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Se han revelado imágenes inéditas de uno de los momentos más emblemáticos de la historia del rock: la presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el 18 de agosto de 1969.
Lo que en su momento pareció la travesura de un fan emocionado, hoy se ha convertido en un hallazgo extraordinario para la historia de la música. Hace más de cuatro décadas, Albert Goodman, un estudiante de teatro de 22 años, logró colarse en el festival de Woodstock, celebrado en Bethel, Nueva York. Su aventura lo llevó hasta el escenario donde Jimi Hendrix ofrecería un cierre inolvidable, sin imaginar que terminaría registrando una grabación única y de gran valor histórico.
Goodman logró pasar desapercibido al colocarse detrás del percusionista Juma Sultan, por lo que fue confundido con uno de los integrantes del equipo de grabación y fotografía del festival. Desde allí, consiguió registrar a Hendrix a apenas 4,5 metros de distancia, ofreciendo una perspectiva inédita de la presentación. Para aquella ocasión, Hendrix se presentó junto a Gypsy Sun and Rainbows, una formación más numerosa que el habitual trío que lo acompañaba. La banda estaba integrada por Mitch Mitchell, Billy Cox, Larry Lee, Juma Sultan y Jerry Vélez. El concierto se extendió durante aproximadamente dos horas.
Con motivo del 57.º aniversario de la icónica presentación de Jimi Hendrix en Woodstock, el material fue estrenado este martes 18 de agosto bajo el título Jimi Hendrix: Live at Woodstock — A Second Look. La producción reúne las imágenes inéditas que Albert Goodman logró grabar durante aquella histórica actuación.
Grabado en una cinta de video de media pulgada en blanco, el material de Goodman ofrece a los seguidores de Hendrix una perspectiva inédita de algunas de sus interpretaciones más emblemáticas, como ‘Purple Haze’ y ‘Voodoo Child (Slight Return)’. La grabación también captura su memorable interpretación de ‘The Star-Spangled Banner’ y, especialmente, la única filmación conocida de Hendrix interpretando ‘Hear My Train A Comin’’ en vivo, lo que convierte al material en un registro excepcional de una de sus actuaciones más célebres.
Tras el festival, Goodman conoció a un hombre cercano a personas que trabajaban con Jimi Hendrix. Este encuentro le permitió mostrarle personalmente la grabación al músico, quien agradeció a Goodman por haber capturado aquellas imágenes inéditas de su histórica presentación en Woodstock.
Tras permanecer guardada durante décadas, Albert Goodman decidió entregar la cinta a los familiares de Jimi Hendrix. El resultado es un valioso homenaje a una de las actuaciones más emblemáticas del músico, cuya interpretación del himno nacional de Estados Unidos se convirtió en uno de los momentos más recordados de Woodstock y en un símbolo de la contracultura de los años 60.
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El Primavera Sound Buenos Aires 2026 se celebra del 13 al 15 de noviembre en Parque Sarmiento (entradas acá), consolidándose una vez más como la cita ineludible para descubrir tendencias de avanzada en la escena global (y local). Más allá de los grandes nombres que encabezan el cartel, un itinerario posible para vivir a pleno esta edición reside en su “letra chica”, una curaduría audaz que apuesta por artistas que están redefiniendo los límites del sonido actual. El festival ofrece un recorrido ecléctico por el pulso más inquieto de la música contemporánea y Rolling Stone selecciona diez artistas que no deberías perderte.
Guitarras distorsionadas, dubstep, emo y electrónica frenética, todo en uno: así suena underscores, el proyecto de la productora y compositora April Harper Grey, nacida en San Francisco y radicada en Nueva York. Su álbum Wallsocket (2023), repleto de referencias pop-punk de los 2000, recibió muy buenas críticas. Sus shows son catárticos y su espíritu resume cómo piensa y suena la Generación Z. En marzo de este año lanzó U, su tercer álbum de estudio, donde radicaliza su propuesta crossover. Su participación en el festival Primavera Sound Buenos Aires 2026 marcará su primera vez en Argentina.
Nate Amos, prolífico músico y multinstrumentista de Nueva York, conocido también por integrar el dúo Water From Your Eyes, demuestra en su proyecto solista que el folk puede tener aún más caras. De enfoque lo-fi, This Is Lorelei navega por el electropop, pop alternativo, art rock e indie pop característicos de Amos, pero desde una faceta más despojada. De los siete álbumes que editó en la última década, quizás haya sido Box for Buddy, Box for Star (2024) el que más llamó la atención por sus melodías melancólicas sobre estructuras pop tan desarticuladas como emotivas. Su debut en Argentina será en el Primavera Sound Buenos Aires 2026.
Algo de techno minimalista, un poco de R&B, mucho de pop e influencias de la música clásica contemporánea. Catharina Stoltenberg y Henriette Motzfeldt conforman Smerz, este dúo de origen noruego, afincado entre Copenhague y Oslo. Y tiene sentido si pensamos en los beats fríos y profundos de canciones como “You Got Time and I Got Money” -hasta ahora, su único hit- o “Girl”, cargadas de voces etéreas que susurran sobre una atmósfera nocturna e hipnótica. En otras palabras, la banda sonora ideal para contemplar auroras boreales. Al igual que los anteriores, también será su primera vez en esta parte del planeta.
