En una antigua villa residencial de los años 60, en el barrio de Etiler, Estambul, Arkestra ha construido una experiencia que se mueve entre la gastronomía, la coctelería y la cultura musical. El proyecto, creado por el chef Cenk Debensason y Debora Ipekel, reúne bajo un mismo techo tres espacios con personalidades distintas: un restaurante con estrella Michelin, el bistró y bar Ritmo y The Listening Room, una sala dedicada a los discos y la escucha.

Desde su apertura en septiembre de 2022, Arkestra se ha convertido en uno de los nombres destacados de la escena gastronómica de Estambul, apoyándose en una idea que atraviesa todo el proyecto: una experiencia no tiene que dividirse entre comer, beber y escuchar música. Cada elemento puede formar parte de una misma noche.

El punto de partida es la cocina de Debensason. Formado en el Institut Paul Bocuse de Lyon y con experiencia junto a chefs como Alain Senderens y Gary Danko, el chef construye una propuesta que parte de técnicas francesas pero evita quedar atrapada en una sola tradición. Su cocina está guiada por la temporalidad de los ingredientes, la claridad de los sabores y un equilibrio entre elegancia e intensidad.

Ese recorrido se traduce en platos que combinan referencias internacionales con producto de temporada. El Tuna Sashimi, por ejemplo, incorpora helado de arroz de sushi, brotes de daikon, arroz inflado, chips de ajo y cebolla y una vinagreta casera de ponzu y jengibre. En el menú también aparecen preparaciones como Sea Bream Crudo, Arkestra Katsu Sando, Eggplant & Tare Cashew, Stone Bass & Yuzu, Steak au Poivre, Lamb & Freekeh y Chocolate Ganache Torte.

La propuesta obtuvo su primera estrella Michelin en noviembre de 2023, reconocimiento que llegó poco más de un año después de la apertura. La distinción acompañó el crecimiento de un restaurante que entiende la gastronomía como parte de una experiencia más amplia, en la que el espacio tiene un papel tan importante como lo que sucede en el plato.

El diseño del restaurante mezcla referencias Art Déco, paneles de madera, lámparas y cabinas de cuero color caramelo con superficies de fórmica en tonos claros. Es una estética cuidadosamente construida, pero que busca mantenerse lejos de la solemnidad asociada tradicionalmente con la alta cocina. Durante los meses de verano, las puertas de cristal que van del suelo al techo permiten trasladar parte de la experiencia hacia un patio privado rodeado de árboles y vegetación. 

Pero Arkestra no termina en el restaurante.Detrás de unas cortinas de terciopelo se encuentra Ritmo, un bistró y bar de dimensiones más íntimas que funciona como el lado más lúdico de Arkestra. La iluminación baja, los techos con espejos, los detalles dorados y las alfombras diseñadas a medida crean un ambiente deliberadamente nocturno. El espacio fue diseñado por el arquitecto Tayfun Mumcu, quien buscó mantener una sensación sofisticada pero discreta.

Aquí la cocina abandona parte de la formalidad del restaurante principal para convertirse en una propuesta pensada para compartir. El menú incorpora influencias japonesas, francesas y mediterráneas a través de platos como Chicken Thigh Yakitori, Ricotta Tortelloni, Sea Bream Crudo, BBQ Pak Choi y Crispy Karaage Shrimp. La idea es que la comida dialogue con una carta de cócteles y vinos, acompañando una noche que puede prolongarse mucho más allá de la mesa.

Ritmo también funciona como un espacio para la experimentación. En determinadas noches recibe chefs invitados, residencias de bartenders, cenas con vinos y sesiones musicales cuidadosamente seleccionadas, con la participación tanto de talento local como internacional. La música no busca convertir el lugar en un club, sino establecer el pulso de la noche y acompañar las conversaciones.

Esa relación entre gastronomía y música encuentra su expresión más directa en el tercer espacio de Arkestra.

The Listening Room: una habitación para escuchar

Sobre el restaurante se encuentra The Listening Room, un bar íntimo construido alrededor de un sistema de sonido de alta calidad y una colección de vinilos. El espacio apuesta por una experiencia deliberadamente más pausada: iluminación tenue, mesas bajas y un mural de palmeras pintado a mano acompañan las paredes cubiertas de discos.

La colección funciona como una biblioteca sonora de la que se seleccionan los discos que acompañan la noche. Su repertorio atraviesa funk, soul, disco, jazz, house, hip hop y música latina, ampliando la idea de un listening bar como un lugar donde la música no funciona simplemente como ambientación, sino como parte central de la experiencia.

