En un mundo de tendencias que cambian día a día, donde en internet somos unos y en la realidad somos otros, donde la necesidad por pertenecer a un grupo está más presente que nunca, encontrar autenticidad puede ser complicado. Sin embargo, bandas como Strawberry Pom demuestran que aún es posible encontrar música sincera y con intención. 

Originarios de Monterrey, Nuevo León, el conjunto conformado por Carlos José “CJ”, Álvaro “Varo” Escalante, Genaro Schiaffino, Sergio “Checo” Treviño y Andrés Cortés comenzó su camino antes de la pandemia como una simple banda de amigos, aunque parecían saber que el proyecto no solo se quedaría en las salas de sus casas. “Era un trabajo muy serio a pesar de que no teníamos ni redes sociales abiertas, ni videos grabados, ni nada”, comentó Varo, bajista del grupo, a ROLLING STONE en Español. 

En un inicio, el nombre del proyecto no sería Strawberry Pom. “Se llamaba Subcultures”, mencionó CJ, vocalista y líder de la agrupación. “Y luego pasó de Subcultures a Chilled Strawberry Pom”, complementó Andrés, el baterista. El cambio llegó en 2022, mismo año en el que estrenaron sus primeras canciones, las cuales tenían un sonido influenciado por el rock alternativo, shoegaze y un poco de psicodelia. Específicamente, el nombre se recortó a solamente Strawberry Pom después de que abrieron un concierto de Enanitos Verdes. De acuerdo a CJ, “Está cabrón decir, ‘Somos Chilled Strawberry Pom’”. 

A pesar de ser mexicanos, el proyecto ha tomado el inglés como su idioma principal. Si bien algunas de sus letras presentan fragmentos en español, han decidido escribir en el idioma de sus principales influencias, donde destacan nombres como Björk, Steely Dan y Radiohead. “El inglés es un lenguaje muy padre. Puedes escribir cosas muy chingonas y nos sentimos muy relacionados con ese idioma”, externó el vocalista de la agrupación. “Es la música que crecimos escuchando y con la que nos relacionamos”, complementó Andrés. 

Aunque la banda también cuenta con influencias latinas, que van desde artistas consolidados como Dante Spinetta y Charly García hasta propuestas aún en crecimiento como Margaritas Podridas. “No es que no nos guste la música en español o que no la escuchemos. Nada más que, a la hora de escribir, sale en inglés”, mencionó el bajista. “No creemos que expresar vaya necesariamente enlazado a un idioma, sino que sale de cómo las personas lo transmitan y esta es nuestra manera”, continuó Checo, guitarrista principal. 

Dentro de sus influencias latinas, destaca Plastilina Mosh, banda oriunda de Monterrey y pieza clave en el movimiento conocido como Avanzada Regia. Su admiración al grupo los llevó a diseñar una canción específica para colaborar con Jonaz, guitarrista y vocalista del proyecto. El tema lleva por nombre ‘Vámonos De Aquí’ y es de los pocos de Strawberry Pom en los que se escuchan letras en español. “Fue un sueño para nosotros, la verdad. Plastilina Mosh ha sido una de las influencias latinas más grandes para la banda”, mencionó CJ. “Llegó al estudio, escuchó la letra y dijo, ‘Bueno, pónganme el puente’ y empezó a improvisar. En menos de media hora quedó”, complementó Genaro, tecladista del grupo. 

Jonaz participa en un tema que se caracteriza por un ritmo funk, lo que refleja la evolución sónica de la banda. ‘Vámonos De Aquí’ forma parte de su EP Juvenoia, el cual está conformado por cuatro canciones que serán parte de su álbum debut, que llegará en mayo. A pesar de venir de las mismas cinco personas, los temas son muy distintos entre sí presentando sonidos sumamente variados, desde el bedroom pop hasta el post-rock. 

“No es una decisión, es algo que naturalmente pasa. No sé por qué siempre se nos ha repetido, ‘¿Ustedes de qué género son? Ya definan un género’, y creo que estamos en un punto donde decimos, ‘Cada canción es un mundo diferente; cada canción se merece su expresión’, y si mezclan géneros, y si uno es shoegaze y si otro es jazz, así es como naturalmente salieron”, comentó CJ. 

Sin embargo, el proyecto no se siente desordenado o disperso. Tiene una identidad bien marcada y una esencia que proviene de los cinco músicos detrás de cada tema, quienes aportan desde su trinchera y su instrumento. “En el proceso de grabación y de composición estamos todos. Si se tiene que grabar una guitarra, vamos a ir los cinco. La grabo yo solamente, pero contribuimos todos”, externó Checo. 