¿Otra banda de post-punk? Digamos que sí. Pero lo de este cuarteto neoyorquino va un poco más allá. Encabezados por el carismático y magnético vocalista Cole Haden, su propuesta estira los límites del género hasta rozar las fronteras del sonido industrial y la música electrónica. Bombo en negras, bajos abrasivos y guitarras que suenan como maquinaria pesada, casi dance punk. Su inclusión en la grilla del festival representa una gran oportunidad para ver en vivo por primera vez en Argentina el despliegue de Haden, cuya energía desbordante va muy bien con canciones como “Cinderella”, “Diva” o la caótica “Mosquito”.
Si no tenés la menor idea de qué está pasando en materia de rock independiente en Chile, Candelabro es gran puerta para abrir. Surgida en Santiago en 2021, esta banda de art-rock y post-rock que incorpora saxo, oboe y sintetizadores a la clásica alineación de guitarras, rescata la herencia de la nueva canción chilena y la cruza con rabia y experimentación. Sus dos discos, Ahora o Nunca (2023) y Deseo, carne y voluntad (2025), destacan por arreglos corales ambiciosos y cambios bruscos que van de la calma al estallido con astucia y precisión. Cuando es momento, saben cantar, y cuando es necesario, también saben gritar. Será la segunda vez que crucen la cordillera de los Andes para tocar en Buenos Aires.
Nacida en Nueva York y radicada en Buenos Aires, Wiranda Johansen es una artista multidisciplinaria. Dueña de un linaje artístico indiscutible, colaboró por primera vez con su padre, el desgenerado Kevin Johansen, en “Everything Is (Falling into place)”. La canción forma parte de City Zen (2004) y Wiranda tenía apenas 7 años cuando hizo esos coros. Esa musicalidad precoz se proyectó a una carrera sólida como solista que combina el pop melancólico, el synthpop y los climas nocturnos. El flamante EP No soy un stalker, soy tu ángel guardián (2025) es el último mojón de una discografía que empezó en 2019 con el auspicioso Fata Morgana, un álbum inspirado en los poemas de su abuela Marta “Koala” Calvet.
Cantante, compositora y productora Lisa Scha lanzó Posesa, su álbum debut, en 2023. Un par de años más tarde lanzó el EP Es el Pop, Estúpida y acaba de lanzar su nuevo album, Colapso (2026). Su propuesta construye un universo sonoro inmersivo y dramático que cruza el glitch pop, el ambient y beats electrónicos oscuros con cierta textura analógica y cálida. Sus letras funcionan como un diario íntimo donde expone sus inseguridades, miedos y vivencias. El talento puede rastrearse en sus genes: su padre es Sebastián Schachtel, tecladista de Las Pelotas y La Portuaria.
Liderado por la cantante y guitarrista Lucía Taubas, este cuarteto aporta una delicadeza indie que combina texturas etéreas, guitarras enérgicas y climas nostálgicos, transitando con naturalidad entre el dream pop, el shoegaze y la canción pop de impronta contemporánea. Hay ecos de Suarez, el emblemático grupo de Rosario Bléfari en estas canciones de marcada sensibilidad, que combinan una cuota de melancolía con una luz que se parece a la del amanecer.
Integrado por los hermanos boliviano-estadounidenses Chuquimamani-Condori y Joshua Chuquimia Crampton, este duo se ha posicionado como uno de los proyectos más hypeados de la escena avant-garde experimental actual. Su propuesta cruza géneros tradicionales de la raíz aymara —como el huayno, el caporal y la kullawada— con texturas de música electrónica. Tras el impacto de su álbum homónimo debut en 2025, el dúo amplió su universo conceptual con el flamante EP Wak’a (2026). Una fascinante cruza entre lo global y lo local, la vanguardia y la memoria ancestral, .
Nació en Tierra del Fuego, vivió un tiempo en Nueva Delhi y ahora es vecina de Florida, en el partido bonaerense de Vicente López. La propuesta de esta enigmática cantante le escapa a los encasillamientos, y puede transitar naturalmente entre atmósferas electrónicas, texturas de pop sensible, destellos de shoegaze e hyperpop. Su auspicioso álbum debut Llorar en un baño público (2023) es el pilar de una obra que logra convertir la catarsis emocional en canciones de melodías potentes y letras sinceras.
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Días antes del estreno mundial de Moria, la serie de Netflix basada en su vida que ya es tema de conversación obligado en redes sociales, la diva habló con Rolling Stone sobre cómo fue revisitar su historia, participar del proceso creativo y verse interpretada por Sofía Gala, Griselda Siciliani y Cecilia Roth. En la charla, Moria definió a la producción como una obra “dura”, “romántica” y profundamente auténtica.
Aunque durante años recibió propuestas para llevar su vida a la pantalla, Moria reconoce que inicialmente rechazó la idea. “Esto ya me lo venían ofreciendo hace como dos años y yo decía: ‘De ninguna manera quiero hacer una serie sobre mi vida’. No quería porque me conocen tanto y lo he dicho tanto. Siempre digo que mi vida fue un set; un estudio televisivo ha sido el gran living de mi casa”, dijo.