Hay algo particularmente coherente en que The Listening Room esté situado dentro de un proyecto gastronómico como Arkestra. Si el restaurante trabaja sobre la combinación de ingredientes, texturas y técnicas, la sala de escucha hace algo similar desde el sonido: reúne distintas épocas y géneros en una experiencia donde el criterio de selección es tan importante como el volumen.

La música, de hecho, aparece en Arkestra sin necesidad de imponerse. En Ritmo puede acompañar una cena, una residencia o una noche de cócteles; en The Listening Room se convierte directamente en el centro de atención. Son dos maneras distintas de entender la misma relación entre gastronomía, hospitalidad y cultura musical.

Una villa convertida en universo

Parte del atractivo de Arkestra está precisamente en esa estructura. No se trata simplemente de un restaurante con un bar al lado ni de un listening bar incorporado como elemento decorativo. Son tres espacios con identidades propias que permiten recorrer distintas etapas de una misma noche: comenzar con una cena de alta cocina, continuar con pequeños platos y cócteles y terminar frente a una colección de vinilos.

Detrás del proyecto están Debensason e Ipekel, una dupla que llevó Arkestra a Estambul después de distintos recorridos profesionales. Debensason nació en Turquía y comenzó su formación culinaria en Francia, antes de pasar por restaurantes como Alain Senderens, Château de Bagnols, Maison Clovis y Gary Danko. En 2013 lanzó en Los Ángeles una serie de cenas pop-up bajo el nombre The Cartoonist y regresó a Estambul en 2016. Antes de abrir Arkestra, fue chef principal de Petra y trabajó como consultor gastronómico, además de desarrollar junto a Ipekel un restaurante pop-up de verano en Bodrum.

En 2022, ambos abrieron finalmente Arkestra en su ciudad natal. El resultado es una casa que parece pensada para ser descubierta por capas. Primero está la cocina de Debensason y su estrella Michelin; después, la energía más relajada de Ritmo; finalmente, la habitación dedicada a escuchar música con atención.

En una ciudad como Estambul, históricamente atravesada por intercambios culturales, Arkestra construye su propia versión de ese diálogo. La cocina toma herramientas francesas y las cruza con ingredientes e influencias internacionales. El bar se mueve entre Japón, Francia y el Mediterráneo. Y la sala de escucha abre un mapa todavía más amplio, desde el funk y el soul hasta el jazz, el house, el hip hop y los sonidos latinos.

Más que separar gastronomía y música, Arkestra propone escucharlas como partes de una misma experiencia. Una en la que la comida tiene ritmo, los cócteles tienen atmósfera y los discos pueden convertirse en el último plato de la noche.

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La Divina Comedia de Dante ocupa un territorio de transición entre dos maneras de comprender el mundo. Recoge la mentalidad medieval que sitúa a Dios en el centro, organiza la existencia mediante un sistema de premios y castigos y concibe al ser humano como una criatura sometida a un orden superior. Al mismo tiempo, Dante se convierte en viajero, testigo y medida de ese universo. Su experiencia individual adquiere una importancia que anuncia la sensibilidad humanista del Renacimiento, cuando el hombre vuelve a contemplarse como centro del conocimiento y responsable de su destino. Llueve sobre Babel nace precisamente en esa grieta entre obediencia y consciencia, entre la ley divina y el deseo humano de saber quién es.

En el Génesis, Adán y Eva permanecen en el paraíso hasta que comen del árbol del conocimiento del bien y del mal. Conocer termina con la inocencia y provoca la expulsión. La felicidad queda ligada a la ignorancia, mientras la curiosidad recibe la forma del pecado. El episodio de la Torre de Babel prolonga esa advertencia. La humanidad intenta alcanzar los cielos, Dios confunde su lengua común y la unidad se convierte en diversidad como castigo. La película invierte ambos relatos. La desobediencia abre el camino hacia la libertad, el conocimiento permite abandonar una existencia impuesta y la multiplicidad de lenguas, cuerpos, deseos y géneros se transforma en posibilidad de comunidad. Con perdón de la herejía, los héroes son los descendientes simbólicos de Adán y Eva y todos aquellos que aceptan el caos de Babel. La película deposita su fe en los seres humanos antes que en sus dioses.