Esta identidad y este estilo, han hecho que ROLLING STONE en Español considere a Strawberry Pom como una de las bandas pertenecientes a la nueva Avanzada Regia. Hoy en día en Monterrey existe todo un movimiento —comandado por artistas como Nsqk, Humbe o The Warning— en el que si bien el rock ya no domina, sigue estando presente. 

“Nos identificamos con la forma de trabajar. Nos sentimos identificados con la vibra más que con otra cosa, porque no todos son bandas de rock alternativo”, mencionó Varo. “Creo que todos estamos en la misma batalla. Somos muy diferentes, pero todos somos de Monterrey. Todos sabemos cómo es crecer aquí. Y cada quien tiene su manera. Puede ser pop, rap, rock, lo que tú quieras, pero todos estamos cruzando ese camino y siempre hay algo con que relacionarse”, complementó CJ. 

Gran parte de la visibilidad que ha recibido el proyecto, que ya suma más de 89.000 oyentes mensuales en plataformas digitales, se debe a su manejo de redes sociales, lo cual debe ser prioridad para cualquier artista hoy en día. “Desde el 2022 hemos estado haciendo contenido porque siempre hemos entendido que es algo muy importante”, dijo el vocalista de un grupo que tiene muy claro que el objetivo no es crecer en redes sociales, sino que la gente vaya a escuchar su música. “Queremos que la gente se quede y que escuche las canciones porque es lo más complicado. Muchas veces dan un like o comentan, pero no terminan escuchando la canción. Y, hasta el momento, lo hemos logrado”, añadió Genaro.

Aunque no todo se debe a las redes sociales, Strawberry Pom tiene detrás una narrativa que conecta con las generaciones más jóvenes. De hecho, Juvenoia gira alrededor de la fobia que las generaciones más grandes pueden tener frente a las más pequeñas. “No es un mensaje que repetimos mucho, pero el sonido de ese mensaje está muy plasmado en toda nuestra música”, mencionó CJ. “Esto es lo que somos ahorita, aunque una generación le tenga miedo a esto, o aunque otra se queje de esto. Tenemos nuestros problemas, nuestras cosas criticables, pero esto es lo que somos”. 

El 20 de marzo, llegó a plataformas digitales Forever in the Sun, el nuevo EP de Strawberry Pom en donde presentaron cuatro canciones nuevas, incluyendo un cover de ‘Nasty Sex’ de La Revolución de Emiliano Zapata. “Pudimos habernos ido por alguna otra canción, pero desde el principio dijimos, ‘Podemos expresar algo muy chido con esta base que nos dejaron’”, compartió Varo. “Creo que puede ser un hit, genuinamente”, complementó Andrés. En general, el proyecto presenta una cara nueva del proyecto, reforzando la idea de que su música no sigue a un género específico, sino que fluye entre los sonidos, estilos e influencias que sus miembros consideren oportunas y sinceras. 

Con su álbum debut en puerta, Strawberry Pom es una banda a la que no hay que dejar de ver. Ya han compartido escenario con artistas como The Black Keys y White Lies, así como participado en grandes festivales. Si bien han sido buenas oportunidades, los cinco integrantes de la agrupación tienen claro que su techo es mucho más amplio y harán todo lo posible por alcanzar ese cielo al que hoy voltean a ver con entusiasmo. “Confiamos muchísimo en las canciones y sabemos que no nada más los fans que ya tenemos les va a gustar mucho, confiamos en toda la gente a la que puede llegarle y que puede gustarle; que puede conocernos a través de estas nuevas rolas”, mencionó Checo para finalizar la conversación.

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Tras meses de espera, especulaciones y un sinfín de polémicas, Ye ha lanzado su duodécimo álbum de estudio: Bully. La presentación del material llega después de que el reconocido rapero estadounidense realizara una disculpa pública en el Wall Street Journal por sus comentarios y acciones controversiales. 

Antes de ser lanzado en plataformas de streaming musical, West presentó el disco en YouTube con un cortometraje en blanco y negro protagonizago por su hijo Saint, quien se muestra defendiéndose en un ring de boxeo, siguiéndo la temática del material. Poco después, la transmisión fue retirada de la plataforma para llegar a Spotify, Apple Music, entre otras. 