“Me quedo con la serie, porque pensé que podía extender más en capítulos un poco lo que era mi vida ya conocida”, explicó.
Uno de los momentos más impactantes para Casán fue verse representada por su propia hija, Sofía Gala, en la ficción. “Es una cosa diferente. Todo muy loco. Qué bueno que la haya podido hacer mi hija. Está brutal”.
La actriz contó que compartió una proyección privada de los primeros capítulos con Sofía y amigos cercanos, una experiencia que definió como profundamente conmovedora. “Qué bueno que nos haya tocado esto. Porque somos elegidas. ¿Viste que es muy conmovedor? Todo, todo”, sostuvo.
Al describir el espíritu de la producción, Casán destacó especialmente la mirada que la serie tiene sobre la diversidad y los vínculos afectivos. “La serie es dura, es romántica y tiene poesía. Y también tiene humor. Mucho humor”.
“No tiene careteo hétero. Es muy, muy queer, es muy, muy gay. Es muy… Es muy verdad”, remarcó.
Moria aclaró que no fue una observadora pasiva del proyecto. Durante meses trabajó junto al director y guionista Javier Van de Couter aportando detalles y recuerdos de su vida. “Sí que participé. Primero estuve hablando días y días enteros, contándole cosas de mi vida. Cosas que la gente de pronto sabe un poco, pero no sabe tanto”, detalló.
Entre esos relatos aparecen episodios fundamentales que, según ella, explican la construcción de su personaje público. “Los hechos inusuales, como entrar al teatro después de salir de la facultad, sin pensar; eso ya solamente da para una película”, aseguró.
La serie recrea el momento en que Ana María Casanova abandona Derecho para convertirse en Moria Casán. La propia protagonista sostiene que esa reconstrucción es fiel a lo ocurrido. “El comienzo de la serie es tal cual: bajé las escaleras de la facultad, fui al teatro y debuté ese mismo día. Es absolutamente así”, dice.
También recordó la elección de su nombre artístico, inspirado en el nombre que su madre había querido ponerle al nacer. “Moria Elizabeth era el nombre que mi vieja me quiso poner al nacer y no la dejaron los pacatos de ese momento”, contó.
Entre los episodios más llamativos de la serie aparece su detención en Paraguay, etapa que la ficción aborda con un tono cercano al realismo mágico. Moria celebró especialmente el resultado. “¿Viste qué lindo ese capítulo? Sí, sí, sí. Un capítulo más en mi vida”. Fiel a su estilo, aseguró que nunca vivió aquella experiencia desde la victimización: “No era una cárcel para mí, era un monasterio”.
Y agregó: “Nunca en mi vida me victimicé, ni lloré, ni me sentí triste”.
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Pulp acaba de compartir el primer tráiler de What Do You Do for an Encore?, el documental sobre la banda de brit-pop centrado en su gira de regreso de 2025.
“¿Cómo llegamos a un momento así? Es una larga historia. La historia de Pulp”, dice en off el líder Jarvis Cocker, quien también ejerce de narrador de la película. “La versión de la vida real de Pulp ha sido mucho más interesante de lo que podría haber imaginado por mi cuenta”.
Musicalizado con una interpretación en vivo del clásico de la banda “Common People”, el tráiler de Pulp: What Do You Do for an Encore? combina videos de archivo de la historia del grupo con imágenes de los conciertos de la gira de Pulp de 2025 en apoyo a su álbum más reciente, More.
La película dirigida por Garth Jennings se estrenará exclusivamente en Mubi el 25 de septiembre. pero, además, el documental se proyectará por una sola noche en los cines de Estados Unidos el 24 de septiembre.
“La película entrelaza imágenes de su ingenioso show en vivo con cuatro décadas de material de archivo nunca antes visto, trazando el accidentado viaje de la banda desde marginados de Sheffield [Inglaterra] hasta inusuales iconos culturales”, señaló Mubi sobre la película, que también incluirá 20 canciones extraídas de los conciertos de 2025.
Jennings, el cineasta detrás de Sing y The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy (Guía del autoestopista galáctico), dirigió previamente los videos musicales del sencillo de Pulp de 1997 “Help the Aged” y su tema de 1988 “A Little Soul”.
“En el verano de 2022, escuché por primera vez el rumor de que podría haber una reunión de Pulp, y me puse como loco de alegría”, declaró Jennings previamente en un comunicado. “Pulp, Jarvis y esas canciones realmente significan todo para mí, y la oportunidad de ver a la banda actuar junta de nuevo fue un rayo de alegría muy necesario en una época en la que las cosas para muchos de nosotros han parecido implacablemente sombrías. Mi siguiente pensamiento fue cuánto me encantaría capturar este momento en película, así que me puse en contacto con Jarvis y empezamos a hablar sobre el show y sobre la película que podría surgir. La inspiración vino de una línea de This Is Hardcore: ‘¿Qué demonios haces como bis?’”.
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Ya se conoce la grilla del Cosquín Rock 2027. El festival cordobés cumplirá 27 años en esta próxima edición y este jueves anunció los nombres que formarán parte de las dos jornadas, el 6 y 7 de febrero, en el Aeródromo de Santa María de Punilla.