Esa inversión ocurre en un purgatorio caleño gobernado por La Flaca, una muerte seductora a la que Saray Rebolledo dota de autoridad, humor y una sensualidad ligeramente peligrosa. En el bar Babel las almas se juegan a los dados y cada personaje busca escapar de una condena distinta. Dante, interpretado por Felipe Aguilar Rodríguez, lleva años recogiendo muertos y ha olvidado quién fue. Monet se resiste a aceptar que una sobredosis terminó con su vida. Jacob, hijo de un pastor homófobo, se prepara para aparecer como Darla Experiment. Gian Salai intenta salvar el club y su propio pellejo mientras una banda desaparecida, una salamandra parlante, prestamistas y amantes perdidos atraviesan una noche que parece soñada después de mezclar teología, salsa y fiebre.

El proceso de creación resulta inseparable de esa exuberancia. Los actores fueron elegidos antes de que existiera el guion definitivo y la historia surgió del trabajo colectivo, la improvisación y los talleres desarrollados con ellos. Su independencia reside en el método. La película no parte de personajes diseñados para cumplir con una estructura industrial y luego busca intérpretes capaces de habitarlos. Observa los cuerpos, temperamentos y experiencias de su elenco, y desde allí levanta el relato. Esa inversión concede a los actores una libertad poco habitual y explica tanto la energía de las escenas como la sensación de que cada personaje intenta arrastrar la película hacia su propio universo.

También explica la presencia de figuras arquetípicas. La Flaca encarna a la muerte y a la embaucadora; Dante es el guerrero, el viajero y el guía de almas; Darla representa la metamorfosis; Monet es el poeta herido que pretende negociar con el final. En términos junguianos, el arquetipo manifiesta el inconsciente colectivo, ese depósito de imágenes y conflictos que una cultura reconoce incluso antes de poder explicarlos. Llueve sobre Babel permite que los intérpretes se disfracen de esas figuras ancestrales para expresar dolores personales. El vestuario, el maquillaje y la teatralidad funcionan como máscaras capaces de revelar aquello que la vida cotidiana obliga a esconder.

Por eso puede entenderse como una película terapéutica. Sus personajes convierten el arte en un espacio de catarsis. Bailan, cantan, actúan, se maquillan, adoptan otro nombre y representan públicamente los temores que antes los mantenían aislados. El drag libera a Jacob de una identidad dictada por su padre; la poesía le permite a Monet discutir con su propia muerte; la música congrega a una comunidad amenazada por la violencia; el relato fantástico transforma el duelo en una experiencia que puede compartirse. Nadie sana en soledad. El alivio aparece cuando el dolor encuentra una forma y puede representarse ante otros.

El debate sobre si el cine colombiano nació en Medellín o en Cali continúa abierto, pero la tradición caleña ha demostrado una vocación persistente por la transgresión. Andrés Caicedo, Carlos Mayolo, Luis Ospina y el llamado Grupo de Cali entendieron el cine como crítica, juego, exceso y mutación. Llueve sobre Babel prolonga esa corriente sin reducirse a un homenaje. Su Cali retrofuturista recoge el carácter nocturno, cinéfilo y provocador de aquella historia, y lo desplaza hacia una sensibilidad queer que mezcla el melodrama popular, el punk, el camp, la cultura drag y la fantasía tropical.

Neptune Frost

La transgresión del género ocurre en dos niveles. Los personajes cuestionan las identidades sexuales y sociales que les fueron asignadas, mientras la narración desobedece las fronteras entre comedia, musical, fantasía, melodrama, cine de acción y relato religioso. En ese aspecto se acerca a títulos del cine africano contemporáneo como La noche de los reyes o Neptune Frost, donde lo onírico, lo mítico, lo político y lo cotidiano pueden convivir dentro de una misma secuencia sin que una señal advierta al espectador que acaba de cruzar hacia otro territorio. La realidad no se interrumpe cuando aparece lo fantástico. Simplemente ensancha sus límites.

La movilidad entre personajes recuerda la energía callejera de Tangerine. Sean Baker seguía a sus protagonistas como si la ciudad estuviera inventando la película a cada esquina y convertía el desplazamiento urbano en una forma de narración. Babel también evoca el espíritu colectivo e improvisado que Wayne Wang y Paul Auster llevaron a Blue in the Face. El bar cumple la función de la tabaquería de aquella cinta, un punto de gravedad alrededor del cual se reúnen historias, visitantes y accidentes que no necesitan obedecer a una sola línea argumental. Cali deja de ser un telón de fondo y participa como otro personaje, sudoroso, musical, contradictorio y siempre dispuesto a desviarse.