Bully es uno de los materiales que contiene más samples en el catálogo musical de Ye. El disco está conformado por fragmentos de éxitos como ‘You Can’t Hurry Love’ de The Supremes. Por su parte, West también recurre en ‘White Lines’ a un fragmento de la interpretación que Stevie Wonder hizo de ‘Close To You’, tema originalmente popularizado por The Carpenters, contando además con la colaboración de Andre Troutman. Asimismo, el proyecto incorpora otros samples destacados: ‘To You With Love’ de The Moments en ‘Preacher Man’, ‘Get Involved’ de Jonah Thompson en ‘Sisters and Brothers’ y la pieza de 1966 ‘Don’t Have To Shop Around’ de The Mad Lads, utilizada en ‘Beauty and the Beast’. Este disco también cuenta con la participación de Travis Scott, Peso Pluma, Andre Troutman, Don Toliver y CeeLo Green.

Hace meses, Ye declaró que la IA había sido una herramienta durante el proceso de creación de Bully. Sin embargo, aunque hizo hincapié en que no era un sustituto, se retractó de sus declaraciones y cambió por completo su mensaje y aseguró que no había utilizado esta herramienta tecnológica para la realización de su nuevo material discográfico. 

Un comunicado de prensa afirma que el material, lejos de plantearse como una disculpa o un camino hacia la redención, se presenta como una obra que rehúye cualquier intento de justificarse. En Bully, Ye prioriza el relato por encima de la defensa personal, utilizando la música como vehículo narrativo. En ese marco, el álbum traza una especie de instantánea emocional del artista, donde se entrelazan la fe, el ego, los recuerdos, el arrepentimiento y las secuelas de sus propias decisiones.

Claro que el lanzamiento de Bully no podía estar libre de controversia. El material estaba previsto para ser lanzado en enero, justo cuando West realizó una disculpa pública en el  Wall Street Journal por años de comentarios y acciones controversiales. Titulada “A aquellos a quienes he lastimado”, la extensa disculpa de una página expone un punto de reflexión del rapero sobre su lucha contra el trastorno de bipolaridad. Sin embargo, en aquel momento, el cantante negó que las palabras que ofrecía al público estuvieran relacionadas con revivir su éxito comercial. 

“Esto se debe a que estos sentimientos de remordimiento pesaban mucho en mi corazón y me agobiaban”, dijo West en una entrevista con Vanity Fair. “Les debo una disculpa enorme una vez más por todo lo que dije que hirió a las comunidades judía y negra en particular. Todo fue demasiado lejos. Miro las consecuencias de aquel incidente y me doy cuenta de que esa no soy yo. Como figura pública, mucha gente me sigue y escucha cada una de mis palabras. Es importante que comprendan de qué lado de la historia quiero estar. Y ese es el lado del amor y la positividad”.

Y añadió: “Dije e hice cosas de las que me arrepiento profundamente. A algunas de las personas que más quiero, las traté fatal. Ustedes sufrieron miedo, confusión, humillación y el agotamiento de intentar amar a alguien que, a veces, era irreconocible. Mirando hacia atrás, me desconecté de mi verdadero yo”.

En la carta de disculpa, Ye afirmó que ya se encuentra en un momento de claridad, y que su energía está enfocada en mandar un mensaje positivo, desde la música hasta otras variantes de su arte: “No pido compasión ni perdón, aunque aspiro a ganarme su comprensión. Les escribo hoy simplemente para pedirles paciencia y comprensión mientras busco mi camino de regreso a casa”.

Aún cuando West aseguró que “perdió el contacto con la realidad” y que “todos estaban exagerando” por no creer que estaba enfermo, muchos mantienen opiniones divididas, pues los escépticos creen que ha sido una estrategia para reivindicar su papel en la industria musical y en el mundo en general, pues, después de tantas controversias, el magnate del rap vive en una polémica constante.

Ahora, con el lanzamiento de Bully, revive una nueva polémica, donde James Blake se ve implicado. El músico británico asegura que la pieza en la que colaboró para el material es totalmente diferente a la que fue publicada. “La forma en que modifiqué su voz y construí la pista a partir de su estilo libre está parcialmente ahí, salpicada principalmente con otras tomas vocales más nuevas, etc. Estoy feliz por los fans, pero he pedido que me quiten de los créditos de productor por ahora, ya que no quiero atribuirme el mérito del trabajo de otras personas y esta versión no es la que creé con Ye”, dijo. 

Y añadió: “No es nada personal. Simplemente llegué a un punto en el que no quiero que se me acredite en música en la que no puedo influir en el resultado final. Hace tiempo que no nos vemos… creo que prefiero no hacer comentarios… y lo digo con tristeza”.