Babasónicos, Divididos, Los Fabulosos Cadillacs, WOS, Tan Bionica, Ciro y Los Persas, Él Mató a un Policía Motorizado y No Te Va Gustar aparecen entre los principales atractivos de una programación que también suma a otro uruguayo, Jorge Drexler, y al estadounidense Jack Johnson.
A ellos se agregan nombres de peso de distintas escenas, como Las Pastillas del Abuelo, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, Illya Kuryaki and the Valderramas, Catupecu Machu, La Delio Valdez, Los Cafres, Guasones, Kapanga, El Kuelgue, Peces Raros, Marilina Bertoldi y Lisandro Aristimuño. En la electrónica, uno de los grandes nombres internacionales es Richie Hawtin.
2 Minutos, A La Par, Abril Olivera, Ale Kurz, Autos Robados, Babasónicos, Bacanas, BB Asul, Blair, Blues Motel, Botafogo, Búfalos Sedientos, Cada Cual, Camionero, Capital Cities, Catupecu Machu, César Valdomir, Chapa & Castelo, Ciro y Los Persas, Cruzando el Charco, Cuatro al Hilo, Daniela Spalla, Delfina Campos, Dellacasa, Divididos, El Kuelgue, Él Mató a un Policía Motorizado, El Plan de la Mariposa, El Zar, Escalopez, Florian, Franco Cinelli, Gauchito Club, Gente Negra, Guasones, Gustavo Cordera, Héctor Couto, Ian Amores, Illya Kuryaki and the Valderramas, Jack Johnson, Jay de Lys, Jorge Drexler, Juan Ingaramo, Justi Rica, Kapanga, Kat Riggins, Koino Yokan, La Chancha Muda, La Cumparsita Rock, La Delio Valdez, La Forasteria, La Grecia, La H No Murió, La Kermesse Redonda, La Mississippi, La Virgenxita, Las Pastillas del Abuelo, Las Pelotas, Lisandro Aristimuño, Locche, Los Besos, Los Cafres, Los Espíritus, Los Fabulosos Cadillacs, Los Gardelitos, Los Neurotipes, Los Pérez García, Lulu Matheu, Manu Desrets, Manu Martínez, Mar Monzón, Mariano Mellino, Marilina Bertoldi, Marino’s Band, Martín Huergo, Mateo Dufour, Memphis La Blusera, Mixo, Mrtna, Nacho Bolognani, Najles, Nick Curly, Nicola, No Te Va Gustar, Nonpalidece, Peces Raros, Perras on the Beach, Piti Fernández, Pizza, Q’Lokura, Ramma, Ramita Puzzo, Ratones Paranoicos, Reybruja, Richie Hawtin, Ryan Salas Vejatorias, Sandra Vazquez, Silóe, Silvestre y La Naranja, Só, Sour District, Tan Bionica, The Ginger Hearts, The Rhythm Gamblers, Tiki Sironi & Agus Prieto, Un Poco de Ruido, Usted Señalemelo, Victoria Whynot, Viejo Motor, Wayra Iglesias, Winona Riders, WOS, Zaren, Zoe Gotusso.
Las entradas están a la venta y se consiguen únicamente a través de la página oficial de Cosquín Rock.
El valor del abono general para las dos jornadas es de $500.000 más $75.000 por costo de servicio. El abono especial “fanatic”, que permite acceso privilegiado a shows y locales de comida, cuesta $1.800.000 más $100.000 por costo de servicio.
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Quiero llevarlos de vuelta al año 2008, cuando el Museo del Sexo de la ciudad de Nueva York inauguró una exposición sobre la vida sexual de los animales. La exposición estuvo abierta durante una década completa, y tuve la oportunidad de visitarla aproximadamente un año antes de que cerrara en 2018. De hecho, fue en la exposición La vida sexual de los animales donde aprendí que los patos tienen penes enormes con forma de sacacorchos. Pero dejando de lado los genitales de los patos, la intención del Museo del Sexo, hace casi 20 años, era revelar la “sorprendente variedad” de comportamientos sexuales que los animales practican habitualmente, desde besarse hasta abrazarse y, bueno, todo lo demás. Y definitivamente no siempre entre machos y hembras.
Por más que elogie al Museo del Sexo por enseñarme sobre lo que ocurre a plena luz del día entre las aves y las abejas, en sentido literal, también debo reconocer que es una lastima que una exposición así probablemente no estaría permitida en un lugar donde no se vendan vibradores ni lubricantes en la tienda de regalos. Y qué decepcionante es que la verdad sobre los gatos y los perros, por así decirlo, no haya logrado una mayor aceptación.
Cuando se trata del género y la sexualidad de los animales, la verdad no solo está ahí fuera, sino que, de hecho, ha estado frente a nuestras narices todo este tiempo. El problema es que la ciencia convencional y la sociedad han tardado en alejarse de la narrativa de que todos los animales copulan únicamente con fines reproductivos, que cualquier actividad entre individuos del mismo sexo es puramente anómala (y antinatural) y que todas las especies están dominadas por los machos. Ahora, un nuevo documental titulado Second Nature: Gender & Sexuality in the Animal World busca desmentir esos mitos y, en el mejor de los casos, difundir esta información a una escala más grande.