La puesta en escena convierte ese caos en una experiencia sensorial. Bares iluminados con colores eléctricos, altares religiosos, pasillos infernales, habitaciones eróticas y vestuarios que parecen haber sobrevivido a una discusión entre Pedro Almodóvar, John Waters y el punk latino de los noventa forman un mundo reconocible dentro de su desmesura. La música de Martín de Lima mantiene unido lo que la narración dispersa. Salsa, flamenco, trap, punk y sonoridades balcánicas cambian la temperatura de las escenas y permiten que la película pase del duelo a la fiesta. Rebolledo domina ese universo como una diosa pagana, Aguilar Rodríguez aporta el agotamiento de quien lleva demasiado tiempo obedeciendo y William Hurtado hace de la transformación de Jacob uno de los movimientos emocionales más genuinos del conjunto.

Crítica: Mickey

La misma libertad que alimenta la película puede hacerla fallar. La acumulación de personajes, misiones, apuestas y revelaciones deja algunas relaciones apenas esbozadas. Ciertas historias desaparecen durante demasiado tiempo y regresan cuando el espectador ya está ocupado descifrando otra emergencia. El relato de 111 minutos arrastra tramos en los que el exceso pierde fuerza por repetición y la cámara se limita a registrar una escenografía que pedía composiciones todavía más osadas. La creación colectiva produce una obra viva, aunque también dificulta decidir qué voces necesitan permanecer al frente y cuáles deberían ceder espacio.

El riesgo trae consigo esos tropiezos y también explica por qué la película vale la pena. Su búsqueda habría sido imposible dentro de una narrativa dócil, pendiente de satisfacer al espectador acostumbrado a estructuras tradicionales y personajes heteronormativos. Llueve sobre Babel convierte la diversidad que el relato bíblico presentaba como castigo en su principal fuente de placer, imaginación y sentido. Sus héroes desobedecen, conocen, cambian de nombre, inventan una familia y bailan frente a la muerte. El resultado se dispersa, arde y a veces pierde el rumbo, pero conserva la fuerza de un cine verdaderamente independiente que prefiere arriesgarse a caer antes que aceptar de rodillas un paraíso construido sobre la ignorancia.

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El 11 de octubre, en el Palais des Festivals de Cannes, Katherina Bach defenderá una idea nacida nueve años atrás durante los desayunos con sus tres hijos. Super Tree Hero and the Five Kingdoms fue seleccionada entre los cinco proyectos finalistas del MIPJunior Pitch 2026, una plataforma internacional dedicada a descubrir contenidos infantiles y juveniles con posibilidades de crecer en televisión, streaming, videojuegos y licencias. La propuesta colombiana competirá con producciones de Irlanda, Canadá, China y España.

Bach llegó a la animación por un camino poco convencional. Abogada de la Pontificia Universidad Javeriana, trabajó durante años en cambio climático y negociaciones internacionales, y participó junto con Gunter Pauli y la iniciativa ZERI en la producción de 365 libros que traducían conceptos científicos y de sostenibilidad para niños en China. Aquella experiencia le confirmó que la divulgación podía ser rigurosa sin renunciar al asombro, aunque también le reveló una carencia más profunda. La infancia recibía abundante información sobre la crisis ambiental, pero pocas historias capaces de restablecer su vínculo afectivo con la naturaleza.

La respuesta comenzó a tomar forma en 2017. Sus hijos inspiraron personajes asociados con las plantas, los animales y los hongos, mientras sus viajes por Asia y su vida en Sudáfrica ampliaron el universo hacia otras culturas. El relato incorporó después las algas y los microorganismos, el fynbos sudafricano que necesita del fuego para regenerarse, una protea convertida en oráculo y un villano cuya inventiva tecnológica avanza sin preguntarse por sus consecuencias. Solo dos de los cinco niños son superhéroes. Los demás recuerdan que comprender, colaborar y formular las preguntas adecuadas también puede ser una forma de poder.

En 2024, Bach creó su propio estudio y recurrió a la inteligencia artificial generativa para dar movimiento y música a personajes que había dibujado años antes. Esa decisión sitúa su obra en el centro de una discusión decisiva para la industria, donde conviven las posibilidades de las nuevas herramientas con las inquietudes sobre autoría y trabajo artístico. 

