora de Los cinco, inició en 1939 la serie literaria El árbol mágico, donde un árbol gigantesco permite acceder a mundos cambiantes, poblados por criaturas extravagantes y gobernados por reglas imprevisibles. Trepar por sus ramas significaba descubrir que la aventura podía comenzar cerca de casa. La adaptación de Ben Gregor (All Stars) traslada ese universo a una época en la que conseguir que un niño levante la mirada del dispositivo celular parece requerir una intervención sobrenatural.
El guionista Simon Farnaby, quien participó en la escritura de las encantadoras Paddington 2 y Wonka (también basadas en prestigiosos cuentos infantiles), nos introduce a una familia cuya dependencia tecnológica acompaña un agotamiento más amplio. Polly (Claire Foy), una ingeniera que rechaza el uso de sus inventos para espiar a los consumidores pierde la estabilidad que sostenía el hogar. Su esposo, Tim (Andrew Garfield), encuentra en la crisis una oportunidad para mudarse al campo y emprender un negocio de salsa para pasta. Sus hijos, Beth (Delilah Bennett-Cardy), Joe (Phoenix Laroche) y Fran (Billie Gadsdon), deben adaptarse a una vida donde los tomates abundan más que las conexiones inalámbricas.
Como en Toy Story 5, estrenada este mismo año, la película invita a recuperar el juego físico y las relaciones que los dispositivos amenazan con desplazar. Aquí, además, propone volver a la naturaleza. Hay cierta hipocresía en pedirles a unos niños sentados en una sala oscura, pendientes de una pantalla, que abandonen las pantallas. El cine también participa de la industria que administra su atención. Aun así, el argumento conserva pertinencia, especialmente cuando sugiere que los adultos necesitan revisar sus hábitos con el mismo entusiasmo con que fiscalizan los de sus hijos.
Fran descubre el árbol gracias al hada Silky (Nicola Coughlan), y sus hermanos terminan acompañándola en las visitas a los mundos que aparecen sobre sus ramas. La estructura ofrece posibilidades para explorar el deseo, la frustración y las consecuencias de actuar por impulso. Sin embargo, cada nuevo destino exige presentar criaturas, explicar reglas y poner en marcha otra aventura. La acumulación termina restándole espacio a la experiencia emocional de los niños. A ratos conocemos mejor el funcionamiento de una ocurrencia fantástica que aquello que sienten quienes la atraviesan.
El problema central está en el tono. Gregor pasa de una cursilería exagerada, cercana a una serie de Discovery Kids, a reflexiones sofisticadas sobre la decepción adulta y la pérdida de la infancia que requieren otro tiempo de desarrollo. Algunos personajes parecen hechos de cartón pintado; otros consiguen transmitir una vida interior. La convivencia entre ambos registros produce sacudidas que interrumpen el relato. Paddington, Wonka y Toy Story lograron integrar el humor absurdo, la melancolía y la aventura dentro de una misma experiencia. Aquí se percibe demasiado el cambio de público al que va dirigida cada escena.
Garfield y Foy ofrecen el anclaje más firme. Tim carga con la ilusión de que cumplir un sueño antiguo resolverá las dificultades presentes, mientras Polly debe conciliar sus convicciones con las necesidades familiares. La calidez de Garfield y la energía más severa de Foy permiten reconocer una pareja detrás de la lección sobre cómo criar hijos. Coughlan también encuentra una dulzura que evita tratar a los pequeños espectadores como incapaces de comprender una emoción sin que alguien enfatice sobre ella.
La fotografía, los paisajes y el diseño de los espacios sostienen buena parte del encanto. El bosque invita a explorar, y los escenarios fantásticos conservan un atractivo de cuento ilustrado. Menos afortunado resulta el desarrollo de las figuras antagonistas. La abuela (Jennifer Saunders) apenas tiene espacio para superar su función de adulta desaprobadora, mientras Dame Snap (Rebecca Ferguson) promete una amenaza que la película aprovecha poco. Ambas quedan esbozadas, y la sensación de cierre incompleto hace pensar en una posible continuación, aunque también revela cuánto material falta por integrar en esta entrega.
The Magic Faraway Tree entretiene y consigue momentos de genuino encanto, sobre todo cuando permite que la familia comparta algo más que una moraleja. Su defensa de la curiosidad y del tiempo compartido merece encontrar espectadores. Pero el talento reunido, especialmente el de un guionista vinculado a Paddington 2 (una de las mejores cintas infantiles de todos los tiempos) permitía esperar una aventura mejor articulada. Al árbol le sobran ramas; a la película le falta detenerse en algunas de ellas.
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