Narrado por Elliot Page, Second Nature cumple con creces su cometido al entrevistar a un grupo de científicos expertos que han dedicado largas carreras a estudiar la diversidad de comportamientos sexuales y de género en una amplia gama de especies, desde primates y aves hasta peces y reptiles. Y sin duda hay mucho que analizar. Además de los hechos en sí, Second Nature plantea algunas preguntas importantes: ¿por qué no se enseña esta información en las clases de biología básica ni se incluye en los libros de los zoológicos? ¿Por qué los humanos insisten en proyectar su propia narrativa binaria sobre género y sexualidad —que los machos son agresores, las hembras son tímidas y el sexo es solo para la procreación— sobre nuestros vecinos animales?
La respuesta es bastante sencilla: para entender el mundo que nos rodea, lo más fácil y sencillo es aplicar nuestro marco social. Históricamente hablando, quienes investigan y estudian a los animales tienden a proyectar sus ideas ciscentristas y patriarcales en ellos, a pesar de la gran cantidad de evidencia que indica lo contrario.
De cualquier manera, después de haber visto Second Nature, puedo listar algunos datos muy interesantes: los delfines tienen —mucho— sexo homosexual, al igual que los pingüinos y los cisnes negros. Los pingüinos también suelen formar parejas del mismo sexo para criar a sus polluelos. Las hembras de bonobo suelen usar el sexo para resolver conflictos mediante el “frotamiento genital”, y los machos pueden tener relaciones sexuales entre sí mediante el “esgrima con el pene”. Los bonobos también viven en una sociedad matriarcal. Aproximadamente la mitad de las relaciones sexuales que tienen los monos capuchinos son homosexuales.
Y hablando de los patos con penes tan peculiares, escuchen esto: las hembras de pato tienen vaginas con dos o tres cavidades que pueden no conducir a ninguna parte; más allá de esas cavidades se encuentra una espiral laberíntica. Cuando los patos se aparean, es la hembra quien decide a qué macho le permitirá depositar esperma en la espiral, pero eso solo pasa si decide relajar sus músculos lo suficiente. Si un pato macho intenta forzar a una hembra —cosa que realmente sucede—, sus bolsas vaginales impiden que el esperma llegue a alguna parte.
¿Qué más? Las hembras de tití león dorado tienen harenes de machos sin parentesco, y con todos se aparea. Y creo que todos conocemos bastante bien la historia del caballito de mar, en la que los machos quedan embarazados y dan a luz.
Gran parte de esta información llegó al público por primera vez en el libro de la Dra. Joan Roughgarden de 2004, Evolution’s Rainbow, que analizaba evidencia de aves, peces y mamíferos para refutar la teoría darwiniana sobre la selección sexual, la cual proponía que la competencia entre machos, o la selección intrasexual, era un método exitoso para el apareamiento. (Básicamente, el macho más fuerte y agresivo es el que logra aparearse y transmitir sus genes). Charles Darwin también propuso que la selección intersexual implicaba que las hembras evaluaran y eligieran a los machos con quienes aparearse basadas en rasgos específicos, como el colorido plumaje de un pavo real.
Cuando Roughgarden (bióloga evolutiva de Stanford que aparece en Second Nature) se opuso a estas teorías darwinianas aceptadas desde hace tanto, se topó con una reacción terrible. Las críticas fueron “desagradables”, recuerda en el documental, y otras reseñas afirmaban que había “intenciones gay” detrás. (La Dra. Roughgarden es una mujer trans).
Solemos olvidar que en la Inglaterra victoriana, cuando Darwin propuso por primera vez la teoría de la evolución, los líderes religiosos no la aceptaron. En términos generales, los líderes religiosos del siglo XIX se resistieron al darwinismo porque consideraban que contradecía el relato de la creación del Génesis (aunque algunos se sentían cómodos con la idea del darwinismo cristiano, que propone que Dios utilizó la evolución biológica para crear toda la vida). Los líderes católicos consideraban que el darwinismo podía explicar la biología física, pero amenazaba la existencia de las almas humanas. En última instancia, los líderes cristianos consideraron que el darwinismo reducía la vida humana a algo puramente mecánico y sin alma, y por lo tanto, sin Dios.
No fue sino hasta la década de 1870 —casi dos décadas después de que Darwin publicara El origen de las especies— que la comunidad científica y otros grupos cultos aceptaron ampliamente la evolución como un hecho.
En Second Nature, los científicos plantean la teoría de que Darwin no pudo evitar imponer sus propias ideas heterosexistas sobre la reproducción animal, principalmente que los animales solo copulan con fines reproductivos, siendo los machos los agresores y las hembras revoloteando sus pestañas detrás de abanicos de encaje, o algo así.
En los últimos años, a medida que la comunidad científica se ha vuelto más diversa, surgió una nueva ola de observaciones sobre el comportamiento animal y las razones evolutivas que lo sustentan. Por ejemplo, los animales sociales como los bonobos y los chimpancés utilizan el sexo como un medio de reconciliación, lo que les permite llevar una existencia pacífica y cooperativa. (Si el sexo se lograra principalmente a través de la agresión, eso probablemente resultaría en más inestabilidad, lesiones y muerte, lo cual no suena ideal para la supervivencia de ninguna comunidad, ya sea animal, humana o de otro tipo).