En conversación con Rolling Stone en español, la investigadora y creadora habló sobre la ciencia detrás de su aventura, la responsabilidad de los adultos ante la crisis climática y el desafío de utilizar la tecnología sin permitir que nos aleje del mundo que pretende ayudarnos a comprender.

Tu proyecto parte de una idea científicamente compleja, la interdependencia entre plantas, animales, hongos, algas y microorganismos. ¿Cómo transformas ese conocimiento en dramaturgia y aventura sin reducirlo hasta perder su rigor ni convertir la serie en una clase de ciencias disfrazada de animación?

Después de trabajar tantos años en negociaciones internacionales sobre cambio climático, de participar en la producción de 365 libros sobre ciencia y sostenibilidad para niños en China y de criar a mis tres hijos, comprendí que algo hacía falta. Era una carencia que iba más allá de la sostenibilidad y tenía que ver con la desconexión que hoy sentimos frente a la naturaleza. Estamos muy conectados con la tecnología, pero cada vez más separados del mundo natural. Si queremos que las nuevas generaciones imaginen soluciones adecuadas para el planeta, primero necesitan entender cómo se relacionan sus diferentes formas de vida.

Existen distintas clasificaciones científicas de los reinos de la naturaleza y por eso decidí incorporar también a los microorganismos. No pretendo resolver ese debate taxonómico dentro de la serie. Me interesa que los niños comprendan, por medio de la magia y la aventura, que ningún reino funciona de manera aislada. Cuando descubren cómo opera un ecosistema, pueden empezar a imaginar las soluciones que necesitamos. La ciencia sostiene la historia, pero no aparece como una lección impuesta. Está presente en lo que los personajes hacen, en los conflictos que enfrentan y en la manera en que dependen unos de otros.

La historia nació en 2017 a partir de los relatos que les contabas a tus hijos, quienes además inspiraron varios personajes. ¿Qué cambió cuando ese universo íntimo y familiar tuvo que convertirse en una narración dirigida a niños y adolescentes de culturas muy distintas?

Todo comenzó en la mesa del desayuno. Mientras trabajaba en sostenibilidad y ciencia, buscaba una manera de explicarles a mis hijos esa conexión que sentía ausente. Decidí inspirarme en ellos porque, al reconocerse dentro de la aventura, disfrutaban mucho más las historias. Mi hijo mayor, fascinado por las plantas y la tecnología, inspiró al Superhéroe del Árbol; el segundo, que amaba a los animales, me llevó hacia ese reino; y el menor tenía tres años y parecía una pequeña espora, así que abrió la puerta al mundo de los hongos.

Sin embargo, nunca quise que la historia excluyera a los niños de Asia o de África. Su origen también está en Sudáfrica, un país que me permitió reconectarme con la naturaleza, y mis viajes me ayudaron a construir una visión más amplia. Colombia está presente porque mis hijos son colombianos y porque esa identidad también forma parte de nosotros.

La historia creció al mismo tiempo que ellos. En 2017 eran muy pequeños; hoy dos son adolescentes. A medida que fueron creciendo incorporé mayor complejidad emocional y preguntas que pudieran acompañarlos durante más años. El proyecto conserva la intimidad de aquellas conversaciones familiares, pero ahora recoge mi relación con distintas culturas y mi amor por los niños que he conocido en África, Asia y América Latina.

Marshall McLuhan afirmaba que la tecnología extiende algunas capacidades humanas, pero también limita o amputa otras. La serie presenta tecnologías mal orientadas, aunque no convierte a la tecnología en enemiga de la naturaleza. En una época dominada por la inteligencia artificial y la crisis ambiental, ¿dónde sitúas la frontera entre una herramienta que amplía nuestras posibilidades y otra que termina separándonos del mundo natural?

Ese es uno de los grandes debates de nuestro tiempo. Para mí, la tecnología no es enemiga de la naturaleza; puede convertirse en una herramienta de reconexión. Partimos de una realidad ineludible. Los niños de la generación alfa nacieron conectados y no conciben un mundo anterior a los teléfonos móviles y los computadores. El acceso no es igual para todos, por supuesto. Muchos niños en África, Colombia y el resto de América Latina tienen menos posibilidades, pero incluso para ellos el mundo contemporáneo ya está definido por esa interconexión.