Por ahora, ya puedes escuchar Bully en todas las plataformas de streaming musical. 

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En Dedo de novia, Giselle Elías Karam parte de un archivo personal acumulado durante años para construir una película sobre el amor, la familia y las expectativas que se heredan. Lo que comienza como un registro doméstico termina tomando forma durante la pandemia, cuando la directora revisa ese material y encuentra en él una pregunta central. En esta conversación, habla sobre ese proceso, el peso de lo íntimo frente a la cámara y lo que descubrió al convertir su historia en cine.

Tu película está construida a partir de material que grabaste durante años. ¿Cuándo entendiste que eso podía ser una película?

Fue durante la pandemia. Tenía muchos discos duros con material, pero nunca lo había organizado. En ese momento empecé a revisarlo todo y a preguntarme qué estaba buscando. Ahí apareció una idea muy clara: entender qué es el amor para mí. Venía también de una experiencia personal, de sentirme sola y de cuestionarme por qué no lograba construir relaciones duraderas, mientras veía a mis padres con casi cincuenta años juntos. Esa comparación fue el detonante. 

El documental trabaja con tus padres como eje, pero también hay una tensión entre tu lugar como hija y como cineasta. ¿Cómo manejaste eso?

No fue algo que tuviera que resolver de manera consciente. En mi familia siempre ha habido mucha honestidad. Nunca existió la idea de ocultar cosas frente a los hijos. Mis papás se mostraban tal cual eran, con sus discusiones, sus afectos, todo. Entonces la cámara no cambió esa dinámica. Ellos sabían que estaban siendo grabados, pero no modificaban su comportamiento. Cuando vieron la película, sí fue fuerte para ellos, pero también entendieron que lo que aparece ahí es real. 

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La película evita idealizar a la familia. ¿Era importante mantener esa complejidad?

Creo que tiene que ver con cómo empezó todo. Yo no estaba haciendo un documental desde el inicio. Solo estaba grabando mi vida. Si hubiera partido de una idea clara de “voy a retratar a mi familia”, seguramente el resultado sería distinto. Pero al ser algo tan espontáneo, lo que aparece es lo que es, con sus contradicciones.

En ese sentido, el proyecto también funciona como una especie de autoanálisis.

Totalmente. Para mí fue como hacer una constelación familiar, pero en video. Verlo proyectado es muy fuerte porque empiezas a notar cosas que no habías visto antes. Y eso no se termina. Cada vez que veo la película descubro algo nuevo. No es un proceso cerrado. 

También hay un componente cultural importante, el origen libanés de tu familia. ¿Cómo influye eso en la historia?

Mucho. Durante mucho tiempo no me sentía cómoda con esa parte de mi identidad. Todo era muy intenso, muy colectivo, muy presente. Pero con el tiempo empecé a entenderlo mejor y a reconciliarme con eso. Hoy lo veo con más distancia, pero también con más cariño. La película refleja esa relación: pertenecer, pero también observar desde fuera.

El montaje parece haber sido clave para darle forma a todo ese material.

Sí, fue un proceso largo. Primero hice una selección de momentos importantes, pero después tuve que escribir un guion para organizar todo. A partir de ahí construí la narrativa, con la voz en off y también con nuevas preguntas que le hice a mis papás. Hubo escenas que tuvimos que eliminar, incluso algunas muy importantes, por temas de derechos musicales. Fue difícil, pero necesario. 

Después de terminar la película, ¿sientes que cambió tu manera de entender el amor?

No tengo una respuesta definitiva. Sigo en proceso. Pero sí entendí algo importante: no puedo hacerme responsable de la felicidad de los demás. Durante mucho tiempo quise que mi mamá estuviera bien, que volviera a ser como la recordaba en ciertos momentos. Y me di cuenta de que eso no depende de mí. Lo único que sí depende de mí es cómo me relaciono conmigo misma. 

¿Y qué lugar ocupa el amor dentro de esa idea?

Que si yo estoy bien, lo demás se acomoda mejor. Mis relaciones, mi trabajo, todo. También entendí que el ideal del amor romántico como algo perfecto y para siempre no es real. Para mí ahora el punto es otro: estar bien conmigo y desde ahí construir lo que venga. 

Tu película genera una inmensa identificación en el espectador. ¿Eres consciente de eso?

Sabía que era un autorretrato, pero lo que más me ha sorprendido es que la gente lo convierte en el suyo. Ven a mis padres y empiezan a pensar en los suyos, en sus relaciones. Eso me parece lo más interesante de todo el proceso.

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