“Los humanos nos proyectamos en la naturaleza todo el tiempo, y lo hemos estado haciendo desde siempre; basta con mirar cualquier mito”, dice Drew Denny, director de Second Nature, a Rolling Stone. “Nos encanta crear explicaciones coloridas para los fenómenos naturales, pero a menudo lo hacemos a costa de personas totalmente inocentes. ¿Recuerdas cuando se decía que todas las personas zurdas eran controladas por Satanás? Apuesto a que conoces a varios zurdos que, de hecho, no son satanistas”.
Denny cree que nos beneficiaría a todos adoptar una perspectiva panorámica de la historia y recordar la miríada de historias que nos hemos contado a lo largo de los años en un intento por explicar lo inexplicable. Si los seres humanos y nuestros inventos son inherentemente falibles, entonces es razonable suponer que nuestras historias también lo son. “Nuestras pequeñas proyecciones —incluso nuestros mitos más arraigados— no son nada comparadas con los miles de millones de años de evolución que nos han llevado hasta este momento”, afirma Denny.
Y, por supuesto, los animales no nos necesitan para comprender todo el espectro de sus experiencias sexuales y de género: todos están muy bien viviendo sus vidas, enfrentándose con sus penes, formando parejas del mismo sexo y cambiando de sexo para preservar su existencia. En realidad, difundir narrativas obsoletas sobre la forma en que los animales se relacionan entre sí solo perjudicará a una especie: la nuestra.
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Nirvana‘s 1991 Nevermind track “Lithium” was already a roiling, emotional roller coaster about grief, depression and loss that still stands as one of late singer/guitarist Kurt Cobain’s most intense portraits of inner turmoil.
In a solo acoustic cover for BBC Radio 1’s Live Lounge, Phoebe Bridgers somehow found a new, even more haunting approach to the song that Nirvana’ famously played on MTV’s Unplugged, only minus Cobain’s signature pained howl. Plucking out the tune’s melody on guitar, Bridgers unlocked a new gear, giving it a folky, ethereal quality as she breathily sung, “Sunday morning is every day, for all I care/ And I’m not scared/ Light my candles in a daze, ’cause I found God/ Yeah, yeah/ Yeah, yeah.”
In keeping with the long-running show’s tradition of artists playing a classic cover alongside their own tunes, Bridgers also performed two tracks from her just-released Lost Weekend solo album, “Lost Boys” and “Bobby.”
It’s unclear when the session — whose video was not available at press time — was taped, but it appears to have been tracked before the singer was forced to cancel a run of planned intimate U.K. performances booked for this week due to a bout of appendicitis. The shows in support of her third solo LP that were announced with just a week’s notice were slated to kick off on Wednesday (Aug. 19) in Kingston, London and include stops in Brighton tonight (Aug. 20) and Bristol on Friday (Aug. 21).
“I got appendicitis for my birthday,” she wrote in an Instagram Story that included a picture of her in a hospital bed. “Everything in the UK this week will have to move but I’ll make it up to you!!!!” Her U.K. fans needn’t be too worried, as Bridgers is due back for a run of arena shows this fall, concluding with two sold-out shows at London’s O2 Arena on Dec. 1-2.
Listen to Bridgers’ rendition of Nirvana’s “Lithium” below.
Weezer’s golden era is upon us, so the cherished rock band shared some of the glittery stuff with a late-night performance.
Rivers Cuomo and Co. stopped by NBC’s The Tonight Show Starring Jimmy Fallon for a spot that aired Wednesday night (Aug. 19) — on the eve of the band’s self-titled release, also known as The Gold Album (via Reprise/Warner Records).
Cuomo came to entertain, and he stuck to the brief. For a performance of Gold Album cut “We Might as Well Be Strangers,” the band leader dressed from top to bottom in gold, complete with gold trousers, jacket, bow tie, top hat, and topped off with make-up that looked like he tangled with Bond villain Goldfinger.
Watch below.
Cuomo stayed in character when he and bandmate Patrick Wilson sat for a chat with Fallon.
After celebrating their debut album’s 30th anniversary in 2024 with a major sold-out tour alongside the Flaming Lips and Dinosaur Jr. as support, the band reconvened in Orange County and got down to the business of writing and recording. Klas Ahlundand and Kenneth Blume (FKA Kenny Beats) came on board handling production duties, and the four-piece went to work.
“What you hear on the record is something that could only be created by humans coming together and being vulnerable and creating something together,” Cuomo tells Fallon of the new LP. “It just can’t be created by AI or a somebody on their own working on a computer or something.”
The Gold project — the seventh in Weezer’s color-coded series of self-titled albums — drops Friday, Aug. 21, marking the 16th studio album since their debut Weezer (Blue Album) in 1994.
As previously reported, the band will support the new release with Weezer: The Gathering tour, kicking off in September with stops across North America. “The gathering has something to do with summoning sorcerers from all corners of the world to come into this,” Cuomo tells Fallon. “And I think this tour is something like that. We’re summoning all the different kinds of Weezer fans from around the world to come rock out with us.”