Podemos caer en dos extremos. Uno consiste en rechazar los avances tecnológicos como si fueran incompatibles con cualquier sensibilidad ecológica. El otro supone vivir tan hiperconectados que olvidamos la relación indispensable con la naturaleza. Necesitamos acercar a los niños al mundo natural mediante las herramientas que ya forman parte de sus vidas, incluida la inteligencia artificial y las tecnologías que aparecerán muy pronto.

Tampoco podemos entregarles la enorme responsabilidad de salvar el planeta por los errores cometidos por los adultos y, al mismo tiempo, prohibirles las herramientas con las que podrían buscar soluciones. Debemos ofrecerles esperanza y mostrarles campos como la biomimética, que estudia la sabiduría acumulada por la naturaleza para aplicarla a la arquitectura, la salud, la computación y muchos otros ámbitos. La ciencia y la tecnología pueden ayudarles a descubrir que sí existen caminos posibles.

Utilizaste inteligencia artificial generativa para animar, dar movimiento y musicalizar personajes que habías concebido años antes. En medio de las discusiones sobre autoría y trabajo artístico, ¿qué parte del proceso creativo debe permanecer esencialmente humana y cuál estás dispuesta a confiarle a esa herramienta?

Los debates sobre propiedad intelectual son enormes y deben tomarse con seriedad. Por eso me pareció importante trabajar a partir de una historia original que nació en 2017, cuando la inteligencia artificial generativa todavía no formaba parte de mi proceso. La utilizo como una herramienta para dar vida a esos personajes y para comunicar ideas científicas complejas sin convertir la serie en una explicación directa y pesada.

Detrás de cada resultado hay un trabajo intenso de investigación. Necesito comprender lo que deseo contar para poder orientar la herramienta y darle instrucciones precisas. La decisión creativa, la visión del mundo y la intención siguen siendo humanas. La tecnología acelera o amplía algunas posibilidades, pero alguien debe saber hacia dónde conducirlas.

Siempre me ha interesado esa relación. Años atrás trabajé con un dispositivo que traducía las vibraciones de las plantas en música mediante algoritmos. Llevaba esas plantas a los townships sudafricanos para que los niños se acercaran a ellas a través del sonido. Desde entonces entendí que la tecnología puede servir para expresar, despertar curiosidad y construir vínculos, siempre que los seres humanos la orientemos.

También creo que podemos influir positivamente en los algoritmos mediante la información que les ofrecemos y las preguntas que les hacemos. Tal vez suene demasiado optimista, pero lo soy. Si asumimos la iniciativa de dirigir estas herramientas hacia el beneficio de la humanidad, los resultados pueden ser muy valiosos.

Cuando se habla de inteligencia artificial suele invocarse la amenaza de Terminator. Prefiero pensarla desde Star Wars, donde R2-D2 y C-3PO son amigos, consejeros y fuentes de conocimiento para los seres humanos. Esa es una imagen utópica de la máquina como compañera, alejada de la fantasía distópica en la que termina destruyéndonos. 

Esa experiencia con la música de las plantas recuerda el diálogo entre arte y ciencia de The Secret Life of Plants, el documental musicalizado por Stevie Wonder. ¿Qué puede enseñarnos esa combinación sobre nuestra relación con la naturaleza?

Esa obra marcó parte de mi vida y de mi manera de observar el mundo natural. Necesitamos comprender que nuestra relación con la naturaleza es mucho más compleja de lo que aprendimos. Repetir que debemos proteger los bosques o evitar la tala no basta. Si proponemos reforestar un territorio sin explicar que su recuperación depende de la interacción entre plantas, animales, hongos, algas y microorganismos, dejamos a los niños con una consigna, pero sin la comprensión necesaria para actuar.

Hoy sabemos, por ejemplo, que los árboles viejos de un bosque pueden alimentar a los más jóvenes mediante sus raíces y las micorrizas. Esa cooperación también puede inspirarnos en el terreno social. El funcionamiento de las colonias de hormigas ha motivado investigaciones sobre organización y toma colectiva de decisiones. La naturaleza puede ayudarnos a pensar asuntos humanos muy complejos.

La solución tampoco consiste en exigir que todos los niños se relacionen con el planeta de la misma manera. Algunos sienten fascinación por los videojuegos y pueden utilizar esa fortaleza para crear tecnologías o mundos digitales con un propósito valioso. Otros tienen menos acceso a dispositivos y deben ser preparados para formular preguntas creativas cuando entren en contacto con ellos. Las escuelas y universidades necesitan enseñar a investigar, a preguntar y a orientar la inteligencia artificial. La calidad de la respuesta dependerá en gran medida de la calidad de nuestra curiosidad.

El fynbos sudafricano ocupa un lugar decisivo en la historia y el fuego, asociado habitualmente con la destrucción, participa en la regeneración de ese ecosistema. ¿Te interesaba utilizar esa paradoja para mostrarles a los jóvenes una naturaleza más compleja que la división entre aquello que debemos salvar y aquello que debemos combatir?

Indiscutiblemente. Debemos superar las explicaciones superficiales. La protea, una flor sudafricana extraordinaria, necesita atravesar condiciones de estrés como el fuego para que sus semillas germinen. Cuando entiendes ese proceso, descubres que el fuego no siempre cumple la misma función y que la regeneración puede depender de aquello que, visto desde fuera, parece únicamente destructivo.

Me ocurre algo semejante con las buganvilias, que me encantan. Durante años tuve algunas que apenas florecían, hasta que comprendí que necesitan sol, poca agua y una poda adecuada. Bajo esas condiciones de estrés, la planta responde con flores. Esa imagen entró en Super Tree Hero and the Five Kingdoms porque permite hablar de creación, transformación y capacidad de cambio sin simplificar la naturaleza.

En 2024, cuando regresé a Sudáfrica, surgió también el señor Pollsmore, cuyo nombre está inspirado en la prisión donde estuvo recluido Nelson Mandela. Es la encarnación de la desconexión humana. Inventa cosas y es sumamente creativo, pero nunca piensa en las consecuencias. No representa una maldad absoluta y por eso conserva la posibilidad de cambiar. En un momento encuentra una buganvilia, cree que solo es una enredadera invasiva llena de espinas y decide someterla al sol, negarle agua y cortarla. Cuando la planta responde produciendo más flores, su desconcierto despierta una curiosidad que empieza a reconciliarlo con la naturaleza. En ese universo del fynbos y el fuego aparece además la protea convertida en un oráculo mágico que guía a los niños tanto en sus preguntas ecológicas como en las humanas.

La figura del superhéroe resulta muy pertinente porque, más allá de sus poderes, está asociada con la idea de proteger y servir.

Hay algo importante. De los cinco niños, solamente dos son superhéroes; los otros tres no lo son.

Precisamente por eso resulta interesante la conexión entre quienes poseen poderes extraordinarios y quienes no. 

Star Trek: Strange New Worlds: Estos son los secretos de la nave Enterprise

Esa red me lleva ahora de Star Wars a Star Trek: Discovery, donde una red de micelio fúngico permite viajar a cualquier punto del espacio y alcanzar dimensiones paralelas. La serie imagina un organismo capaz de conectar simultáneamente todo el cosmos.  Los hongos ofrecen otra imagen poderosa de interdependencia. Sus redes subterráneas conectan organismos y transportan nutrientes, una idea que incluso la ciencia ficción ha llevado al espacio. ¿Qué encontraste en ellos como territorio científico y como metáfora narrativa?

El micelio es fundamental. La red que suele llamarse Wood Wide Web nos permite entender que el bosque no es una colección de individuos separados. Muchas de sus relaciones dependen de los hongos, aunque apenas podamos verlos. Hay organismos fúngicos cuya extensión desborda nuestra escala cotidiana, y eso nos obliga a pensar el mundo vivo de otra manera.

Los hongos también ofrecen posibilidades muy concretas. Pueden convertirse en fuentes de proteína y abrir alternativas de bajo costo para la nutrición infantil. Solemos reducir ese universo a los champiñones o las setas que conocemos, cuando detrás existe un campo enorme de investigación.

Me interesa conectar esos puntos. El conocimiento de la naturaleza, las posibilidades tecnológicas, la reconexión entre seres humanos y la búsqueda de respuestas para problemas como la desnutrición no pertenecen a compartimentos separados. La serie intenta que los niños descubran esas relaciones y comprendan que cada capacidad, incluso aquella que parece pequeña, puede sumarse a una solución mayor.

Momoko Seto y El gran viaje: Ciencia es ficción

Llegas a Cannes como creadora independiente y competirás con proyectos respaldados por compañías de Irlanda, Canadá, China y España. Más allá de ganar el MIPJunior Pitch, ¿qué tendría que suceder después para que la serie se convierta en una franquicia internacional sin perder aquello que la hace diferente?