Watch the interview below.
UPDATE (Aug. 20): The Association for Independent Music (AIM) has announced the final nominees for the 2026 Independent Music Awards, highlighting the artists, labels and businesses driving the U.K’s independent music scene. The award ceremony will be presented Sept. 22 at the Roundhouse, in North London.
Jim Legxacy now joins previously-announced nominees Fcukers as the joint-most nominated artists, with three nods apiece. FAMM and Tru Thoughts also land their first nominations for best independent label, while jungle and drum ’n’ bass pioneers Fabio and Grooverider are set to receive the innovator award for their decades-long contribution to U.K. dance music.
In a statement, the duo said: “We’re incredibly proud to be receiving the innovator award. We’ve spent our lives pushing this music forward, breaking boundaries and staying true to what we believe in, so to be recognized for that journey means a lot to us!”
Other notable nominees include Léa Esmaili, Yorgos Lanthimos, Ocurens, Noel Paul and Zak Watson for best independent music video, while five outlets from across the U.K. make up the best independent record store category: Applestump Records (Nantwich), Jacaranda Records (Liverpool), Just Dropped In Records (Coventry), Ignite Record Store (Birmingham) and Slow Century Records (Solihull). See the full list of nominees below.
PREVIOUSLY (July 16): Fcukers lead all nominees with three nods in the shortlist for the Association of Independent Music’s 2026 Independent Music Awards.
The New York-based electronic duo is nominated in the best independent album (Ö, Ninja Tune), best independent track (“L.U.C.K.Y.”) and independent breakthrough categories.
The 2026 ceremony will take place at London’s Roundhouse on Sept. 22, and will honor an array of indie musicians, labels, companies and creators across a wide variety of categories.
Six acts follow with two nominations each: Jalen Ngonda (Daptone Records), Jim Legxacy (XL Recordings), Jorja Smith (FAMM), Nova Twins (Marshall Records), Romy (XL Recordings) and Tiana Major9 (+1 Records).
Young leads all labels with five nominations across all categories, followed by XL Recordings and Ninja Tune with four apiece, and FAMM and Marshall Records each earning three nominations.
Competing for best independent album are BICEP, Blawan, Fcukers, Geese, Mitski, Nova Twins, Prostitute, Robyn Scaler and Thundercat.
More categories and nominations will be announced in the coming months, with submissions open for the publicly voted best live performer and best independent record store categories. Submissions can be entered at the Independent Music Awards website.
Gee Davy, CEO of AIM said in a statement, “We’re thrilled to share the first nominees list for the 2026 Independent Music Awards, showcasing just some of the broad spectrum of success and authenticity flowing from the U.K.’s independent music community. The array of artists and genres on display here demonstrates once again that the independent music sector is the most exciting, authentic and groundbreaking place in the industry.
“Following our 15th anniversary edition of the awards last year, we have a fresh new look and feel, reflecting the consistent evolution of the independent music sector,” Davy continued. “We look forward to sharing more new features at the ceremony at London’s Roundhouse as we celebrate the success that comes from the collective strength of our mighty community.”
At the 2025 ceremony, Fontaines D.C. won best independent album for Romance, Ezra Collective claimed best independent track for “God Gave Me Feet for Dancing” and XL Recordings took home best independent label. DJ and curator Giles Peterson was recognized with the outstanding contribution to music and Throbbing Gristle member Cosey Fanni Tutti with the innovator prize.
See the full list of nominees so far below.
DEBBY FRIDAY, “Bet On Me” (Sub Pop Records)
Fcukers, “L.U.C.K.Y” (Ninja Tune)
Genesis Owusu, “Stampede” (Ourness)
Jalen Ngonda, “Doctrine of Love” (Daptone Records)
Jim Legxacy, “3x” (XL Recordings)
Jorja Smith, “The Way I Love You” (FAMM)
Nova Twins, “Piranha” (Marshall Records)
Robyn, “Dopamine” (Young / Konichiwa)
Romy, “Love Who You Love” (Young)
Tiana Major9, “Desire” (+1 Records)
BICEP, TAKKUUK (Original Soundtrack) (Ninja Tune, EarthSonic)
Blawan, SickElixir (XL Recordings)
Fcukers, Ö (Ninja Tune)
Geese, Getting Killed (Partisan Records)
Mitski, Nothing’s About to Happen to Me (Dead Oceans)
Nova Twins, Parasites & Butterflies (Marshall Records)
Prostitute, Attempted Martyr (Mute)
Robyn, Sexistential (Young / Konichiwa)
SCALER, Endlessly (Black Acre)
Thundercat, Distracted (Brainfeeder)
Fat Dog (Domino Recording Co.)