Primero quiero agradecerle al MIPJunior la oportunidad de desafiar positivamente a la industria. Las compañías están buscando contenidos, pero también tienen la responsabilidad de abrir espacio a mensajes que respondan al momento que vivimos. Super Tree Hero and the Five Kingdoms trasciende la ecología. Habla de la naturaleza humana, de nuestra relación con el planeta y de la posibilidad de cambiar.

Para mí, haber llegado a la final ya significa ganar. Demuestra que las grandes compañías están dispuestas a escuchar esta clase de propuestas y que los creadores independientes pueden tener una voz. Las nuevas tecnologías nos permiten construir y transmitir universos que antes exigían estructuras enormes, pero el centro debe seguir siendo la calidad y el valor del contenido.

Creé mi propio estudio, hago la música, desarrollo los personajes y trabajo el storyboard. Disfruto profundamente cada parte del proceso. Si yo pude llegar hasta aquí, la selección también puede servir como un mensaje para otros creadores que desean trabajar por el planeta o comunicar una visión propia. El mundo está preparado para escuchar buenas historias nacidas fuera de los grandes estudios. Cannes es una puerta, pero también la confirmación de que esa voz ya existe y puede hacerse oír.

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Es oficial: la segunda parte de The Batman ha puesto en pausa su rodaje por tiempo indefinido. La próxima película de Warner Bros. y DC Studios tomó esta decisión debido a un asunto familiar de fuerza mayor que atraviesa Matt Reeves, director del filme.

En un comunicado conjunto, las casas productoras señalaron lo siguiente: “La producción de The Batman Part II se ha suspendido temporalmente mientras Matt Reeves se ocupa de un asunto familiar. Matt cuenta con todo el apoyo de DC Studios y esperamos retomar el proyecto lo antes posible”.

En esta segunda parte, Robert Pattinson volverá a ponerse el traje para interpretar al icónico Caballero de la Noche. Su papel como Batman ha marcado un nuevo rumbo en su carrera, al convertirse en uno de los personajes más emblemáticos de la cultura popular y del universo de DC.

Robert Pattinson volverá en la secuela de ‘The Batman’

En un inicio, The Batman Part II tenía previsto su estreno para el 2 de octubre de 2026. Sin embargo, Warner Bros. y DC Studios posteriormente retrasaron la cinta al 1 de octubre de 2027 y, más tarde, volvieron a modificar el calendario para fijar su estreno el 18 de febrero de 2028. Ahora, debido a la inesperada pausa en la producción por parte de su director, Matt Reeves, se desconoce si la película mantendrá esta última fecha de estreno. De acuerdo con fuentes cercanas al proyecto, todavía es demasiado pronto para determinar si la interrupción tendrá algún impacto en el calendario. 

La primera película de The Batman, dirigida por Reeves y protagonizada por Robert Pattinson, llegó a los cines en marzo de 2022.

James Gunn, jefe de DC Studios, ha defendido en distintas ocasiones que las grandes producciones cinematográficas pueden tardar varios años en recibir una secuela, incluso cuando la primera entrega se estrenó décadas atrás. “Para ser justos, un lapso de cinco años o más es bastante común en las secuelas”, explicó Gunn en redes sociales cuando se anunció el primer retraso de la producción. Como ejemplo, mencionó algunas franquicias que tuvieron largos intervalos entre sus entregas: “7 años entre Alien y Aliens. 14 años entre Los Increíbles. 7 años entre las dos primeras Terminator. 13 años entre Avatar. 36 años entre Top Gun. Y, por supuesto, seis años entre Guardianes de la Galaxia Vol. 2 y Vol. 3”.

Por su parte, Robert Pattinson ha adelantado que esta secuela llevará varios de los elementos planteados en la primera película en una dirección completamente distinta. Sin revelar detalles sobre la trama, el actor habló sobre el ambicioso proyecto durante una entrevista con Collider: “Es muy ambiciosa. De hecho, comenté el otro día que la primera película de Batman tenía un enfoque diferente, y esta es otra. Es un giro radical respecto a la primera, pero de alguna manera conserva elementos de su esencia. Se siente muy ambiciosa, y estoy deseando ver el resultado”.

Junto a Robert Pattinson, The Batman Part II contará con un elenco integrado por Scarlett Johansson, Colin Farrell, Sebastian Stan, Andy Serkis y Jeffrey Wright. A ellos se suman los actores secundarios Charles Dance, Jayme Lawson, Brian Tyree Henry, Gil Perez-Abraham y Sebastian Koch.

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