Fcukers (Ninja Tune)
Jalen Ngonda (Daptone Records)
Tiana Major9 (+1 Records)
Ego Ella May (Believe UK)
Bricknasty, Blacks Law (FAMM)
Jim Legxacy, black british music (2025) (XL Recordings)
Naima Bock, Live in Toulon (Sub Pop Records)
Strandz, Diaspora Dance Music (Strandz Music)
TTSSFU, Blown (Partisan Records)
Overmono, “If We Ever” (High Contrast Remix) (XL Recordings)
Sherelle, Romy, “Love Who You Love”(SHERELLE’s Intelligent Dyke Music Remix) (Young)
Robyn, “Sexistential” (Arca’s Take) (Young / Konichiwa)
Jorja Smith, TS7, “The Way I Love You” (TS7 Remix) (FAMM)
House Gospel Choir and Donae’O, “You” (Donae’O Remix) (Swear Down Music)
Ashaine White (Marshall Records)
Alewya (LDN Records)
Lauren Auder (untitled (recs))
Mandy, Indiana (Sacred Bones Records)
Native James (Saviour Music)
Zak Watson (director) for Antony Szmierek, “The Heron” (Mushroom Music)
Yorgos Lanthimos (director) for Jerskin Fendrix, “Beth’s Farm” (untitled (recs))
Noel Paul (director) for Mitski, “Where’s My Phone?” (Dead Oceans)
Léa Esmaili (director) for Thundercat, “She Knows Too Much” feat. Mac Miller (Brainfeeder)
OCURENS (director) for Tinie Tempah, Skepsis, Carla Monroe, “Eat It Up” (Imhotep Records)
bees & honey
Beyond Chicago
Clementine Douglas
Jim Legxacy
Poppy Baskcomb
Amelia Coburn (Quiet Crown)
Billy Lockett (Lockett Records)
High Fade (RPN RECORDS)
Katherine Priddy (Cooking Vinyl)
The Molotovs (Marshall Records)
Because Music
Dead Oceans
FAMM
Ninja Tune
Tru Thoughts
Big Scary Monsters
Black Acre
TLD Records
Sweardown
untitled (recs)
The Alan Parsons Project, I Robot (Cooking Vinyl)
Haruomi Hosono – Tropical Dandy (Stones Throw)
Lush – Gala (2025 Remaster) (4AD)
Orbital – The Brown Album (London Records)
Chameleon – The Very Best of Toyah (Cherry Red Records)
Geese, Getting Killed (Partisan Records)
Genesis Owusu, REDSTAR WU & THE WORLDWIDE SCOURGE (Ourness/Believe)
Kettama, Archangel (Steel City Dance Disks)
Mitski – Nothing’s About to Happen to Me (Dead Oceans)
Wet Leg – Moisturizer (Domino Recording Co)
Applestump Records
Jacaranda Records
Just Dropped In
Ignite Record Store
Slow Century Records
Fabio & Grooverider
SYDNEY, Australia — Anna Lunoe, one of Australia’s top electronic music exports, has inked an exclusive worldwide publishing agreement with BMG.
“Super excited to be kickstarting a new era for my music with the BMG family,” comments Lunoe in a statement, issued Thursday, Aug. 20. “I love an indie-minded operation with big picture vision and music and community at the center of it all! I can’t wait to see what we are able to create together.”
The accomplished producer, songwriter, vocalist, and DJ is a glass-ceiling smasher in the male-dominated world of EDM. She has played every major global festival, including Lollapalooza, Boiler Room, and Ultra Music Festival, and in 2016 became the first woman to spin a solo set on the kineticFIELD mainstage at Electric Daisy Carnival Las Vegas. The following year she moved the needle once again when she played Coachella while eight months pregnant. In the past decade, she has shared stages with The Weeknd, Disclosure, Daft Punk, Dom Dolla, M.I.A., Fatboy Slim, and The Chemical Brothers.
Lunoe emerged as one of the first women to mix for Ministry of Sound Australia, with all three of her compilations certified gold, according to BMG. Her debut album Pearl (via Nina Las Vegas’ NLV Records) was lauded as one of Billboard’s best dance albums of 2024, secured triple j’s Feature Album, and enjoyed critical praise around the globe.
As a songwriter and collaborator, she has worked with the likes of Flume, Skrillex, Genesis Owusu, Chris Lake, Chris Lorenzo, Melanie C, Touch Sensitive, Wuki, and TEED, and she brings the underground into the spotlight with her own, long-running HYPERHOUSE show on Apple Music Radio.
Lunoe’s music has also been synced to Girls Trip, Heartbreak High, and NBA 2K, and more games, TV shows and ads, and a slew of blue-chip brands have partnered with her, from Formula 1 to Versace, Cartier, Armani, Jimmy Choo, Apple, and Tiffany & Co.
Top: L to R: Adam Alexander (senior creative consultant, BMG), Jodie Feld (vice president – creative, BMG), Christina Thiers (director – A&R Publishing, BMG), Jazmin Pezzano (NLV Records); Bottom: L to R: Heath Johns (president, Australia, New Zealand and Southeast Asia, BMG), Anna Lunoe.
BMG
“Anna Lunoe is an icon, an artist who continues to pave the way for Australian electronic musicians seeking to spread their creative wings internationally. Anna is a creative force and a brilliant, prolific songwriter,” comments Heath Johns, president, Australia, New Zealand and Southeast Asia, BMG. “BMG could not be happier and prouder to welcome her into our songwriting family.”
BMG’s publishing roster of Australian and New Zealand talent includes Neil Finn, Young Franco, KLP, Jet, Keli Holiday, The Cat Empire, What So Not, Ladyhawke, Bag Raiders, and recent signing Velvet Trip.